Juan Utrilla de Noriega

He aquí uno de los títulos más importantes del año. Sin necesidad de superhéroes, apabullantes efectos visuales o el apoyo de una marca rentable. Actores como Brad Pitt, Chiwetel Ejiofor, Michael Fassbender, Benedict Cumberbatch o Paul Giamatti, y un cineasta como Steve McQueen —el director de ‘Hunger’ (2008) y ‘Shame’ (2011)—, son razones más que suficientes para esperar con desbordado interés el estreno de ‘12 Years a Slave’. Arriba tenéis el el cartel y más abajo el tráiler, uno de los mejores que he visto en los últimos meses.

‘12 Years a Slave’ traslada a la gran pantalla la novela autobiográfica de Solomon Northrup, un hombre que fue secuestrado a mediados del siglo XIX y vendido como esclavo para trabajar en campos de algodón. Paul Dano, Alfre Woodard, Sarah Paulson, Quvenzhané Wallis, Lupita Nyongo, Scoot McNairy, Michael Kenneth Williams y Garret Dillahunt completan el espectacular reparto de la película, que llegará a los cines de EE.UU. el 18 de octubre, un poco antes de que podamos verla en España —31 de octubre—. Por el tema y los nombres implicados, es inevitable pensar en los Oscar, y que puedan compensen a McQueen y Fassbender tras el lamentable “olvido” de ‘Shame’, ¿no os parece?

Spike Jonze es, sin duda, uno de los nombres más importantes del llamado nuevo cine independiente norteamericano o de la generación surgida de los videoclips, en los que Jonze ha dirigido clásicos como este. Sin embargo, las dudas sobre su talento han estado presentes desde que dejara de colaborar con Charlie Kaufmann, el guionista más imaginativo y talentoso y autoral que ha dado el Hollywood reciente —y que por desgracia, se empeña en tener desempleado—.

Tras su adaptación del clásico infantil de Maurice Sendak, ‘Donde viven los monstruos’ (‘Where the wild things are’, 2009) llega lo nuevo del director, que también firma el guión de ‘Her’ (id, 2013), una tragicomedia romántica protagonizada por Joaquin Phoenix, Amy Adams, Rooney Mara y (la voz de) Scarlett Johansson.

La premisa no podía ser más contemporánea (y a bien seguro que familiar para los seguidores de cierto serial británico de ciencia ficción): un buen muchacho se enamora de la voz de su ordenador mientras trata de superar su anterior ruptura. Con la estética de canción indie y un tono que parece un elogio del antidepresivo, la película parece una metáfora perfecta de la era Twitter. Para los interesados, el magnífico e importante crítico británico Kent Jones la ha calificado de imprescindible, así que las expectativas son elevadas.

At a public lecture in Pittsburgh in 1934, four hundred lucky students were privy to a lecture by Albert Einstein, in which the great man mathematically derived his famous mass-energy equivalence equation: E=mc².

El siempre recomendable sitio de Nikki Finke Deadline ofrece da la exclusiva de ‘All is Lost’ (id, 2013), la última película dirigida por J.C. Chandor cuya ‘Margin Call’ (id, 2011) fue una agradable revelación y ahora presente un cambio de registro importante respecto a su thriller bursátil, cambiando el movimiento de teléfonos, casi teatral y heredero de cierto David Mamet, por una historia íntima y más bien inquietante de un Robinsón inesperado. Ha sido un cineasta un tanto infravalorado, cuyo nombre no ha sonado con tanta fuerza con la que otros profetas indies han ganado mayor cariño de una crítica con tendencia excesiva a repartir los mimos de una forma a veces poco democrática o razonable.

Robert Redford es la estrella de la película y, claro, también asume el reto de sobrevivir solo en el océano: veremos si esta película, con un caluroso recibimiento en Cannes, logra hacerse un hueco en la temporada de premios. El film es, desde luego, prometedor y al menos garantiza la pervivencia de un tipo de cine íntimo, basado en las dotes expresivas de un actor para expresar incontables sentimientos, al que soy bastante aficionado, sea en su vertiente de náufrago o náufragos, y que puede deparar si no una sorpresa para los más interesados en quien recibe tal y cual estatuilla si para los cinéfilos amantes de la aventura y la catástrofe.

Que la historia de las dinastías en el mundo del Rock encierra multitud de fracasos y solamente algunos éxitos es algo que supongo será conocido por todos vosotros. Pudiendo rescatar solamente a un artista imprescindible como fue el dramáticamente extinto Jeff Buckley, está más que claro que ser hijo o hija de no te garantiza acabar convirtiéndote en una estrella en esto de la música.

Tratándose esta disciplina de un mundo en el que es el talento quien te alza o su ausencia quien te hunde, es bastante lógico que muy pero que muy pocos hijos de artistas hayan logrado siquiera acercarse a la envergadura alcanzada por sus progenitores. El caso que hoy nos ocupa podría ser un nuevo eslabón en esta cadena de fracasos. Sin embargo, un álbum como Dimensionaut ha demostrado que en este caso el hijísimo sí tiene cosas que contar. Algunos acudirán al factor dinástico para restar valor a esta obra, yo he preferido obviarlo pues, si me conocéis mínimanente, sabréis que no profeso cariño precisamente por un artista como Phil Collins.

Al final todo se reduce a Genesis

Y sin embargo no voy a poder evitar acudir al factor Genesis en esta reseña. Muchos lo han hecho y lo harán al hablar de un disco como Dimmensionaut, aunque es probable que cada uno tenga su particular motivo. Reconozcamos que la banda de Collins, Gabriel y Hackett (entre otros) es un leitmotif continuo en un disco como el debut de Sound of Contact. Varios son los momentos en los que la etapa Gabriel o los primeros discos con Phil Collins al frente hacen presencia en el álbum, pero hemos de reconocer que es algo totalmente inevitable.

Siendo mi intención huir del ejercicio de enumerar multitud de bandas en una revisión como ésta, he de reconoceros que al final todo se reduce a Genesis. Primero, porque fue el proceso de grabación de un disco como Genesis Revisited II por parte del ex guitarrista de la banda, Steve Hackett, y la grabación de un tema con la participación de Simon Collins y Dave Kerzner, el punto de inflexión en el proceso de trabajo conjunto por parte de ambos músicos, comenzando a gestarse desde ese momento un álbum como Dimensionaut.

Y segundo, porque cuando hablamos de Rock Progresivo, todos los nombres sobran y solamente uno falta: Genesis. Es muy sencillo indicar que éste u este otro tema suena a ésta u otra banda, sin embargo, al final uno acaba cayendo en el error de no citar a aquellos sobre los que gravita todo. Porque Genesis son el núcleo del mundo progresivo, son la banda que marcaría los cánones en que se movería el género no ya solo en los años setenta, sino en todo lo que tiene que ver con su resurrección en décadas posteriores acercando el Rock Progresivo al Metal o al Pop como sucedió con el caso del Neo-Prog inglés.

Otros hablarán de Pink Floyd o de King Crimson como dinamizadores de la escena Prog contemporánea, sin embargo, y desde mi punto de vista, son Genesis quienes acabarían marcando el camino que todas las bandas jóvenes han venido siguiendo posteriormente. Y como es obvio, esto mismo sucede con Sound of Contact, y no por las cuestiones dinásticas, sino porque haciendo Prog es imposible e inevitable no sonar a Genesis.

Una muy grata sorpresa

Y es evidente que sonar a Genesis no puede restar valor a un disco como Dimensionaut. Y no lo resta. Gracias a una factura impecable en lo técnico y unas composiciones que recogen un espectro increíblemente amplio en lo estilístico y en lo temporal, el debut de Sound of Contact supone una experiencia sorprendentemente gratificante. Acudiendo a estilos como el Post-Rock, el Space Rock o el mismo Pop para vestir un álbum con claro carácter progresivo, Simon Collins y compañía han logrado dar a luz a setenta y cinco minutos de intensa y estimulante escucha en la que hay tiempo para todo y ante la que es imposible distraerse un solo segundo.

Utilizando los viajes en el tiempo y la experiencia del viajero como recurso temático, todos estos terrenos visitados por Sound of Contact adquieren la coherencia artística necesaria no solo por aparecer perfectamente motivados letrísticamente, sino también porque las transiciones o combinaciones son compuestas y ejecutadas de forma magistral, adquiriendo Dimensionaut un carácter unitario que anima a revisitar el disco una y otra vez.

Entrando en un aspecto más técnico es importante destacar que todos los músicos inmersos en la grabación del álbum rayan a gran altura, respondiendo Simon Collins perfectamente a las expectativas o dudas planteadas por los más escépticos, tanto en su trabajo a la batería como al micrófono, recordándonos, como es obvio, a la banda de su padre en su etapa progresiva.

A pesar de que suelo ser reticente a destacar momentos concretos en un álbum conceptual y unitario en lo artístico como éste, de cara a hacer el trabajo más sencillo al oyente ocasional, podría destacar la espacial ‘Cosmic Distance Ladder‘, la postrockera ‘I am Dimensionaut‘ o la inmensa suite ‘Mobius Slip‘ como los momentos más destacados de un álbum que es una auténtica delicia y en el que ningún solo corte desmerece al conjunto.

Es evidente que Dimensionaut no es el colmo de la originalidad y algunos puede que no reparen en las virtudes que un disco como éste encierra. En multitud de ocasiones me habréis leído afirmar que en esto de la música la originalidad está profundamente sobrevalorada y, por supuesto, esta vez no voy a desdecirme. Sound of Contact suenan a Genesis, a Rock Progresivo setentero y al Neo-Prog de finales de los ochenta y de inicios de los noventa. Sound of Contact suenan a lo esencial y lo hacen sin desmerecer a sus referentes. No van a encabezar nada aunque tampoco creo que lo pretendan. Simplemente es un disco de debut, y teniendo esto en cuenta creo que podemos estar más que satisfechos. Ellos por el gran trabajo realizado y nosotros por lo que hemos disfrutado del mismo.

Todo el mundo dijo que les gustaba, pero no tanto como para hacerla en ese momento. Supongo que fue mi primer roce con ese tipo de mentalidad del mundo del cine: una enorme sonrisa y un ¡Oh, claro que vamos a hacerlo! Pero mientras tú sigues, poco a poco va dejando de ser una realidad.

Tim Burton

Tras completar ‘Vincent’ (id, 1982) Tim Burton redactó un poema de tres páginas titulado ‘The Nightmare Before Christmas’, un escrito en el que recogía influecias de los especiales de televisión ‘Rudolph the Red-Nosed Reindeer’ (id, 1964) y el mítico ‘How the Grinch Stole Christmas!’ creado por Chuck Jones en 1966. La intención inicial del cineasta para con el poema era adaptarlo a un programa especial de televisión que, sin diálogos, estuviera narrado de nuevo por la incomparable voz de Vincent Price, llegando incluso a considerar Burton la opción de convertir sus versos en un libro para niños.

A tal efecto, el director de ‘Eduardo Manostijeras’ (‘Edward Scissorhands’, 1990) fue trabajando en el proyecto creando storyboards y modelos que Disney, viendo el éxito que ‘Vincent’ había tenido, comenzó a considerar para su desarrollo en un corto de unos treinta minutos o un especial de televisión para las vacaciones navideñas. Pero, como se desprende de la cita que abre esta entrada, las intenciones iniciales quedaron en agua de borrajas, y la compañía terminó por detener la producción aludiendo que el tono de la narración era “demasiado extraño” para sus estándares.

10 años después…

Tras una década en la que el director dejaría atrás su tortuoso transitar por los constreñidos patrones que imponía Disney, convirtiéndose en un cineasta de éxito requerido por multitud de posibles proyectos, fue el agente de Burton el que, a instancias de éste, se puso en contacto con la compañía de Mickey Mouse para tratar de encontrar en los archivos de los estudios aquél proyecto en el que el su cliente no había podido dejar de pensar.

Aquella llamada telefónica, y el encuentro de los materiales en los “sótanos” de Disney fue el primer y decisivo paso para que, en cierto modo, Tim Burton volviera a la casa que lo vio nacer como artista. Y si diez años atrás los ejecutivos de los estudios habían considerado que ‘Pesadilla antes de Navidad’ (‘The Nightmare Before Christmas’, Henry Selick, 1993) era una cinta que no podría ver la luz bajo su logotipo, David Hoberman, Michael Eisner y Jeffrey Katzenberg, responsables de producción de la compañía en 1991, tenían 400 millones de razones —los mismos que, traducidos a millones, había generado ‘Batman’ (id, 1989)— para respaldar la arriesgada apuesta que supondría el filme.

Un filme que, bajo la determinante influencia ejercida por el citado especial de ‘Rudolph’ y, sobre todo, guiado por esa desaforada filia de Burton por el stop-motion que podemos observar en el director ya en ‘Vincent’, ya en las incursiones de la técnica vistas en ‘La gran aventura de Pee-Wee’(‘Pee-Wee’s big adventure’, 1985) o ‘Bitelchús’ (‘Beetljuice’, 1988), vendría rodado por tan exigente modo de animación, lo que, en última instancia, provocaría que no fuera Burton el que dirigiera la cinta.

Considerando que en el momento que Disney da luz verde a ‘Pesadilla antes de Navidad’, el director ya se había comprometido con Warner para ‘Batman vuelve’ (‘Batman Returns’ , 1992), resulta comprensible que la tarea de figurar como responsable en dos filmes al mismo tiempo, por más que uno de ellos le atrajera muchísimo más que el otro, se hiciera imposible, delegando Burton las labores de realización en un antiguo compañero de sus años en la Disney, Henry Selick.

Un filme de Burton…sin Burton

Pero antes de tener que dejar en manos de Selick la costosa realización de la cinta —recordemos, para aquellos que no lo sepan, que para filmar cinco segundos de metraje en stop-motion se puede llegar a requerir hasta una semana de rodaje— Burton había desarrollado el proyecto hasta dejarlo prácticamente definido. De una parte, el cineasta había colaborado inicialmente de forma estrecha con Michael McDowell, el guionista de ‘Bitelchús’. Pero el primer borrador entregado por el escritor provoco disensiones entre ambos, desechando Burton el mismo por no adecuarse a lo que él entendía que debía ser el filme, y convenciéndolo, al mismo tiempo, de que ‘Pesadilla antes de Navidad’ debía ser una película musical con canciones intercaladas en la historia.

Y sería aquí donde entraría en juego un nombre determinante en la producción de la cinta, Danny Elfman, el compositor de todas las bandas sonoras de las cintas de Burton a excepción hecha de ‘Ed Wood’ (id, 1994). En la más estrecha colaboración que se haya planteado jamás entre el director y su músico, Elfman y Burton irían desarrollando las canciones que después escucharíamos en la cinta de una forma nada habitual, contando el compositor como fuente de inspiración en la mayoría de los casos con el relato verbalizado que el cineasta le iba transmitiendo, un trabajo que terminaría concretándose en dos tercios de las necesidades musicales del filme.

El resultado de tal proceso es, sin duda alguna, una de las cumbres de la obra de Elfman, que llegaría a implicarse de tal manera en la producción como para terminar cediéndole su voz a Jack Skellington cada vez que éste canta en el transcurso de la historia —la voz de diálogos la pondría Chris Sarandon—.

Con una producción que comenzaría en Julio de 1991 y se prolongaría algo más de dos años, y gracias a un equipo de 120 personas que llegaron a ocupar 20 platós de rodaje, vale la pena aclarar que, una vez Burton dejó ‘Pesadilla antes de Navidad’ en manos de Selick para acometer el rodaje de ‘Batman vuelve’ y la pre-producción de ‘Ed Wood’, su implicación en el proyecto se redujo, en palabras del director del filme “cinco visitas a lo largo de dos años que no llegaron a sumar más de ocho o diez días en total”. Tanto es así, que el mismo Selick define la dirección de la cinta en los siguientes términos:

Era como si él (Burton) hubiera puesto el huevo y yo me hubiera sentado en él para incubarlo. No estuvo implicado de forma directa, pero su mano estuvo muy presente. Parte de mi trabajo consistió en que la cinta pareciera “una película de Tim Burton”, que no es muy diferente de lo que yo hago con mis propios filmes.

‘Pesadilla antes de Navidad’, clásico animado

De la misma forma que las Navidades siempre son el momento idóneo para revisar esa obra maestra de Frank Capra llamada ‘¡Qué bello es vivir!’ (‘It’s a Wonderful Life!’, 1939) —en realidad cualquier época es buena para volver a ver tan magno y sublime filme—, desde el momento en que ‘Pesadilla antes de Navidad’ se estrenó en 1993, pasó a formar parte de una tradición personal de cara a las fiestas, y no ha habido año desde entonces que servidor no haya encontrado el tiempo como para sentarse delante de su televisor para poder volver a disfrutar de la historia de Jack, Sally y ese maravilloso mundo de Halloween que Burton, Selick y Elfman crearon hace ya veinte años.

Como no podía ser de otra manera viniendo de Burton, Jack Skellington, el esquelético responsable del pueblo de Halloween, es un “héroe” a la manera que lo habían sido, anteriormente, Pee-Wee, Batman o Edward, un marginado que en el viaje que nos narra la trama intenta hallar respuestas a las dudas que acucian su existencia. En el caso de Jack, dichas dudas vendrán derivadas de la accidental visita a ese acaramelado mundo que es el de Santa Claus, una explosión de color y felicidad que nada tiene que ver con el exacerbado goticismo en el que se ancla su ciudad.

Rebelado contra las reglas impuestas por el orden establecido, Jack decide apoderarse de un mundo que no es el suyo, atribuyéndose un poder —el de Santa Claus— que no le ha sido concedido para mutarse, como afirmaba Jordi Sánchez Navarro en ‘Tim Burton. Cuentos en Sombras’ (Barcelona. Ediciones Glénat, 2000), en un “Prometeo […] que se siente capaz de acometer una empresa propia de Dioses” para llevar SU Navidad a los hombres.

Una voluntad que, aún siendo una película Disney, se intuye como fracasada antes incluso de saber por qué derroteros discurrirá la cinta y que, moviéndose en la fina línea que delimita lo lógico de lo deseable, termina no obstante dejando un grato sabor de boca con una de esas lecciones de “acéptate a ti mismo y el mundo te aceptará a ti” que tantas y tantas veces hemos visto plasmadas en las cintas de los estudios de animación del “tío” Walt.

Y si hubo quien se pronunció en contra de tan poco arriesgado final —la verdad, no hubiera estado mal ver a Jack consiguiendo sus surrealistas planes para con las fiestas navideñas— no seré yo el que arremeta ni contra él ni, mucho menos, contra un filme al que los años transcurridos han sentado como al buen vino, demostrando un carácter atemporal y no sujeto a modas pasajeras que ya hubieran querido para sí muchas películas de “dibujitos” posteriores.

Resultado de la precisa combinación de un diseño de personajes fabuloso, de la firme voluntad de Burton y Selick de apartarse de los patrones de la animación Disney —el hecho de que muchos de los personajes, empezando por Jack, no tengan ojos es una patada en toda regla a una de las normas básicas de la expresividad de un dibujo animado—, de una historia que funciona como un mecanismo de relojería, de un villano llamado Oogie Boogie que es el carisma personificado, de un héroe con el que resulta sencillísimo identificarse y de unas canciones y música que son una auténtica delicia, ‘Pesadilla antes de Navidad’ es un clásico indiscutible del cine de animación de todos los tiempos.

Pocas son las dudas que albergo al respecto de que cada nueva generación que se acerque a la cinta, encontrará la misma magia en ella que la que un adolescente de 18 años vió con asombro hace ya dos décadas. Tiempo al tiempo.

Dudo que se pueda explicar mejor ni más rápido.

Le han convencido. Desde que se supo que ‘Skyfall’ (2012) estaba siendo un rotundo éxito en todo el mundo —es el título más taquillero de la saga—, los medios se lanzaron a preguntar a Sam Mendes si iba a dirigir la siguiente entrega; él dijo que no lo veía probable, que quería hacer otras cosas. Aun así, el inglés siempre estuvo entre los favoritos de los productores para ocuparse de la 24ª aventura de James Bond —junto a otros como Christopher Nolan—, y hoy mismo se ha anunciado que efectivamente han llegado a un acuerdo para que el cineasta continúe en la saga.

Además de la contratación de Mendes, se ha revelado de manera oficial la fecha del estreno de la que de momento conocemos como ‘Bond 24’; la próxima entrega llegará a los cines el 23 de octubre de 2015. Y por ahora, poco más. John Logan se encarga del guion y, por supuesto, volveremos a ver a Daniel Craig en la piel del inmortal espía creado por Ian Fleming. Es de suponer que Ralph Fiennes, Naomie Harris y Ben Whishaw también repitan. Lo de Penélope Cruz solo fue un rumor, de momento no hay nada. ¿Eso que oigo son suspiros de alivio?

Vía | TheHollywoodReporter

En la famosa filmación de Abraham Zapruder del asesinato de John Fitzgerald Kennedy aparece un tipo entre el público con un paraguas abierto. El hecho no tendría más relevancia si no fuera porque aquel 22 de noviembre el cielo estaba totalmente despejado en Dallas. Otra filmaciones desde distintos ángulos muestran al hombre sosteniendo el paraguas justo en el lugar donde Kennedy es abatido por las balas. La historia dio pie a todo tipo de especulaciones, desde un sofisticado mecanismo para lanzar dardos hasta la posibilidad de que estuviera haciendo alguna señal.

Pero la verdad es más retorcida que todo eso. Os aconsejo ver este estupendo vídeo de 6 minutos dirigido por Errol Morris, publicado por The New York Times en 2011 y subtitulado por Vicent Montagud. No os perdáis ni un detalle hasta el final:


"Si encuentras algo que parece realmente siniestro, que es obvio que solo puede tener una base siniestra...", asegura John 'Tink' Thompson en el vídeo, "olvídalo, amigo. Porque nunca se te podrán ocurrir por tus propios medios todas las explicaciones no siniestras y perfectamente válidas para ese hecho". Para tallarlo en piedra.

Podéis leer el estupendo artículo de Vicent Montagud, "El hombre del paraguas en Egipto", donde encontré el vídeo. Vía @vicentmontagud

Detroit


Chernobyl


Detroit


Chernobyl


Detroit


Detroit


Detroit


Chernobyl


Chernobyl


Detroit

Detroit or Chernobyl?

En 1830, cuando tenía 15 años, el esclavo Henry Brown fue enviado a Richmond (Virginia) para trabajar en una plantación de tabaco. Su vida transcurría sin pena ni gloria hasta que conoció a Nancy, una esclava de una plantación adyacente. Después de un breve noviazgo, y con el permiso de sus respectivos amos, obtuvieron el permiso para casarse. Dentro de sus limitadas posibilidades fueron años de felicidad junto a sus tres hijos. En 1848, cuando Nancy estaba embarazada de su cuarto hijo, Henry recibió la noticia de que su mujer y sus tres hijos habían sido vendidos a un comerciante de esclavos; salió corriendo para suplicarle al amo que no lo hiciese… Impotente, sólo pudo contemplar cómo 350 esclavos encadenados -entre los que estaban Nancy y sus hijos- partían hacia Carolina del Norte.

Después de varios meses lamentando la pérdida de su familia, decidió que conseguiría la libertad costase lo que costase… ya nada tenía que perder. Ideó un plan brillante: se enviaría a sí mismo en una caja por correo postal a Filadelfia. Necesitaba la ayuda de dos cómplices más, uno en Richmond para enviar el paquete y otro en Filadelfia para recibirlo. Así que, a través de James Caesar Anthony, un antiguo esclavo que había conseguido la libertad, contactó con Samuel Alexander Smith, un simpatizante de la causa abolicionista en Richmond. Henry pagó a Samuel 86 dólares para que se encargarse de todos los preparativos y le encargó contactar con Philadelphia Anti-Slavery Society (Sociedad Antiesclavista de Filadelfia) para que alguno de sus miembros aceptase el envío.

El 23 de marzo de 1849, metían a Henry Brown en una caja de madera forrada con un paño grueso de un metro de largo, casi uno de alto y medio de ancho, con unas pocas galletas y una cantimplora de agua. Samuel Alexander Smith enviaba la caja a través de Adams Express Company a James Miller McKim, líder de la Sociedad en Filadelfia, como “productos textiles“. Fueron 27 horas penosas en carreta, ferrocarril y barco de vapor en las que además tuvo que sufrir la dejadez de los transportistas al no respetar “este lado hacia arriba“. Antes del amanecer del 25 de marzo, James Miller McKim, William Still, el profesor Cleveland y Lewis Thompson abrían la caja en Filadelfia…

¿Cómo están ustedes, señores? – dijo Brown. En aquel momento lo bautizaron como Henry “Box” Brown.

Debido al éxito de aquel brillante plan, Samuel Alexander Smith intentó liberar más esclavos de Richmond con un nuevo envío a Filadelfia el 8 de mayo de 1849, pero fue descubierto, detenido y condenado a 6 años de prisión. Henry “Box” Brown se convirtió en un icono del abolicionismo participando incluso en convenciones y mítines pero en 1850, tras la aprobación de la Fugitive Slave Act (Ley de Esclavos Fugitivos) y el temor a ser devuelto a su antiguo amo en Virginia, huyó a Londres donde siguió con la lucha abolicionista. Tras algunas problemas financieros y las críticas por no hacer nada por recuperar a su familia, abandonó su lucha. Formó una nueva familia y se dedicó a otros menesteres menos altruistas.

Fuentes e imágenes: Henry “Box” Brown, Spartacus Educational

El esclavo que consiguió la libertad enviándose a sí mismo por correo escrito por Javier Sanz en: Historias de la Historia
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Dejar de ser un miembro de la mafia japonesa Yakuza y reinsertarse en la vida civil no es fácil. Entre otras cosas porque su estricto código de honor les obliga a cortarse el dedo meñique, y partes de otros dedos, cuando comenten un error grave o un acto desleal. Así que resulta bastante sencillo identificarlos.

La cadena ABC ha entrevistado a Shintaro Hayashi, un fabricante de prótesis japonés que ha visto incrementada la demanda de dedos en los últimos años, muchos de ellos de ex miembros de la Yakuza. "Hayashi divide a su clientela en tres categorías", explican. "Aquellos que acuden a él obligados por sus novias preocupadas por la reputación, ex miembros que están deseando ascender pero les preocupa que se descubra su pasado, y viejos miembros de la Yakuza que no tienen intención de dejarlo, pero necesitan cubrirse para la boda de un hijo o el evento deportivo de un nieto".

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Uno de sus clientes, Shigeru Takei, explica la situación que se produce cuando deja la Yakuza e intenta acudir a una entrevista de trabajo. "No podía decir la verdad en mi currículo porque había pertenecido a la Yakuza durante 20 años", explica. "Si no tienes dedos, no hay manera de encontrar un trabajo".

Aquí es donde entra el trabajo del protésico, que fabrica dedos de silicona cuidadosamente pintados con el tono de piel del cliente y que cobra a 3.000 euros. Durante los últimos años ha fabricado más de 300 dedos y tiene claro el poder que tienen. "Si te pones el dedo", sentencia, "puedes darle la vuelta a tu vida".


Enlace: Prosthetic Fingers Help Reform Japan's Feared Yakuza Gangsters (ABC news)

"Para la prueba, los científicos hicieron pasar a los sujetos por una serie de aperturas de diversa anchura mientras les encargaban alguna tarea. A continuación, midieron el ángulo de inclinación de los hombros de los participantes a la hora de pasar por estas aperturas y descubrieron que los pacientes de anorexia se encogían inconscientemente al pasar por las puertas como si estuvieran mucho más gruesos de lo que estaban."

Leer más en: El experimento de la puerta: los anoréxicos se mueven como si fueran más corpulentos (lainformacion.com)

Este post corresponde a una versión reducida del artículo que publiqué en la revista Historia de Iberia Vieja en su edición correspondiente al mes de abril de 2013.

Una de las notas más simpáticamente interesantes de la actual Exposición de Medicina e Higiene es la presencia en ella del maravilloso aparato Sánchez, que, si como experimento científico es admirable, lo es todavía más desde el punto de vista de su utilidad terapéutica. Adoptado en la Gran Guerra por el ejército francés, bien conocido dentro y fuera de España, el aparato Sánchez ha sido el centro de la Exposición.

Don Mónico Sánchez, autor y constructor de tan notabilísimo invento, siente el orgullo de su origen, y ni su larga estancia en Norte América, ni el triunfal paseo de su invento por Europa, le han inducido, como con triste frecuencia ocurre, a disfrazar su españolísimo apellido, ni a montar las fábricas de sus aparatos fuera de su patria. Un simple enchufe en la red de alumbrado de cualquier población, trátese de corriente continua o alterna, basta para que el aparato produzca electricidad a la tensión de 80.000 voltios y con frecuencia de siete millones. La electroterapia ha dado un gran avance con este aparato.

Mundo Gráfico, miércoles 14 de mayo de 1919.

Una mirada al interior de las cosas

La física de finales del siglo XIX vio nacer multitud de revoluciones que han dado forma a gran parte de la avanzada tecnología de la que hoy podemos disfrutar. Una de esas revoluciones comenzó en 1895, cuando Wilhelm Conrad Röntgen descubrió los rayos X. El hallazgo fue casual, como sucede en tantas ocasiones. Röntgen se hallaba experimentando con tubos de vacío y descargas eléctricas de alto voltaje. Su objetivo original se centraba en investigar la fluorescencia producida por rayos catódicos pero se encontró con cierto tipo de nueva radiación invisible que era capaz de atravesar la materia e impresionar placas fotográficas. Como desconocía qué eran aquellos misteriosos rayos, los llamó X, nombre que ha perdurado hasta hoy. Röntgen alcanzó la fama muy pronto y en 1901 se le concedió el premio Nobel de Física. Los aparatos de rayos X se extendieron por doquier pero eran voluminosos y caros. Si alguien diseñaba una máquina portátil, a buen seguro que encontraría también fama y fortuna. Bien, alguien lo hizo, pero para conocerlo no hay que mirar muy lejos, simplemente habrá que viajar a cierto lugar de La Mancha.

Un paseo por el tiempo en el Archivo Histórico de la Oficina Española de Patentes y Marcas nos descubrirá a un personaje inquieto que atendía al nombre de Mónico Sánchez Moreno. Suya es la patente número 41887, de 1907, sobre “un aparato al que se da nombre de Puente Wheatstone-Sánchez”. Entre 1909 y 1911 logró patentar otras máquinas, tal y como aparece en las patentes numeradas como 46537, 49075 y 51029, sobre aparatos de rayos X portátiles y generadores de alta frecuencia. En efecto, fue Mónico Sánchez el genio eléctrico que revolucionó el mundo de la radiología hace ahora un siglo pero, ¿quién era este casi olvidado personaje?

De Piedrabuena a Nueva York

Mónico Sánchez Moreno vino al mundo en Piedrabuena, Ciudad Real, en el seno de una humilde familia, el 4 de mayo de 1880. No puede decirse que hubiera nacido en un lugar y en un ambiente muy propicios para la invención, pero la obstinación de Mónico logró convertir la adversidad en una ventaja. Desde muy temprano se sintió fascinado por la electricidad. Era la época de la conocida como guerra de las corrientes y, por muy alejado que se encontrara La Mancha de Nueva York, sí llegaban noticias sobre las batallas de ingenio y de altas finanzas entre Edison y Tesla, entre J.P. Morgan y George Westinghouse, ente la corriente continua y la alterna. De aquella guerra salió vencedora la corriente alterna de Nikola Tesla, que es la que actualmente se emplea en la distribución eléctrica en todo el mundo. El nacimiento de la era de la electricidad tenía lugar en aquellos momentos en Nueva York. Era el lugar indicado para quien quisiera se alguien en el mundo de los aparatos eléctricos pero, ¿cómo saltar de La Mancha a la Gran Manzana para seguir los pasos de Tesla y compañía? Era un sueño, puede decirse que toda una quimera porque, para empezar, Mónico no tenía ni idea de hablar inglés y sus conocimientos de electricidad eran puramente intuitivos, no formales.

Mónico Sánchez, a la izquierda, con su máquina de rayos X.

Sin embargo, donde muchos otros se hubieran retirado, nuestro protagonista apostó por su propio futuro, ¡y salió vencedor! Con algunos ahorros el joven Mónico Sánchez se matriculó en Madrid en un curso a distancia que ofrecía una institución británica. No sólo aprendió los rudimentos de la tecnología eléctrica sino que también aprovechó para aprender inglés. Sus progresos llamaron tanto la atención de sus maestros ingleses que le facilitaron toda la ayuda necesaria para conseguir trabajo en una empresa eléctrica de Nueva York. Así, Mónico puso rumbo a América, donde llegó con el cambio de siglo.

No sólo se convirtió en poco tiempo en un empleado modelo sino que aprovechó también para continuar sus estudios matriculándose en 1903 para estudiar ingeniería eléctrica. Cuatro años más tarde, con el título ya bajo el brazo, pasó a trabajar en una empresa de equipos telegráficos. De aquel entonces data la primera patente de las citadas al principio de este artículo, una máquina pensada para la métrica precisa de diversos parámetros eléctricos como la resistencia o el aislamiento.

Una máquina de rayos X en miniatura

Mónico Sánchez continuó sus estudios en la neoyorquina Universidad de Columbia, perfeccionando sus conocimientos sobre tecnología eléctrica. Todo ello le sirvió para conseguir empleo como ingeniero jefe en una industria que diseñaba y fabricaba aparatos para radiología y electromedicina. Fue entonces, a partir de 1908, cuando logrará dar forma a sus ideas para construir una máquina de rayos X y de corrientes de alta frecuencia muy especial. El aparato fue exhibido al año siguiente en una muestra de tecnología eléctrica en Nueva York y despertó el entusiasmo de los asistentes.

Acababa de nacer el conocido como aparato Sánchez. Se trataba de una máquina de rayos X portátil, toda una revolución que cambió el panorama del diagnóstico médico para siempre. ¿Y dónde estaba la novedad de semejante aparato? Debe pensarse en que la tecnología de rayos X de principios del siglo XX no era muy práctica para aplicaciones a gran escala. Por una parte se debía contar con un generador eléctrico capaz de crear corrientes de alto voltaje. Por otro, el montaje completo de las máquinas siempre era voluminoso y pesado, con varios cientos de kilos de peso en total. ¿Quién iba a pensar en mover semejantes monstruos? Naturalmente, el coste de fabricación y el tamaño de aquellas máquinas de rayos X hacía que sólo se pudiera disponer de ellas en grandes hospitales. Llegó entonces el aparato Sánchez para cambiarlo todo. Donde hasta entonces sólo había grandes máquinas fijas, ahora se podía llevar un sistema de rayos X donde se deseara. La nueva máquina se podía desplegar en apenas unos minutos, ocupaba el espacio de una maleta de viaje relativamente pequeña y no llegaba a la decena de kilos de peso. Toda una maravilla que, además, sólo necesitaba ser enchufada a la red eléctrica para funcionar, sin tener que preocuparse por tener a mano un generador.

El regreso a La Mancha

La máquina de rayos X de Mónico Sánchez fue todo un éxito instantáneo. En pocos meses comenzaron a llover los pedido y el ingeniero manchego pasó de ser empleado a tener su propia compañía. Sus primeros modelos se fabricaron en los Estados Unidos, pero Mónico deseaba regresar a su tierra para crear una gran fábrica. Y, así, hace ahora un siglo, en 1913, nació el Laboratorio Eléctrico Sánchez. Se trataba de una gran fábrica instalada en Piedrabuena que, además de crear empleo, sirvió para que llegaran al pueblo grandes mejoras. Por ejemplo, se construyó un sistema de conducción de agua potable y una central eléctrica, todo ello pensado tanto para alimentar la fábrica como el propio pueblo. Mónico soñaba con crear una especie de universidad para formar especialistas en electricidad y electroterapia allí mismo, pero nunca llegó a ver cumplida esa parte de su sueño.

Mientras tanto, Europa cayó en las sombras de la Gran Guerra, pero curiosamente eso supuso todo un golpe de suerte para Mónico Sánchez. Si hasta entonces había vendido sus aparatos portátiles de rayos X a médicos de toda Europa y América, pasó en 1914 a ser también el proveedor del ejército francés. Decenas de novísimas ambulancias fueron equipadas con aparatos Sánchez, con lo que en plena guerra se tenían a mano sistemas portátiles de rayos X para el auxilio de los heridos. Piedrabuena se convirtió en el más puntero centro de investigación en radiología de su época. Todo parecía marchar bien, el futuro era brillante y Mónico comenzó a diseñar máquinas de electroterapia.

Pero todo se torció con el comienzo de la Guerra Civil. El Laboratorio Eléctrico fue cayendo en el olvido, más que nada por la interferencia de las autoridades de la época y a la competencia de nuevas tecnologías que mejoraban el aparato Sánchez. Mónico no se recuperó de aquella crisis y, aunque continuó diseñando todo tipo de aparatos novedosos, no volvió a la primera línea del mercado de aparatos radiológicos. Con su fallecimiento, a finales de 1961, acabó la historia de su Laboratorio Eléctrico, que cayó en el olvido desde entonces.

El Laboratorio Eléctrico de Mónico Sánchez apareció originalmente en Tecnología Obsoleta, 1 abril 2013.

La ley de Inmigración de los Estados Unidos de 1924 sirvió de inspiración a los nazis en su macabra idea de torturar y asesinar a todo un pueblo bajo la excusa de la superioridad de la raza aria. Al amparo de esta ley, se elaboró un manual para no permitir la entrada en los Estados Unidos de “imbéciles, idiotas, personas débiles mentales, personas de inferioridad constitucional psicopática, vagos, defectuosos físicos, alcohólicos crónicos, polígamos, anarquistas, homosexuales, enfermos contagiosos, las prostitutas, los mayores de 16 años que no sabían leer…“. Se debía inspeccionar y desinfectar en los pasos fronterizos a los inmigrantes que ellos consideraban que podrían ser portadores de enfermedades… les rapaban la cabeza, les desnudaban y bañaban con gasolina o queroseno para desinfectarlos. Hitler alabó dicha ley e importó el uso de dichas técnicas.

En la cárcel de El Paso (Texas) en 1916, obligaban a los presos (inmigrantes ilegales) a desnudarse y bañarse en bidones llenos de gasolina, formaldehído y vinagre. El 5 de marzo de de ese mismo año, en pleno proceso de desinfección, alguien encendió una cerilla… murieron 26 presos. Los medios dijeron que fue un accidente y que todos estaban en sus celdas. Sólo años después se supo la verdad de lo ocurrido. Para facilitar aquel control, se crearon centros de desinfección y sólo en la frontera de El Paso con Ciudad Juárez se inspeccionaron 127.000 mexicanos hasta 1929. En 1920, en esta misma frontera, comenzó a usarse el Zyklon B como desinfectante para eliminar pulgas, piojos, garrapatas… [El Zyklon B es un pesticida a base de cianuro que se usaba para exterminar insectos y roedores, tan eficaz que con apenas 4 gramos se puede causar la muerte de una persona]. Se establecieron varios “campos de cuarentena” donde a los mexicanos ilegales se les afeitaba la cabeza y se desinfectaban con el Zyklon B. Además, eran sometidos a diversas pruebas de inteligencia, como “sumas simples” o montar puzzles, para asegurarse que el inmigrante no era imbécil.

El periodista Paul Spike escribió en el diario británico The First Post…

Los productos químicos utilizados para desinfectar y despiojar en la frontera con México fueron responsables de la muerte de miles de personas, malformaciones en los fetos, cáncer…

Según el Dr. John Tappan…

Familias enteras fueron exterminadas por el Zyklon B en las fronteras mexicano-estadounidenses.

¿Cómo llegó a la Alemania de Hitler?

El uso del Zyklon B inspiró al Dr. Gerard Peters para producir en masa este gas con el fin de “eliminar plagas”. En 1938, Peters se convirtió en presidente de la firma DEGESCH, que comercializaba dicho producto, y publicó un artículo del uso del gas en los inmigrantes mexicanos en la revista alemana “Anzeiger für Schädlingskunde” con fotografías de policías “limpiando” a inmigrantes mexicanos. Sólo fue cuestión de tiempo que los nazis llevasen aquellas prácticas a sus campos de exterminio. Peters fue juzgado en Nüremberg y condenado, pero en un segundo juicio en 1955 fue absuelto.

Una nota de Hitler, fechada en 1924, decía:

En comparación con la vieja Europa, que ha perdido una cantidad infinita de su mejor sangre a través de la guerra y la emigración, la nación [Estados Unidos] aparece como un pueblo joven y de raza selecta. La propia nación, motivado por las teorías de sus propios investigadores raciales, establece unos criterios específicos y selectivos para la inmigración [...] Que un inmigrante pueda pisar suelo estadounidense depende de los requisitos raciales específicos, así como de un cierto nivel de salud…

En Europa, cerca de 6 millones de judíos fueron asesinados con el Zyklon B en los campos de exterminio a imagen y semejanza de los métodos utilizados por Estados Unidos en la frontera con México. Lamentablemente, apenas se tienen datos del número de víctimas mexicanas.

Colaboración de Edmundo Pérez.
Fuente e imágenes: An Underground Cultural History of El Paso and Juarez, 1893-1923

El trato a los indocumentados mexicanos, un ejemplo para los nazis escrito por Javier Sanz en: Historias de la Historia
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