Dear streettogs,

I am excited to announce my new free “open-source” e-book: “Learn From the Masters of Street Photography.” This book is a compilation of all the lessons I’ve distilled from my “Learn From the Masters Series” on the blog, in a convenient PDF for you to read, learn from, edit, remix, and share.

This project is very close to my heart, because I think it is my greatest work to date. I have poured my entire heart, blood, and soul into this work (along with drinking close to 100 espressos in total). I truly hope that this book helps stimulate some new ideas, helps push you outside of your creative zone, and for you to embrace these timeless lessons from the masters of photography.

As a side-note, I actually turned down a lucrative book offer on the book. The publisher gave me a very good deal and was very accommodating, but unfortunately weren’t comfortable with me releasing a free and open-source PDF of the book (one of my non-negotiables). After all, the money I could have earned looked very attractive, but the purpose of my life is to create open, empowering, and free education and information for you. Anything that prevents me from doing so is against my morales and principles. So enjoy this labor of my love :)

Free Download

You can download the book for free via the links below. If you enjoy the book, share it with a friend and spread the love:

• Dropbox (49 MB)
• Google Drive (49MB)

You can download the original .pages manuscript (to edit, remix, and translate as you please):

• .pages (Dropbox) ~ 1GB
• .pages (Google Drive) ~ 1GB
• iCloud Cloud Link

Here are all the quotes (in a convenient text file to keep with you):

• .txt (Quotes from the book)

Pay What You Want

In total this book took me about 3 years to put together. 2 years spent writing all the “Learn From the Masters” articles, 3-6 months re-reading all the articles, distilling the information into the 82 lessons, and another 2 months designing and putting together the book.

To keep this information free and open, I am sticking to this “pay what you want” model; which helps me continue to pay my rent, pay for my caffeine addiction, and provide this information for you.

You can also make a donation of your own price via Paypal.

How to use the book

The book is pretty massive (275 pages), so if you happen to find a place that can print it cheaply, feel free to print it out, and bind it together with a bigass stapler.

I recommend downloading the book to your phone, iPad, or digital device, and use it like a handbook of inspiration. Feel free to skip around, and digest one lesson for the day before you go out and shoot, or whenever you’re feeling uninspired.

Each section also has an assignment and an example of how I applied the lessons to my own photography.

Don’t take any of these “lessons” in this book as a “rule.” They are just guidelines, tips, and pieces of advice to help us find our own voice and vision in photography.

Introduction

“What has interested me in taking photographs is the maximum — the maximum that exists in a situation and the maximum I can produce from it.” – Josef Koudelka

I love photography with all of my heart and soul. For the last 9 years, I have tried to seek my own personal voice, style, and path in photography. This journey has led me through life in so many incredible ways. I have learned so many valuable lessons in photography (and life) which has transformed me as a human being.

My particular interest has been in street photography; capturing moments of everyday life in public settings. I have always been drawn to my fellow human beings, and street photography has helped me become a more empathetic human being.

However ultimately, photography is photography. I used to feel that I should only shoot “street photography”, but I have discovered in my path that it doesn’t matter what you shoot. What matters is how shooting makes you feel. What matters is whether photography pushes you outside of your comfort zone, and whether you are able to achieve your personal “maximum” in your life.

I feel the purpose of my life is to produce knowledge, and to distill information and lessons I’ve learned about photography to the masses. I am certainly not a “master” myself; just a humble student dedicated to a life-long pursuit of learning. Everything I share in this book is a distillation of the lessons I’ve learned from the masters of photography. Don’t take everything in this book as “truth”. Rather, see the masters of photography as your personal guides. Take these lessons with a pinch of salt; pick and choose which lessons resonate with you, and throw away the rest.

Ultimately to find your own personal vision and style in photography, you just need to know yourself as a human being. “Know thyself” is the distillation of wisdom known to the ancient Greeks. So I hope that this book helps you discover who you are as a photographer, and this concept of “street photography” can be used as a vessel or a boat to help you along your life’s journey.

But once the boat has served its purpose; burn it and continue along your own path.

I also share some of my personal lessons in this book– how the lessons from the masters of photography have helped influence my vision and personal journey. So let us enjoy this path together my dear friend. Disregard what others may think of your photography; seek inner-happiness, and fulfill the maximum you can out of your work and life.

Love, Eric (at Free Speech Movement Cafe, UC Berkeley, 10:23am, Tues, October 6, 2015)

Table of Contents

• Lesson #1: Get closer
• Lesson #2: Shoot from the gut
• Lesson #3: Don’t shoot from the hip
• Lesson #4: Don’t crop
• Lesson #5: Emotionally detach yourself from your photographs
• Lesson #6: Provoke your subjects
• Lesson #7: Don’t be a slave to your camera
• Lesson #8: Embrace “beginner’s mind”
• Lesson #9: Limitations are freedom
• Lesson #10: Shoot with a “Stream-of-Consciousness”
• Lesson #11: Embrace failure
• Lesson #12: Add “something more” in the frame
• Lesson #13: Master your body language
• Lesson #14: Kill your master
• Lesson #15: Follow your curiosity
• Lesson #16: Leave your photos open to interpretation
• Lesson #17: Separate yourself from your photos (kill your ego)
• Lesson #18: Photograph what you love
• Lesson #19: Every photograph you take is a self-portrait
• Lesson #20: Don’t repeat yourself
• Lesson #21: Ask for permission
• Lesson #22: Don’t hesitate
• Lesson #23: Don’t become pigeonholed by definitions
• Lesson #24: Don’t stop your projects too soon
• Lesson #25: It’s okay to shoot shitty photos
• Lesson #26: Chase the light
• Lesson #27: Channel your emotions into your photos
• Lesson #28: All photos are accurate, none of them is truth
• Lesson #29: Disturb your viewer
• Lesson #30: Disregard technical settings; focus on the idea
• Lesson #31: Enjoy the process
• Lesson #32: Single photos can’t tell stories
• Lesson #33: Don’t focus on marketing your work
• Lesson #34: Subtract from the frame
• Lesson #35: Make yourself vulnerable
• Lesson #36: Don’t go “pro”
• Lesson #37: Stay hungry, stay foolish
• Lesson #38: Don’t take easy photos
• Lesson #39: Print your photos
• Lesson #40: Don’t get suckered by “the exotic”
• Lesson #41: Why are you pushing the button?
• Lesson #42: Create specific photographs
• Lesson #44: Arrange yourself, not others
• Lesson #45: Don’t just take photos of people
• Lesson #46: Focus on content over form
• Lesson #47: Learn how to see
• Lesson #48: Every photo you take is a self-portrait
• Lesson #49: Don’t shoot your preconceived notions
• Lesson #50: Time is your ultimate resource
• Lesson #51: There is nothing wrong with staging photos
• Lesson #52: Don’t have a project
• Lesson #53: Improve a little bit everyday
• Lesson #54: Make something extraordinary from the ordinary
• Lesson #55: Don’t see your photos as art
• Lesson #56: Constantly question yourself
• Lesson #57: Feel emotions in color
• Lesson #58: Always have a camera with you
• Lesson #59: Make books
• Lesson #60: Create relationships in your frame
• Lesson #61: Pave your own path
• Lesson #62: Stick with one camera for a long time
• Lesson #63: Learn where to stand
• Lesson #64: Expect to be disappointed
• Lesson #65: On digital vs film
• Lesson #66: Kill your babies
• Lesson #67: Milk the cow, a lot
• Lesson #68: Don’t shoot for others
• Lesson #69: Photograph your own backyard
• Lesson #70: Make images that stand on their own
• Lesson #71: Your photo either works or it doesn’t
• Lesson #72: Abstract reality
• Lesson #73: Capture your own personal “decisive moments”
• Lesson #74: Rules will set you free
• Lesson #75: Experiment
• Lesson #76: Disregard fame
• Lesson #77: Think long-term
• Lesson #78: Create a relationship with your subjects
• Lesson #79: Don’t bore your viewer
• Lesson #80: Embrace your job
• Lesson #81: Don’t become married to your beliefs
• Lesson #82: You’re only as good as your last photo

Assignments

Below is a list of all the assignments in the book:

1. Assignment: The “.7 Meter Challenge”
2. Assignment: “Marinate” your shots
3. Assignment: Have your subjects see you
4. Assignment: Focus on the edges
5. Assignment: Create context in your frame
6. Assignment: “Can you do that again?”
7. Assignment: Document your own life
8. Assignment: Shoot what it feels like
9. Assignment: Don’t be afraid to click
10. Assignment: Fill the frame
11. Assignment: Eye contact
12. Assignment: Contradict a “rule”
13. Assignment: Curiosity notebook
14. Assignment: Make an “open” photo
15. Assignment #2: Make a “closed” photo
16. Assignment: They’re not your photos
17. Assignment: What do you love?
18. Assignment: Role-play
19. Assignment: Repetition and Variety
20. Assignment: The 10 “yes”, 10 “no” challenge
21. Assignment: when in doubt, click
22. Assignment: Try shooting another genre
23. Assignment: One square block
24. Assignment: Take 10,000 shitty photos
25. Assignment: Study the light
26. Assignment: Shoot how you feel
27. Assignment: Haters are gonna hate
28. Assignment: Try out “P” mode
29. Assignment: Make yourself miserable
30. Assignment: Tell a story
31. Assignment: Don’t publish any photos for 6 months
32. Assignment: Subtract until there isn’t anything left to subtract
33. Assignment: What does it feel like to be on the other side?
34. Assignment: Give away your photos
35. Assignment: Shoot without film or a memory card
36. Assignment: Shoot what you’re afraid of
37. Assignment: Print your photos
38. Assignment: Shoot your own backyard
39. Assignment: Why do you take photos?
40. Assignment: Shoot only one color
41. Assignment: Trace over your photos
42. Assignment: Shoot head-on
43. Assignment: Shoot intimate objects
44. Assignment: The human condition
45. Assignment: Imagine if you were to become blind tomorrow
46. Assignment: Self-portrait
47. Assignment: Reset
48. Assignment: What if you died tomorrow?
49. Assignment: Direct your subject
50. Assignment: Find a common theme or pattern in your work
51. Assignment: Take 1 photograph everyday
52. Assignment: Make something ugly into something beautiful
53. Assignment: Make fun of yourself
54. Assignment: Always question yourself
55. Assignment: Photograph a color and mood
56. Assignment: Always have your camera with you
57. Assignment: Make a “zine”
58. Assignment: Juxtapose two unrelated things in a single frame
59. Assignment: Creatively Isolate yourself
60. Assignment: One camera, one lens
61. Assignment: Always take a step forward
62. Assignment: Learn from your mistakes
63. Assignment: Experiment with film
64. Assignment: Kill your babies
65. Assignment: The 1,000 photo challenge
66. Assignment: “Personal documentary”
67. Assignment: Shoot driveways
68. Assignment: Show your photos to kids
69. Assignment: When in doubt, ditch.
70. Assignment: What is going on?
71. Assignment: Shoot meaningful moments in your daily life
72. Assignment: Create a rule for yourself
73. Assignment: Try out different lenses
74. Assignment: Create a secret social media profile
75. Assignment: Think of a 10-year project
76. Assignment: Talk with a stranger for at least 10 minutes
77. Assignment: Shock and awe
78. Assignment: Count your blessings
79. Assignment: Find a counter-example to your beliefs
80. Assignment: Only show your best 5 photos
81. Assignment: What 1 photo do you want to be remembered for after you die?

Screenshots from the Book

Below is a sneak-peak of some of the pages of the book:

Other Free E-books by Eric Kim

Below is a list of all of the other free e-books available for you.

You can download all the PDF’s on Google Drive.

1. The Street Photography Composition Manual (illustrated)
2. The Street Portrait Manual (illustrated)
3. 31 Days to Overcome Your Fear of Shooting Street Photography
4. Street Photography 101: An Introduction to Street Photography (Portuguese translation here)
5. How to Overcome Photographer’s Block (French Translation here)
6. The Social Media Blackbook for Photographers
7. Zen in the Art of Street Photography
8. Letters from a Street Photographer
9. Street Photography Aphorisms, Heuristics, and Sayings

Make your own book

Dear friend, the last thing I want to leave with you is this: make your own book.

Design it in Google Docs, Apple Pages, Microsoft Word, or whatever basic software you have. Put together all the lessons you’ve personally learned, and share it with others.

Of course we are all students at the end of the day, but I think there is nothing more beautiful than sharing knowledge you’ve picked up along the way.

You don’t need to be an “authority”, “expert”, or “professional” to do any of this. I still consider myself an amateur, and I am still learning everyday (and killing old theories I picked up in the past).

So make your own photography book, project, and distribute it openly and freely. Push the human race forward with your knowledge, ideas, and creativity. You have no limits.

Love,

Eric

@ CC Coffeeshop in New Orleans, Mon, 3:05pm, with a double-shot of espresso

When I was about 8 years old, shoveling snow on a freezing day in Colorado, I wished that I could be instantly transported to the surface of the Sun, just for a nanosecond, then instantly transported back. I figured this would be long enough to warm me up but not long enough to harm me. What would actually happen?

AJ, Kansas City

Believe it or not, this wouldn't even warm you.

The temperature of the surface of the Sun is about 5,800 K,[1]Or °C. When temperatures start having many digits in them, it doesn't really matter. give or take. If you stayed there for a while, you'd be cooked to a cinder, but a nanosecond is not very long—it's enough time for light to travel almost exactly a foot.[2]A light-nanosecond is 11.8 inches (0.29981 meters), which is annoyingly close to a foot. I think it would be nice to redefine the foot as exactly 1 light nanosecond. Because we don't have enough unit confusion in the world already.

This raises some obvious questions, like "Do we redefine the mile to keep it at 5,280 feet?" and "Do we redefine the inch?" and "Wait, why are we doing this?" But I figure other people can sort that out. I'm just the idea guy here.

I'm going to assume you're facing toward the Sun. In general, you should avoid looking directly at the Sun, but it's hard to avoid when it takes up a full 180 degrees of your view.

In that nanosecond, about a microjoule of energy would enter your eye.

A microjoule of light is not a lot. If you stare at a computer monitor with your eyes closed, then open them and shut them quickly, your eye will take in about as much light from the screen during your reverse blink[3]Is there a word for that? There should be a word for that. as it would during a nanosecond on the Sun's surface.

During the nanosecond on the Sun, photons from the Sun would flood into your eye and strike your retinal cells. Then, at the end of the nanosecond, you'd jump back home. At this point, the retinal cells wouldn't even have begun responding. Over the next few million nanoseconds (milliseconds) the retinal cells—having absorbed a bunch of light energy—would get into gear and start signaling your brain that something had happened.

You would spend one nanosecond on the Sun, but it would take 30,000,000 nanoseconds for your brain to notice. From your point of view, all you would see was a flash. The flash would seem to last much longer than your time on the Sun, only fading as your retinal cells quieted down.

The energy absorbed by your skin would be minor—about 10^-5 joules per cm² of exposed skin. For comparison, according to the IEEE P1584 standard (as quoted on ArcAdvisor.com), holding your finger in the blue flame of a butane lighter for one second delivers about 5 joules per cm² to the skin, which is roughly the threshold for receiving a second-degree burn. The heat during your Sun visit would be five orders of magnitude weaker. Other than the dim flash in your eyes, you wouldn't even notice.

But what if you got the coordinates wrong?

The Sun's surface is relatively cool. It's hotter than, like, Phoenix,^{[citation needed]} but compared to the interior, it's downright chilly. The surface is a few thousand degrees, but the interior is a few million degrees.[4]The corona, the thin gas high above the surface, is also several million degrees, and no one knows why. What if you spent a nanosecond there?

The Stefan-Boltzmann law lets us calculate how much heat you'd be exposed to while inside the Sun.[5]There's also direct pressure from the heavy particles, protons and stuff, bouncing around, but the radiation turns out to be the dominant component.

I'm going to hijack this note to ask another question: How does this transporter work, anyway?

When you teleport somewhere, presumably it does gets rid of the matter that was in the way, so you don't end up combining yourself with whatever was there. A simple solution is to have the teleporters swap matter between the two locations. Kirk gets teleported down to the planet, a Kirk-sized chunk of air gets teleported up to the Enterprise.

So what would happen if an AJ-shaped chunk of Sun-interior gets teleported to snowy Colorado, then we just left it there?

The protons inside the Sun bounce around at speeds of about 350 km/s (about half of the Sun's escape velocity at that depth, for weird and deep reasons.) Freed from their crushingly hot neighborhood, the whole collection of protons would burst outward, pouring light and heat energy into their surroundings. The energy released would be somewhere between a large bomb and a small nuclear weapon. It's not good. You would exceed the IEEE P1584B standard for second-degree burns after one femtosecond in the Sun.[6]Although it wouldn't be a second-degree burn until many picoseconds later, since the definition of a second-degree burn is one which damages some of the underlying layers of tissue—and in the first few femtoseconds, light wouldn't have time to reach the underlying tissue. A nanosecond—the time you're spending there—is 1,000,000 femtoseconds. This does not end well for you.

There's some good news: Deep in the Sun, the photons carrying energy around have very short wavelengths—they're mostly a mix of what we'd consider hard and soft X-rays.[7]<what_if_book_reference>I wonder if there are more soft or hard x-ray photons in the universe.</what_if_book_reference> This means they penetrate your body to various depths, heating your internal organs and also ionizing your DNA, causing irreversible damage before they even start burning you. Looking back, I notice that I started this paragraph with "there's some good news." I don't know why I did that.

In Greek legend, Icarus flew too close to the Sun, and the heat melted his wings and he fell to his death. But "melting" is a phase change which is a function of temperature, a measure of internal energy, which is the integral of incident power flux over time. His wings didn't melt because he flew too close to the Sun, they melted because he spent too much time there.

Visit briefly, in little hops, and you can go anywhere.

Немец Гюнтер Холторф и его жена Кристина — одни из самых известных автомобильных путешественников в истории. В 1989 году они решили отправиться из Германии на юг Африки на своем новеньком Mercedes Gelandewagen. Планировалось, что путешествие продлится два года, но оно затянулось из-за желания супругов посетить новые места. В 2010 году супруга Гюнтера умерла, но пожилой мужчина продолжил поездку. Сегодня он прибыл в Минск. Беларусь оставалась последней страной на планете, где не побывал этот Mercedes. Теперь мировое путешествие полностью завершено. Гюнтер рассказал корреспонденту Onliner.by, что машина вскоре отправится в музей Daimler, и продемонстрировал свой знаменитый автомобиль.

«Автомобиль был приобретен в 1989 году у официального дилера Mercedes. Он полностью серийный и не готовился для такого рода путешествий, — начал свой рассказ Гюнтер, протягивая карту. — Здесь вы можете видеть страны, в которых я побывал. Красные линии — это дороги, по которым проехал этот Mercedes. Только в одном Карибском заливе получилось посетить 22 страны. Проехал всю территорию бывшего Советского Союза от Мурманска до Владивостока и обратно».

Как это ни удивительно, но в Беларусь мужчина до сих пор не попадал. На карте указаны пять последних стран, которые Гюнтер планировал посетить в этом году. И Беларусь — самая последняя. Изначально поездка в нашу страну была запланирована немцем на 2010 год. Он тогда получил визу, но пересечь границу не смог — возникли проблемы с белорусской таможней из-за ввоза автомобиля.

«В 2010 году, когда я собирался впервые заехать в вашу страну, на границе меня остановили и сказали, что я могу попасть в Беларусь только без автомобиля. Это, конечно, не имело смысла, и я решил перенести визит к вам», — с улыбкой вспоминает Гюнтер.

11 октября мужчина передаст свой Mercedes Gelandewagen в музей Daimler. Машину будет принимать председатель правления концерна Дитер Цетше. В штутгартском музее уже подготовлена отдельная комната для этого экспоната. За 25 лет автомобиль проехал 900 тысяч километров, побывав во всех странах мира. Он даже получил имя — Отто. Это модификация 300 GD c дизельным двигателем, выпущенная в 1988 году. Машина имеет «родное» шасси и оригинальный мотор. Никаких серьезных поломок во время путешествия не было. Во время поездки по Мадагаскару Gelandewagen попал в аварию и перевернулся, поэтому у автомобиля заменено большинство деталей кузова (все, кроме капота и передних крыльев).

Гюнтер утверждает, что за 25 лет путешествия он ни разу не ночевал в гостинице и ни разу не ужинал в ресторане. В Минске он остановился на одной из АЗС, где нашел большую парковку для фур. В его Gelandewagen есть газовая плита, и открыв заднюю дверь, немец за несколько минут организовал импровизированную кухню. Есть даже приспособление для защиты плиты от ветра. Стол, за которым Гюнтер каждый день ест, был куплен в 1989 году. Стулья, судя по всему, более «молодые». Есть в машине и кровать, которая раскладывается от багажника до передних сидений. На ней пожилой мужчина ночует последние 25 лет. Когда он начал свое путешествие, ему был 51 год. В автомобиле также есть гамак, который часто фигурирует на фотографиях Отто в интернете. Гюнтер вместе с женой жил возле Мюнхена. У них есть сын, который несколько раз присоединялся к путешествию в разных точках.

«У меня кроме немецкого гражданства есть гражданства Аргентины и Уругвая. Я владею испанским языком как родным. Изначально мы с супругой собирались проехать на юг Африки и обратно. Но поездка нам очень понравилась, и мы решили съездить в Аргентину, которая является моим вторым домом. Там приняли решение немного задержаться в Латинской Америке и отправились в Бразилию и Мексику. А от Мексики рукой подать до Штатов. Так все и началось. Потом переплыли на корабле в Новую Зеландию. Оттуда в Австралию и т. д. В итоге поездка затянулась на 25 лет. В следующем месяце все закончится. Четыре года назад моя супруга умерла. Умерла она дома. Онкологическое заболевание. Но я продолжил путь в одиночку», — вспоминает мужчина.

В автомобиле нет никаких навигационных систем. Весь мир Гюнтер проехал пользуясь лишь бумажными картами. В салоне машины лежит развернутая карта Минска. Рядом — атлас дорог Украины, Европы, России. У Гюнтера несколько паспортов с бесчисленным количеством виз, среди которых две белорусские (на одной стоит штамп отказа).

«Из 900 тысяч километров, которые я проехал на этой машине, примерно 200 тысяч прошли вне асфальта. Gelandewagen — отличный внедорожник, который ни разу не подвел. Дизельный мотор работает как в первый день. А может, еще и лучше», — смеется Гюнтер, выгоняя машину для фотосессии на площадке дилера Mercedes.

Многие аксессуары расположены на крыше внедорожника. Гюнтеру часто приходится становиться на капот, чтобы достать тот или иной предмет. Для того чтобы капот не был скользким во время дождя, на него наклеены листы наждачки. Такие же элементы можно увидеть на армейских модификациях Gelandewagen.

Гюнтер Холторф — легендарная личность среди любителей автомобильных путешествий. Про него пишут многие блогеры. Канал BBC делал большую программу про легендарный Отто. Каждый день сотни людей вводят имя немца в Google. 25-летнее путешествие, вдохновившее многих автолюбителей, подходит к концу. Но Гюнтер уверяет, что ему есть чем заняться: «У меня большое количество увлечений. Я, например, коллекционирую купюры из разных стран. Также у меня есть куча различных вещей со всего мира. Все это нужно рассортировать для оформления коллекций. Все это я собирал в течение последних 25 лет. Когда вернусь домой, я точно не буду сидеть с банкой пива у телевизора».

Вот некоторые моменты путешествия Гюнтера:

Красными линиями обозначены дороги, по которым проехал путешественник

Como sabéis, anoche tuvo lugar la 66ª edición de los Emmy, los premios de la televisión norteamericana, en la que 'Breaking Bad' arrasó con casi todos los premios importantes en la categoría de drama (para desesperación de los fans de 'True Detective'). Sin duda, uno de los momentos más destacados de la gala, que transcurrió sin grandes sorpresas, fue el emotivo homenaje a Robin Williams que podéis ver arriba.

Otro cómico ilustre como Billy Crystal subió al escenario para recordar con muy sentidas palabras al que fue uno de sus mejores amigos dentro y fuera de la industria, con quien protagonizó la película 'Un lío padre' ('Father´s Day', Ivan Reitman, 1997). Tras esta intervención se dio paso a un breve vídeo donde se recopilan algunas memorables intervenciones de Williams en shows y programas de la pequeña pantalla. Imposible no emocionarse al volver a ver a este genial humorista y actor sumamente infravalorado que no encontró fuerzas para seguir viviendo.

PD: Para que comparéis, abajo os dejo el reciente homenaje a Robin Williams realizado en la ceremonia de los premios de la MTV:

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La noticia El emotivo homenaje a Robin Williams en los Emmy fue publicada originalmente en Blogdecine por Juan Luis Caviaro.

Lady Godiva, de John Collier.

Hay demasiados desnudos en televisión y demasiado pocos en la radio. (Jarod Kintz, Seriously delirious)

Quitarse la ropa en un entorno en el que todo el mundo va desnudo no se considera un gesto erótico. Las playas y campamentos nudistas hacen hincapié en la sencillez, la liberación del incómodo yugo de la vestimenta y el acercamiento a la naturaleza, más que en el erotismo de los cuerpos desnudos. Sin embargo, cuando tenemos una sola persona tal como vino al mundo mientras la gente alrededor permanece vestida, se crea un ambiente cargado de sensualidad.

Muchas fantasías eróticas clásicas beben de estos escenarios. Por ejemplo: una bella señorita (o un joven caballero) se quita la ropa para bañarse en un lago. Al cabo de un rato, un paseante chistoso descubre la ropa abandonada y la esconde… En uno de los cuentos de Los amores difíciles de Italo Calvino una bañista pierde en el mar la parte inferior del bikini y no se atreve a volver a la playa, prefiriendo correr el riesgo de ahogarse a verse puesta en ridículo. Y sobre Anne Royall, una de las pioneras del periodismo norteamericano, se cuenta una historia probablemente apócrifa que siempre me ha hecho gracia. Al enterarse de que el presidente John Quincy Adams acostumbraba a bañarse cada mañana en el río Potomac, se acercó allí y le escondió la ropa hasta que el político se comprometió a contestar sus preguntas: la primera entrevista presidencial concedida a una mujer.

Verse desnudo rodeado de gente vestida se percibe a menudo como humillante y vergonzoso. La ropa es más que un adorno y una protección física ante el frío y los elementos: es también una armadura psíquica, un símbolo de estatus y posición social. Nadie tiene pesadillas con el mero hecho de verse desnudo, sino con visualizarse en pelotas en una situación pública, el trabajo, la universidad… Un truco clásico para calmar los nervios que causa hablar en público es imaginarse a la audiencia desnuda: al visualizarse como la única persona vestida de la habitación se gana inconscientemente respetabilidad y autoconfianza.

Resumiendo: un grupo de personas desnuda crea un ambiente de igualdad natural y protocomunista, pero en un grupo en el que solo hay algunas personas desnudas se crea un desequilibrio de poder. ¿Y qué ocurre si solo se desnuda un género?

Phryne desnudada frente al areópago, de Jean-Léon Gérôme.

CMNF: Mujeres desnudas, hombres vestidos

Creo que aparecer desnuda sobre un escenario es asqueroso, vergonzoso y antiamericano. Pero si tuviera veintidós años y un cuerpo hermoso, creería que es artístico, patriótico y una experiencia religiosa. (Shelley Winters)

Me marean las siglas tanto como al que más, y ya bastantes quebraderos de cabeza me da explicar qué significa BDSM. Así pues, entenderé a quien se haya asustado con la sopa de letras que da título al artículo. Sin embargo, CMNF es un acrónimo sencillo: Clothed Male, Naked Female, mujeres desnudas ante hombres vestidos.

A veces la mujer desnuda no se pasea solamente ante hombres sino ante todo el pueblo, como Lady Godiva a lomos de su caballo o la señorita de este anuncio de la MTV rusa. A menudo se utiliza el reclamo del cuerpo femenino en la publicidad, con el bien conocido peligro de objetización y machismo potencial según la forma en que se materialice. Lo que dará para un futuro artículo. Por ahora lo que me interesa es el potencial erótico-festivo de esta diferencia de vestimenta, que considerando lo ya comentado sobre el desequilibrio de poder inherente a este tipo de desnudos, se manifiesta a menudo en el mundo de la D/s, la dominación/sumisión erótica. A veces de forma explícita, como en esta imagen #readingissexy de la que desconozco el autor; a veces implícitamente, como en el autorretrato del fotógrafo checo Jef Kratochvil luciendo bigotón o en esta potente fotografía del mismísimo Helmut Newton. Cuidado: en el CMNF no siempre se enfatiza este diferencial de poder, como en las tiernas imágenes de Giulia Bersani.

Almuerzo sobre la hierba, de Édouard Manet.

Los escenarios CMNF están presentes en el imaginario colectivo desde hace siglos, y aparecen en centenares de ocasiones en el arte. Un ejemplo obvio es El desayuno en la hierba de Édouard Manet, que muestra un picnic con dos hombres completamente vestidos (el hermano de Manet y su futuro suegro), una mujer desnuda y una bañista al fondo a medio vestir. El cuadro causó un considerable escándalo al ser expuesto por primera vez en 1863, no solo por el hecho de contener desnudos en un entorno cotidiano y no mitológico o histórico, sino por el aire de naturalidad tranquila que respiraba la escena.

El siglo XIX vio un boom de cuadros CMNF gracias al auge del orientalismo, la fascinación europea por el medio y lejano Oriente. La mente calenturienta de los pintores de la época se recreó particularmente en los harenes y los mercados de esclavas… Un autor especialmente prolífico fue Jean-Léon Gérôme, que se inspiró en la mitología griega para su Pigmalión y Galatea, un escultor enamorado que ve cumplirse su mayor deseo.

Otro tema artístico habitual es el de la doncella en apuros. Los dragones y monstruos de antaño debían tener dificultades para digerir las piezas de ropa, así que exigían que las doncellas que se les ofrecían en sacrificio estuvieran desnudas o escasamente vestidas. Y dado que los caballeros errantes suelen protegerse con pesadas armaduras, tarde o temprano se producen impagables momentos CMNF, como en Perseo y Andrómeda de Tiziano… O en la famosa escena de la película Excalibur, de John Boorman, en que Uther Pendragon se acuesta mediante engaños con la infortunada Ygraine sin quitarse ni una pieza de la armadura: es un milagro que la reina sobreviviera y diera a luz al futuro rey Arturo. El cuadro El caballero errante, pintado por John Everett Millais en 1870, es otro ejemplo de mujer desnuda rescatada por un caballero de brillante armadura. La mujer está atada a un abedul plateado, árbol asociado a la femineidad con cuyas ramas se fabrican varas con las que azotar las nalgas… Originalmente la figura femenina miraba hacia su rescatador, pero esa actitud fue considerada demasiado provocativa y Millais fue obligado a repintarla apartando recatadamente la mirada.

El caballero errante, de John Everett Millais.

En ocasiones la actitud del hombre es de total indiferencia, como en la famosísima fotografía de Eve Babitz y Marcel Duchamp, más concentrado en su próximo movimiento que en la desnudez de la artista. La enorme potencia de la imagen y sus muchas lecturas han provocado decenas de homenajes; mi favorito es el de la jugadora de ajedrez Jennifer Shahade, que celebró tres partidas simultáneas con modelos desnudos. Otras veces la actitud de los hombres vestidos es de adoración y reverencia, lo que invierte el desequilibrio de poder del CMNF. El cuadro Adoración (1913) de William Strang es un buen ejemplo: a nivel metafórico suele interpretarse que el cuerpo femenino en ese cuadro representa la belleza de filosofía admirada por la humanidad. Pero también es un óleo que no desentonaría en el cuarto de estar de Sacher-Masoch.

En el mundo del modelado artístico a menudo una persona permanece desnuda rodeada de otras vestidas. En escuelas de arte y entornos académicos se siguen reglas estrictas para mantener un ambiente profesional y respetuoso hacia la modelo: se prohíbe tocarla o dirigirle la palabra durante el posado, hay una bata a mano para que se cubra, etc. Si el modelo desnudo es un hombre y en un momento dado tiene una erección, la mayoría de centros de arte detendrán el posado o no volverán a contratarlo. En la serie de cuadros de Thomas Eakins William Rush y su modelo vemos cómo en ocasiones a la modelo la acompañaba una chaperona, generalmente una viuda encargada de garantizar la virtud de la joven. No parecían hacer falta tantas precauciones, ya que al parecer el escultor era un caballero.

En entornos no académicos el ambiente puede ser más relajado, y a veces posar sin ropa se convierte en un acto cargado de sensualidad. Mi dibujo preferido de Milo Manara, como ya comenté en el monográfico manariano para Jot Down, es la imagen del pintor griego Apeles retratando a la bella Kampaspe y enamorándose perdidamente en el proceso. O, puestos a recordar un momento cinematográfico, la escena de Titanic en que Kate Winslet se desnuda, con un «dibújame como a una de tus chicas francesas» que devino carne de meme.

Audrey Munson con Daniel Chester French. Autor desconocido (DP)

Una historia interesante respecto a modelos artísticos es la de la bellísima Audrey Munson, modelo profesional de principios del siglo XX. Posó desnuda para decenas de pintores y escultores de Nueva York, inspirando famosas estatuas como La fuente del Sol Poniente de Adolph Weinman. Se la llamó «Miss Manhattan» o «La Venus Americana», y su fama la llevó a participar en cuatro películas mudas. Una de ellas, Inspiration (1915), se hizo famosa por mostrar el primer desnudo integral en una película no pornográfica. Por desgracia poco después se truncó su sueño: sin su conocimiento o consentimiento, el propietario de la pensión en que se alojaba mató a su esposa para poder estar con Audrey. La mala prensa posterior destruyó su carrera de modelo y la lanzó a una espiral autodestructiva que acabó en un manicomio.

Puede resultar sorprendente que la censura de principios de siglo no pusiera reparos a las películas en que Audrey aparecía completamente desnuda. Aparte de por la coartada artística, la escena no se consideró inmoral al permanecer inmóvil la actriz: solo era obscena la desnudez en movimiento. Cuando en el primer número de Jot Down escribí sobre los orígenes del striptease, dediqué un espacio a los tableaux vivant, espectáculos que encontraron en el arte clásico una excusa perfecta para mostrar la desnudez al gran público en las pacatas sociedades occidentales. La censura teatral en los países anglosajones prohibía que las actrices desnudas o semidesnudas se movieran provocativamente por el escenario, pero consideraba aceptable la desnudez inmóvil, congelada. Así, teatros como el neoyorquino Ziegfeld Follies ofrecían retablos de desnudos con títulos clasicistas como Ninfas bañándose o Diana la cazadora.

Toulouse Lautrec en su atelier, con una modelo (1895). Fotografía de Maurice Guibert (DP)

En el Berlín de 1908, la bailarina Olga Desmond ofrecía veladas artísticas llamadas Schönheitsabende («Tardes de Belleza»), en las que permanecía en escena inmóvil y completamente desnuda imitando famosas obras de arte. A veces se pintaba la piel con polvos blancos, acentuando su aspecto estatuesco; o aparecía con algún ayudante semivestido que completaba el retablo. Olga defendía su arte con entusiasmo: «Decidí romper un yugo de siglos de antigüedad. Cuando salgo desnuda al escenario no siento timidez ni vergüenza, ya que me muestro ante el público tal como soy, amando la belleza. El arte es mi única deidad, ante ella me inclino y le ofreceré cualquier sacrificio». La mayor parte de su vida esa diosa le fue favorable: participó en películas y abrió su propia escuela de baile y bellas artes… Pero el sacrificio llegó tras la Segunda Guerra Mundial: tras clausurar el gobierno de Berlín Oriental su escuela de danza por «decadente», Olga murió pobre y olvidada.

Lo que me lleva a considerar por un momento esta cita lapidaria de Mason Cooley en Aforismos de Ciudad: «la desnudez es el disfraz de los amantes y los cadáveres». Y es que en la sala de autopsias todos, hombres o mujeres, permaneceremos desnudos frente a alguien vestido (si el forense está desnudo en ese momento habría serios motivos para retirarle la licencia). En el impactante cuadro de Enrique Simonet La autopsia (1890), conocido también como Y tenía corazón, vemos a un anciano forense sosteniendo el corazón de una joven, sorprendido al parecer de que una «mujer de la calle» tuviera un órgano igual al suyo. Algo más considerada parece Paola Mineo en Sudario, una corta performance resurrectora con tintes CFNF.

CFNM: Hombres desnudos, mujeres vestidas

¡Qué cosa frágil y fácilmente herida es un cuerpo de hombre desnudo; de alguna manera inacabado, incompleto! (D.H. Lawrence, El amante de Lady Chatterley).

Las siglas CFNM (Clothed Female, Naked Male) hacen referencia al escenario en que uno o más hombres permanecen desnudos ante mujeres vestidas. A veces la escena transcurre con una engañosa normalidad que esconde una sensualidad subterránea, como en esta graciosa anécdota de Foro en Femenino o en ciertos emparejamientos casuales en una playa nudista. En ocasiones la desnudez masculina no produce más que una cierta indiferencia exasperada… En cualquier caso, el infundado temor patriarcal a perder la autoridad junto con la ropa ha hecho históricamente difícil encontrar imágenes CFNM más allá de algún fresco pompeyano como el de Perseo y Andrómeda, o shungas como este de Torii Kiyonobu:

By the Light of a Hexagonal Lantern, de Torii Kiyonobu.

El CFNM está poco presente en el arte clásico: los hombres desnudos suelen aparecer como centro de la composición, pero poco frecuentemente se ven por ahí cerca mujeres vestidas lanzándoles miradas irónicas. Tampoco abundan escenarios en que la diosa Atenea, ataviada para la batalla con su lanza y armadura, se lance al rescate de un tímido hombre desnudo encadenado a un poste a merced de algún monstruo mitológico. Pero otra diosa sí es representada a menudo junto a un hombre desnudo: Kali. En la mitología hindú, el diablo Raktaveeja obtuvo un don por el que de cada gota de su sangre derramada nacerían cientos de demonios como él. Para matarlo, la diosa Kali lo atravesó con su lanza y bebió toda su sangre. Encendida por la ira y ebria con el icor del demonio, Kali estuvo a punto de destruir el mundo en su frenesí, hasta que su marido Shiva se arrojó bajo sus pies para calmarla. Más allá de su valor simbólico, imágenes como esta muestran los efectos desestresantes del CMNF celestial.

Diga lo que diga D.H. Lawrence en la cita que abre esta sección, el cuerpo masculino desnudo no tiene nada de imperfecto. Hay imágenes CFNM que resaltan su belleza apelando a la ternura, como la famosísima fotografía de Annie Leibovitz en que un John Lennon fetal se aferra a Yoko Ono cinco horas antes de morir asesinado. En el mundo de la publicidad se juega con el contraste entre un cuerpo desnudo masculino mientras el femenino se muestra ataviado para la batalla de la moda: servirían como ejemplos esta famosa foto de Herb Ritts con una muy vestida Christy Turlington, esta escena retratada por Mariano Vivanco con el modelo ruso Vladimir Aberyanov o esta fotografía de Terry Richardson que muestra la inversión del desequilibrio de poder tradicional. A mediados de los años setenta se organizaron en Nueva York un par de ediciones del concurso de belleza nudista Ms. All-Bare America, «el premio de belleza más honesto, ya que quien participa no tiene nada que ocultar». El concurso estaba dirigido a concursantes femeninas, pero tras una ola de bien merecidas quejas se abrió también a hombres desnudos.

Naked man at Folsom Street Fair. Fotografía de Jacob Appelbaum (CC)

Ya comenté en otra ocasión que el desnudo masculino en público es más escaso que el femenino, lo que acerca en cierta medida muchas imágenes CFNM a la pornografía más o menos glamourosa. La compañía japonesa de vídeos eróticos Moodyz tiene una línea puramente CFNM, en la que se muestran las carcajadas y gestos de sorpresa de mujeres vestidas al observar con ojo clínico a hombres desnudos más o menos apabullados por la situación. Estos vídeos se bautizaron de forma poco imaginativa como Mujeres que quieren ver el pene, aquí lo dejo en japonés para quien se atreva a curiosear en Google: チンポを見たがる女たち. Una versión algo más light de esta temática llegó a Fuji TV en los ochenta: Por favor, enséñame tus calzoncillos.

También en Japón son populares los Host Clubs, lugares en que las mujeres pagan por compañía masculina no sexual. Lo que obtienen las clientas a partir de unos sesenta mil yenes es charla interesante, buena educación y un surtido de caballeros vestidos con traje y corbata. Hombres-geisha… Este artículo de Miki Tanikawa en el New York Times cuenta los detalles con cierto retintín: «Clubes en que los hombres japoneses son amables con las mujeres, por un precio». Encontramos una versión más hardcore y propiamente CFNM de estos locales en los osawari host clubs, donde osawari significa «tacto, toque». Allí los azafatos ya no van vestidos elegantemente, sino desnudos o con la mínima cantidad de ropa posible. El sexo explícito sigue estando prohibido, pero sí se permite que a las clientas se les vaya la mano de vez en cuando hacia los genitales generosamente expuestos. En general, el mundillo de los strippers masculinos es pródigo en momentos CFNM, como muestra Tomás y las Águedas de Rafael Trobat.

En ambientes BDSM, en particular en locales de Dóminas amateurs o profesionales, se realizan de vez en cuando fiestas CFNM bautizadas con nombres algo menos machacagargantas. En ellas el código de vestuario es elegante para las mujeres y ausente para los hombres, es decir, que los hombres tienen que asistir en pelotas o muy escasamente vestidos para que se les permita la asistencia. A menudo los sumisos asistentes actúan como mayordomos improvisados a las órdenes de alguna Dómina. En estas fiestas la desnudez se ve como humillante, equiparándose a la exposición pública. En el shibari, tanto con modelos masculinos como femeninos se juega con el shuuchi, la vergüenza al ver expuesto y resaltado por las cuerdas el cuerpo desnudo.

No querría terminar sin subrayar que esta ensalada de siglas no es más que una forma de sistematizar situaciones que suelen ser más complejas, con hombres desnudos frente a otros hombres (CMNM, como en esta imagen de la École de Beaux-Arts), solo mujeres (CFNF, como en esta performance de shibari a cargo de Gorgone y Alice V) o una mezcla caótica de gente desnuda como en las fotos de Spencer Tunick. Pero sobre nudismo sin distinciones de género prometo hablar en una continuación de este artículo… Un texto que escribiré probablemente en pelotas.

Foto: Corbis.

El vídeo de este viernes es Silo, un cortometraje de David Soll, que cuenta una peculiar historia sobre uno de los encargados de un silo de misiles nucleares, en un ambiente de soledad rodeado de botones y tecnología de lo más inquietante.

La película demuestra varias cosas a la vez, como que no hace falta que haya mucha conversación para entender la trama, que un pequeño escenario puede ser suficiente para un rodaje y que algunos efectos visuales y un buen decorado pueden estar a la altura de otras producciones – de hecho algunas de estas escenas parecen bastante mejores que los de las películas de los 80.

Como bonus además hay un minicorto que muestra la realización de los efectos visuales.

# Enlace Permanente

La actualidad tiene la fastidiosa costumbre de transcurrir al ritmo que le da la gana y no al que convendría a los medios, así que puede haber largas temporadas sin que ocurra nada demasiado relevante y luego en unos pocos días acumularse una extraordinaria sucesión de acontecimientos de gran trascendencia. Ahora estamos viviendo lo segundo. Los conflictos en Ucrania, Palestina, Siria o Irak están proporcionándonos a diario fotografías impactantes que retratan el horror de la guerra. Sin embargo no podremos aún conocer el valor histórico de cada una de ellas, el significado y la carga simbólica que puedan contener, hasta que los relatos de esas guerras estén concluidos. Por ello es interesante remitirse a la Segunda Guerra Mundial. Ya quedó perfectamente terminada, sabemos qué acontecimientos en ella fueron decisivos y qué imágenes son las más descriptivas de cada uno. Muchas de ellas las hemos visto en numerosas ocasiones, así que aquí las reunimos para saber un poco más qué hay tras ellas.

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Niño entre las ruinas de Varsovia

Fotografía: Julien Bryan. (DP)

La fulminante invasión de Polonia en septiembre de 1939 dio comienzo a la Segunda Guerra Mundial. Su capital fue duramente bombardeada por la Luftwaffe y el fotógrafo estadounidense Julien Bryan estuvo presente aquellos días, lo que le permitió retratar a un niño entre las ruinas que es la viva imagen de la tristeza.

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San Pablo sobrevive

Fotografía: Herbert Manson. (DP)

La noche del 29 de diciembre de 1940 tuvo lugar otro de los incontables bombardeos sobre Londres, con los que Hitler quería doblegar a la población inglesa, forzar su rendición y poder centrar así su atención en el Este. Tras el ataque, el cineasta y fotógrafo Herbert Manson se subió al tejado de la redacción del Daily Mail y fotografió entre el humo la catedral de San Pablo, que parecía erigirse intacta sobre la destrucción. La imagen ocupó la portada del periódico y se convirtió en un esperanzador símbolo de resistencia ante un enemigo que por entonces parecía imbatible.

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Dolor, Kerch, 1942

Fotografía: Dmitri Baltermants. (DP)

Dmitri Baltermants parecía destinado a ser el resto de su vida un profesor de matemáticas, pero las circunstancias terminaron convirtiéndolo en uno de los más grandes fotorreporteros que han existido. Vivió momentos en el Frente Oriental de gran peligro (fue herido en dos ocasiones) o de auténtica desolación, como este en el que los supervivientes lloran a los caídos.

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Ataque

Fotografía: Dmitri Baltermants. (DP)

Otra imagen de Dmitri Baltermants, que resulta muy impactante por su dinamismo. Fue tomada en noviembre de 1941.

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La fuente de los niños de Stalingrado

Autor desconocido (DP)

Stalingrado vivió la batalla más sangrienta y decisiva de la historia con casi dos millones de muertos. La furia destructiva que arrasó la ciudad y el enorme impacto que tuvo en el curso de la guerra ha sido desde entonces descrita en infinidad de libros de historia, pero hay una imagen que desde entonces se ha convertido en un icono de los sucedido. El 23 de agosto de 1942, tras un bombardeo alemán, la fuente llamada Druzhba (Amistad) que representa a unos niños jugando en corro en torno a un cocodrilo, se mantuvo casi intacta entre las ruinas de edificios en llamas.

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La Waffen SS quemando un pueblo ruso

Autor desconocido (DP)

La política del régimen nazi en el Frente Oriental era nítida: arrasarlo todo. Desde que Hitler escribiera su Mein Kampf la idea que le rondaba la cabeza es que Alemania necesitaba nuevos territorios que se encontraban al Este, por lo que había que realizar una limpieza étnica y repoblar el terreno con colonos alemanes. A veces los soldados realizaban fotografías de sus actos que luego mandaban a sus familiares con orgullo. En esta imagen de autor desconocido vemos a un grupo caminar hacia la cámara tras haber sembrado la destrucción.

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Campo de prisioneros en Kiev

Autor desconocido (DP)

La Operación Barbarroja con sus ataques envolventes permitió en los primeros meses capturar  cientos de miles de soldados soviéticos. Esos prisioneros luego fueron retenidos en grandes campos sin que se les proporcionase ningún tipo de cuidado, con el fin de que se muriesen lo antes posible de hambre y enfermedades. Se estima que de esa manera los invasores nazis acabaron con la vida de aproximadamente 3,3 millones de personas. En esta imagen vemos en primer plano un soldado alemán vigilando un inmenso campo de prisioneros tras la Batalla de Kiev.

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Fusilamiento de Georges Blind

Autor desconocido (DP)

Georges Blind fue un miembro de la resistencia francesa al que vemos aquí delante de un pelotón de fusilamiento en 1944. Recuerda al cuadro de Goya, con los soldados perfectamente alineados y vistos de espaldas, sin rostro ni rasgo alguno de individualidad. Deshumanizados, al contrario que su víctima. Finalmente no fue ejecutado, pues se trataba de un simulacro para hacerle confesar. Murió un mes más tarde en un campo de concentración.

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Las once magníficas, de Robert Capa (click para ver las fotografías)

Robert Capa ya estaba curtido como fotógrafo en la Guerra Civil española, pero difícilmente pudo haberse hecho a la idea de lo que le esperaba en el Día D. El Desembarco de Normandía del 6 de junio de 1944 contó con él para ser retratado y lo hizo con gran riesgo para su vida precisamente en uno de los puntos de más encarnizada resistencia, Omaha Beach. Tomó ciento seis fotografías y las mandó a revelar a Londres, pero un torpe empleado destruyó casi todas ellas en un desdichado accidente en el laboratorio. Solo quedaron once, conocidas desde entonces como «Las once magníficas». Estas que vemos sirvieron a Spielberg de inspiración para su memorable escena inicial de Salvar al soldado Ryan.

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Ejecución en Vinnitsa

Autor desconocido (DP)

Con el fin de exterminar a todos los judíos de Polonia y la URSS, el Tercer Reich organizó las unidades Einsatzgruppen. En esta imagen vemos a un miembro del Einsatzgruppe D justo en el momento de matar a un hombre arrodillado delante de una fosa común en Vinnitsa, la actual Ucrania, en 1941.

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Ataque a Pearl Harbor

Fotografía: Official U.S. Navy Photograph. (DP)

El 7 de diciembre de 1941 el ataque japonés a la base de Pearl Harbor supuso la entrada de Estados Unidos en la guerra. En la imagen vemos el USS West Virginia en llamas tras haber sufrido varios impactos y una lancha a su lado rescatando a un superviviente del agua.

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Alzando la bandera en Iwo Jima

Fotografía: Joe Rosenthal. (DP)

El fotógrafo Joe Rosenthal inmortalizó este momento que tuvo lugar el 23 de agosto de 1945 tras una durísima batalla en la que los resistentes japoneses prefirieron el martirio a la rendición. A su autor le valió un Premio Pulitzer, mientras que tres de los retratados posteriormente murieron en combate, los restantes adquirieron una gran popularidad realizando giras por Estados Unidos tal como pudimos ver en el film Banderas de nuestros padres, donde también se explica que se trata de un posado .

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Alzando una bandera sobre el Reichstag

Fotografía: Yevgeni Jaldéi. (DP)

Las consignas del Tercer Reich en sus últimos días reclamaron insistentemente la guerra total, luchar hasta el final y morir matando. No debía haber lugar para la rendición. La conquista de Berlín trajo enormes pérdidas para ambos bandos, supuso la destrucción del 75% de los edificios de la capital y por eso el despliegue de una bandera soviética sobre el Reichstag sobre un fondo en ruinas tuvo una gran fuerza simbólica. La imagen fue tomada por Yevgeni Jaldéi el 2 de mayo de 1945, repitiendo una escena que tuvo lugar dos días antes. Luego fue polémica por sus retoques (marca de la casa del estalinismo) como añadir columnas de humo y ocultar lo que parecían dos relojes en las muñecas del soldado situado junto a él (según algunos uno de ellos sería una brújula Andrianov), que podían dar a entender que participó en el pillaje a la población, por otra parte generalizado.

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Vista de Dresde desde la torre del Ayuntamiento

Fotografía:  Richard Peter. (DP)

A mediados de febrero de 1945, cuando la guerra ya estaba a punto de finalizar, una serie de bombardeos de la RAF sobre Dresde causaron en torno a unos treinta mil muertos y la completa devastación de todo su centro. Poco tiempo después el fotógrafo Richard Peter realizó un reportaje fotográfico sobre la destrucción de la ciudad. De él destacó esta imagen de gran fuerza poética, con la estatua contemplando a sus pies las ruinas de una ciudad que en otro tiempo estuvo llena de vida.

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La cúpula Genbaku de Hiroshima

Autor desconocido (DP)

El 6 de agosto de 1945 una bomba nuclear lanzada por los Estados Unidos arrasó la ciudad de Hiroshima. A pesar de lo próxima que estuvo al epicentro de la explosión la cúpula Genbaku se mantuvo en pie, o parte de ella al menos. Hoy en día se conservan estas ruinas, que ha pasado a llamarse Monumento de la Paz de Hiroshima.

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V-J Day in Times Square, de  Alfred Eisenstaedt (click para ver la fotografía)

El 14 de agosto de 1945 la plaza Times Square de Nueva York era un hervidero de gente celebrando la rendición japonesa y con ella el fin de la Segunda Guerra Mundial. Entre la multitud se encontraba el fotógrafo Alfred Eisenstaedt de la revista Life buscando alguna manifestación de euforia. Delante suyo se plantó el marinero Glenn Edward McDuffie (que ha muerto hace unos meses) que agarró a una chica que pasaba por ahí, la  enfermera Edith Shain, y le estampó un beso así de contundente.

Se llama Pixie Dust y ha sido presentado como un trabajo del SIGGRAPH 2014 titulado Gráficos generados por objetos animados en levitación en un campo acústico computacional. Ahí que da eso.

La idea consiste básicamente en utilizar los sistemas de levitación acústica ya conocidos para atrapar pequeños objetos ligeros en el aire, en este caso pequeñas motas parecidas a las de los relleno y embalaje (los «polvos mágicos»). De este modo se los hace levitar; el resto es mantenerlos controlados mientras con el ordenador se modifican las ondas que los modelan para desplazarlos, girarlos o ampliarlos como si la zona de control fuera una pantalla, pero en 3D.

En las pruebas la resolución espacial es de unos 0,5 mm y los polvos se pueden mover a una velocidad de 72 cm por segundo con un peso máximo de unos 7 gramos por centímetro cúbico.

Muy bien elegida la música del vídeo, por cierto, a lo 2001.

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