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27 Apr 14:20

'El silencio de los corderos' y la memorable secuencia de la jaula

by Víctor López G.

Silence Of The Lambs

Hoy es un día triste para todo amante del buen cine que se precie, y es que Jonathan Demme, director productor y guionista que nos ha regalado joyas de la talla de ‘Philadelphia’, nos ha dejado a los 73 años. Y qué mejor manera para honrar al neoyorquino que analizando una de las secuencias de la que probablemente sea su obra magna, ‘El silencio de los corderos’ (‘The Silence of the Lambs’, 1991).

Una pieza para comprender aún mejor por qué fue galardonado con, entre otros, los merecidísimos Oscar a la mejor dirección y la mejor película. El fragmento en el que nos sumergiremos a continuación —para servidor, aún más especial que el mítico primer interrogatorio— es la muestra fehaciente de que un director, mediante una gestión inteligente del espacio y la cámara, puede potenciar hasta límites insospechados la intensidad de una escena y el magnetismo entre sus protagonistas.

Una complicidad, en este caso entre el Dr. Lecter y la agente Clarice Starling, cuya fuerza, alejada de las magistrales —y oscarizadas— interpretaciones del dueto Jodie Foster-Anthony Hopkins, recae sobre los hombros de un Demme que extrae oro puro de un elemento, a priori, intrascendente: los barrotes de una celda.

Primer movimiento

La escena arranca con la Starling lanzando una mirada furtiva a un espacio aún desconocido para el espectador mientras habla con el encargado de vigilar la estancia. Nuestras expectativas aumentan en proporción al nerviosismo que transmite la agente. El Silencio De Los Corderos 1

Una panorámica en seguimiento del personaje nos muestra el escenario en todo su esplendor: una enorme sala en la que predominan los colores parduzcos y apagados en cuyo centro se alza una celda inmensa. En su interior, bajo un haz de luz, una figura ataviada en un blanco nuclear, totalmente disonante con el espacio, destaca sobre el resto: Es el Dr. Hannibal Lecter, cuya vestimenta no hace más que evidenciar que está fuera de su elemento; confinado en una jaula sin sus dibujos —o vistas—. El Silencio De Los Corderos 2

Clarice avanza hacia el doctor, y nuestra mirada se acerca progresivamente con ella, centrándonos en su rostro en un plano medio y en su punto de vista. Lecter le da la espalda a la protagonista con una maraña de barrotes de acero siempre presente, creando una barrera impenetrable entre ellos. El Silencio De Los Corderos 3

La conversación entre ambos da inicio, y el resentimiento del caníbal hacia la investigadora queda reflejado en su posición corporal. Los barrotes siguen actuando de separación, incluso después de que Starling haga saber a Lecter que ha ido a verle por voluntad propia y no siguiendo órdenes del FBI. Esta confesión, de agrado del psiquiatra, propicia un cambio en la posición del personaje y, con ella, una nueva puesta en escena con su consiguiente statu-quo.

Segundo movimiento

Lecter se ha girado, diluyendo un tanto la hostilidad y estableciendo contacto visual con Clarice. Los barrotes de la celda reencuadran su siniestra expresión facial mientras los planos van cerrándose progresivamente, incrementando la sensación de ansiedad de la agente, a quien se le está acabando el tiempo para completar su investigación. El Silencio De Los Corderos 4

Su desasosiego se demuestra en sus movimientos, desplazándose constantemente alrededor de la prisión improvisada, lo que hace aún más evidente con los seguimientos de cámara la barrera impuesta entre los personajes por los barrotes, difuminados en primer término. En contraposición, los planos de Lecter, sentado y paciente en su cautiverio, se ruedan estables y limpios, con las líneas metálicas enmarcando su rostro y sin entorpecer la visión en absoluto. El Silencio De Los Corderos 5

Tras varios segmentos en los que los planos cortos predominan para remarcar aspectos importantes de la conversación, una amenaza externa en forma de visitantes indeseados eleva los niveles de urgencia de la escena, lo que rompe el diálogo y acelera la necesidad de la pareja de alcanzar sus objetivos personales. El Silencio De Los Corderos 6

Tercer movimiento

Es en este momento cuando Demme comienza desata todo su potencial con los barrotes, que continúan ejerciendo su función separadora, pero no por mucho tiempo.

Un primer plano aún más cerrado que los precedentes nos muestra al Dr. Lecter construyendo la historia personal de Clarice que tanto ansía por conocer, aún encuadrado entre las líneas de metal.

El Silencio De Los Corderos 7

En contraposición, en un primer plano equivalente, aunque ligeramente más abierto, Starling inicia su confesión a regañadientes. El Silencio De Los Corderos 8

Es a partir de este giro cuando empieza la magia. En el instante en que Hannibal comienza a penetrar definitivamente en la mente de la agente, la cámara inicia un suave travelling, casi imperceptible hacia el rostro del asesino en serie. A medida que Lecter se aproxima al fondo de la psique de Clarice, la cámara lo hace proporcionalmente, hasta que, una vez ha llegado hasta el final, los barrotes desaparecen. El Silencio De Los Corderos 9

El efecto en el contraplano es similar: Starling comienza a narrar su historia reticente a ello, pero una vez se suelta y empieza a confesar sus traumas e intimidades, la cámara avanza hacia su rostro hasta hacer desaparecer cualquier señal de la jaula. El Silencio De Los Corderos 10

De aquí en adelante, la prisión se revela no sólo como una barrera física sino también emocional. Durante el diálogo íntimo entre ambos personajes no existe nada más que ellos dos. Por primera vez en toda la película están juntos, vinculados al cien por cien, y esto queda plasmado de forma impecable por un elemento tan simple y a la vez eficaz como unos cilindros metálicos que desaparecen en el momento preciso.

Cuarto movimiento

Algo rompe la el encanto del momento. Lecter huele a Chilton aproximarse. La amenaza ya está cerca y el clima de complicidad se ha roto por completo. La jaula vuelve a evidenciarse en cámara, magnificada por el uso de planos abiertos. El Silencio De Los Corderos 11

La separación de la pareja protagonista es inminente, y la cámara vuelve a dinamizarse para enfatizarlo. Pese a ello, cuando parece que el encuentro ha finalizado, el doctor ofrece el ansiado informe de la investigación a Clarice y, cuando esta corre a recogerlo, la celda vuelve a desaparecer por última vez en un plano detalle demoledor en términos emocionales. El Silencio De Los Corderos 12

Por primera vez, la desaparición de barreras físicas entre la investigadora y el caníbal es total, permitiendo el único contacto piel con piel que tendrán durante toda la película: un simple roce de dedos que actúa como el clímax perfecto de una de las mejores secuencias que nos ha regalado el cine de género. El Silencio De Los Corderos 13

Tras este magnífico pico narrativo, un plano general vuelve a revelar la inmensidad de la prisión, devolviéndonos a la realidad y dando cierre a la que, para un servidor, es la secuencia más significativa, emocionante y compleja —dentro de su aparente sencillez— de una obra maestra como ‘El silencio de los corderos’.

El Silencio De Los Corderos 14

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19 Apr 08:53

Una ballena azul comiendo, a vista de dron [VÍDEO]

by noreply@blogger.com (Antonio Martínez Ron)


El equipo de Leigh Torres, de la Universidad de Oregon State, utiliza vehículos no tripulados (drones) para registrar el comportamiento de las ballenas azules. En l a siguiente secuencia captaron el momento en que uno de estos gigantes se pone de lado y abre su inmensa boca para devorar un banco de krill. En el momento en que la ballena decide atacar, explica la investigadora, la boca actúa como un freno y el animal reduce su velocidad hasta casi frenarse, así que debe elegir muy bien si merece la pena, por el gasto energético que conlleva. Más detalles, en el vídeo [Vía @seasaver]



Entrada publicada en Fogonazos http://www.fogonazos.es/
28 Mar 09:41

Una pasión en el desierto

by Daniel Centeno Maldonado

Fotografía: Desert Trip.

Sucedió una semana antes en el teatro del casino Venetian de Las Vegas: John Fogerty contó la anécdota de su actuación con Creedence Clearwater Revival en Woodstock. Para muchos ese recital es todo un misterio. El mismo Fogerty se encargó de prohibir su publicación aduciendo un poco de vergüenza ante el resultado final. Creedence debía salir a escena después de que Grateful Dead terminara un show infinito y lisérgico antes de las nueve de la noche del sábado 16 de agosto de 1969. Pero no sucedió así. El conjunto de Jerry García se quitó bien entrada la madrugada, y el combo de Fogerty tuvo que enfrentarse ante un público entumecido y desnudo sobre litros de lodo.

Con la frustración de entregarlo todo a medio millón de zombis, el líder de Creedence sintió que todo estaba perdido. Y así tocó: expiatoriamente, entre un humo denso y en la total oscuridad de las almas. El absurdo llegó a su culmen cuando el mismo Fogerty terminó una canción y vio como a un cuarto de milla a la única persona en pie de todo el lodazal. Una lucecita que encendía su mechero y gritaba con lo que la yerba podía dejarlo modular: «¡No te preocupes John! ¡Estamos contigo!».

Así fue cómo Creedence Clearwater Revival tocó todo su concierto para esa luciérnaga humana. Así fue como John Fogerty luego compuso «Who’ll Stop the Rain» para un total desconocido.

Eran otros tiempos.

Lo pienso mientras camino rumbo al primer día del Desert Trip, y me topo con un cable rosa para iPhone de última generación. Está tirado en el piso del lote 15 del estacionamiento del festival que ha despertado las mayores expectativas de los últimos tiempos. Nada tiene que ver el Empire Polo Club de Indio con la granja en la que se hizo Woodstock. Acá todo es pulcro y organizado. Sus ciento treinta y tres hectáreas están planificadas con precisión alemana. Olvídense de lo improvisado de aquellos días de hippismo, del amor fraternal, del lodo, de la falta de puestos de comidas, de los cuerpos en pelota picada y de todo el cuento de un Fogerty que ahora toca en casinos. Desde que el 9 de mayo se agotaron las entradas del Desert Trip en cuestión de cinco horas, la promotora Goldenvoice quiere que sus clientes disfruten de una experiencia en donde no quepa la decepción. ¡Bienvenidos al festival más lucrativo de la historia!

Todo detalle ha sido cuidado con mimo. La cajita del festival que llegó en septiembre a la puerta de cada casa es un estuche de monería que apela a la nostalgia: desde las palmeritas decorativas que la tapizan hasta los brazaletes que se deben activar por internet y el View-Master con imágenes de los músicos. Lo último es todo un guiño a la generación baby boomer a la que va dirigido este banquete sonoro. Probablemente estemos hablando de aquellos hippies que ahora mismo quizás estén detrás de prósperas empresas, como aquella que fabricó el cable de ese iPhone tirado al descuido o la aplicación del festival que puede instalarse en los teléfonos móviles. Porque no hay que equivocarse: la gracia y su experiencia prometida existe en la medida en la que se cuente con el dinero suficiente para financiarla. Un somero repaso a los precios de las entradas sin los impuestos sirven para redondear la idea: los boletos VIP salen a 1599 dólares, los de un solo día a 199 dólares y los pases de todo el fin de semana a 399 dólares. Lo del yantar es otra cosa: las cenas de cuatro platos van por los 225 dólares por persona, la experiencia culinaria de «todo lo que puedas comer» sale a 179 dólares y el combo de los tres días ronda los 499 dólares. Hay que decir que son más de treinta los chefs internacionales encargados de explotar el paladar con langostas y manjares. También hay expertos en eso que llaman el maridaje entre los vinos y para la cerveza artesanal se contrataron a los mejores nombres.

Desert Trip es un juego de palabras que alude a un viaje al desierto, tanto en sentido real como psicotrópico. Paul Tollet, presidente de la aludida Goldenvoice, la misma del festival Coachella, confesó a la Rolling Stone que fueron dos los años de negociaciones para tener el sí de los seis artistas del cartel. Su terquedad llegó a buen puerto, y prometió entre catorce y veinte millones de dólares a cada uno de ellos por su show. Así que todos estábamos invitados a formar parte de ese viaje, pero el sacrificio monetario ya es otro asunto.

No vayan a pensar que todo el esfuerzo de Tollet se hizo por amor al arte.

DÍA 1: Bob Dylan / The Rolling Stones

Fotografía: Desert Trip.

«En el principio creó Dios los cielos y la tierra». El viernes 7 de octubre el atardecer del desierto invita a la cita bíblica. Bob Dylan, o Dios para muchos presentes, va a inaugurar el encuentro días antes de ser tocado por la varita del Nobel. El asunto estriba en que el único representante norteamericano del país que creó el rock retrasa su salida a escena por tiempo indefinido.

Aún huele a caballo en todo el Empire Polo Club y noto que la gente está ordenada en enormes establos: cercas de maderas pintadas de blanco forman cuadrados en donde pernoctan en el césped buena parte de las setenta y cinco mil personas del público. La mayoría aparenta tener de cincuenta años en adelante, pero en menor medida también hay veinteañeros. Las chicas visten camisetas floreadas, botas vaqueras o sombreros anchos del neohipismo de franquicias como Abercrombie o Forever 21. Las hay con camisetas de los artistas del día o del cartel o incluso de propuestas que nada tienen que ver con la cita (Guns N’ Roses, por ejemplo). Una joven de unos veinte años lleva una negra en la que se lee en inglés la siguiente oración: «¿Quién diablos es Mick Jagger?».

Un tiovivo de a ocho dólares por persona comienza a colorear la noche. A lo lejos un DJ pone canciones de Jimi Hendrix o The Kinks para los que llegaron en casas rodantes. Hace un par de horas que se terminaron las sesiones de yoga y pilates programadas para el público festivalero. El tiovivo ahora se torna amarillo para transformarse en la happy face. Y Dylan aparece para tocar una irreconocible «Rainy Day Women #12 & 35» casi a las 7 p.m.

Es verdad que el de Duluth no se traiciona a sí mismo. Llega con aura de maestro huraño sin contacto con el público. Los jóvenes caminan en procura de latas de Budlight de a diez dólares o por simple tedio, pero los mayores e incondicionales se postran ante el tótem. Dylan se esconde detrás de un piano y en la mitad de su show las pantallas solo transmiten imágenes en blanco y negro de trenes o de estampas americanas del siglo pasado. Su banda es de primera. Transita por el country, el folk, el rock o el blues con la gracia de un gato que dobla una esquina. Su jefe apenas ladra «Don’t Think Twice It’s all Right» o «Highway 61 Revisited». De pie y armónica en mano regala otras gemas como «Simple Twist of Fate», «Early Roman Kings», «Love Sick», «Tangled Up In Blue», «Lonesome Day Blues», «Pay Your Blood»,«Soon After Midnight» y «Ballad of a Thin Man». Para cuando «Masters of War» cierra el show, apenas han pasado unos escasos setenta y cinco minutos de recital. Un joven regresa con unas camisetas recién compradas en el puesto de mercancía oficial y exclama: «¡Ya terminó! Si apenas pude escuchar una canción antes de hacer la cola».

Y sí, Dylan se va sin siquiera haberle dado permiso a la prensa para ser fotografiado con su sombrero cordobés. Ladró, ya se dijo, desde el principio hasta el final de su comparecencia. El sentido de este verbo ya queda a gusto de cada quién.

El bajón es innegable. Unas chicas intercambian noticias al revisar su celular: Catherine Zeta-Jones, Michael Douglas, Rob Lowe y Cindy Crawford están entre el público, comentan al descuido. Una dice que a la modelo Georgia May Jagger, hija del cantante de los Stones, la vieron comiendo en la zona. Es probable. Desde que comenzaron los rumores del festival, una noche en la habitación más barata de todo el área se acerca a los doscientos dólares. El cielo tiene un precio, y el papá de Georgia está a punto de hacer valer esta entrada.

Si Dylan fue la austeridad, los Rolling Stones juegan con lo opuesto. Y no decepcionan. Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts y Ronnie Wood aparecen tras los primeros compases de «Start Me Up» para encender un ambiente de brasa fría. Es cierto que sus satánicas majestades son unas fieras al momento de venderse a sí mismos. Horas antes los periódicos de medio mundo habían anunciado la inminente salida de su próximo disco de estudio, Blue & Lonesome. El mismo Jagger atizó a las masas con una camiseta con la lengua azul. Así que la expectación ya estaba macerada.

Un show de los Stones se ha convertido en un asunto social. Importa más haber estado allí que el aporte musical de un grupo que no sorprende desde los setenta. No obstante, para el Desert Trip se notan variaciones en un recital que llevan replicando desde hace más de dos décadas. Hay un extra en canciones como «Mixed Emotions» o el estreno de «Ride ‘Em on Down». También es cierto que esta maquinaria de éxitos no deja de lado sus imprescindibles «It’s Only Rock ’n’ Roll», «Miss You», «Gimme Shelter», «Sympathy for the Devil», «Brown Sugar», «Jumpin’ Jack Flash», «You Can’t Always Get What You Want», «Midnight Rambler», «Wild Horses» y «(I Can’t Get No)? Satisfaction». Pero se notan unas ganas de complacer a un público que los ha seguido de toda la vida. Jagger, aunque bromea al no permitir chistes sobre la edad, hace una primera mención de manera clara: «Bienvenidos a la casa de retiro de Palm Springs para estos distinguidos músicos ingleses».

Y sí, hay un momento mágico, una excepción en su repertorio: una versión de «Come Together» de los Beatles, que alguien del público escucha sorprendido al igual que todos los presentes y con el puño en alto: sir Paul McCartney.

¿Quién dijo que los Stones no crearon el rock de estadios?

DÍA 2: Neil Young / Paul McCartney

Fotografía: Desert Trip.

Ya la gente comienza a rebautizar al festival con el mote de Oldchella. Lo escucho en la radio mientras manejo al Empire Polo Club. Este va a ser otro gran día con Neil Young y Paul McCartney. McCartney es un tipo exitoso, el único Beatle reverenciado en vida y perdonado por una crítica que le fue esquiva en la primera mitad de su carrera en solitario. Ahora los estadios se le abren como una flor y su nombre equivale a la gloria. Podría decirse que las llaves de la ciudad les quedan cortas. El reverso de la moneda es su compañero Ringo Starr, que anuncia concierto para noviembre en una valla del camino y un recinto más bien decadente: el Fantasy Springs Resort and Casino de Indio. El esplendor y la derrota apenas conviven a unas millas de distancia.

McCartney de alguna manera es el antirock. Representa al tipo ñoño, remilgado y de chistes bobalicones. En su estampa no existe ni un gramo de actitud rebelde. A veces, parece que un personaje de Los Simpson, el vecino Ned Flanders, fue inspirado en él. Sin embargo, nadie como sir Paul para demostrarnos quién es la gran autoridad de estos meandros: fue el compositor de «Helter Skelter», quizás uno de los antecedentes más claros del heavy metal, tiene un dominio de la melodía digno de un extraterrestre, se inventó todo el concepto del Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band y sus líneas de bajo y guitarra ya forman parte de la historia de la humanidad. En contraposición Mick Jagger, que podría ser el mejor ejemplo de la esencia del rock (frontman, provocador y con pasajes turbulentos) tampoco encaja del todo. Detrás de esa imagen de chico malo se encuentra un personaje calculador, cuyas nociones universitarias de economía y marca las ha llevado a su carrera para lucrarse sin miramientos ni compromisos de ningún tipo. Ahora mismo parece que el rock está cimentado sobre contradicciones y a veces cabe preguntarse: ¿acaso hay alguien que aún asuma algún tipo de compromiso genuino en esta música?

Neil Young despoja toda duda a las 6:15 de la tarde. Después de que unas chicas en pantalones cortos vaqueros, con botas, camisas de cuadro y sombreros de granjeras hayan regado unas macetas, el canadiense se sienta en el piano y da pie al milagro: entonar una versión de «After the Goldrush» íntima para setenta y cinco mil personas, que la escuchan como bestias mansas ante un cielo naranja que aún se filtra entre las palmeras del paisaje.

De la camiseta de Young se lee «El agua es vida». El escenario está adornado con chozas y figuras de indios de madera. «Heart Of Gold», «Comes a Time» y «Mother Earth (Natural Anthem)» se van desgranando en una leyenda de voz intacta, que salta de la guitarra acústica al órgano sin ningún tipo de percance. Lo dicho: la primera parte delicada y sentida da paso a lo inesperado: la rabia en plena noche y con un grupo The Promise of the Real, demoledor en su papel de epidermis de un Young inmenso.

El ogro, ahora feliz e incombustible, tiene a sus cómplices para sublimar versiones de «Out on the Weekend», «Human Highway» o «Harvest Moon». Cuando desempolva su  «Down by the River» el acabose se queda corto: más de quince minutos de solos, que le hacen susurrar en varios falsos finales: «Too much». Para el momento de «Seed Justice» él y sus músicos imitan sonidos de animales de granja en una orgía eléctrica sin tregua. Y el momentazo: poco antes de  «Rockin’ in the Free World» alguien de la organización se le acerca al músico y Young comenta: «Me dicen que nos quedan solo cuarenta y siete segundos para hacer “Rockin’ in the Free World”, y haremos una versión de cuarenta y siete segundos». Mentira. Una pieza que va sobre la libertad acaba a los diez minutos. El escenario queda latiendo como si fuera un ser viviente.

El humo se hace denso y la sensación es de plenitud. No importa que ya no vuelva Neil Young después de semejante entrega. Cualquier músico tendría miedo de salir después de lo acontecido. McCartney no. No lo tiene difícil gracias al cancionero que lleva consigo. Es lo más cerca de la experiencia Beatle que pueda existir ahora mismo. Los de Desert Trip lo saben. Por ese tipo de razones este festival vale lo que vale.

Ahora es una especie de lata de refresco la que comienza a girar en las pantallas. Hay algo de danza hipnótica que dura una media hora: mientras da vuelta sobre sí misma se advierten fotos y videos que tienen que ver con sir Paul dentro del grupo más grande de la historia, su carrera solista y sus propios hitos personales. Al terminar su rotación, un bajo eléctrico aparece en medio y el show comienza a todo dar.

A «Hard Day’s Night» sienta las bases de una carta de intenciones: acá se van a repasar canciones que todo el mundo conoce. Y no es mentira: treinta y siete temas, entre los que se contaron «Jet, Can’t Buy Me Love», «Letting Go» o «Maybe I’m Amazed» dejan todo tan claro como el agua. Cuando va por una nueva, «Queenie Eye», Macca hace la broma oportuna: «Cuando toco algo de Beatles, que todos conocen, veo todos los celulares y parece una constelación de estrellas; cuando hago alguno nuevo, que no conocen, es el agujero negro». Aun así es imposible que la gente la escuche sin emocionarse.

Es verdad que McCartney ha perdido muchos registros vocales. Pero eso poco importa cuando se asiste a un sacrificio de ese nivel. Sir Paul tiene detalles con todos. A los de Jagger les devuelve el favor antes de «I Wanna Be Your Man»: «Ayer los Stones tocaron una canción nuestra. Vamos a tocar una de ellos. Es el primer éxito que tuvieron en Inglaterra. Lo escribimos John (Lennon) y yo». Al público lo complace con todo lo que quiere escuchar, incluidas una versión en ukelele de «Something» y una rareza que nunca ha sido de su repertorio, «Being for the Benefit of Mr. Kite!». Hasta sorprende al respetable al lograr lo que ni los Stones pudieron con Dylan: llamar a su telonero, Neil Young, para deleitar a los melómanos con «A Day In The Life», «Give Peace a Chance» y «Why Don’t We Do It in the Road?».

En ese menú de degustación auditiva cabe de todo. Casi tres horas después, con la versión de «Hey Jude», los fuegos artificiales de «Live And Let Die» y la traca final de «Golden Slumbers/Carry That Weight/The End» se comienza a gestar la noción de que ese día podría ser el mejor de la jornada. Tufo a historia, pues.

DÍA 3: The Who / Roger Waters

Fotografía: Desert Trip.

Última jornada del primer fin de semana y ya se habla de una recaudación de ciento sesenta millones de dólares por concepto de entradas. De la venta de mercancía las proyecciones también deben estar por las cifras de los seis ceros. Por ejemplo, desde el día anterior ya no quedan camisetas de los Rolling Stones y tampoco de algunos modelos de otros grupos. Ir a la cola para regresar con las manos vacías equivale a perder medio recital. La texana Aracely Carrillo tiene veintiocho años, y aún no sabe en cuál gastar los cuarenta dólares que valen las más baratas. Lleva dos días asomándose a la línea sin decidirse, y para ese domingo es poco lo que puede escoger y mucho lo que debe esperar entre la mayor acumulación de gente que desespera por irse con un recuerdo antes de que sea demasiado tarde. Aracely se frustra y va directa a hacer tres colas diferentes antes de que caiga el sol: una para una foto delante de la portada en gran tamaño del Some Girls de los Stones, otra para la de The Kids Are Alright de The Who y la última para la de Highway 61 Revisited de Dylan. Con alguna prueba debe regresar, sostiene.

Unos señores de más de sesenta años dicen que en cuanto termine The Who se irán del recinto. Hay gustos para todo. Si nos pusiéramos a encasillar a cada músico como personajes de spaghetti western, para entonces ya pasó el maestro, los espectaculares, el comprometido y el mito. Faltan los viscerales y el conceptual. En esas colas uno se entera de todo. En la de paella alguien comenta el caso del joven británico dependiente de supermercado que llegó al sitio con una mano adelante y otra detrás, duerme en un saco y tiene su regreso a Londres para el lunes. Más adelante sabré por la agencia EFE que se llama Aidan Brachi, y que todo era cierto.

Las pantallas comienzan a amenazar: «Mantengan la calma, ahora viene The Who». Jóvenes danzan en círculos recreando un falso Woodstock. Los jubilados están en sillas reclinables bebiendo vino, a muchísimos metros del escenario sin dejar de gozar de un sistema de sonido y de imagen impecable. No fue raro verlos los días anteriores en el césped bailando en parejas con sus koalas bien atados a sus vientres. Hay un par de chicos mexicanos de la capital que intentan impresionar a unas jovencitas que acaban de conocer. Les presumen que siempre viajan a estos conciertos con todos los lujos que pueden costear veinte mil pesos. «No le hagas caso. Los chilangos siempre dicen mentiras», le comenta una a la otra.

A este punto es obvio que los últimos no son público para ver a The Who. También lo es el hecho de que a Pete Townshend y a Roger Daltrey eso es lo que menos les importa: John Entwistle, el bajista de la banda que murió en 2012, nació un 9 de octubre. De estar vivo este día habría cumplido setenta y dos años. Las pantallas recuerdan eso. Townshend y Daltrey piensan rockear por su amigo, que nadie se equivoque, y lo hacen con todo: «I Can’t Explain» es contundente. La tocan como inicio, sin pirotecnias audiovisuales, pero con ese tipo de rabia que hace que el cantante juegue con el micrófono en el aire y el guitarrista ensaye los primeros windmill marca de la casa. Luego no hay descanso para nadie: «The Seeker», «Who Are You», «The Kids Are Alright», «I Can See for Miles» y «My Generation» salen como balas de ametralladora.

La escena de The Who son Townshend y Daltrey. Traen músicos excepcionales y también utilizan sus pantallas. Sin embargo, el noventa por ciento de su show está en ver a dos señores que se tiran de rodillas, hacen malabares y van desmelenándose canción tras canción sin dar pena ajena. Saben que no necesitan de otra cosa que de ellos mismos para abofetear a la audiencia. Solo cuando interpretan «The Rock», del disco Quadrophenia, es cuando aprovechan para dar un repaso audiovisual de cincuenta años de historia en pocos minutos: Nixon, Elvis, Keith Moon, Lady Di, la reina Isabel de Inglaterra, Thatcher, la caída del muro de Berlín, Clinton, la tragedia de la torres gemelas y la guerra de Irak pasan en un alarde de síntesis.

Me acerco a la zona de los discapacitados. Veo a un grupo de gente alrededor de una televisión de unas sesenta y cinco pulgadas. Están paralizados como si rodearan a un santo. The Who lleva rato con «Pinball Wizard», y de la pantalla advierto la figura de un joven con camisa negra. Me acerco intrigado por esa escena tribal y ahora noto que el hombre hace mímica e imita con las manos los solos de guitarra y batería de «See Me, Feel Me». Ahí es cuando me doy cuenta de que él está en pleno servicio de relatarle el concierto a los sordos. Ni cuando suena «Baba O’Riley» y «Won’t Get Fooled Again» logro descifrar cómo se puede transmitir semejante experiencia sonora a quienes no pueden escuchar, cómo llevar todo el desmadre de The Who a estas personas, cómo relatar la manera en la que el hijo de Ringo Starr, Zak Starkey, ataca sus tambores, cómo sentir esta avalancha de decibelios sin ver por un instante las maromas de Townshend y de un Daltrey que ha desabotonado casi toda su camisa. Increíble.

Fotografía: Desert Trip.

El concierto llega a las dos horas, y la gente está agotada pero feliz. Es un buen momento para pasar a otro estado de conciencia. Quizás los organizadores calcularon eso. Saltar de la rabia de este grupo a la psicodelia de Pink Floyd tiene su encanto. La zona de discapacitados está a buena distancia del escenario, y sabemos que a Waters es mejor verlo de lejos por toda su propuesta conceptual. Ya no hay por qué inventarse historias para intentar acercarse a una tarima reservada a los VIP. Ahí me quedo en la espera del directo del bajista, ese diamante loco que días antes había retado a un presidente al plantar el cerdo inflable del disco Animals en el zócalo de Ciudad de México con la palabra «renuncia».

Waters es un tipo raro. Dice denunciar todas las injusticias del mundo, pero al mismo tiempo llevó a corte a sus excompañeros de Pink Floyd cuando estos decidieron lanzar la placa A Momentary Lapse of Reason sin su anuencia. También es conocido el episodio en el que tornó en músico asalariado al tecladista fundador Richard Wright solo por imponer su dominio y no querer compartir las regalías de las canciones entre cuatro miembros de su antiguo grupo. Hay algo de su personalidad que no cuadra, también pasa con su show pese a sus momentos completamente alucinantes.

El comienzo está acorde con las expectativas. Un ruido telúrico acompaña un video que hace que muchos enciendan sus cigarrillos. Luego llega la magia de «Pink Floyd: Speak to Me», «Breathe», «Set the Controls for the Heart of the Sun», «One of These Days», «Time», «Breathe (Reprise)» y «The Great Gig in the Sky» con dos coristas/sacerdotisas que no paran de aullar para euforia de la concurrencia. Para cuando entonan «Money» y «Us and Them» formo parte de una escena peculiar: un joven norteamericano muy parecido a Mr. Clean (calvo, fornido y de camiseta blanca), me pide un encendedor para alguien que quiere fumar. Se lo consigo, y regresa a los cinco minutos dándome las gracias. Aprovecho y le pregunto por un cigarrillo. No sé qué entiende y me responde: «Bueno, es que no fumo. Fue para mi mamá que quería encenderse un porro de cannabis medicinal». Volteo y veo a una señora en silla de ruedas, de unos setenta años, que me saluda mientras le da hondas caladas a un canuto de los gigantes.

Regreso mi mirada a Waters. El hombre sabe cómo embobar. Trae a diez músicos para que lo ayuden en casi todo, incluido el cantar. En «Shine On You Crazy Diamond» presenta a un joven discapacitado para que toque todos los solos de guitarra. En otras canciones se limita a su bajo eléctrico mientras admira toda su creación como compositor aunque la voz sea de otros. A veces siento que su espectáculo semeja un gigantesco karaoke. «Welcome to the Machine», «Have a Cigar» y «Wish You Were Here» son celebradas, pese a que la última pieza Waters la destroza al interpretarla. Para «Pigs (Three Different Ones)» el escenario ya era la fábrica de la portada del disco Animals. Acá no se escatiman los insultos gráficos y escritos a Donald Trump: imágenes del candidato presidencial republicano con falos en la mano, con un micropene entre sus piernas, con pechos, con la boca pintada de rojo, con cuerpo de cerdo. Para los liberales el acto es todo un festín. La canción termina con citas dichas por el político y al final la aportación de Waters: «Trump es un cerdo».

Con el público en sus bolsillos ya era cuestión de coser y cantar cuando le llega el turno a «Another Brick in the Wall Part 2». Todos la entonan como el himno que es, unos niños de apariencia mexicana hacen los coros y bailan con Waters. De sus camisetas se lee en español: «Derriba el muro». Un cerdo inflable con la cara de Trump a un costado sobrevuela sobre el público. Ya nada puede fallar: «Mother», «Run Like Hell», «Brain Damage» y «Eclipse» pasan con vaselina. Adiós y falso final. Waters regresa y lee un poema que critica la política de Estados Unidos en el tema palestino. Un par de señores norteamericanos levantan el puño mientras asienten con la cabeza. El bis lo suman tres canciones. Para entonces muchos se van para evitar atascos. Muchos menos Aracely, que vuelve a la tienda de mercancía. Ya casi no hay nadie haciendo línea. Logra decidirse entre lo poco que queda: una camiseta negra de Roger Waters con cuatro círculos que contienen las imágenes de los álbumes Dark Side of the Moon, Wish You Were Here, Animals y The Wall. Paga mientras suena «Comfortably Numb», y dice: «Ahora sí van a saber que estuve acá».

Camino de vuelta al carro entre el rebaño. Vuelvo a pensar en Woodstock. Han pasado casi cincuenta años de ese acontecimiento. The Who y Neil Young estuvieron allí, lo que es decir bastante. Es casi imposible que un concierto como este vuelva a repetirse. Las probabilidades biológicas de sus protagonistas juegan en contra. Ellos, qué duda cabe, sentaron las bases de una música que fue rebeldía, actitud y contracultura. Ahora algunos forman parte de la realeza británica y los espacios son otros. El Empire Polo Club sigue siendo ordenado, limpio, calculado, ajeno al desmadre. Los hippies mutaron en otra cosa, no tienen melena para desmelenarse. Un carrito a pedal de los que transportan gente me saca de mi ensalada mental. Pasa a mi lado con un tema de Creedence Clearwater Revival a todo volumen.

Creo que la voz de John Fogerty vuelve para decirme algo al respecto.

Fotografía: Desert Trip.

La entrada Una pasión en el desierto aparece primero en Jot Down Cultural Magazine.

15 Mar 06:26

'Las cajas de Stanley Kubrick', el estilo del gran director

by Alberto Abuín

Kuybrikcboxes

Es el director más controvertido de la historia. Probablemente el más admirado por un amplio sector del público, repudiado por el resto. Lo mismo ocurre con la crítica, que razona en ambos extremos su amor y odio por uno de los autores más representativos del cine estadounidense. Me encuentro, evidentemente, en el primer grupo, y aún recuerdo el impacto que supuso el fallecimiento de Stanley Kubrick unos meses antes del estreno de 'Eyes Wide Shut' (1999).

Tras la muerte del cineasta, su viuda pidió al escritor Jon Ronson que echase un vistazo a unas cajas que había dejado Kubrick. En ellas Ronson encontró de todo. Material inédito de muchas de sus películas. 1000 cajas que contenían muchísimo material de todo tipo, guardado por el director meticulosamente, perteneciente casi todo a período posterior a 'Barry Lyndon' (íd., 1975). Con ello Ronson dirigió el documental para televisión 'Las cajas de Stanley Kubrick' ('Stanley Kubrick Boxes', 2008).

Ahora el documental está disponible en vimeo, y desde allí os lo traemos para que podáis verlo. Todo un deleite para los fans del mítico director, con un material que no fue revisado en años, y en el que se encuentran razones a por qué Kubrick sólo hizo tres películas en los últimos 18 años de su vida. Fotografías, pruebas de sombrero para 'La naranja mecánica' ('A Clockwork Orange', 1971), incluso cartas de gente que le escribía opinando sobre sus películas. El director hacía anotaciones en las mismas, archivándolas teniendo en cuenta las intenciones del remitente.

En el documental hay varias entrevistas, tanto a la viuda del director como a gente que le trató. Kubrick había accedido a concederle a Ronson una entrevista, pero su repentina muerte truncó los planes del escritor que tuvo en 'Las cajas de Stanley Kubrick' su segunda oportunidad de acercarnos lo máximo posible al cineasta.

En Blogdecine | Especial Stanley Kubrick

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07 Mar 08:44

La ilusión del helicóptero flotante [VÍDEO]

by noreply@blogger.com (Antonio Martínez Ron)


La primera vez que uno ves estas imágenes parece estar asistiendo a una especie de escena milagrosa, donde un helicóptero se pone a levitar en el aire con sus aspas paralizadas. El efecto es consecuencia de la sincronización entre la velocidad de obturación de la cámara y la velocidad a la que gira el rotor de la aeronave, que al acoplarse congelan el movimiento. A pesar de conocer el truco, el vídeo completo es maravilloso:



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23 Feb 05:08

El secreto por el que Planet Earth enamora [VÍDEO]

by noreply@blogger.com (Antonio Martínez Ron)


En este fantástico vídeo de la gente de Vox se explican algunos de los desarrollos técnicos que han permitido a las series documentales de la BBC evolucionar en los últimos años hasta parecer una película de Hollywood. Mejores cámaras, mejores estabilizadores... Pero lo que más me gusta es la conclusión final de Mike Gunton, productor ejecutivo de Planet Earth II: "Las imágenes son las que capta la atención, pero sin la revelación que aporta el modo de contar la historia, al final todo eso aburre rápidamente", asegura. "Ninguna tecnología podrá reemplazar jamás la habilidad de contar una historia que nos atrape, te fascine y que conecte emocionalmente con la audiencia". Siento que solo esté en inglés, pero es tan bueno que merece la pena compartirlo. Visto en Kottke

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15 Feb 06:53

Cuando el bosque se te viene encima [VÍDEO]

by noreply@blogger.com (Antonio Martínez Ron)


Un grupo de rusos conduce tranquilamente por la montaña cuando de pronto el bosque entero parece venirse encima. En Reddit hay quien especula con que la causa son los trabajos de talado mal hechos, que desprotegen una zona del bosque y la dejan expuesta al viento o que la erosión causada por las aguas deja las raíces de un árbol al aire y se produce una reacción en cadena. Sea como sea, es increíble la serenidad de los pasajeros. ¿Que cómo sé que son rusos? Porque no empiezan a gritar "Oh my god, oh muy god" como locos ;P

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15 Feb 06:16

'The Bad Batch', tráiler de la aventura postapocalíptica de Ana Lily Amirpour

by Alberto Abuín

Thebadbatchtrailer

'The Bad Batch' es definida en la IMDb como una historia de amor distópica en Texas en una sociedad de caníbales. Hoy, día de los enamorados os traemos el tráiler de la que es la nueva película de la directora Ana Lily Amirpour, responsable de la interesante 'Una chica vuelve a casa sola de noche' (A Girl Walks Alone at Night', 2014).

Con guion de la propia Amirpour, 'The Bad Batch' ha sido descrita también como una mezcla entre el universo de Mad Max y 'La matanza de Texas'. Una distopía a modo de futuro post-apocalíptico, con la protagonista corriendo mucho, mucha sangre, y hambre... La película ganó el premio especial del jurado en la última edición del Festival de Venecia.

La película está protagonizada por Jason Momoa, Keanu Reeves, Giovanni Ribisi, Diego Luna y Jim Carrey. Reparto de lo más curioso que secunda a la que es la protagonista, Suki Waterhouse, y que en el tráiler pone "introducing", algo que suele hacerse con los actores que debutan en el cine. Sin embargo a Waterhouse se la ha podido ver en películas como 'La serie Divergente: Insurgente' ('Insurgent', Robert Schwentke, 2015) y 'Orgullo + Prejuicio + Zombis' ('Pride and Prejudice and Zombies', Burr Steers, 2016).

'The Bad Batch' ha sido filmada en escenarios reales y a grandes temperaturas. Muchos de los extras contratados para dar vida a los habitantes de una ciudad no necesitaron ni vestimenta ni maquillaje, son tal y como salen en la película.

El estreno estadounidense será el 23 de junio.

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05 Feb 13:47

¿Genera el cine español 3 euros por cada 1 de ayudas?

by Alberto Abuín

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En nada empieza la ceremonia de los Goya 2017, y en las redes sociales, especialmente Twitter, se ha armado una buena. Con un inane hashtag se invita al público a boicotear la ceremonia con la intención de que su audiencia sea mínima, incluso algunos ilusos sueñan con audiencia cero —estoy llorando de la risa desde que lo he leido—. Eso ha levantado ampollas entre la gente del sector cinematográfico, como por ejemplo, J.A Bayona, nominado por 'Un monstruo viene a verme' (2016), que se está hartando a explicar en la casa del pajarito azul cómo funcionan las cosas.

Sólo una palabra como "subvención" pone en contra del cine español a muchísima gente, en lugar de mirar a dónde realmente tienen que mirar: la calidad de las películas. Bayona dice que por cada euro de ayuda se generan tres. La gente lo pone en duda, y lo cierto es que uno de nuestros directores más internacionales se queda corto. La proporción adecuada es: por cada euro de ayudas se generan 4,4.

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Todo por la pasta

El estado ayudó al cine español, en el 2016, con una inversión de 30 millones de euros, cifra con la cual Michael Bay sólo podría filmar una explosión en una de sus películas. Una verdadera miseria en comparación con lo que reciben otras empresas, perdón, organismos, como la Iglesia católica, que asciende a 11.000 millones de euros. En cualquier caso, muchos piensan que esa "subvención" es una especie de regalo a la gente que se dedica al mundo del cine.

Nada más lejos de la realidad. El estado ayuda al cine con una única intención: recuperar lo invertido multiplicado por dos, o más. Algo parecido a lo que sucede con la quiniela o la Lotería. Han generado millones y millones a pesar de haber hecho la vida feliz a unos cuantos premiados que se han llevado, en comparación con lo recaudado, unas migajas. La Lotería Nacional no es más que un acto de recaudación del estado al que además se le aplican impuestos. Delirante.

Pero vayamos con el tema a tratar hoy: nuestro cine, al que los prejuicios más viejunos afectan sobre todo por la desinformación general en muchos temas, en especial el económico, que utiliza siempre términos muy abstractos y "complicados". Pongamos por ejemplo una película imaginaria titulada 'Un monstruo vuelve a verme', y pongamos que del estado recibe una ayuda de 100.000 euros. Si su taquilla es de un millón, el estado sólo con el IVA, el 21%, ha recuperado por algo más de dos su inversión inicial. Pero es que además está el IRPF y el impuesto de sociedades.

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Techo y comida

Olvidémonos del modelo estadounidense, allí funcionan con empresas privadas, su mentalidad es otra muy diferente a la de aquí, sobre todo a los de arriba, a alguno de los cuales un director, ganador de un Goya, ha llegado a dejarle las películas nominadas para que tenga un poco de cultura al respecto. Tema diferente es que el afectado se ponga a verlas o sepa cuál es la tecla del Play. En España el modelo es el que es, y el año pasado nuestra industria cinematográfica generó 100 millones de euros. Hagan sus cuentas.

Ese rendimiento, por así llamarlo, afectará al futuro del cine español, por lógica aplastante. Si cierto tipo de cine, digamos un thriller de acción con un coche que lleva una bomba por toda la ciudad, tiene éxito, provocará que se intenten hacer más películas de este estilo, y no tengamos que mirar a los yanquis con cara de envidia. Eso sí, si la inversión fuese mayor, mayores cosas se podrían hacer. Simples matemáticas, y sentido común.

Pero es que además sucede otra cosa. Una buena inversión en una película genera numerosos puestos de trabajo, desde su pre-producción hasta días posteriores al estreno, esto es, durante todo el largo proceso por el que toda película tiene que pasar. Si eso no es algo bueno que baje John Ford y lo vea. Lo mejor sería boicotear a la tauromaquia, cuya ayuda del estado, por cierto, es de 571 millones de euros. No, el toro no se lleva nada, salvo una estocada.

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Tal vez nuestro método no sea el mejor del mundo. Hay tantas cosas que necesitan corregirse en esta perra vida que algo tan obvio no debería jamás ponerse como excusa. El cine español necesita del apoyo de su público, al que va dirigido todo, o casi todo, lo que sale de esta industria cada vez más afectada por unas leyes que sí, nos avergüenzan a todos. Y la mayor fiesta de nuestro cine, los premios Goya, no necesita un boicot, no son ellos a los que deben ir dirigidas nuestras quejas o lloriqueos.

Que no os engañen como a la enamorada de Shakespeare a la que hacen creer que su amor ha muerto, provocando su suicidio. Si queréis llenar vuestra cabeza de mentiras, pero maravillosas, pasad por taquilla.

Muchas gracias al guionista Carlos Clavijo por la ilustrativa charla al respecto.

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31 Jan 05:07

'Pieles', tráiler y cartel del polémico debut en la dirección de Eduardo Casanova

by LuciaRos

Pieles

Uno de los títulos españoles que se verán dentro del próximo Festival de Cine de Berlín, más concretamente en la competición de la sección Panorama, es 'Pieles', el esperado y polémico debut en la dirección del también actor Eduardo Casanova (de la serie 'Aída'). Aunque todavía no conocemos su fecha de estreno comercial, nos llega un primer y extravagante tráiler y su controvertido cartel de cara a su estreno mundial en la Berlinale, que arranca el próximo 9 de febrero.

'Pieles' cuenta la historia de un grupo de personas físicamente diferentes que, por ese motivo, se han visto obligadas a esconderse, recluirse o unirse entre ellas. Nadie elige cómo nace, pero la apariencia física nos condiciona para con la sociedad, aunque no la hayamos elegido nosotros. Una idea que ya trató en su celebrado cortometraje -y no exento de polémica también-, 'Eat My Shit' y del que recupera al personaje que dio vida Ana Polvorosa, una joven con un ano por boca.

La diferencia física del personaje de Polvorosa es un ejemplo de las excentricidades que veremos en la cinta, y que como ya vemos en el tráiler, pretende ser una oda a la diferencia y una reflexión sobre cómo afecta en extremo la apariencia física en nuestra sociedad. Junto a Polvorosa, un elenco de excepción que completan Carmen Machi, Jon Kortajarena, Candela Peña, Macarena Gómez, Secun de la Rosa, Joaquín Climent, Carolina Bang o Itziar Castro, entre otros.

La polémica ya lleva varios meses persiguiendo a 'Pieles', que está producida por Pokeepsie Films -la empresa de Álex de la Iglesia y Carolina Bang- y Nadie es Perfecto-. Y es que las imágenes fuera de lo común, con deformaciones, pezones y diferentes partes del cuerpo que forman parte del cartel, han sido censuradas en más de una ocasión en la cuenta de Instagram del propio Eduardo Casanova.

Cartel Pieles

Estamos deseando conocer las primeras reacciones de 'Pieles' desde el Festival de Cine de Berlín. A nosotros, de momento, nos llama muchísimo la atención su tráiler: muy visual, lleno de tonos rosas y morados y con cierto toque bizarro y kitsch.

Vía | El País

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23 Jan 13:42

¿Marihuana para frenar el temblor del párkinson?

by noreply@blogger.com (Antonio Martínez Ron)


Un documental muestra los efectos de la marihuana sobre un paciente con párkinson. Sus temblores incontrolados cesan y por un instante parece llevar una vida normal. Pero, ¿es el efecto real? Si lo es, ¿por qué no se está aplicando a este tipo de enfermos con fines terapéuticos? Hablamos con los expertos.

Seguir leyendo en: ¿Sirve la marihuana para frenar los temblores del párkinson?

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23 Jan 13:37

He escuchado un ruido fuera de casa [VÍDEO]

by noreply@blogger.com (Antonio Martínez Ron)
Peter Rauenbuehler vive en San Francisco y hace un par de días escuchó un ruido en el patio de su casa. Era de noche y escuchó a los perros ladrar, así que imaginó que algo estaba pasando allí fuera. Entonces encendió la luz y esto es lo que captó la cámara de su porche.



La escena tuvo lugar la noche del 14 de diciembre y ya anda circulando por las redes. Según el autor del vídeo, un ciervo entró en su patio para comerse las rosas y allí fue donde el puma se abalanzó sobre él y le partió el cuello con sus mandíbulas. Después, al sentirse observado, se llevó su presa a otro lugar más tranquilo. Aquí el vídeo completo con audio:



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10 Jan 17:17

El genial tráiler que convierte al año 2016 en una película de terror - la imagen de la semana

by Mikel Zorrilla

2016

Listos o no, quedan poco más de 24 horas para que dejemos atrás para siempre a 2016, un año con muy mala prensa por la enorme cantidad de estrellas que nos han dejado. Carrie Fisher y Debbie Reynolds son los casos más recientes, pero han sido muchas las muertes que nos han impactado. Además, ha habido bastantes malas noticias adicionales, de ahí que nuestra nueva imagen de la semana sea un tráiler que vende al propio 2016 como la película más terrorífica del año.

El vídeo es obra de Friend Dog Studios, en el cual se recogen desde algunas de las muertes más destacadas del año como algunas de las noticias más comentadas, desde la elección de Donald Trump como nuevo presidente de los Estados Unidos hasta otras que no desvelaré para no reventaros su contenido sin necesidad. En muchos casos una buena premisa queda desaprovechada, pero aquí han sabido dar un enfoque muy divertido a su aterradora premisa.

Es verdad que todos los años muere mucha gente y parte de esa gente son celebridades, pero resulta escalofriante pensar en todos los que nos han dejado en 2016. Por mencionar sólo algunos: David Bowie, Alan Rickman, Umberto Eco, Guy Hamilton, Prince, Muhammad Ali, Anton Yelchin -¡con apenas 27 años!-, Michael Cimino, Garry Marshall, Gene Wilder, Curtis Hanson, Leonard Cohen, Zsa Zsa Gabor, George Michael o las ya mencionadas Carrie Fisher y Debbie Reynolds.

Esperemos que 2017 no sea tan sádico como 2016. Y si de paso nos ahorra también sorpresas desagradables como móviles que explotan, casi que mejor. Eso sí, lo peor de Trump es en 2017 cuando empezaremos a verlo, que será dentro de apenas unos días cuando sea proclamado presidente...

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17 Nov 14:15

'Moonlight', aclamada como la mejor película del año, se estrena el 27 de enero en España

by Jorge Loser

Moonlight Estreno

Comenta Barry Jenkins, el director, que la confección de 'Moonlight' le llevó ocho años. Al parecer, han dado resultado, porque la crítica americana está, literalmente, flipando. Si ya nos dio ganas de verla su tráiler, ahora más con críticas que la describen como "brillante", "una obra maestra", "un hito histórico en el cine afroamericano" o"una experiencia que cambia tu vida". Incluso se la está comparando con 'Boyhood (Momentos de una vida)' (2014) puesto que se narra el crecimiento de un joven desde la infancia hasta la madurez.

La diferencia más llamativa con la de Linklater es que 'Moonlight' tiene más en cuenta los factores y dificultades con lo que se encuentra una persona perteneciente a una minoría, y además, descubrir su homosexualidad en un entorno conflictivo. Definida como una reflexión personal y poética sobre la identidad, la familia, la amistad y el amor. Trata temas tangentes a la propia condición de afroamericano en Nortameamérica como el acoso escolar o desestructuración familiar a causa de las drogas. Todo apunta a que hay una nueva favorita en los Óscar.

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'Moonlight', que adapta una obra de teatro de Tarell Alvin McCraney, ha funcionado en taquilla en su estreno en solo cuatro cines, logrando 106675 de dólares en cada uno de ellos, la mejor media del año. Su marcado contenido LGTB ha creado algo de ruido entre ciertos sectores afroamericanos, y el director ha recibido insultos en twitter por realizar una película que "amenaza a la masculinidad afroamericana", ecos de una tradicional intolerancia cultural hacia los gays que la película quiera ayudar a desaparecer.

El título hace referencia a un dicho que afirma que los chicos negros parecen azules bajo la luz de la luna. En su reparto Naomie Harris, André Holland, Alex R. Hibbert y Janelle Monáe, Trevante Rhodes, Ashton Sanders, Jharrel Jerome y Mahershala Ali, conocido por sus trabajos en las series ‘House of Cards’ y 'Luke Cage', que se postula en las apuestas como mejor actor de reparto en los Óscar. En España, tendremos que esperar hasta el 27 de Enero para verla.

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07 Nov 19:14

13 apariciones estelares de Donald Trump en el cine y la televisión

by Mikel Zorrilla

Donald Trump Wwe

Donald Trump lleva meses acaparando titulares, pero todo lo dicho hasta ahora se quedará en nada si mañana consigue derrota a Hillary Clinton en las elecciones para elegir al nuevo presidente de los Estados Unidos. Protagonista de infinidad de polémicas e incluso presentador en su momento de su propio concurso televisivo, Trump también ha hecho sus pinitos como actor y a continuación os dejamos 13 apariciones estelares que ha realizado en películas y series de televisión.

'Los fantasmas no pueden... hacerlo' ('Ghosts Can't Do It')

Su debut en la gran pantalla junto a Bo Derek no fue precisamente bien recibida, y no es para menos si vemos el nivel de su actuación dándose vida a sí mismo. Hasta los premios Razzie le concedieron el premio al peor actor de reparto pese a su reducida presencia, aunque no logró repetir victoria en el apartado de peor nueva estrella, ya que ahí el galardón fue para Sofia Coppola por su muy criticada aparición en 'El Padrino, parte III' ('The Godfather: Part III')

'Solo en casa 2: Perdido en Nueva York' ('Home Alone 2: Lost in New York')

El equipo de la película estaba rodando en el hotel Plaza de Nueva York, propiedad por aquel entonces de Trump -lo compró en 1988 y para 1995 ya había cambiado de manos-. No estaba prevista su participación en la misma, pero un día apareció por allí y aprovechó la ocasión. A ver quién se atrevía a decirle que no...

'El príncipe de Bel-Air' ('The Fresh Prince of Bel-Air')

El misterioso hombre que ofrece a los Banks un millón de dólares por su casa resulta ser Donald Trump, quien incluso se ofrece a pagar en metálico. Ashley se convierte después en la única realmente en contra de la venta en un episodio marcado por os recuerdos de momentos históricos de la serie...

'Una pandilla de pillos' ('The Little Rascals')

La primera vez que Trump "interpretó" un personaje que no era él mismo, en esta ocasión al padre de Waldo ((Blake McIver Ewing). Una aparición breve y simpática que sus responsables no dudaron en exprimir a fondo durante los títulos de crédito finales -ojo, que está dividida en varias partes-.

'Eddie' (a partir del segundo 42)

Adjudicarse el mérito ajeno a la mínima ocasión es algo que le pega hacer a Trump, pero lo que seguro que nunca haría hoy en día sería decir que fue idea suya contratar al personaje de Whoopi Goldberg en la película, sobre todo tras este encontronazo que tuvieron en 2011.

'Celebrity'

No era la primera vez que se mencionaba a Donald Trump en una de sus películas, pero sí la única vez que hizo acto de presencia, además sin miedo a jugar con su negativa imagen al señalar que tramaba comprar la Catedral de San Patricio para demolerla -disculpad que el vídeo esté en italiano, pero era lo único que había-. Por cierto, Allen comentó este mismo año que Trump es un buen actor, pero también que no está capacitado para ser presidente de los Estados Unidos

'La niñera' ('The Nanny'

Fran goza de sus quince minutos de fama tras aparecer en el 'The Rosie O'Donnell Show' y aquí nos presenta a uno de sus nuevos amigos famosos, ni más ni menos que el propio Trump. Ojo a la forma que tiene de presentárselo a su jefe.

'De repente Susan' ('Suddenly Susan')

De Repente Susan

No he encontrado el vídeo completo de su aparición, pero sí esa imagen de más arriba que en su momento fue una especie de burla sana -de lo contrario dudo que se hubiera prestado a participar- y que en breve podría cumplirse en toda una premonición al nivel de las de 'Los Simpson'...

'Sexo en Nueva York' ('Sex and the City')

¿Qué mejor forma de dar a entender que un posible ligue de Samantha era alguien adinerado que presentarlo mediante una breve charla con Trump para luego decir que había quedado embobado con su presencia hasta tal punto que había aceptado pagar la próxima aventura empresarial del protagonista de este artículo?

'Zoolander'

Breve y sin mayor trascendencia su aparición en una divertida película -lástima no poder decir lo mismo de su secuela- repleta de cameos.

'Amor con preaviso' ('Two Weeks Notice')

Otra vez mostrando su imagen de millonario "peculiar" y de nuevo dejando claro que la actuación no es lo suyo. Por mirar el lado positivo, se le nota algo menos forzado que en 'Los fantasmas no pueden... hacerlo'.

'Da Ali G Show'

Está claro que le habían prometido una entrevista como otra cualquiera y luego se encontró a Sacha Baron Cohen actuando como el peculiar Ali G antes de que el personaje diera el salto a la gran pantalla...

'Pressing Catch'

Trump ya había aparecido en varios eventos previos de WWE, pero es principalmente recordado por su participación en la edición de 2007 de Wrestlemania -la Superbowl del 'Pressing Catch'-. Por desgracia, en ella no peleó -aunque sí tuvo la ocasión de dar un buen golpe al dueño de la empresa-, pero su luchador sí ganó el combate, por lo que su característico pelo quedó a salvo.

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03 Oct 09:51

'Paterson', tráiler de la aclamada película de Jim Jarmusch

by Juan Luis Caviaro

Paterson

Al fin, aquí tenemos el tráiler de una de las películas más aplaudidas del año: 'Paterson'. Es el nuevo trabajo de Jim Jarmusch y lo protagoniza Adam Driver, que desde su papel de villano en 'Star Wars: El despertar de la fuerza' ('Star Wars: The Force Awakens') parece que está en todas partes. Por suerte, tiene talento y no está eligiendo cualquier cosa aprovechando su reciente fama.

Driver interpreta a un conductor de autobús (bus driver) que se llama Paterson y vive en la localidad de Paterson, Nueva Jersey. Cada día, sigue una simple rutina: conduce su ruta, observa la ciudad y escucha fragmentos de conversaciones a su alrededor; escribe poesía en un cuaderno; pasea a su perro; se para en un bar y bebe una cerveza; vuelve a casa con su mujer. "Paterson expone los triunfos y las derrotas de la vida diaria así como la poesía en los pequeños detalles", aclaraba la sinopsis que publicó el Festival de Cannes.

Cartel de Paterson

Compitió por la Palma de Oro pero el film no se llevó ningún premio en la Croisette. Sí consiguió excelentes críticas, y ahora mismo tiene una valoración de 87/100 en Metacritic. Golshifteh Farahani, Kara Hayward, Sterling Jerins, Luis Da Silva Jr. y Barry Shabaka Henley, entre otros, completan el reparto de 'Paterson', cuyo estreno en Estados Unidos tendrá lugar el 28 de diciembre; extrañamente, en España podremos verla un poco antes, el día 9 del mismo mes. Sin duda, estamos ante uno de los títulos más esperados de lo que queda de año.

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20 Aug 10:31

'Voyage of Time: Life's Journey', nuevo y espectacular tráiler del documental de Terrence Malick

by Juan Luis Caviaro

Voyage Of Time: Life's Journey, de Terrence Malick

"Tras todos esos eones, ¿qué significa ser nosotros?"

IMPRESIONANTE. A finales de junio vimos el tráiler de 'Voyage of Time', primer montaje de un ambicioso documental en el que Terrence Malick ha estado trabajando durante 4 décadas. Hoy podemos contemplar el avance del segundo montaje, 'Voyage of Time: Life’s Journey'. Éste lo narra Cate Blanchett y tiene una duración de 90 minutos; podría decirse que es la versión completa y el otro un resumen (dura la mitad).

El reputado físico teórico Lee Smolin ha visto el trabajo de Malick y proporciona estas declaraciones: “Como científico, no vi nada que pareciera incorrecto; las simulaciones del universo primitivo y las formaciones de las estrellas y los planetas son coherentes con mis conocimientos. Es hermoso e inspirador. Lanza la cuestión de qué valoramos, y cómo decidimos lo que valoramos, en oposición a la historia de la vida y nuestro universo".

Al parecer, la versión corta narrada por Brad Pitt es más explicativa mientras que 'Voyage of Time: Life’s Journey' ofrece una narración más "reflexiva y estremecedora, una consulta urgente de un niño de la Tierra a la madre de todo". Se presentará por primera vez en la Mostra de Venecia y luego en el Festival de Toronto, antes de llegar a los cines en el mes de octubre. De momento no hay fecha de estreno para España.

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31 May 19:49

Recuerda: no es el firmamento el que gira [GIF]

by noreply@blogger.com (Antonio Martínez Ron)

Cuando los fotógrafos graban los vídeos time-lapse del cielo vemos las estrellas girar por el firmamento, en el recorrido que veríamos durante toda la noche si fuéramos capaces de apreciar los cambios a tan baja velocidad. Pero este tipo de imágenes pueden inducir al error de pensar que es el cielo el que gira alrededor de nosotros, cuando lo que vemos es producto del giro de nuestro planeta alrededor de sí mismo. En este vídeo estabilizado que publicaban esta tarde en Reddit se aprecia muy bien esta idea. La secuencia está grabada en el Parque Nacional de Crater Lake, en Oregón (EEUU). Hace unos años, en Fogonazos publicamos otro vídeo similar, pero quizá no es tan potente :)

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03 May 16:24

Los hombres más poderosos del universo

by Diego Cuevas
James T. Mangan. Foto: DP.

James T. Mangan. Foto: DP.

Si posees algo que tiene ocho mil millas de diámetro y veinticinco mil millas de circunferencia te darías cuenta de que la guerra es algo de lo que te puedes reír. Mi nación podría incluso dotar a la gente de suficiente grandeza de pensamiento y de desdén como para hacerles sentir que cualquier disputa internacional es insignificante. (James T. Mangan, dueño del espacio exterior)

El espacio celestial

En 1948 un par de caballeros discutían sobre trivialidades y asuntos varios en una habitación cualquiera en las tripas de Chicago. En un momento dado uno de los dos interlocutores apuntilló una frase del diálogo señalando hacia una ventana abierta con una afirmación de lo más obvia: «¿Sabes? Ahí fuera hay un montón de cosas». Y de aquellas palabras nació una pequeña idea que revoloteó hasta la cabeza del oyente para colarse en su interior y trastear con la materia gris residente hasta provocar un chispazo. La persona a la que se le acababa de encender la bombilla se llamaba James Thomas Mangan y en aquel momento se encontraba deslizando la mirada al exterior y apuntando la vista muy arriba. Poco después, durante la medianoche del 20 de diciembre, Mangan se autoproclamaba soberano de todo el universo a la vista, una superficie que el hombre agrupaba en la recién nacida Nación del Espacio Celestial (Nation of Celestial Space). Más tarde también reclamaba como propio el espacio que había ocupado la Tierra minutos antes porque no tenía pensado dejar ningún cabo sin anudar.

Aquel emprendedor llamado Mangan no era una persona cualquiera, se trataba de un amigo de los eventos publicitarios y de un escritor superventas con una bibliografía cosida a base de libros de autoayuda que animaban al lector a repetir mantras chiflados para afrontar los envites de la existencia. Era la típica persona que podría ir por los pueblos más incrédulos vendiendo la infraestructura de un monorraíl con un número musical.

El 1 de enero de 1949, en el registro de las escrituras del condado de Cook en Illinois, un trabajador del gobierno entrecerraba los ojos preguntándose si el evento en el que estaba participando tenía sentido. Unos instantes antes el propio funcionario había consultado a un abogado del Estado —con cierto temor de que le invitase a practicar algún contorsionismo exótico con sus cavidades corporales— si existía algún tipo de ilegalidad en el asunto que ahora le ocupaba, pero al parecer todo estaba en orden. Frente a él un hombre llamado Mangan estaba registrando un documento donde se autodenominaba fundador y primer representante de la Nación del Espacio Celestial, también conocida como Celestia, un territorio que ya contaba con diecinueve habitantes en su nacimiento.

Celestia estaba oficialmente compuesta por lo que venía a ser todo el universo con excepción de la Tierra, y su existencia era casi un favor a la humanidad: según su fundador, lo de acoger bajo su mandato tanto espacio profundo era un acto de bondad, porque así se evitaba que la extensión acabase en manos de algún país malvado con ganas de establecer una hegemonía galáctica de aquellas que producen un líder calzando casco oscuro nacarado y una marcha imperial propia. Mangan remitió setenta y cuatro cartas a diferentes secretarios de Estado anunciando el alumbramiento de la nueva nación y solicitando reconocimiento, pero por alguna razón inexplicable ninguno le contestaría de vuelta. Apesumbrado porque le estaban haciendo el vacío solicitó un hueco en las Naciones Unidas, pero estas se apartaron cuando lo vieron acercarse por el pasillo. Cuando la carrera espacial comenzó a despegar agarró pluma y papel y remitió una nueva tanda de misivas formales a la Unión Soviética, los Estados Unidos de América, el Reino Unido y las Naciones Unidas anunciando que Celestia prohibía cualquier tipo de ensayo nuclear en su territorio y que era mejor que a ninguno de ellos se les ocurriese plantar un hongo en su huerto espacial. Durante los años de carrera espacial entre potencias mundiales el más alto cargo de la Nación del Espacio Celestial firmaría otro hermoso puñado de cartas amenazando con lluvias de demandas por tener tantos turistas indeseados surcando su espacio. Estamos hablando de alguien que consideraba que los satélites, las ondas de radio y las señales de televisión eran «intrusas ilegales» en sus dominios.

Pasaporte de Celestia. Imagen: DP.

Pasaporte de Celestia. Imagen: DP.

La gloriosa Celestia se autodenominaba república a pesar de que la propia hija del empresario ejercía de princesa oficial del reino espacial y los familiares del fundador ocupaban cargos monárquicos diversos. Evitaba cualquier tipo de sistema democrático porque según justificaba el propio Mangan «a mí no me gusta votar», carecía de impuestos porque su fundador también había declarado que «a mí no me gustan los impuestos» y en general se presentaba como un modelo de tiranía intelectual en donde los únicos derechos de sus habitantes eran los de «libertad de pensamiento» y «el derecho de hacer sugerencias». Oficialmente persiguió los protocolos formales de cualquier patria respetable: acuñó el joule de plata y el celeston de oro, unas monedas propias con el rostro de perfil de la princesa Ruth Mangan (referida ilustremente como Magnanimity) grabado en una de sus caras. Elaboró una serie de pasaportes que remitió a diversos astronautas para que disfrutasen sin problemas de sus aventuras espaciales en el territorio de Celestia. Un amable gesto que uno de aquellos cosmonautas, John Glenn, incluso llegó a agradecer por escrito. Fabricó sellos propios en los que se podía leer que estaban destinados a ser estampados en el outer space mail. Y lució una bandera exclusiva con un círculo blanco sobre fondo azul en cuyo interior se podía ver una almohadilla de las que hoy en día sirven de locomotora de los hashtags. Una bandera oficial de la nación que el propio Mangan desvelaría en televisión en junio del 58 durante una de sus tretas publicitarias de attention whore, una argucia tan llamativa como para acabar provocando que al día siguiente la bandera de Celestia ondease durante un rato en el edificio de las Naciones Unidas de Nueva York junto al resto de banderas de países más sospechosos de ser auténticas naciones.

Celeston de oro, sellos y bandera oficial de Celestia. Imagen: DP.

Celeston de oro, sellos y bandera oficial de Celestia. Imagen: DP.

El fascinante mundo de Celestia desgraciadamente murió junto a su fundador. A Mangan le sobreviviría su hija, la princesa Ruth de la Nación espacial Celestial y sus tres nietos: Glen, Dean y Todd Stump, o los distinguidos duques de Selenia, Marte y la Vía Láctea respectivamente.

Yo no te pido la Luna

Dennis Hope es el norteamericano que se encuentra al frente de la Lunar Embassy Commission, una empresa que se anuncia con el eslogan «A lo mejor no puedes ser propietario aquí abajo, pero puedes serlo ahí arriba» y lleva desde los años ochenta vendiendo la superficie lunar a veinte pavos por acre. Hope asegura que a día de hoy, gracias a sus ventas, la Luna tiene más de seis millones de propietarios y que entre ellos figuran personalidades como Ronald Reagan o Jimmy Carter. El astuto empresario vive exclusivamente de este negocio, ofreciendo también terrenos en otros cuantos planetas y pasaportes extraterrestes. Y por supuesto afirma que todo aquello que vende le pertenece legalmente. Pero lo cierto es que un alemán llamado Martin Juergens ya anunciaba hace bastante que el astro pertenecía a su estirpe desde que Federico II el Grande se lo regalara a su familia en 1756. Y que anteriormente Robert R. Coles, del Hayden Planetarium, también se había sacado una pasta vendiendo territorio lunar a dólar por acre. En 1966 hasta una ciudad se autoproclamó dueña del satélite: treinta y cinco representantes de la población de Geneva, en Ohi,o firmaron en comuna una declaración de propiedad lunar. Y entre tanto interesado, un rumano llamado Virgiliu Pop consolidaba desde su ordenador el supuesto registro como dueño del mismo Sol con la finalidad de demostrar una cosa: que todo aquello de registrar posesiones en el espacio era una gilipollez. Pero aun así, a lo largo de la historia nadie tuvo tanto estilo a la hora de convertirse en propietario de terreno extraterreste como el simpático artista y hombre de leyes Jenaro Gajardo Vera.

Jenaro Gajardo Vera. Foto: DP.

Jenaro Gajardo Vera. Foto: DP.

A Gajardo, un chileno multitarea que era abogado, pintor y poeta, se le negaría en 1954 la inscripción en el club social de su ciudad de residencia por culpa de no cumplir el requerimiento indispensable de ser el dueño de alguna propiedad, aunque probablemente tampoco ayudaba lo de haber fundado la llamada Sociedad Telescópica Interplanetaria, que tenía entre sus objetivos el organizar un comité de bienvenida a los extraterrestres en caso de que ellos decidieran pasar las vacaciones en la Tierra. Poco después de que se le prohibiesen inscribirse en aquel club, el 25 de septiembre de 1954, al notario de la ciudad de Talca le tocaba dejar constancia oficial de una declaración extraordinaria que firmaba un aventurado poeta:

Jenaro Gajardo Vera, abogado, poeta, es dueño desde antes del año 1857 del satélite único de la Tierra denominado Luna, de un diámetro de 3475,99 kilómetros y cuyos deslindes por ser esferoidal son: norte, sur, oriente y poniente: espacio sideral.

Gajardo cumplía así con el procedimiento habitual a la hora de solicitar un dominio sin propietario (aquel «dueño desde antes del año 1857» que figuraba en su declaración era la fórmula legal para sanear terrenos carentes de título de dominio) y publicaba posteriormente en el Diario Oficial tres avisos anunciado su intención de adoptar la Luna para permitir que la reclamación territorial pudiese ser impugnada por cualquier tercero que tuviese algo que objetar. Como nadie dijo esta luna es mía, el abogado poeta acabó constando sobre el papel a efectos legales como titular de la superficie lunar. Cuenta la leyenda que cuando el Servicio de Impuestos Internos (SII) se enteró del asunto solicitó el cobro de las contribuciones adheridas a los terrenos en propiedad, algo que el chileno contestó que haría gustosamente cuando los inspectores que pretendían recaudar los impuestos visitasen la propiedad tal y como requería el protocolo oficial. Y también se solía decir que el mismísimo Richard Nixon llegó a pedir permiso por escrito a Gajardo para aterrizar en el satélite, pero es bastante probable que ambas historietas sean inventadas, por un lado porque el pueblo siempre ha gustado de darle color a todo con anécdotas ingeniosas como la de los recaudadores, y por otro porque todo el mundo sabe que Nixon nunca ha sido demasiado educado con sus modales.

El propio Gajardo declararía que su intención para convertirse en amo de la Luna había sido una protesta poética, una forma de bromear sobre tomar parte en una ficticia selección de habitantes del satélite ya que él ansiaba un mundo sin envidias, odios, vicios o violencia. Y también porque quería que le admitieran en el dichoso club social de los cojones.

El poeta falleció en 1998, y en su testamento dejaría anotado que legaba la propiedad del satélite al pueblo chileno con el estilo que se le presupone a quien ha dedicado parte de su vida a acicalar versos: «Dejo a mi pueblo la Luna, llena de amor por sus penas».

Eros 433

El 12 de febrero de 2001, tras cinco años surcando el espacio, la sonda espacial Near Earth Asteroid Rendezvous (NEAR Shoemaker) aterrizó en la superficie de Eros 433, el segundo asteroide más grande cercano a la tierra. Pero once meses antes un hombre llamado Gregory W. Nemitz había registrado como propio dicho asteroide en los despachos de California. El paseo del NEAR Shoemaker hasta el planetoide había sido el último para el aparato de la NASA, la sonda no tenía capacidad para impulsarse por sus propios medios de vuelta al espacio y por eso mismo permanecería aparcada en Eros eternamente. Nemitz, un firme defensor de la propiedad privada, hizo lo que cualquier persona habría hecho: cascar a la NASA una multa de aparcamiento por veinte dólares a pagar en cómodos plazos durante los próximos cien años a ritmo de veinte céntimos anuales.

La NASA se niega a pagarle.

James T. Mangan. Foto: DP.

James T. Mangan. Foto: DP.

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28 Mar 15:24

Sad Affleck, la imagen de la semana

by Juan Luis Caviaro
Ben Affleck y Henry Cavill se enteran de las críticas que está recibiendo Batman V Superman

Internet ha forjado otra gema. Ayer comentaba que el director y dos de los protagonistas de 'Batman v Superman' han respondido a las malas críticas que está recibiendo la película, afirmando que lo importante es la taquilla, es decir, lo que opine el público. Ben Affleck no dijo nada. De hecho, su reacción fue tan llamativa que ha dado lugar a un popular meme titulado 'Sad Affleck'. No te pierdas el vídeo que he dejado más abajo.

Quizá recuerdes que Internet ya bromeó sobre la supuesta tristeza del actor que interpreta a Bruce Wayne; cuando apareció la primera imagen de la nueva versión del superhéroe se pusieron de moda las parodias del 'Sad Batman'. Lo cierto es que el fichaje de Affleck fue una decisión muy criticada por los fans, sobre todo por el fracaso de su 'Daredevil', pero casi nadie le está señalando como uno de los problemas de 'Batman v Superman'. Zack Snyder es quien debería estar triste...

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10 Mar 16:24

Una ventana para ver los lagartos del pasado

by noreply@blogger.com (Antonio Martínez Ron)
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Pocas veces tenemos ocasión de mirar al pasado a través de una ventana como la que acaban de abrir Juan Diego Daza y su equipo. En un trabajo publicado esta semana en Science Advances, los investigadores muestran el resultado del análisis de 12 especímenes de lagarto de unos 99 millones de años de antigüedad atrapados en piezas de ámbar. Los animales cayeron en la resina en algún momento del Cretático y su conservación es tan exquisita que los autores han podido observar la piel y los tejidos blandos con un detalle sin precedentes.

Seguir leyendo en: Una ventana de ámbar para ver los lagartos del pasado (Next)

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03 Mar 13:14

'Buscando a Dory', tráiler del próximo estreno de Pixar

by Juan Luis Caviaro
Buscando A Dory

Tras celebrar otro triunfo* en los Oscars por la emocionante 'Del revés' ('Inside Out'), Pixar ha lanzado un nuevo tráiler de 'Buscando a Dory' ('Finding Dory'), continuación de la historia de 'Buscando a Nemo' ('Finding Nemo'). No es una secuela que estuviéramos esperando con gran interés pero hay que reconocerlo: tiene buena pinta, parece que nos vamos a divertir mucho con esta nueva aventura.

Ya comentamos cuando apareció el primer teaser que la película está escrita y dirigida por Andrew Stanton —responsable de 'Bichos', 'Buscando a Nemo', 'WALL·E' y ¡'John Carter'!— mientras que el reparto vocal está liderado por Ellen DeGeneres, Albert Brooks, Diane Keaton, Idris Elba, Dominic West y Ty Burrell, entre otros. Disney la estrena el 24 de junio en España, una semana despues que en Estados Unidos.

  • En español:

  • En versión original:

Recordemos que 'Buscando a Dory' es la primera de varias secuelas de Pixar que nos llegarán en los próximos años: 'Cars 3' (2017), 'Toy Story 4' (2018) y 'Los increíbles 2' (2019) son las otras. Pero no tendremos que esperar mucho para ver otro film original del estudio: en noviembre de 2017 se estrenará 'Coco', lo nuevo de Lee Unkrich ('Toy Story 3').

*Pixar ha ganado 16 premios de la Academia de Hollywood. Ghibli sólo 1 (por 'El viaje de Chihiro').

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03 Feb 13:08

Cómo «Tiburón» cambió la industria del cine

by Emilio de Gorgot
steven-spielberg

Steven Spielberg. Fotografía cortesía de Universal Studios.

Hay buenas películas y hay obras maestras del cine. También hay películas que, siendo buenas o incluso malas, revolucionan el séptimo arte por cómo han sido producidas, por cómo afectan a los gustos del público o por cómo cambian los usos y costumbres del negocio. En muy raras ocasiones, una película puede ser ambas cosas: una obra maestra, un hallazgo artístico, pero también un fenómeno que cambia los paradigmas hasta entonces considerados inamovibles. Eso fue Tiburón, un antes y después en la forma que la industria del cine tiene de relacionarse con el público. Se habla mucho de La guerra de las galaxias y su influencia sobre la cultura del cine masificado, pero no fue la trilogía espacial, sino Tiburón, la que de verdad puso el negocio patas arriba. Fue el primer blockbuster moderno y quizá siga siendo el mejor. En cualquier caso, cambió las reglas respecto de cuánto dinero se puede invertir en una película, de cuándo y cómo conviene estrenarla, y de a qué público se necesita recurrir para recuperar la inversión. Rompió todos los convencionalismos porque fue una película comercializada a la desesperada, después de haber multiplicado su presupuesto entre accidentes y errores, arrancada de las garras del fracaso por la visión de un joven cineasta, Steven Spielberg, que contra todos los obstáculos imaginables nos regaló uno de los más memorables títulos de las últimas décadas.

Una idea estúpida: la historia de un tiburón que ataca a la gente

Pensé que eras mi amigo, ¿cómo me has hecho rodar esta película con peces? (Steven Spielberg a Sid Sheinberg)

La historia de Hollywood empezó a cambiar cuando el joven escritor Peter Benchley tuvo la revelación que le salvó in extremis de abandonar su renqueante carrera literaria. Escribir apenas alcanzaba para sacar adelante a su familia, y ya consideraba seriamente la idea de buscarse un empleo en cualquier otra cosa, cuando un día, sentado en una playa, empezó a recordar las noticias que años atrás había leído sobre la captura de ejemplares de tiburón blanco cerca de la costa. Empezó a imaginar qué sucedería si un único tiburón, actuando de manera inteligente, empezase a acosar a los bañistas de un pequeño pueblo costero. Creyó haber encontrado un argumento que bien podría convertirse en libro. Excitado, le contó la idea a su mujer, aunque ella respondió con escaso entusiasmo: «Peter, es la idea más absurda que he oído nunca. Búscate otro argumento». Pero Benchley no pudo apartar su mente del gran tiburón blanco. Desoyendo el consejo conyugal, se puso a trabajar y escribió el principio de una novela, Jaws, por la que consiguió recibir mil dólares como anticipo. Empezó a creer que su carrera literaria podía llegar a salvarse. Y así sucedió. Cuando fue publicada, Jaws se convirtió en un enorme éxito.

Otro joven andaba buscando un argumento, esta vez para una película. Steven Spielberg todavía no era un director importante. Se lo consideraba uno de los más prometedores talentos de la industria, sí, pero a efectos prácticos era un don nadie de veintisiete años que únicamente tenía un estreno cinematográfico a sus espaldas (dos, si contamos una película para televisión que también sería estrenada en cines). Spielberg era el favorito de los productores Richard Zanuck y David Brown, pero tenía muchas cosas que demostrar. El mundo lo había descubierto con Duel, largometraje televisivo que narraba la aterradora experiencia de un conductor que durante más de hora y media es perseguido por un misterioso camionero sin que sepamos nunca por qué. Aunque había sido un fenómeno televisivo que cimentó su prestigio como gran promesa, Duel no dejaba de ser un producto barato. La única película que había rodado para la gran pantalla con un presupuesto cinematográfico, The Sugarland Express, había sido bien recibida por los críticos, pero no había generado una repercusión comercial demasiado espectacular. Spielberg todavía necesitaba demostrar que podía hacerse cargo de un presupuesto serio y convertirlo en un producto rentable. Zanuck y Brown confiaban en su talento, pero debían encontrar el vehículo adecuado con el que ponerlo a trabajar. Un día Spielberg supo que planeaban producir una adaptación de la novela Jaws, por entonces convertida ya en superventas, aunque el proyecto tenía ya asignado un director, Dick Richards. Aun así, Spielberg se ofreció a leer la primera versión del guion, todavía por pulir, para dar su opinión. Dos días después llamó a sus jefes y les dijo que la historia era buena, y que si «por algún motivo el director abandona el proyecto, no me importaría hacerme cargo yo mismo».

La ocasión se presentó bien pronto. Los productores descubrieron con asombro que Dick Richards no era el hombre indicado para el trabajo cuando, en una de sus primeras reuniones, el cineasta empezó a describir las primeras secuencias que tenía en mente… y ¡no dejaba de mencionar una ballena! Su aparente incapacidad para distinguir entre un cetáceo y un gran tiburón blanco hizo que Zanuck y Brown se replanteasen el futuro de la película: apartaron a Richards y se la ofrecieron a Spielberg, quien había parecido ansioso por rodarla. Pero estuvo a punto de no suceder. Por entonces Spielberg ya estaba considerando otro proyecto. Le habían ofrecido dirigir Lucky Lady, un guion centrado en la era de la ley seca. Con dos ofertas sobre la mesa en un momento clave de su carrera, Spielberg se sintió confuso. Pidió consejo a su amigo Sid Sheinberg, presidente de la MCA, y fue la honestidad de este la que dirigió a Spielberg hacia el reino del tiburón blanco. Le dijo que Lucky Lady no iba a ser demasiado comercial y que no parecía el paso adecuado para un director joven, sobre todo para uno que, como Spielberg, ansiaba tener control total sobre su propio trabajo. En cambio, Jaws, basada en el best seller de moda, atraería a algún actor taquillero y le permitiría obtener buenos resultados económicos, sin los cuales no podía pretender asentarse en el negocio. Tras mucho meditar, Spielberg decidió firmar para rodar Jaws. Hoy sabemos que aquella decisión hizo de él un gigante del cine, pero durante los meses de rodaje Spielberg iba a tener muchos motivos para arrepentirse. Cuando le recriminó a Sid Sheinberg lo que consideraba un terrible consejo, Spielberg estaba convencido de que su carrera como director se había ido por el retrete por culpa del dichoso escualo.

Tiburón: un proyecto sin guion, sin actores… y sin tiburón

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Roy Scheider y Richard Dreyfuss. Imagen cortesía de Universal Studios.

La presión empezó a aumentar incluso antes de que hubiese un proyecto bien perfilado. La popularidad de la novela Jaws había seguido creciendo hasta alcanzar el número uno en la prestigiosa lista del New York Times, lo cual, junto a una amenaza de huelga en la industria, hizo que a Zanuck y Brown les entrasen las prisas por aprovechar el momento y empezar el rodaje cuanto antes. Cuando dieron luz verde al proyecto, todo estaba en mantillas. El guion continuaba sin pulir y necesitaba muchos cambios para poder ser llevado a la pantalla con un resultado digno. Tampoco tenían actores para los papeles principales. No tenían perfilados los detalles técnicos del rodaje. No tenían nada, excepto una idea y un director. Y lo peor: Spielberg demostró ser un joven visionario que se negaba a seguir las normas de la industria y que empezó a amenazar con dejar el rodaje colgado si no se le permitía seguir sus propios instintos artísticos, los cuales solían implicar más dificultades y, por tanto, más dinero.

El asunto de los actores se resolvió con relativa facilidad. Digo «relativa» en comparación con el resto de problemas a los que se enfrentaron, porque Spielberg tuvo muchos dolores de cabeza para confeccionar su reparto. El papel del biólogo marino Matt Hooper no le hizo pensar demasiado: cuando no pudo obtener a sus primeras opciones (nombres como John Voight o Jeff Bridges), su amigo George Lucas le sugirió a un joven actor con el que acababa de trabajar, Richard Dreyfuss. Este tenía pocas ganas de involucrarse en un rodaje con barcos, secuencias de acción e incomodidades varias, pero aceptó a regañadientes cuando la película que acababa de estrenar no funcionó como esperaba. Sí, parece mentira, pero para Dreyfuss, Tiburón fue un segundo plato no muy apetecido. En cuanto al personaje de Quint, curtido cazador de tiburones, Spielberg quería a Lee Marvin. Pero Marvin, que por cierto era un pescador muy habituado a perseguir grandes piezas en la vida real, estaba de vacaciones y rechazó la oferta con una de las excusas más incontestables de la historia del cine: «Si hay que rodar una película sobre pescar grandes peces, prefiero quedarme pescando grandes peces de verdad». Como este argumento no tenía fisuras, los productores propusieron un sustituto, Robert Shaw, con quien ya habían trabajado en El Golpe. A Spielberg le pareció buena idea, aunque todavía no era consciente de los problemas que podía causar un tipo con la personalidad volátil y agresiva de Shaw. Más dificultad le causó el papel protagonista, Martin Brody, sheriff del pueblo costero en donde aparece el tiburón, que pese a enfrentarse a una amenaza que no comprende es el único capaz de anticipar la magnitud del peligro por encima de los intereses turísticos y políticos de las autoridades locales. Dada la popularidad de la novela, varias estrellas se interesaron por el papel, así que Spielberg tenía donde elegir. Sin embargo, buscaba unas características tan concretas que dejó pasar a varios grandes nombres. Charlton Heston, héroe de acción por antonomasia, se ofreció para interpretar a Brody. Parecía una baza conveniente, porque era un actor taquillero a quien el público amaba en esa clase de películas. Pero Spielberg, que ya estaba dejándose llevar por su particular visión, tenía sus reservas. No quería a un tipo duro como protagonista, sino a alguien que pudiese mostrar también una faceta vulnerable (entre otras cosas, el personaje de Brody ¡debía mostrar fobia al agua!) y desde luego alguien como Heston no mostraba puntos débiles en pantalla. Tras mucho cavilar, Spielberg encontró a su hombre por casualidad. Acabó contratando a un actor que se había dado a conocer como polícia implacable en la famosa French ConnectionRoy Scheider. Ambos se conocieron en una fiesta y Spielberg pensó que Scheider era justo la clase de tipo duro que quería evitar. Es más, no solamente era duro en la pantalla, sino que había sido un prometedor boxeador amateur: de catorce combates en competición, había ganado trece (en su única derrota le rompieron la nariz, lo cual le daba su característico aspecto de matón). Pero Scheider le convenció de que podía mostrar la faceta vulnerable requerida por el papel, y no habló en vano. Su trabajo en la película, como el de sus dos compañeros, iba a ser de primer nivel.

Con los actores bajo contrato, el rodaje empezó de la manera más improvisada que cabe imaginar. Spielberg tenía entre manos un guion a medio cocinar que necesitaba una reescritura. Pero no había tiempo, así que iban a tener que reescribir sobre la marcha, inmersos en plena filmación… algo que quizá es factible con un drama convencional, pero una locura en mitad de una producción con tantos elementos técnicos. Spielberg dejó atónitos a los productores cuando para esa tarea contrató a Carl Gottlieb, guionista especializado en comedia televisiva. A todos les pareció una insensatez, pero Spielberg tenía unos motivos muy claros: quería darle profundidad a los personajes para que la película tuviese un toque humano que la distinguiera del típico film de aventuras y terror. Acertó completamente con la elección. Gottlieb le confirió una enorme viveza a los personajes y también tuvo el buen instinto de insertar algunos toques cómicos en los diálogos, incluso en mitad de momentos de tremenda tensión. Idea suya era la frase más recordada de la película, pronunciada por Brody cuando ve por primera vez al tiburón con sus propios ojos: «Vais a necesitar un barco más grande». Gracias a Gottlieb, lo que era una mera película de género se transformó también en un convincente drama.

Todos estos problemas, sin embargo, se quedaron en nada por culpa de dos factores inesperados. Uno, la insistencia de Spielberg en rodar en el mar. Y dos, la poca previsión de los productores, que habían confiado en realizar una adaptación no muy costosa para la que no necesitarían gran cosa, solamente algún tiburón amaestrado. Los animales amaestrados no eran caros de alquilar. Sin embargo, fue solamente después de haber dado luz verde a la película cuando Zanuck y Brown descubrieron que ¡no se puede amaestrar a un tiburón!

Pesadilla sobre el agua

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Fotografía cortesía de Universal Studios.

Es el rodaje más duro que jamás he hecho. Todavía tengo pesadillas. (Steven Spielberg).

Abrumados por el grueso error, los productores se dieron cuenta de que iban a necesitar un tiburón mecánico o no habría largometraje, aun a sabiendas de que esto iba a disparar los costes. Habían planeado una película de presupuesto mediano, técnicamente no muy distinta a la serie B. El grueso del dinero debía ir al sueldo de algunas famosas estrellas, no a los efectos especiales. Esto era una actitud habitual a principios de los setenta, sespués de que algunas superproducciones de la década anterior hubiesen causado sonoras debacles financieras a los estudios (baste recordar Cleopatra). En general, Hollywood estaba huyendo de las grandes inversiones. Sin embargo, ¡no se puede hacer una película sobre tiburones sin tiburones! Pero no existía tal cosa como un tiburón mecánico. Nadie había fabricado uno. Por más que buscaron en Hollywood, no encontraron a especialistas que estuviesen dispuestos a jugarse su prestigio con una labor tan complicada o que pensaran siquiera que fuese posible. La situación era tan desesperada que terminaron recurriendo a un experto en efectos especiales, Bob Mattey, que estaba ya jubilado y que por tanto no tenía miedo a jugársela. Veinte años atrás (en 1954) Mattey había construido un calamar gigante para 20.000 leguas de viaje submarino. También había fabricado maquinaria para parques de atracciones. Era la mejor opción que tenían y desde luego el único que se prestaba a semejante locura. Pero como veremos, ni siquiera lo mejor iba a resultar suficiente.

Mattey construyó el tiburón mecánico, bajo la misma presión y apresuramiento que todos los involucrados en una película que estaba ya en proceso de producción. Eran tres tiburones distintos, de hecho, para planos frontales y laterales. Podían ser manejados mediante mandos eléctricos. Los probaron en los típicos tanques de agua que hay en los estudios de Hollywood y que sirven para simular escenas marítimas. Funcionaban. Bautizaron al monstruoso tiburón artificial como «Bruce», una broma en referencia al abogado de Spielberg. Hasta aquí, todo normal.

Pero Spielberg no quería rodar las escenas marítimas en un tanque de agua como se hacía tradicionalmente. Exigía realismo e insistía, por ejemplo, en que cuando los tres personajes principales se embarcaban para dar caza al tiburón, filmar el auténtico horizonte marino era la única forma de trasladar al público la soledad e indefensión que sentirían en mitad del océano. Todas las secuencias acuáticas debían filmarse en el océano. Los productores, alarmados, intentaron hacerle entrar en razón: un tanque de agua, en la seguridad de un estudio, era la forma más barata y segura de trabajar las secuencias marítimas. En muchas obras maestras se había usado un tanque de agua. ¡Todo el mundo rodaba en tanques de agua! Pero aquella fue una de las muchas veces en que un joven Spielberg, haciendo gala de una formidable visión y un admirable pundonor profesional, plantó cara a sus jefes. O rodaban en el mar o abandonaba el proyecto. Sus jefes tuvieron que concederle lo que quería, mientras se decían que habían cometido un error contratando a alguien tan perfeccionista. Si no le echaron, fue sin duda porque temieron más incrementos en los costes.

La decisión de Spielberg era narrativamente genial, pero las consecuencias sobre el tiburón eléctrico iban a ser desastrosas. Un tanque de estudio está lleno de agua dulce y unos circuitos eléctricos bien aislados como los de aquel tiburón mecánico pueden tener una vida útil más que suficiente. Pero el agua salada del mar tiene un alto poder corrosivo. Rodando en el mar, los escualos mecánicos empezaron a fallar. Los mandos no respondían. Hubo que buscar una solución a toda prisa. El constructor, Bob Mattey, entendió que no podía usarse electricidad y empezó a diseñar otro mecanismo, completamente hidráulico. Esto, claro, alargaría el rodaje y aumentaría considerablemente el presupuesto. Y entre tanto, ¡Spielberg tenía que rodar y seguía sin tiburón! Con suerte podría llegar a usarlo en algunas secuencias finales, siempre que Mattey consiguiese hacer funcionar el nuevo modelo a tiempo, pero mientras tanto había que seguir adelante. Con un retraso enorme y unos gastos que se disparaban, Spielberg se puso a buscar soluciones artísticas para la ausencia del pez. Y en esto demostró reflejos propios de un genio creador. Todos los críticos coinciden de hecho en que la avería del tiburón benefició a la película, porque Spielberg tuvo que idear nuevas maneras de presentar al tiburón sin mostrarlo en pantalla, y para ello recurrió a un ejercicio de imaginación: «¿Qué haría Hitchcock en mi lugar?». Que Spielberg dominaba el lenguaje hitchcockiano ya lo había demostrado con sus dos anteriores largometrajes, sobre todo con Duel. Pero él mismo admitió que sin las averías del tiburón su película no hubiese resultado tan creativa. Empezó a aplicar técnicas narrativas más propias del suspense. No mostraba a ningún tiburón, pero nos hacía entender que estaba allí, lo cual terminó siendo mucho más efectivo. Para cuando el tiburón mecánico finalmente apareció en pantalla, Spielberg ya se había metido al público en el bolsillo a base de planos inesperados en los que no se veía nada pero se intuía todo.

Estos logros artísticos fueron apreciados a posteriori, sí, pero durante el rodaje, Spielberg pensaba que la película iba a cercenar su carrera. Hollywood no quiere a directores que pierdan el control de la agenda, y mucho menos que pierdan el control de la cuenta de gastos. Spielberg, por su insistencia en rodar en alta mar, había perdido el control de ambas cosas. El rodaje se demoró varias semanas respecto a lo previsto. Después se demoró varios meses. Su insistencia en rodar a cielo abierto era la causa de casi todos los desastres: el clima no siempre era bueno, debían pasar horas y días esperando a que el mar estuviese en calma, hubo accidentes, averías, algún barco hundido (incluido el que vemos en la película), material valioso perdido en el agua, un doble que casi se ahoga (¡el tipo no sabía nadar!) y se negaba a volver a sumergirse… en fin, un caos total. Con el paso del tiempo los ánimos se exasperaban. Los productores, ya convencidos de que contratar a Spielberg había sido un gran error, empezaron a sufrir las consecuencias fiscales a causa del retraso. Los actores se veían obligados a declinar otras ofertas, por lo que perdían muchísimo dinero y se mostraban cada vez más cabreados y frustrados. Robert Shaw estaba fuera de control: alcohólico e imprevisible, tenía arrebatos violentos que aterraban al personal. Incluso sus arrebatos más amistosos causaban pánico, porque cuando se dice que Robert Shaw tenía una «gran presencia», no solamente hablamos de una presencia metafórica en la pantalla. La tensión era tal que pudo incluso con Roy Scheider, cuya profesionalidad, paciencia y sabiduría causaban admiración entre sus compañeros. Era, recordemos, un actor que había protagonizado ya una película ganadora del Óscar a mejor largometraje. Y era además un antiguo boxeador, curtido en el cuadrilátero. Pero un día no pudo más. La emprendió a hostia limpia con la mesa de catering, gritando y despotricando, harto de perderse proyectos por estar encadenado a aquel desastroso rodaje. Aquel arrebato era algo impropio de él, pero también era el producto lógico de las frustraciones acumuladas durante un rodaje de pesadilla. Spielberg necesitó horas para conseguir calmarlo.

Todo iba de mal en peor. Un plan de rodaje que había saltado por los aires, un tiburón que había costado mucho dinero pero que solamente estuvo listo para unas pocas escenas (funcionando a medias) y la sensación de que solamente un milagro podría hacer funcionar todo aquello. El presupuesto que excedía en millones las previsiones iniciales: lo que se pretendía una película modesta se había convertido en una superproducción que triplicaba el coste medio de los largometrajes de la época. Cuando Spielberg terminó el rodaje, se vino abajo. Encerrado en una habitación de hotel, tuvo una crisis de pánico que lo dejó paralizado. Veía que su carrera acababa de terminar. Días después, se encerró en la sala de montaje para terminar de organizar las imágenes, convencido de que aquello sería su epitafio artístico. Estaba seguro de que nadie lo iba a volver a contratar después de semejante concatenación de calamidades.

El nacimiento del blockbuster veraniego

1973, London, England, UK --- Film Director Stephen Spielberg, 1973 --- Image by © Hulton-Deutsch Collection/CORBIS

Steven Spielberg, 1973. Fotografía: Corbis.

No tuve otra opción que descubrir cómo contar la historia sin el tiburón. Fue cuando me volví hacia Hitchcock, ¿qué haría él en una situación como esta? Imaginando una película de Hitchcock en vez de una película tipo Godzilla, de repente tuve la idea de que podíamos conseguir un gran efecto usando el horizonte marino, haciendo que no fueses capaz de ver lo que hay por debajo de tu cintura cuando estás nadando. Lo que no ves es lo que de verdad resulta aterrador. Eso obligaba a los espectadores a traer su imaginación colectiva cuando viniesen a ver la película, y sería su imaginación la que me permitiría hacer de esto un éxito (Steven Spielberg).

Como es costumbre en Hollywood, una primera versión del montaje fue proyectada ante una selección de espectadores que, provistos de fichas, registrarían su opinión sobre la película. De esta manera, el estudio podía saber si la película necesitaba algún cambio antes del estreno, además de estimar su posible carrera comercial. De los resultados de estas proyecciones de prueba podía depender la manera en que un largometraje era anunciado y distribuido. Pues bien, cuando se proyectaron los primeros montajes de prueba de Tiburón, sucedió algo. La reacción fue entusiasta. Muy entusiasta. Después de semejante pesadilla de rodaje, nadie estaba con ánimos como para imaginar tan buena recepción. Pero las opiniones eran inequívocas: quienes la veían, salían encantados.

Los productores dedujeron algo importante: aunque la película podía gustar a un amplio público, el principal público diana de Tiburón iban a ser los varones adolescentes y jóvenes. Tradicionalmente se había estrenado esta clase de películas en temporada navideña, aprovechando las vacaciones. Aunque hoy parezca raro, no era costumbre estrenar en verano, y había buenos motivos para ello. Durante décadas, las salas habían carecido de aire acondicionado y a nadie se le hubiese ocurrido estrenar una superproducción en verano, sabiendo que el público no iría al cine para pasarse dos horas sudando entre una multitud. En verano siempre habían funcionado los cines al aire libre y los drive-in, pero estos, por sí solos, no podrían recaudar lo suficiente para justificar un gran estreno; como mucho, servían para proyectar pequeñas producciones, serie B o películas de reestreno. Las fiestas navideñas eran la temporada más propicia para los grandes estrenos y además tenían la ventaja de que estarían todavía recientes cuando se otorgasen los premios Óscar, que podían servir como segundo trampolín para reavivar la carrera comercial de cualquier film. Pero los productores de Tiburón, obligados por su agenda, iban a tomar decisiones muy atrevidas. Sabiendo que el uso de aire acondicionado se había empezado a generalizar, decidieron arriesgarse y estrenar en pleno verano. El 20 de junio, a dos semanas del 4 de julio, fiesta nacional estadounidense, Tiburón saltaría a las pantallas. Un gran estreno estival era una rareza. Pero necesitaban hacerlo funcionar.

Para el entonces terreno ignoto del verano, necesitaban medidas de efecto. Una fue la de estrenar a la vez en muchas salas. Esto suponía romper con otra costumbre muy arraigada, la de estrenar una película por etapas. Es decir: por lo general, un gran estreno se proyectaba en unas pocas salas de Nueva York o Los Ángeles. Al ser dos ciudades grandes con enorme tradición cinematográfica, optaban a un amplio público ansioso de estrenos, evitando la mala imagen que daban las butacas vacías. También en aquellas dos metrópolis se concentraba lo más granado de la crítica. Cuando el eco publicitario del éxito en las dos todopoderosas capitales llegaba al resto del país, se iba estrenando la película en otras ciudades. Más adelante, para terminar de aprovechar el tirón, se estrenaba en zonas suburbanas o rurales. Todo de manera gradual. Los departamentos de publicidad de los grandes estudios eran bastante pequeños y la parte de presupuesto que se usaba en promoción era modesta. Los motivos de esta forma de actuar tenían su lógica: la publicidad en televisión era demasiado cara como para hacer un uso extensivo. La publicidad en prensa escrita era más barata, pero solamente llegaba a los adultos. Para captar la atención del público juvenil se confiaba en el boca a boca. Así pues, un estreno por etapas parecía lo más seguro. Aunque hoy nos sorprenda, estrenar una película en muchas salas a la vez era señal de que no se confiaba en su carrera comercial, porque así se intentaba captar a un público incauto antes de que el boca a boca o las malas críticas se extendiesen y la gente perdiese el interés. Pero ¿una buena película? Esta sí podía estrenarse poco a poco, porque todo el mundo terminaría queriendo ir a verla, ya fuese el día del estreno o tres meses después. Lo de gastar fortunas en promoción era un riesgo que los estudios rara vez querían tomar.

Esto había empezado a cambiar en 1972, cuando la película El Padrino se había estrenado simultáneamente en cuatrocientas salas de cine. Esto fue una estrategia insólita, más producto de la necesidad que del cálculo. Se había previsto que El Padrino se estrenase durante la Navidad de 1971, pero algunos contratiempos hicieron que se retrasara hasta primavera de 1972. La primavera era «temporada baja», así que se decidió estrenar en muchas salas para compensar lo extemporáneo del estreno. Funcionó. El Padrino fue un gran éxito, y precisamente abrir en muchas salas le permitió pulverizar las marcas iniciales de taquilla de la competencia. Pero claro, la calidad de la película era enorme, al poco de haber sido estrenada muchas voces la situaban ya a la altura de cualquier obra maestra y todo el mundo quería comprobar in situ si de verdad era tan buena. El Padrino era un fenómeno único, un film de altísimo prestigio, así que la idea de copiar sus tácticas resultaba dudosa. ¿Podía algo como Tiburón imitar su estrategia? Dado que sus pases previos daban a entender que la segunda película en celuloide de Spielberg no solo era divertida, sino artísticamente grandiosa, no tomaron solamente el riesgo de imitar la táctica comercial de El Padrino, sino que la llevaron todavía más lejos. Se estrenó de golpe en el doble de salas que El Padrino (aunque no se llegó al número previsto, ¡cercano al millar!). Para apoyar la jugada, se apoyaron en una campaña publicitaria nunca vista, que aprovechaba de lleno la televisión, aunque esto supusiera un gasto enorme. Esto fue un golpe publicitario revolucionario. La retransmisión repetida del tráiler por televisión despertó un enorme interés. Además, el tráiler trasladaba a la gente un ambiente de misterio (planos subjetivos, la música de John Williams, etc.) que vendía la película como algo más basado en el suspense que en los casi ausentes efectos especiales. En esto, el tráiler no engañaba a nadie. Eso era justo lo que la película ofrecía: suspense. Pero resultó ser también lo que el público quería. Hollywood tenía su nuevo Hitchcock.

Tiburón fue, pues, la primera película en utilizar de manera plena y consciente toda una nueva estrategia comercial que consistía básicamente en dinamitar todo lo que la industria había considerado seguro y sensato. Era una gran producción estrenada en una época insólita como el verano, que gastaba ingentes cantidades de dinero en publicidad, que se proyectaba en muchas salas a la vez (arriesgándose a pegarse el batacazo del siglo si las salas quedaban vacías), que confiaba en el poder adquisitivo del público juvenil… pero todo esto le permitió romper todas las marcas de taquilla habidas y por haber. De hecho rompió las marcas que El Padrino había conseguido poco antes (que a su vez serían batidas por La guerra de las galaxias, que gozó del añadido de convertirse en un fenómeno social gracias a los juguetes).

La industria actual se lo debe todo a Tiburón

La guerra de las galaxias no nació con vocación de blockbuster veraniego. Aunque parezca mentira, dado que barrió las marcas taquilleras de Tiburón y hoy es el epítome del fenómeno cultural mainstream, su influencia a nivel de mercadotecnia fue y sigue siendo bastante menor que la de Tiburón (excepto, claro, a nivel de merchandising). La primera parte de la saga espacial de George Lucas fue estrenada en relativamente pocas salas, unas cuarenta, y durante la primavera, no durante el verano. Fue distribuida siguiendo tácticas mucho más conservadoras. Incluso el propio Lucas pensaba que su amigo Spielberg, entonces enfrascado en el rodaje de Encuentros en la tercera fase, iba a tumbarle en la taquilla. Tanto era así, que le pidió que se cediesen mutuamente un porcentaje de sus respectivos filmes, como manera de no estropear su amistad con la rivalidad comercial (la inseguridad de Lucas respecto a un posible fracaso es la causa de que Spielberg tenga un 2,5% de los derechos sobre el primer largometraje de Star Wars, sin haber siquiera intervenido en él). La guerra de las galaxias se estrenó pues en menos de la décima parte de salas que Tiburón.

El que La guerra de las galaxias, aun rompiendo todas las marcas establecidas por Tiburón, no hubiese usado su mismo modelo promocional, da buena idea de hasta qué punto Tiburón fue una película revolucionaria. La guerra de las galaxias causó impacto por su magnitud, pero no era nada novedosa en cuanto a temáticas (aunque mezclaba con habilidad varias fuentes de material, haciéndolas parecer algo moderno), ni siquiera era completamente novedosa en cuanto a efectos especiales, que ya se habían visto en 2001 o Naves misteriosas. Sí es cierto que aportó algo muy nuevo: el poder del merchandising y la capacidad para meterse en las casas y las vidas de cientos de millones de niños mediante una fabulosa oferta de juguetes y accesorios. Esta táctica comercial, sin embargo, no podía aplicarse con todas las películas. No cualquier film puede recuperar dinero vendiendo juguetes o accesorios. Se ha intentado muchas veces, claro, pero no siempre ha vuelto a funcionar.

En cambio, las tácticas de publicidad y distribución de Tiburón sí pueden ser imitadas. Lo fueron durante los ochenta, década de explosión del cine palomitero veraniego, y han seguido siendo imitadas hasta hoy. Porque funcionan. Lo de la saga Star Wars no es extrapolable, ya que continúa alimentándose del círculo virtuoso de su propia fama, convertida en cultura pop y objeto de fijación nostálgica de las masas, lo cual la hace permanecer ajena a los vaivenes de la industria, funcionando según sus propios patrones. Pero el resto de superproducciones ha continuado usando las tácticas de Tiburón, que fue la madre y el padre de todos los éxitos veraniegos. Hoy, el departamento de publicidad de cualquier estudio tiene un poder enorme y suele consumir cantidades ingentes del prespuesto de cada film. El bombardeo publicitario funciona mejor que el boca a boca (no digamos que la crítica en prensa) y esto es algo que el cine descubrió gracias a Tiburón. Para bien, y también para mal, Tiburón fue el padre de todos los blockbusters. Y si me preguntan, insisto, continúa siendo el mejor.

George Lucas y Steven Spielberg en el Paseo de la fama de Hollywood, 1984. Fotografía: Corbis.

George Lucas y Steven Spielberg en el Paseo de la fama de Hollywood, 1984. Fotografía: Corbis.

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27 Jan 16:36

Disney promete películas de Star Wars y Marvel hasta el fin de los días (¿crossover a la vista?)

by Juan Luis Caviaro
Juan Utrilla de Noriega

una pena, como bien dice este artículo:
"Supongo que ésa también es la clave del cine porno"

Star Wars y Marvel

Por si alguien lo dudaba, Bob Iger ha confirmado que habrá más películas de 'Star Wars' después del Episodio IX que se estrenará en 2019. Mientras el 'El despertar de la fuerza' sigue aumentando sus cifras en taquilla, el jefazo de Disney dijo esto sobre la saga en una entrevista para la BBC: "Hay cuatro películas más en diferentes estados de desarrollo y producción. Habrá más. Pero no sé cuántas ni con qué frecuencia llegarán".

Las cuatro películas son el Episodio VIII (cuyo estreno fue retrasado a diciembre de 2017), el IX y los spin-offs: 'Rogue One: A Star Wars Story' (para diciembre de este año) y uno sobre los orígenes de Han Solo (2018). Lucasfilm tenía previsto otro más sobre Boba Fett pero hubo problemas con el director (Josh Trank, el de 'Cuatro Fantásticos') y ahora mismo el proyecto está en el limbo. Por otro lado, el directivo también se refirió al cine de Marvel con estas palabras:

"En cuanto a Marvel, estás lidiando con miles y miles de personajes: eso seguirá para siempre."

Iger no cree que el público se vaya a cansar nunca del cine de superhéroes, como pronosticó Steven Spielberg, porque opina que "estamos elevando el nivel en la narración de historias que excitan a los espectadores". Supongo que ésa también es la clave del cine porno. Recordemos que el estudio Marvel tiene programados dos estrenos para este año: 'Capitán América: Civil War' ('Captain America: Civil War'), a finales de abril, y 'Doctor Extraño' ('Doctor Strange'), en noviembre.

¡¿Los superhéroes de Marvel en Star Wars?!

Por otro lado, Stan Lee ha planteado una posibilidad que podría reventar todos los récords de taquilla: un "crossover" de Star Wars y los Vengadores. Teniendo en cuenta los planes de ambas sagas, y que las historias suceden en universos diferentes, parece improbable que esto pueda ocurrir pero quizá en un futuro Disney necesite poner en marcha esta locura. Así lo explica Lee:

"Obviamente la gente que produce estas películas están buscando el mayor éxito posible. Si creen que puede tener mucho éxito incorporar a los personajes de Marvel en Star Wars, encontrarán la manera de hacerlo. ¿Te imaginas a Spider-Man diciendo: 'Que la fuerza te acompañe'? ¡Podría ocurrir! Creé Avengers cogiendo a muchos de nuestros personajes y creando un equipo con ellos. Podemos sumar todos los que queramos para futuras películas. Podría ser divertido, ¡de repente Luke Skywalker es un Vengador!”

¿Qué opináis? ¿Queréis ver esa mezcla de sagas?

Vía | BBC y Comicbook

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22 Dec 10:12

¿Cuál ha sido el mejor cartel propagandístico?

by Javier Bilbao

La democracia es un gran invento pero las campañas electorales un poco menos. Ya ha terminado la última de un año especialmente cargado y, recordemos con alivio, en la mayor parte de España no habrá más elecciones hasta dentro de tres años. Se pueden extraer muchas conclusiones de lo vivido y cada uno tendrá las suyas, pero si vamos al meollo de lo que importa el consenso es que los candidatos han sido muy guapos. Conscientes de ello, han posado en los carteles con su mejor sonrisa como si de cantautores se tratase. Por si no fuera bastante, para arreglarles el cutis han contado con más infografía que una película de Pixar y los fotógrafos han logrado extraer de ellos las inevitables miradas de grandeza hacia el horizonte de prosperidad al que quieren llevarnos. En conclusión: un tostón. Lo de antes sí que eran carteles como Dios manda, a menudo muy poco democráticos pero oiga, no se puede tener todo. Así que a continuación va una breve selección de los pósteres de propaganda política más logrados de un siglo XX tan generoso en ellos, aunque pueden añadir algún otro si lo desean.

(La caja de voto se encuentra al final del artículo)

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Dear God, Keep Them Safe!

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Las guerras son muy caras y una manera de financiarlas menos coactiva que la subida de impuestos son los bonos de guerra, créditos que el gobierno solicita a los ciudadanos apelando a su patriotismo. En el caso de Estados Unidos, durante la Segunda Guerra Mundial se llevó a cabo una enorme campaña publicitaria en las que se enarbolaba la defensa de las libertades civiles y el modo de vida americano (como en este cartel sobre la libertad de expresión), pero también a menudo con mensajes más viscerales en los que se agitaba una amenaza en principio lejana que podía recaer en la propia familia. Como en este en el que la sombra de una esvástica se cierne sobre unos niños o el que tenemos sobre estas líneas, con el evocador toque retrofuturista que dan las máscaras de gas.

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Victoria, hoy más que nunca

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Nos tentaba incluir en esta lista el Guernica de Picasso, pero mejor añadimos a la persona que le encargó pintarlo, Josep Renau, quien en su condición de director general de Bellas Artes fue también responsable del traslado de las obras del Museo del Prado para evitar su destrucción durante la guerra civil española. Terminó exiliado en la RDA realizando fotomontajes sutiles como un martillo neumático (The American Way of Life) pero sin duda su mejor etapa artística fue durante la propia guerra, con carteles sencillamente extraordinarios como el que vemos arriba, impreso en Barcelona en 1938.

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Columna de hierro

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Lo cierto es que la guerra civil dio tanto de sí en este ámbito de la propaganda que se merece una encuesta propia que dejaremos pendiente. Aquí tenemos la obra de otro cartelista valenciano, Eleuterio Bauset Ribes, que retrató a este peculiar campesino adicto al gimnasio y los esteroides en el acto de clavar la bayoneta a un pérfido capitalista con unas fauces propias de un critter. Este otro cartel suyo es también muy conocido.

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Destroy this Mad Brute

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Al igual que el anterior, este cumple uno de los fines de todo póster propagandístico que se precie: deshumanizar al enemigo. Una vez apartada de la mente nuestra humanidad compartida resultará mucho más fácil matarlo, pues no es más que una bestia furiosa de grandes colmillos. Que además, apelando a instintos atávicos, pretende arrebatarnos a nuestras mujeres para mancillar su honra, como un monstruo cualquiera de película de serie B. ¡Inadmisible! El pickelhaube o casco prusiano y la porra con la palabra «Kultur» nos recuerdan que es alemán. El cartel fue obra de H. R. Hopps y sirvió para reclutar soldados estadounidenses durante la Primera Guerra Mundial. Curiosamente hace unos años la revista Vogue lo homenajeó con una portada del deportista LeBron James y la modelo Gisele Bündchen que levantó cierta polémica al considerarse racista.

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Kultur-Terror

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Y aquí tenemos su reverso, publicado en 1944 por el partido nazi noruego y obra del artista Harald Damsleth. Los americanos que habían desembarcado en Europa para derrotar al Tercer Reich eran un decadente y grotesco monstruo de judaísmo, música jazz, Ku Klux Klan, negros enjaulados, bombas, dinero, mafiosos y mujeres semidesnudas que iban a destruir la muy superior cultura europea.

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La llamada de la Madre Patria

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El 22 de junio de 1941 Hitler invade la Unión Soviética con una monumental movilización de más de tres millones de soldados. Un acontecimiento que sacude las conciencias rusas y casi inmediatamente se suceden enérgicos llamamientos para alistarse en el ejército y salvar a la Madre Patria. Al cabo de unos días el artista Irakli Toidze la representó así inspirándose en su esposa y el cartel conoció una difusión masiva, convirtiéndose en una de las imágenes más emblemáticas del siglo XX.

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I Want YOU for U.S. Army

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Este sería el equivalente estadounidense y la anécdota de su origen es de sobra conocida: durante la guerra angloamericana de 1812 los envíos de carne al ejército por la empresa de un tal Samuel Wilson llevaban las iniciales U.S. y los soldados comenzaron a bromear sobre Uncle Sam. Posteriormente el dibujante James Montgomery Flagg le daría este aspecto en un cartel de reclutamiento para la Primera Guerra Mundial y pasaría a convertirse en un meme popular versionado hasta el infinito y más allá. Ese gesto de señalar no deja de ser una impertinencia, pero sin duda logra el efecto de interpelar al espectador.

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Lenin vivió, Lenin vive, Lenin vivirá

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En 1967, con motivo del cincuenta aniversario de la Revolución Rusa, se editó este cartel con una frase del poeta Vladímir Mayakovski: «Lenin vivió, Lenin vive, Lenin vivirá». Fíjense qué pose tiene Lenin ante esa bandera flameante, madre mía: qué señorío, qué manera de molar, parece un héroe de cómic con la gabardina al viento en lo alto de alguna azotea. Solo se echa en falta en esa mano libre una recortada.

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Stalin trabajando de noche

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Y aquí vemos a su sucesor. La residencia oficial de Franco, el palacio de El Pardo, tenía una luz encendida durante toda la noche en el despacho como forma de representar que siempre estaba trabajando al servicio de los españoles, era la denominada «lucecita de El Pardo». Se trataba de un recurso propagandístico copiado de Mussolini y como vemos aquí Stalin no quería ser menos con su particular lucecita del Kremlin, volcado en la redacción de lo que imaginamos será una lista de personas a fusilar.

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Nuestro triunfo en el espacio es el himno a la Unión Soviética

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Poco después de la muerte de Stalin daría comienzo la carrera espacial. Era amenazadora, al llevar a un nuevo terreno la confrontación, pero también estaba cargada de esperanza, ante las posibilidades casi infinitas que se abrían. Aquí una interesante selección de pósteres.

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Libros en todas las áreas del saber

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Eso es lo que anuncia a voz en grito esta hermosa moza de dentadura perfecta, pero como estos caracteres cirílicos no hay quien los entienda el cartel se ha usado desde entonces para cualquier cosa.

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He’s Watching You

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Ahí tenemos al mismísimo Darth Vader vigilándonos. El cartel es estadounidense, de 1942, y está dirigido a alertar de la posible presencia de espías, por lo que convenía extremar las precauciones y no hablar nunca de más, muy especialmente entre los trabajadores del sector militar e industrial. Eran numerosos los avisos en ese sentido, como este, este o este otro.

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¡Cuando montas solo, montas con Hitler!

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¿Quién no ha soñado alguna vez con tener a Hitler como amigo invisible? Pues es tan sencillo, según este afiche, como conducir solo y se te aparece de copiloto dándote sus sabios consejos nacionalsocialistas a la manera del conejo Harvey. Pero en una interpretación menos literal del mensaje a lo que se alude es a la austeridad exigida en tiempos de guerra a la población civil, que debe medir su consumo ya sea en combustible o hasta en comida.

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We Can Do It

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La Segunda Guerra Mundial fue, entre otras muchas cosas, una carrera por incrementar la producción armamentística en la que los Aliados lograron imponerse con rotundidad. La propaganda destinada a la población civil enfatizaba en consecuencia la importancia del trabajo como un deber patriótico y este póster de Westinghouse Electric en un ejemplo de ello. En su momento pasó casi desapercibido, pero con el paso de los años ha llegado a convertirse en un icono pop.

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Un ¡borracho! es un parásito, ¡eliminémosle!

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Este cartel corresponde a Albert Sanmartí y hay que comprenderlo en su contexto, cuando la falta de disciplina en cualquier ámbito puede terminar inclinando la balanza de la guerra. A pesar de ello no deja de tener una severidad entrañable visto hoy día y dan ganas de ponerlo como decoración en un bar cualquiera.

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Los trabajadores hemos despertado

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En las elecciones de julio de 1932 el NSDAP obtuvo su mejor resultado (si descartamos las del año siguiente por su falta de limpieza) gracias a su capacidad para atraer a diferentes sectores sociales, y en un país en el que el 46% de la población era clase obrera resultaba vital atraerse a algunos para la causa. Este cartel de dichas elecciones es un buen ejemplo de tal empeño, con su fondo rojo y un hercúleo obrero de camisa medio desabrochada que parece salido de la portada de una novela romántica. Enfrente una caterva de enanos que entorpecen su camino con reproches y al fondo una gigantesca esvástica presidiéndolo todo.

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Pongamos nuestros talentos al servicio de un avance victorioso

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El intento de industrialización acelerado que tuvo lugar en China entre 1958 y 1961 terminó provocando una catástrofe económica que se llevó por delante la vida de entre veinte y treinta millones de personas. En una amarga ironía fue conocido como «El Gran Salto Adelante», aunque cobra sentido si lo que imaginamos enfrente es un precipicio. Naturalmente la propaganda maoista daba una visión mucho más amable, y aquí vemos a estos vigorosos trabajadores cruzando el mar como Moisés, al fondo uno incluso va montado en un cohete tan ricamente, de una manera que evoca a ¿Teléfono Rojo? Volamos hacia Moscú. Esta alegre procesión está en realidad inspirada en la leyenda de los ocho inmortales, sobre un grupo de dioses dotado cada uno de un superpoder que orientaban hacia el bien común.

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19 Nov 12:02

24º Festival de Jazz en la provincia de Sevilla

by Aljarafe Gratis

El 12 de noviembre dio comienzo la 24º edición del Festival de Jazz de la provincia de Sevilla que este año llega hasta Gines y Mairena del Aljarafe.

Gines (Teatro El Tronío)

  • 21 de noviembre a las 20.30 h.: The Brothers Arntzen. The Brothers Arntzen tocan y cantan swing y hot jazz de los años 20, 30 y 40. Criados en el estilo de Nueva Orleans por su abuelo Lloyd Arntzen, los dos hermanos han desarrollado su propio sonido desde esa tradición musical.
  • 28 de noviembre a las 20.30 h.: Malheur. Malheur es un trío formado en Sevilla (España) en 2012, cuyo estilo está encuadrado fundamentalmente en el Jazz/Rock instrumental. El resultado es un directo pleno de energía, cambios inesperados y muy originales improvisaciones.

Mairena del Aljarafe (Teatro Villa de Mairena)

  • Jueves 26 de noviembre a las 21 h.: Bogaloo. Grupo de formato clásico en el jazz que interpreta una música cercana al blues y al funk. El repertorio está formado tanto por grandes temas de artistas del sello discográco Blue Note como por temas propios.
  • Viernes 27 de noviembre a las 21 h.: Miguelo Delgado Trío. Tras muchos años en diferentes formaciones el compositor sevillano siente que es el momento de centrarse en un proyecto más personal y así comienza su andadura el Miguelo Delgado Trío, en 2013.
  • Sábado 28 de noviembre a las 21 h.: Partikle. Partikle es una de las más recientes e innovadoras bandas en el Reino Unido. Su música pone un giro interesante en el formato de jazz estándar, aunque todavía hacen honor a la tradición de la profunda armonía e improvisación creativa.

 

08 Oct 08:46

La simetría en 'Star Wars'

by Juan Luis Caviaro
Comparativa de las escenas finales de Star Wars I y IV

"Ves el eco de hacia dónde va a ir todo. Es como poesía, las películas riman." (George Lucas)

'La guerra de las galaxias' despierta una fascinación extraordinaria. Hay franquicias u obras de culto con legiones de seguidores pero el caso de la saga creada por George Lucas es realmente especial. La puesta en marcha de la nueva trilogía que arranca con 'El despertar de la fuerza' está llevando a revisitar las dos anteriores; en este artículo os traigo un vídeo con un interesante enfoque que puede reconciliarnos con las precuelas...

Inspirado por la frase que os he traducido arriba, Pablo Fernández Eyre realiza un montaje que compara escenas de las seis películas de 'Star Wars', descubriéndonos que existe una simetría entre ellas (esta misma idea dio pie a la "Teoría del Anillo"). Cabe entenderlo de dos maneras: Lucas se esforzó por conectar las historias de los seis episodios... o quizá sólo sea una muestra de su falta de ideas. Es un vídeo muy corto, vedlo y dejad vuestra opinión:

PD: El tema musical es 'Experience' de Ludovico Einaudi.

En BlogdeCine | Star Wars: todos los retoques con los que George Lucas ha "mejorado" la trilogía original

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25 Jun 22:52

Pixar y los sentimientos: la clave de todas sus películas en una sola imagen

by Juan Luis Caviaro

Un fotograma de Del Revés (Inside Out)

Tras un LARGO año de espera, Pixar ha vuelto. En España tendremos que esperar hasta el 17 de julio para ver 'Del revés' ('Inside Out') pero en otros países ya la tienen en cartelera y está siendo el éxito que apuntaba en el Festival de Cannes (en Estados Unidos ha superado a 'Avatar' como la película original con el mejor estreno de la historia). El nuevo trabajo del estudio de animación ha reabierto el debate sobre cuáles son las claves que hacen sus películas tan especiales.

O quizá solo haya una clave: los sentimientos. Esta semana se ha comenzado a compartir masivamente en Internet una imagen que pretende haber encontrando la base de todas las películas de Pixar y que a grandes rasgos se resume en que sus creadores se preguntan cómo sienten sus personajes, independientemente de si son animales o cosas. Echad un vistazo:

La imagen que explica a Pixar

Pixar, 1995: Qué pasaría si los juguetes tuvieran sentimientos = Toy Story

Pixar, 1998: Qué pasaría si los insectos tuvieran sentimientos = Bichos (A Bug's Life)

Pixar, 2001: Qué pasaría si los monstruos tuvieran sentimientos = Monstruos, S.A. (Monster's Inc.)

Pixar, 2003: Qué pasaría si los peces tuvieran sentimientos = Buscando a Nemo (Finding Nemo)

Pixar, 2004: Qué pasaría si los superhéroes tuvieran sentimientos = Los Increíbles (The Incredibles)

Pixar, 2006: Qué pasaría si los coches tuvieran sentimientos = Cars

Pixar, 2007: Qué pasaría si las ratas tuvieran sentimientos = Ratatouille

Pixar, 2008: Qué pasaría si los robots tuvieran sentimientos = WALL·E

Pixar, 2009: Qué pasaría si los perros tuvieran sentimientos = UP

Pixar, 2012: Qué pasaría si Escocia tuviera sentimientos = Indomable (Brave)

Pixar, 2015: QUÉ PASARÍA SI LOS SENTIMIENTOS TUVIERAN SENTIMIENTOS = Del revés (Inside Out)

Aunque la gracia del listado publicado en Tumblr es culminar con el colmo de esta tendencia, ¡los sentimientos de los sentimientos!, como sabréis, Pixar va a estrenar otra de sus historias originales en noviembre: 'The Good Dinosaur'. Es decir, si lo planteamos cómo las demás, ¿qué pasaría si los dinosaurios tuvieran sentimientos? De momento tenemos que conformarmos con lo que muestra el teaser tráiler:

Por supuesto, en la elaboración de esta "teoría" hay una evidente intención humorística (o eso espero), ya que es en la narración donde está el auténtico secreto del cine de Pixar. Preguntarse por los sentimientos de animales o cosas puede dar ideas, y es importante para elaborar personajes que conecten con el público, pero si fuera tan fácil cualquiera podría hacer películas tan buenas como ellos. Y por desgracia, ya sabemos no es así.

Vía | Magnet

En BlogdeCine | La Teoría Pixar: ¿todas sus películas conectadas en el mismo universo?

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25 May 11:18

ILM celebra 40 años creando magia en el cine, la imagen de la semana

by Juan Luis Caviaro
Juan Utrilla de Noriega

vamos, que han hecho todos los efectos especiales abusivos de los últimos 40 años

Cineastas que han trabajado con ILM y algunos personajes de la factoría

La magia de Industrial Light & Magic (ILM) sigue siendo fundamental en el cine que amamos así que no he dudado en reservarle este espacio de "La imagen de la semana". En el 40º aniversario de la compañía, la revista Wired le han dedicado un jugoso reportaje encabezado por la fantástica portada que tenéis arriba; vuelvo a dejar la imagen abajo a mayor tamaño, por si queréis verla con más detalle, junto con los nombres de los retratados.

La empresa fue fundada por George Lucas en 1975 para crear los efectos especiales de su mítica 'Star Wars'. Desde entonces, ILM ha dejado su huella en Hollywood colaborando en unas 300 películas y su trabajo ha sido premiado con 15 Oscar a los mejores efectos visuales. Entre los próximos estrenos donde podremos asombrarnos con sus creaciones figuran 'Jurassic World', 'Star Wars VII' o 'Warcraft'. A continuación tenéis una gozada de vídeo que rinde homenaje a ILM y celebra sus 40 años "creando lo imposible":

La portada de Wire a mayor tamaño

De izquierda a derecha, en la fotografía aparecen George Lucas, Steven Spielberg, Kathleen Kennedy, J.J. Abrams, Rian Johnson, Michael Bay, Ron Howard, Guillermo del Toro, Lynwen Brennan, Gore Verbinski, Colin Trevorrow y Duncan Jones.

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25 May 11:12

'The Martian' de Ridley Scott, primeras imágenes

by Juan Luis Caviaro

Matt Damon en The Martian

"Cualquier historia de supervivencia es fascinante. Para mí es un Robinson Crusoe del siglo XXI."

Ridley Scott se refiere con esas palabras a 'The Martian', su nuevo y esperadísimo trabajo, que debería quitarnos el mal sabor de boca dejado por 'Exodus: Dioses y Reyes'. Gracias a Empire ya podemos echar un vistazo a las primeras imágenes oficiales de esta aventura espacial protagonizada por Matt Damon, quien vuelve a ponerse en la piel de un desesperado astronauta después de su memorable papel en 'Interstellar'.

ACTUALIZACIÓN 25-05-2015: Hay nuevas fotos donde aparecen otros miembros del elenco, podéis verlas más abajo:

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Curiosamente, Jessica Chastain también figura en el reparto de 'The Martian', además de Kristen Wiig, Chiwetel Ejiofor, Jeff Daniels, Kate Mara, Donald Glover o Sean Bean, si bien el peso de la película recae sobre los hombros de Damon. Como ya informamos, Drew Goddard firma el guion de esta adaptación de la novela homónima escrita por Andy Weir, sobre un viaje a Marte que se convierte en toda una odisea para uno de los exploradores.

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Durante una misión tripulada al planeta rojo, el astronauta Mark Watney es dado por muerto tras una feroz tormenta y dejado atrás por su equipo. Pero Watney ha sobrevivido. Abandonado y sólo en un mundo hostil, con escasas provisiones, debe encontrar la manera de enviar una señal a la Tierra para comunicar que sigue vivo. A millones de kilómetros, la NASA y un equipo de científicos internacionales trabajan sin descanso para traer de vuelta la nave mientras los compañeros de Watney preparan una arriesgada y casi imposible misión de rescate...

El regreso a la ciencia-ficción de Ridley Scott se estrena el 27 de noviembre. ¿Qué opináis, nos encontraremos un espectáculo similar a 'Gravity'?

Vía | FilmStage

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