Shared posts

11 Dec 13:32

Superliminal: un juego en el que la percepción de la perspectiva supera a la realidad misma

by alvy@microsiervos.com (Alvy)

Superliminal [Windows] es un juego de Pillow Castle cuyo tráiler le deja a uno perplejo. Es una ingeniosa combinación de perspectivas y juegos visuales que seguro que recibiría el aprobado por parte de M.C. Escher. Una puerta o un cuadro llevan a nuevos escenarios donde hay más puertas y escenarios, donde se pueden encontrar nuevos objetos que representan escenarios… y así hasta el infinito.

Lo más curioso de Superliminal es la forma en que muchas veces los objetos varían según se manipulen. No es algo que no se haya visto antes, pero está muy conseguido: cuando se acercan o alejan ciertos objetos su aspecto en perspectiva parece tornarse en realidad: aumentan o disminuyen de tamaño. Objetos que están separados pero parecen unidos de repente se unen y cobran nueva vida. Me recordó un poco a Echochrome para la antigua PSP.

El argumento sitúa a los jugadores en un centro psiquiátrico en el que se están experimentando nuevas técnicas durante el sueño y de donde hay que «escapar». Más motivo para que todo parezca extraño e irreal, lo cual combinado con esa muzak de ascensor da una sensación si se quiere más agobiante y de encerramiento. Porque lo que parece grande de repente se hace pequeño y… no es tan fácil salir del sueño.

(Vía Txerra.)

Relacionado:

# Enlace Permanente

25 Nov 00:13

Un parque de aventuras construido en una antigua factoría de acero, para que los mayores disfruten como niños

by alvy@microsiervos.com (Alvy)

No tenía ni idea de la existencia del Landschaftspark que nos enseña en este vídeo la gente de Great Big Story. Es una especie de gigantesco «parque de atracciones y aventuras» situado en Duisburg (Alemania). En sus 2 km cuadrados de superficie hay todo tipo de actividades recreativas pero «para mayores»: paredes que escalar, recorridos para bicis de montaña, tirolinas y una especie de parque acrobático.

Todo ello está en un precioso entorno decadente y oxidado de antiguas fábricas de acero y de la industria del carbón y el gas. Se ve que vivieron mejores tiempos, pero cuando cayeron en desuso (se cerró en 1980) se les encontró esta otra aplicación que no está nada mal: la industria reconvertida en ocio. Supongo que debieron pasar todo tipo de medidas de seguridad y ahora están adaptados para recreo de los visitantes, que pueden hacer el ganso escalando tubos metálicos, paredes de cemento, toboganes y disfrutando de otras «atracciones» similares.

La instalación más espectacular es sin duda la piscina gigante para submarinismo, que es una readaptación del antiguo depósito de gas en el que caben unas 150.000 toneladas de agua de lluvia. Tras adaptarlo convenientemente lo «rellenaron» con coches viejos, aviones y objetos por el estilo, de modo que se puede practicar el «submarinismo de aventura» en un paraje bastante peculiar.

Relacionado:

# Enlace Permanente

25 Nov 00:01

Fractalicious 8: un colorido viaje al interior de un fractal para conocer a sus extraños habitantes

by alvy@microsiervos.com (Alvy)

Julius Horsthuis ha utilizado el maravilloso Mandelbulb 3D para crear otras de sus películas. Es un recorrido por fractales en el que se combinan matemáticas con un poco de arquitectura y los extraños y coloridos seres que habitan en el interior de estos extraños universos.

La música es Symmetry (Hidden Orchestra Remix) de Max Cooper, lo que no hace sino mejorar las ya de por sí fantásticas y evocadoras imágenes.

Relacionado:

# Enlace Permanente

23 Nov 01:54

'Adiós': un vibrante thriller de venganza que demuestra que el género español sigue en plena forma

by Víctor López G.

'Adiós': un vibrante thriller de venganza que demuestra que el género español sigue en plena forma

'Penny Dreadful', 'The Strain', 'El alienista', 'American Gods'... Estos son sólo algunos de los grandes títulos para la pequeña pantalla a los que nuestro Paco Cabezas ha aportado su granito de arena desde el asiento del cineasta en su periplo Norteamericano. Una aventura que arrancó en 2014 de la mano del mismísimo Nicolas Cage en el largometraje 'Tokarev' y que culminó el año siguiente con la divertidísima y refrescante 'Mr. Right'.

Cinco años después de saltar el charco, el director vuelve a su Sevilla natal para firmar su tercer largometraje de producción española tras 'Aparecidos' y 'Carne de Neón' bajo el título de 'Adiós'; brindándonos un thriller de venganza en clave cañí que reafirma con nervio, destreza y una calidad cinematográfica incontestable, el gran momento que está viviendo el género patrio contemporáneo.

De este modo, 'Adiós' se une a la estela de cintas como 'Celda 211', 'La isla mínima' o 'Que Dios nos perdone' —por poner un puñado de ejemplos—; recogiendo entre sus fotogramas una notable combinación de fondo y forma que, en el caso que nos ocupa, recorre sin escatimar en crudeza e intensidad el proceso del duelo y las relaciones paternofiliales en un ambiente urbano desolador.

El regreso por todo lo alto del hijo pródigo

Localizada en las zonas más marginales de la capital andaluza, la película desarrolla su discurso bajo la apariencia de un sórdido ejercicio de suspense y crimen que no sólo resulta efectivo en el desarrollo de su trama y en la sucesión de unos giros que invitan a verla sentado al borde de la butaca; también brilla resplandeciente tanto en sus pasajes entregados plenamente a la acción como en los más íntimos.

Gran parte de responsabilidad de todo esto recae sobre los hombros de un Cabezas que demuestra la gran verdad que esconde el dicho que afirma que la experiencia es un grado, articulando una puesta en escena precisa y vibrante que encuentra su máximo exponente en la brutal secuencia de la redada a las 3.000 viviendas; montada en paralelo a tres bandas y poseedora de un trabajo de cámara y montaje impecables.

adios

Pero espectáculos aparte, si 'Adiós' también triunfa en su vis más dramática es gracias a un reparto excelente en el que brillan los nombres de Carlos Bardem, Ruth Díaz, Vicente Romero y, por encima de todo, los de Natalia de Molina y un Mario Casas que continúa cerrando bocas y rompiendo esquemas a cada nuevo papel con un mínimo de sustancia que interpreta.

Con un alma andaluza inconmensurable, una factura técnica y artística a la altura de las circunstancias y una narrativa absorbente y, por momentos, asfixiante, 'Adiós' se eleva como una de las mejores apuestas del cine español de este 2019, y como una compañera ideal para disfrutar de una sesión doble impagable junto a la 'Quien a hierro mata' de Paco Plaza.

También te recomendamos

Netflix repite con Mario Casas en 'El practicante', la nueva película española de la plataforma

Estrenos de cine: reinos de hielo, padres coraje y matrimonios en crisis

Netflix ficha a Mario Casas, Aura Garrido y Alexandra Jiménez para 'El inocente' su nueva serie española

-
La noticia 'Adiós': un vibrante thriller de venganza que demuestra que el género español sigue en plena forma fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

30 Oct 04:19

Disfraz de Lámpara de Pixar, con una sola pierna

by Troy

Josh Sundquist es todo un personaje. Perdió una pierna debido a un cáncer cuando era niño y ahora es un exitoso escritor, humorista y orador motivacional que tiene, además, una encantadora afición: disfrazarse en Halloween.

Este año ha elegido disfrazarse de Luxo, la simpática lámpara Anglepoise que Pixar ha convertido en su marca más reconocible.

Y no solo nos encanta el disfraz en sí, sino que ha reproducido y grabado en vídeo toda la secuencia en la que, en las produciones de Pixar, la lámpara animada aparece dando saltitos para acabar aplastando la letra «I».

Si aún tienes dudas para apuntarte al club de los que esperamos cada año el disfraz de Josh, revisa lo que ha hecho en años anteriores. Josh nunca defrauda.

Escrito en: Disfraz de Lámpara de Pixar, con una sola pierna
Síguenos: @NoPuedoCreer - @QueLoVendan

¡Descubre nuestras tiendas!
Un 5% de descuento para ti usando el cupón NPC_EN_RSS
QueLoVendan.com, la tienda para frikis y geeks
Wakabanga.com, la tienda de regalos originales
27 Oct 14:55

El brazo robótico que resuelve el Cubo de Rubik con una sola mano

by alvy@microsiervos.com (Alvy)

He de decir como entendidillo del tema del speedcubing que esta demostración impresiona. Hasta ahora habíamos visto robots –o más bien, mecanismos variopintos– capaces de resolver el cubo en segundos, e incluso en unas décimas de segundo. O cubos que se resolvían solos (mediante mecanismos internos complicados) y cosas así. Pero un robot que diestramente resuelve el cubo con una sola mano está fuera de lo que me esperaba.

Mucha gente puede resolver el Cubo de Rubik con una mano. Yo mismo puedo hacerlo si me pongo, pero no es una de mis modalidades favoritas. Si sabes resolver el cubo simplemente tienes que ir siguiendo los algoritmos metódicamente, girando el cubo según necesites. Y se pueden minimizar los giros y movimientos para que se adapten a los movimientos de los dedos. Pero lo de este brazo robótico que resuelve el cubo de Rubik es harina de otro costal.

El mérito de los investigadores de OpenAI además es doble: no sólo enseñaron a la mano a manipular el cubo por sí misma (mediante métodos de inteligencia artificial tales como el refuerzo en redes neuronales en entornos simulados) sino que además enseñaron el camino para resolverlo sin recurrir a los algoritmos tradicionales que aprenden los speedcubers humanos. Utilizaron otra red neuronal, movimientos aleatorios (el llamado Automatic Domain Randomization, ADR) y entrenamiento por refuerzo (usando el algoritmo de Kociemba como objetivo).

Perturbaciones

Cuando todo estuvo listo y simulado millones de veces teniendo en cuenta la física del cubo, la fricción y los sensores que la mano robótica tiene en los dedos, se puso en acción. Llevan así desde mayo de 2017, cubo tras cubo. La forma de entrenamiento es tan peculiar que el sistema funciona aunque se perturben los sensores añadiendo un guante a la mano, con un suave golpe (lo que llaman «la prueba de la jirafa de peluche» – ¡literalmente!) o poniéndole un trapo encima. Si se cae el cubo al suelo se puede recolocar y el robot retoma la solución. Eso sí: en ningún sitio se indica el tiempo que tarda en resolver el cubo, que debe ser de algo más de un minuto por la pinta que tienen los vídeos.

Curiosamente debido a todas estas limitaciones el brazo robótico sólo resuelve el cubo el 60 por ciento de las veces (cubo desordenado al azar), o un 20 por ciento si el cubo está sumamente desordenado «adrede». En cualquier caso algo que ni siquiera lograría un humano sin experiencia. Esto me recordó un poco al chiste del señor que llega y ve a un perro jugando con un Gran Maestro de ajedrez. Asombrado exclama: «¡Madre mía! ¡Un perro tan inteligente que ha aprendido a jugar al ajedrez!» A lo que el Gran Maestro responde: «Sí, pero no se crea que es tan listo: sólo me gana dos de cada cinco partidas».

En definitiva: enseñar cómo resolver el cubo es todo un hito; pero enseñar la manipulación física del cubo es otra muy distinta que también está ya al alcance de las máquinas. ¡Vivimos en el futuro! Seguro que Ernő Rubik estará viendo todo esto completamente asombrado.

# Enlace Permanente

02 Oct 09:59

¿Con qué sueñan los pulpos? [VÍDEO]

by noreply@blogger.com (Antonio Martínez Ron)


En esta grabación podemos ver a un pulpo hembra durmiendo que cambia de color varias veces. El patrón que siguen esos cambios de color, que coincide con el que adoptarían al dejar el fondo, nadar y posarse sobre un cangrejo para comérselo, deja abierta la posibilidad de que el animal esté soñando. Además, sus ojos se están moviendo a pesar de estar cerrados. Los pulpos son animales extraordinariamente inteligentes, la simple idea de haber captado el momento en que uno de ellos está soñando es maravillosa. Visto en Digg
Entrada publicada en Fogonazos http://www.fogonazos.es/
09 Sep 18:56

El transistor: un documental de 1953 sobre el invento que revolucionaría el mundo tecnológico

by alvy@microsiervos.com (Alvy)

Este documental de Bell System (actual AT&T) que data de 1953 explica el camino que recorrieron los transistores desde que aparecieron los primeros tubos de vacío en 1907 y revolucionaron las comunicaciones hasta la invención en 1947 del transistor propiamente dicho, por parte de Moore, Noyce y Shockley, ya fabricado con semiconductores que se utiliza en la actualidad.

En el documental dicen que uno de los nombres tentativos para el invento fue «audión», aunque sabemos que también circularon nombres como «triodo sólido», «triodo de cristal», «iotatrón», «triodo semiconductor» o «triodo de estados de superficie». Menos mal que eligieron sabiamente.

Los transistores reemplazaron a los tubos de vacío al ser un componente más fiable, resistente y barato, lo que revolucionó las comunicaciones telefónicas, la radio y la televisión. Entre otras aplicaciones «futuristas» allá por 1953 ya hablaban de que en el futuro será posible la llamada «radio de Dick Tracy», un receptor completamente miniaturizado, que sería lo que hoy en día es una mini-radio FM o un smartwatch, y también de los televisores portátiles (que llegaron mucho antes).

También se explica, cómo no, que los transistores sin duda darían lugar a máquinas calculadoras avanzadas, auténticos «cerebros electrónicos» que ahorrarían días, meses o años de cálculos matemáticos.

Relacionado:

# Enlace Permanente

09 Sep 07:06

'Batman: La serie animada', nueve razones por las que se convirtió en la serie de superhéroes imprescindible

by Albertini

'Batman: La serie animada', nueve razones por las que se convirtió en la serie de superhéroes imprescindible

'Batman: la serie animada' puede ser, perfectamente, ya no una de las mejores series de animación de los 90, sino que una imperdible aproximación al cruzado de la capa. Un centenar de episodios (en "dos etapas" diferenciadas) magníficamente escritos un cuidado diseño y un tono perfecto hacen de esta la serie de superhéroes imprescindible

El espléndido regreso a la animación de Warner Bros.

Warner Bros Animation

Aunque pueda parecer extraño, ya que con los Looney Tunes y demás hicieron mucha mella, Warner Bros. tuvo muy abandonada la parte de animación televisiva. Hasta que no llegó Steven Spielberg y se puso a producir tanto 'Tiny Toon' como 'Animaniacs', la división de animación de la major tenía un volumen de producción nimio.

A finales de los ochenta, Warner Bros. empezaba a despertar de un letargo y quiso hacer las cosas bien. Y 'Batman' es uno de los ejemplos que dejó en la época. La clave fue cuidar mucho a quién le ofrecían el trabajo... y aquí surge Bruce Timm.

Bruce Timm realiza un diseño PER-FEC-TO

Batman Diseno Bruce Timm

En un par de horas, tenía esta visión de Batman en el papel. Era nuevo. Desde que era pequeño, Batman ha sido una de mis cosas favoritas de dibujar pero nunca logré realizar una versión de Batman que me gustara. Cada Batman que dibujaba estaba basado en el Batman de algún otro. Esta era la primera vez que tuve un Batman estilo Bruce Timm en mi cabeza. Casi parecía que estaba esperando a que yo le dibujara.

Bruce Timm estaba trabajando, precisamente, en los Tiny Toon cuando le llegó el encargo de realizar la serie animada de Batman. Y se produjo la magia. 'Batman: la serie animada' tiene un estilo impecable, un Batman fantástico, villanos soberbios y una Gotham "Dark-deco" que perdura en el tiempo y en la retina. La lástima al respecto es que la pobre animación en según que episodios desluciera el magnífico aspecto visual de la serie.

Unos dibujos inspirados en la "Fleischer"

Uno de los más claros referentes de Bruce Timm a la hora de trabajar en 'Batman' se remonta nada menos que a los años 40, concretamente a la serie de animación de 'Superman' producida por Max Fleischer. La propuesta de Fleischer era atrevida para la época: nada de la luminosidad de la época, tramas medianamente complejas y unos diseños contundentes.

Un estilo decididamente oscuro que no terminaba de casar con la idea que se tiene de Superman (aunque en mi opinión no desencaja mucho) pero que a Batman le va como anillo al dedo.

Una reinvención del cruzado de la capa para acercarle al cómic

Estoy seguro de que, de no ser porque en Warner tuvieron los redaños de darle a Tim Burton la oportunidad de trabajar con Batman, la serie animada lo hubiera tenido bastante difícil para salir adelante con este concepto de Batman. Más que nada porque el héroe estaba anclado entre los "ajenos" al cómic en esa imagen camp de Adam West.

Pero sí, Bruce Timm, Paul Dini y compañía tenían claro que no querían ser complacientes con los niños y que si querían Batman, tendrían al murciélago auténtico, oscuro, detectivesco, maestro de artes marciales... y algo trastornado. Vamos, que sería lo más cercano al Batman de los cómics, más concretamente a la visión de Frank Miller, de Alan Moore, de los grandes autores de los 80.

Una intro majestuosa que toma prestado a Danny Elfman

Una de las cosas que sorprende ver en la banda sonora de 'Batman: la serie animada' es que la sensacional intro sea de Danny Elfman. A la hora de preparar una demo (una especie de piloto corto) Timm, Alan Burnett y compañía decidieron usar fragmentos de la banda sonora de la película de Tim Burton. Esto se convirtió en el preluido de uno de los openings más memorables de la televisión.

Claro, como no iban a poder permitirse el caché de Danny Elfman para crear una banda sonora para la serie, contrataron a una de sus discípulas: Shirley Walker. Walker fue encargada de dirigir la orquesta en 'Batman' y, en ese momento, era la compositora de 'Flash'.

Encontrando el equilibrio perfecto de tono e historias

Batman Joker Harley

El equipo de guionistas de 'Batman: la serie animada' tenía tres normas esenciales para las historias de la serie: nada de fantasmas, nada de alienígenes y nada de "historias humanitarias/sociales". Es una serie de crímenes, inspirada en el noir de los cuarenta pero con ese toque superheroico de Batman.

Si bien se notan estas referencias, la serie de Batman tampoco se olvida que es una serie dirigida a un público infantil y logra encontrar un equilibrio perfecto: no es ni demasiado oscura y trastornada ni todo lo contrario. Es tonta cuando debe serlo y contundente en su momento.

Batman es un DETECTIVE

Batman The Dark Knight

Esto parece una tontería, pero algo de lo que parecen olvidarse las adaptaciones de Batman, incluyendo la trilogía de Nolan, es que Bruce Wayne no solo es un playboy multimillonario que se disfraza de murciélago: es un puñetero detective. Y de los buenos.

Evidentemente, esto no es 'Sherlock' y se apoya mucho en que su bat-ordenador trabaje, pero es toda una delicia ver a un superhéroe meterse a investigar los casos que persigue.

Villanos con los que empatizar

Batman The Animated Series Clayface

Uno de los debates que surge con cada película y serie de superhéroes es en torno a los villanos. En 'Batman: la serie animada', lo clavan. En cada caso. Y ya no hablamos del excelente casting (algo que, claro, se pierde para los que lo vimos en versión doblada), sino por cómo fueron concebidos. La galería es sensacional con notorios casos como Harley Quinn, Ivy y Clayface.

Todos son villanos trágicos, con los que empatizar y que comparten más que lo que parece con Bruce Wayne (y con nosotros). Además, nos encontramos de nuevo con el hecho de que la serie es más "noir" que "superheroica", lo que provoca que los casos se planteen de forma distinta.

La unión del "dream team" de Batman

Amor Loco

Cuando un equipo creativo es apasionado del personaje que adaptan es fundamental que se entiendan bien en la sala de guion. Cuando Paul Dini llegó enseguida vió que la visión de Bruce Timm y la del resto de guionistas no terminaban de casar y la serie corría el riesgo de ser demasiado "serie tonta del sábado por la mañana".

Timm, Dini y Mitch Brian desarrollaron una impecable "Biblia" con todas las indicaciones y líneas maestras para escribir 'Batman: la serie animada'. El tándem formado por Bruce Timm y Paul Dini es uno de los mejores equipos jamás formado en la historia del personaje... y joyas como esta serie y 'Amor loco' lo demuestran.

En definitiva, creo que 'Batman: la serie animada' demostró que se podía hacer una aproximación seria al género de superhéroes en televisión. Puso los pilares maestros para las futuras adaptaciones que, con mayor o menor tino, lo intentaron.

También te recomendamos

DC: el Batman de Ben Affleck nos habría llevado a Arkham y Darkseid confirmado en 'New Gods'

Ya es oficial: Warner ficha a Robert Pattinson como Batman en sustitución de Ben Affleck

Robert Pattinson revela sus primeras impresiones como nuevo Batman: "Te sientes muy poderoso inmediatamente"

-
La noticia 'Batman: La serie animada', nueve razones por las que se convirtió en la serie de superhéroes imprescindible fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

03 Sep 17:10

'Hyperdrive': el reality de competición más alucinante de Netflix es lo más parecido a un Hot Wheels a escala real

by Víctor López G.

'Hyperdrive': el reality de competición más alucinante de Netflix es lo más parecido a un Hot Wheels a escala real

"Esto es como 'A todo gas' pero en la vida real". Así resume uno de los participantes de 'Hyperdrive' lo que nos espera en el reality concurso más alucinante de Netflix. Un formato que toma prestadas las bases de programas similares como el clásico 'Ninja Warrior', aplicándolas con inteligencia al mundo del motor para brindarnos la gymkhana más extrema de la pequeña pantalla.

Pero yo iría un paso más allá a la hora de etiquetar este derroche de adrenalina y velocidad en el que la mismísima Charlize Theron hace las veces de productora ejecutiva: 'Hyperdrive' es, probablemente, lo más parecido que vayamos a ver en nuestras vidas a un juguete de Hot Wheels a escala real; lo cual lo convierte en uno de los espectáculos más alucinantes que podamos ver en la plataforma de streaming.

Un 'Ninja Warrior' a las cuatro ruedas

Aunque haya mencionado anteriormente a 'Ninja Warrior', 'Hyperdrive' bebe directamente de 'Ultimate Beastmaster', también de Netflix, abrazándolo como máximo referente. Ambos formatos cuentan con un plantel de participantes internacional que deben enfrentarse a un intrincado y vistoso circuito de obstáculos en una competición contrarreloj dividida en varias rondas clasificatorias que conducen a una gran final.

Pero entre estas similitudes en su mecánica se eleva un gran elemento diferenciador que aporta a 'Hyperdrive' un necesario toque de frescor: los coches. Y es que los aguerridos drifters —conductores expertos en técnicas en las que se pierde adherencia y se emplea el derrape como principal recurso— deben superar la gigantesca pista de obstáculos sobre cuatro ruedas y a los mandos de un volante.

Mientras en 'Beastmaster' el físico del concursante es la principal clave del éxito —no sin una buena ración de control mental—, en 'Hyperdrive', además de sus habilidades al volante, la inteligencia de los aspirantes a la hora de dosificar las capacidades de los vehículos y de ajustar sus características mecánicas entre rondas son determinantes, lo cual hace el concurso mucho más emocionante.

Screenshot 2019 08 22 At 9 54 16 Am

Del mismo modo, entra en juego un componente estratégico que influye directamente en la conducción y en las opciones para triunfar de cada piloto: la naturaleza de sus máquinas. No es lo mismo hacer drifting y mantener la precisión con un pesado Mustang Fastback del 65 que con un Nissan 350z ajustado al milímetro para resultar eficiente en el derrape; aunque en 'Hyperdrive' siempre hay espacio para esas sorpresas de último momento que te hacen saltar del sofá.

Es precisamente esta sensación de incertidumbre y tensión ante lo imprevisto una de las mayores bazas del formato, que juega inteligentemente la carta del montaje; falseando ligeramente la realidad y los tiempos en la sala de edición para mantener en vilo al espectador mientras intenta calcular tiempos y sufre al ver motores negándose a funcionar, conductores frustrados y ajustadas llegadas a meta en las que las décimas de segundo pueden costar una eliminación.

Hyperdrive Teaser

Pero entre tanto nerviosismo, gritos a la pantalla y aplausos difíciles de controlar, en 'Hyperdrive' también hay lugar para la emotividad. Esta viene dada gracias, también, a la estructura narrativa heredada de 'Ultimate Beastmaster', en la que se dedica parte del metraje de cada episodio en explorar la vida de algunos de los participantes; y creedme cuando os digo que hay un par de momentos capaces de encoger el corazón —atentos a los dos primeros capítulos—.

Lágrimas aparte, aquí hemos venido a ver coches alucinantes derrapar a toda pastilla, personajes carismáticos, velocidad por un tubo y una realización a la altura de las circunstancias; y 'Hyperdrive' cumple con todo esto... ¡Vaya si cumple! Cámaras superlentas capturando impactos contra dianas, luces de neón marcando las trazadas a seguir, gigantescas cataratas de agua cayendo sobre los vehículos... 

Netflix Hyperdrive Teaser

'Hyperdrive' lo tiene todo para enganchar al espectador ocasional y hacerle devorar sus casi ocho horas de duración prácticamente sin pestañear y, de paso, invitarnos a pensar que en esto de los reality-concurso, el límite es el cielo.

También te recomendamos

'¡A ordenar con Marie Kondo!': el nuevo fenómeno de Netflix tiene más fama que interés

'Forjado a fuego': el reality perfecto es más heavy que una lluvia de hachas

Cómo se hace el casting de un reality: miles de candidatos, psicólogos e improvisaciones con un sujetador

-
La noticia 'Hyperdrive': el reality de competición más alucinante de Netflix es lo más parecido a un Hot Wheels a escala real fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

03 Sep 17:07

Cenicienta, versión Administrador de sistemas, en forma de tráiler de humor

by alvy@microsiervos.com (Alvy)

Este año debido a eso de las vacaciones se nos pasó felicitar a todos los administradores de sistemas el último viernes de julio, como marca la tradición del Sysadmin Day. Pero para compensarlo he encontrado este divertido tráiler del Día de Mostrar Aprecio a tu Administrador de Sistemas, «la película».

Es una especie de versión descarriada de La cenicienta, algo así como Sistemcienta, en la que el administrador de sistemas protagonista hace de la pobre y desgraciada joven a la que nadie aprecia: se puede ver cómo sufre día a día con los problemas de los lusers que le rodean y cómo por un golpe de «magia» (hada madrina incluida) su vida se transforma durante una noche.

El resultado es altamente hilarante, aunque algunos de los chistes sean jocosamente predecibles, especialmente para quienes tengan ese puesto en la empresa o hayan convivido de cerca con administradores de sistemas o trabajado de «soporte técnico» en algún lugar. Un trabajo duro y complicado, pero que tiene sus «momentos».

# Enlace Permanente

23 Aug 14:59

Decenas de las carátulas VHS más populares de su época grácilmente animadas

by alvy@microsiervos.com (Alvy)

Los vídeos de 4096 suelen ser pequeñas joyas, pero este que publicó hace unos meses es espectacular: una cuidadísima animación con los diseños de las carátulas de las cintas de vídeo VHS más populares.

En el vídeo se transforman grácilmente unas en otras casi como si cada una de ellas hubiera sido concebida estéticamente con ese propósito, quizá siguiendo un estilo de época «from the past» y una escasez de tipografías (Helvética y poco más) propia de aquel entonces. Quizá sea porque tanto las primeras marcas (Basf, Polaroid, Sony) como las marcalacabra son tan similares.

Esto recuerda mucho al aspecto de las cintas de casete rusas, aunque aquí el protagonista sea el mítico VHS. Pero el transfondo es el mismo: lo que antes era viejuno ahora es vintage, lo que ahora parece un diseño vulgar y hortera entonces era lo que hoy llamarían tendencia. Que mejor ejemplo que esta pequeña maravilla para examinar el pasar del tiempo.

(¡Gracias, @kaoki, por la pista!)

# Enlace Permanente

21 Aug 16:20

Cuando Bertín Osborne se convirtió en un basurero galáctico: la historia de 'Scavengers'

by John Tones

Cuando Bertín Osborne se convirtió en un basurero galáctico: la historia de 'Scavengers'

Si te parece que entre programas de entrevistas sin filo y declaraciones desnortadas sobre la necesidad del feminismo Bertín Osborne está viviendo un momento de su carrera especialmente singular, no hay más que mirar atrás, al resto de su carrera televisiva, para comprobar que no es así.

Recordemos que (tras debutar como actor en la telenovela mexicana 'Amor de nadie') su primer programa fue el dating show 'Contacto con tacto', donde el salero jerezano le permitió tirarle los trastos a casi todas las concursantes que, en principio, no iban allí a ligar con Bertín.

Hubo más, muchas más rarezas: el demencial 'La batalla de las estrellas', algo así como el '¿Qué apostamos?' de Tele 5, pero con Carmen Russo, Arancha del Sol y Jordi LP como copresentadores. Y también a rebufo de Ramón García, hizo el 'Grand Prix' en los canales autonómicos, poniéndose él mismo delante de la famosa vaquilla. Pero nada alcanzó los niveles de delirio galáctico de 'Scavengers'.

'Scavengers' pertenece a una era de programas-evento aparatosísimos en televisión, donde se quería ser más espectacular que en el cine: abundancia de platós gargantuescos, cromas primitivos, actores zarzueleros invitados, pirotecnia fallera, y todo con previsibles resultados. Quizás el programa de esta ralea más conocido fue el absolutamente desmedido 'La noche de los castillos'.

'Scavengers': Campechanismo del espacio

El programa nació en 1994, con las televisiones privadas aún frescas, y con Antena 3 deseando encontrar un formato que abanderara su programación. Coprodujo este dislate espacial junto a Julian Grant Television y 20th Century Fox, reciclando los medios del programa original británico del mismo nombre y año, presentado por John Leslie. Estética y argumentalmente eran idénticos, ya que estaban rodados hasta en el mismo sitio: los míticos estudios Pinewood de Londres, donde se han gestado innumerables clásicos del cine. Nosotros, además, teníamos a Bertín.

Con efectos especiales (no demasiado lucidos) de Jim Francis ('Doctor Who') y Bob Keen (creador de Jabba the Hutt) y un villano de sospechosísimo parecido con Predator, el programa contaba cómo dos equipos de concursantes tenían que entrar en una nave abandonada. Allí se enfrentaban, con la asistencia del comandante Osborne, a criaturas, puzles y pruebas físicas. 

Lo memorable de 'Scavengers' es que Bertín Osborne no dejaba de ser Bertín Osborne en ningún momento. Presentaba las pruebas repantingado en su sillón de comandante, le tiraba los trastos a las mutantes en bikini y lo trufaba todo de morcillas que convertían el ambiente espacial inspirado en 'Aliens' (la intención original era franquiciar la película de James Cameron) en una tasca castiza del espacio exterior.

El programa no encandiló a las audiencias. Tras tres programas la noche de los sábados, donde fue incapaz de plantar cara a José Luis Moreno en La 1, Antena 3 dejó languidecer a los 'Scavengers' en las mañanas del mismo día, completando la emisión de los ocho programas de la primera temporada. Ahora, en los abismos de los basureros espaciales, aún resuenan en el vacío cósmico las carcajadas de Bertín Osborne y su "chacho, este alien parece un pinchito moruno, ¿eh?

También te recomendamos

Un, dos, tres, responda otra vez: ¿Qué opinas de la posible marcha de Bertín Osborne a Telecinco?

Tráiler de '45 revoluciones': Carlos Cuevas es un prometedor cantante en la nueva serie de Antena 3

'Allí abajo' regresa el lunes 20 de marzo con el estreno de su tercera temporada

-
La noticia Cuando Bertín Osborne se convirtió en un basurero galáctico: la historia de 'Scavengers' fue publicada originalmente en Espinof por John Tones .

11 Jul 13:08

El Proyecto Apolo en 35 imágenes poco conocidas

by alpoma

Este mes de julio de 2019 se cumplen 50 años de la llegada del Apolo 11 a la Luna. He escrito mucho sobre el Proyecto Apolo en los últimos años, por lo que, visto que aparecen por doquier documentales y artículos sobre el tema, no quería quedarme en lo de siempre. Por ello, he aquí un pequeño repaso, muy personal, al proyecto que nos llevó a la Luna, a través de una selección de 35 imágenes que no se suelen ver mucho…

La primera imagen es obligada. Un recuerdo a Gus Grissom, Edward H. White y Roger B. Chaffee, durante su entrenamiento en Florida. El 27 de enero de 1967 la tripulación murió cuando se incendió su cápsula durante las pruebas. La misión de entrenamiento, conocida como AS-204, fue designada después como Apolo 1 dado que las viudas de los astronautas solicitaron que la misión fuera recordada de esa forma y que las siguientes misiones fueran numeradas después de esta tragedia (NASA).
Simulador de vuelo LOLA o “Lunar Orbit and Landing Approach” construido en Langley para estudiar los problemas relacionados con el aterrizaje en la superficie lunar (NASA, 1961).
Prueba de materiales que se utilizarán para proteger la cápsula del módulo de mando de los efectos del calentamiento de reentrada. El proyecto FIRE (Flight Investigation Reentry Environment) estudió los efectos del calor de la reentrada en los materiales de las naves espaciales. Se trataba tanto de pruebas en túnel de viento como en vuelo con cohetes Atlas. (NASA, 1962).
Test de retrocohetes (NASA, 1965).
En 1961 varios ingenieros de Langley recopilaron en un documento las diversas opciones estudiadas para llevar humanos a la Luna. En la imagen, maqueta de una de las propuestas iniciales de módulo lunar. (NASA, 1965).
Pruebas utilizando un traje presurizado para simular una caminata lunar (NASA, 1965).
Vehículo de ensayo para aproximación lunar (NASA, 1966).
Entrenamiento del Apolo 7 (NASA, 1968).
El Apolo 7 lanzado con un Saturn IB desde el Complejo de Lanzamiento 34 del Centro Espacial Kennedy a las 11:03 a.m. del 11 de octubre de 1968. Una antena de seguimiento se encuentra a la izquierda (NASA).
Etapa de Saturno IVB vista desde la nave Apolo 7 durante las maniobras de atraque. El disco blanco que se observa dentro de los paneles abiertos del Saturno IVB era una diana de acoplamiento simulado similar al utilizado en el módulo lunar para el acoplamiento durante las misiones lunares (NASA, 1968).
El comandante del Apolo 7, Walter Schirra, en del Módulo de Mando. (NASA, 1968).
Operaciones de recuperación de la tripulación del Apolo 7 a bordo del portaaviones USS Essex CVS-9 (NASA, 1968).
Fabricación de componentes para el Proyecto Apolo, North American-Rockwell, Downey, factoría de California. (NASA, 1968).
Los astronautas Irwin y Bull con los trajes espaciales del proyecto Apolo. El IVA, para actividades intravehiculares y el de actividades extravehiculares (EVA).
(NASA, 1968).
La tripulación del Apolo 8: James Lovell, piloto del Módulo de Mando (CM), William Anders, piloto del Módulo Lunar (LM) y Frank Borman, Comandante. Se trató de la primera misión Apolo tripulada lanzada con el Saturno V y la primera nave Apolo tripulada en entrar en órbita lunar. (NASA, 1968).
Fotografía de la reentrada en la atmósfera terrestre del Apolo 8, tomada por una cámara ALOTS (Airborne Lightweight Optical Tracking System) de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos montada en un avión KC-135A en vuelo.
Inspección de la cápsula del Apollo 8, CM-103, a bordo del USS Yorktown (NASA, 1968).
Montaje del vehículo del Apolo 9 (NASA, 1968).
El Módulo Lunar Apolo 9 LM, Spider, fotografiado el quinto día de la misión orbital terrestre. El tren de alunizaje se encuentra desplegado (NASA, 1969).
Vista de los Módulos de Mando y Servicio del Apolo 9 en órbita terrestre, durante la Actividad Extravehicular del astronauta David R. Scott en el cuarto día de la misión (NASA, 1969).
La tripulación del Apolo 11 llega a la plataforma A, Complejo de Lanzamiento 39, Centro Espacial Kennedy, durante la cuenta atrás previa al lanzamiento del Apolo 11. En primer plano Neil Armstrong, seguido por Michael Collins (NASA, 1969).
Estructura de alunizaje del módulo lunar del Apolo 11 (NASA, 1969).
Los astronautas del Apolo 11 durante la cuarentena posterior a su histórico viaje (NASA, 1969).
Pete Conrad y Al Bean (Apolo 12) realizan una simulación de actividad sobre la superficie lunar en una sesión de entrenamiento desarrollada en el edificio de entrenamiento de la tripulación de vuelo en el Centro Espacial Kennedy. (NASA, 1969).
Charles Conrad, Comandante del Apolo 12, examina la nave espacial no tripulada Surveyor III durante su segunda actividad extravehicular (EVA-2). El Módulo Lunar (LM) “Intrepid” se observa al fondo. La imagen fue tomada por el astronauta Alan L. Bean, piloto del Módulo Lunar. El “Intrepid” aterrizó en el Océano de Tormentas de la Luna, muy cerca del Surveyor III. La cámara de televisión y varios componentes fueron recuperados del Surveyor III y llevados de vuelta a la tierra para su análisis científico. Esta nave robot había alunizado el 19 de abril de 1967. (NASA, 1969).
El astronauta Alan L. Bean, piloto del módulo lunar de la misión Apolo 12, aparece con el cable de los experimentos de superficie ALSEP (NASA, 1969).
Operaciones de recuperación del Apolo 12 en el océano Pacífico, 24 de noviembre de 1969. (NASA).
Los dos miembros de la tripulación del Apolo 13 que iban a alunizar en la región de Fra Mauro durante su entrenamiento. (NASA, 1970).
Control de misión durante la cuarta transmisión de televisión desde la nave Apolo 13, mientras se dirige a la Luna. Eugene F. Kranz, en primer plano, uno de los cuatro Directores de Vuelo del Apolo 13, tiene en la pantalla grande al astronauta Fred W. Haise. Poco después de que terminara la transmisión y durante un procedimiento de rutina que requería que la tripulación accionara un interruptor que agitaba uno de los tanques de oxígeno líquido, se produjo una explosión que puso fin a cualquier esperanza de un alunizaje y puso en peligro las vidas de los tres miembros de la tripulación. (NASA, 1970).
Sistema de entrenamiento OMEGA, “One-Man Extravehicular Gimbal Arrangement”. (NASA, 1970).
El astronauta James B. Irwin durante la primera actividad extravehicular en la superficie lunar en la misión Apolo 15. La sombra del módulo lunar “Falcon” se ve en primer plano. La fotografía fue tomada por el astronauta David R. Scott (NASA, 1971).
Paneles de control del Módulo Lunar del Apolo 15 (NASA, 1971).
El astronauta Ronald E. Evans realiza un EVA para recuperar la película de las cámaras guardadas en el módulo de instrumentos científicos del CSM. (NASA, 1972).
El astronauta Harrison Schmitt, piloto del módulo lunar del Apolo 17, recoge muestras lunares. Imagen tomada por el astronauta Eugene A. Cernan. (NASA, 1972).
El gigantesco Saturno V sale de casa (NASA). 😉
09 Jul 02:49

El impresionante archivo electromecánico de la seguridad social checa

by wicho@microsiervos.com (Wicho)

El archivo hace unas décadas

Con 52 metros de ancho, siete metros de fondo y ocho metros de alto que albergan 18 bloques de 500 cajones –para un total de 9.000 cajones– con expedientes individuales este archivo de la seguridad social checa parece un híbrido de la imaginación de Simon Stälenhag, el Brazil de Terry Gilliam y Dune de David Lynch.

Contiene los expedientes, convenientemente ordenados por número, de unos 800.000 ciudadanos nacidos hasta 1937 que en algún momento cotizaron a la seguridad social y estuvo en uso hasta casi finales del siglo XX. Para acceder a los cajones la persona que buscaba un expediente se subía a la góndola correspondiente, que manejada con una especie de joystick se movía de izquierda a derecha y arriba y abajo hasta llegar a la posición adecuada. Un pedal hacía que se abriera el cajón y ya sólo quedaba coger el sobre buscado.

El archivo en acción

Hoy en día toda esa información está digitalizada, así que ahora el archivo sólo es una especie de copia de seguridad… pero ojalá se pudiera visitar.

No sé si Paul Otlet llegaría a conocer su existencia antes de morir, pero seguro que una instalación así le habría encantado como base de su Mundaneum.

(Vía Brian Roemmele y Lukas Biba).

Relacionado,

# Enlace Permanente

27 Jun 14:31

'Matrix': las 11 escenas de acción más memorables de la trilogía

by Víctor López G.

'Matrix': las 11 escenas de acción más memorables de la trilogía

Sin que nos hayamos dado cuenta, 'Matrix' ya ha cumplido veinte primaveras, y sigue estando tan fresca como el lejano 23 de junio de 1999 en el que se estrenó en salas españolas, y que nos dejó una de esas  experiencias cinematográficas que marcan un antes y un después ya no sólo para los espectadores, sino para la industria cinematográfica.

Con motivo de su aniversario, el próximo viernes 28, la obra cumbre de Lana y Lily Wachowski volverá a pasar por cines con una flamante restauración en 4K; y para celebrarlo os traigo esta selección con las once secuencias de acción más alucinantes que nos ha dejado una trilogía, guste más o guste menos, revolucionaria.

La presentación de Trinity ('Matrix')

Recuerdo como si fuese el primer día la primera vez que vi 'Matrix' siendo un crío de 12 años recién cumplidos, y el modo en que se me desencajó la mandíbula en el momento en que Trinity quedaba suspendida en el aire antes de incrustarle la bota en la caja torácica a un policía y lanzarlo contra la pared. Nunca había visto nada parecido. 

Esta pequeña instantánea —para la que se necesitaron seis meses de ensayos y cuatro días de rodaje—, acompañada de la breve persecución a través de los tejados —con saltos imposibles incluidos— y el clímax con el camión estrellándose contra la icónica cabina telefónica dieron forma a una secuencia de introducción que tan sólo representa un breve porcentaje del nivel de espectáculo que ofrece el magnum opus de las Wachowski.

La autopista ('Matrix Reloaded')

¿Que no dan permiso a las Wachowski para rodar en una autopista? No pasa nada; las Wachowski se gastan dos millones y medio de dólares y construyen un tramo de dos kilómetros y medio en una base naval en desuso de California y crean una de las set-pieces más alucinantes de toda la franquicia en la que el CGI y los efectos prácticos se abrazan al servicio del espectáculo.

Decenas de coches —donados por General Motors— reducidos a chatarra en slow-motion, un mid-point impresionante con Morfeo deteniendo un coche a golpe de katana y un segundo tramo con Trinity pilotando una Ducati 996 —que culmina con un choque frontal de dos camiones— marcan la que, probablemente, sea la secuencia más memorable de 'Matrix Reloaded', al menos en lo que a acción se refiere. 

El chateau ('Matrix Reloaded')

La pelea entre Neo y los esbirros de Merovingio es mi segunda set-piece predilecta de 'Matrix Reloaded'; no podría ser menos para una secuencia que arranca con el Elegido deteniendo las balas de sus enemigos antes de invitarles a intercambiar una ensalada de tortas con un gesto tan chulesco como ridículamente solemne. 

Las Wachowski sacan oro de su localización de dos niveles, haciendo gala de su excelente gusto para la planificación y vistiendo la gran coreografía de esta secuela con un acabado visual a la altura de la circunstancias. Extras volando por todas partes mientras destrozan el mobiliario, un buen surtido de armas blancas y una estructura narrativa ejemplar —fantástico el punto de inflexión con Neo sangrando para sorpresa de sus contrincantes— terminan de redondearla.

La pelea con Seraph ('Matrix Reloaded')

Esta pequeña escena de acción, aunque pase inadvertida entre set-pieces millonarias y cargadas de efectos visuales, encierra cierto encanto que la hace merecedora de entrar en este listado. Y es que el enfrentamiento entre Neo y Seraph —una suerte de protocolo de autenticación personificado bajo la piel del artista marcial Collin Chou— nos deja un uno contra uno a la antigua usanza en el que la coreografía lo es todo.

La predominancia de una planificación lateral aprovechando la bidimensionalidad del escenario en que se ambienta la pelea, la banda sonora dominada por la percusión que acompaña la lucha y, de nuevo, la ridícula solemnidad del momento, hacen de estos escasos dos minutos dignos de mención.

Los clones ('Matrix Reloaded')

Hay que reconocer que el último tramo de la multitudinaria pelea entre Neo y los clones del agente Smith ha envejecido regular —tirando a mal— en cuanto a efectos visuales se refiere, pero en su momento supuso una auténtica revolución que nos dejó a muchos con las palmas de las manos doloridas de tanto aplaudir ante semejante espectáculo.

Incluso a día de hoy, esta escena continúa haciendo gala de un tempo narrativo y de una coreografía envidiables; regalándonos algún que otro plano para el recuerdo —ese Neo haciendo girar la barra metálica es antológico— y un par de despuntes cómicos de un Hugo Weaving devorado por la autoconsciencia en su papel de virus implacable.

La pelea final ('Matrix Revolutions')

"Todo principio tiene un final". Esta fue la frase que presidió la campaña promocional de 'Matrix Revolutions'; y qué mejor final para la trilogía que una pelea a muerte entre Neo y el agente Smith bajo una lluvia torrencial en una set-piece más hermanada con 'Dragon Ball' que con la saga de las Wachowski.

Nos quedamos con las ganas de ver un kaiju hecho de agentes Smith —el videojuego 'Path of Neo' se encargó de satisfacer esta filia, aunque esto da para un artículo aparte—, pero nos llevamos el puñetazo en slot-motion más alucinante que hayamos visto, con el puño de Neo atravesando las gotas de lluvia antes de impactar contra el rostro de su archienemigo —con deforme resultado—. Brutal.

La defensa de Zion ('Matrix Revolutions')

Si alguna vez os habíais preguntado cómo sería ver una secuencia de acción ambientada en el universo Starcraft y protagonizada por una suerte de versión desaliñada de los Goliath del ejército Terran, la defensa de Zion de 'Matrix Revolutions' es vuestra respuesta.

Esta dilatada set-piece de unos veinte minutos de duración —que se dice pronto—  nos deja una buena dosis de épica, sacrificios heróicos, terroríficos enjambres de calamares mecánicos y una combinación de efectos prácticos y digitales que, sorprendentemente, ha envejecido a las mil maravillas.

El vestíbulo ('Matrix')

Puede que los tres minutos y medio que presiden estas palabras sean los más memorables de toda la 'Matrix' original en lo que a acción se refiere. Y es que el tiroteo en el vestíbulo no sólo ha intentado ser imitado —y parodiado— en infinidad de ocasiones sin éxito; también conforma una clase magistral sobre cómo rodar acción de primera categoría.

Por si la estilizada orgía de escombros, balas y piruetas imposibles no fuese suficiente, las Wachowski decidieron aderezar la matanza con el temazo 'Spybreak!' del dúo británico Propellerheads; terminando de perfilar un pasaje que trascendería al filme para pasar a formar parte del imaginario popular por méritos propios.

La pelea en el metro ('Matrix')

Neo finalmente comienza a creer en sí mismo, en sus poderes, y en la profecía que, teóricamente, le convierte en el elegido que terminará con el conflicto entre humanos y máquinas. Y qué mejor manera de representarlo visualmente que con una buena dosis de mamporros en un enfrentamiento contra el agente Smith.

Arrancando como si de un western de Leone se tratase —sustituyendo una planta rodadora por unas horas de periódico—, la escena se inicia con un alucinante intercambio de disparos que rápidamente evoluciona a un combate a la antigua usanza para finalizar en un clímax con un vagón de metro y un mortal hacia atrás difíciles de olvidar

El helicóptero ('Matrix')

Englobada dentro de la set-piece en la que Neo y Trinity rescatan a Morfeo de la mano de los infames agentes, se encuentra esta salvajada que obligó a Nueva Gales del Sur a modificar sus leyes referentes a la utilización del espacio aéreo para poder filmarse. El motivo no es otro que la utilización de un helicóptero en zonas anteriormente restringidas.

Los esfuerzos burocráticos merecieron la pena por esos planos con centenares de casquillos siendo vomitados por la gatling y cayendo al vacío, por el salto de Morfeo a la aeronave desde el edificio inundado y, sobre todo, por el impacto del helicóptero contra el edificio de cristal, que se deforma antes de estallar en mil pedazos —como los cerebros de los que vimos esto en 1999 en una sala de cine—.

El tiempo bala en la azotea ('Matrix')

No os asustéis. El sello personal de 'Matrix' que cambió el cine de acción de principios de siglo —y milenio— tenía que tener su propia entrada en esta selección, aunque suponga únicamente un pequeño fragmento de la mencionada secuencia del rescate a Morfeo. Hablamos, por supuesto, del efecto conocido como tiempo bala

El genio de los efectos visuales John Gaeta creó un set en el que varias decenas de cámaras, sincronizadas para disparar tras breves intervalos de tiempo, rodeaban a Keanu Reeves formando una suerte de elipse. Después de un post-procesado y de la consiguiente capa de CGI, Gaeta y las Wachowski hicieron historia mientras los demás nos limitamos a soñar con poder esquivar balas igual que el personaje de Keanu Reeves.

También te recomendamos

10 años de 'Speed Racer', la obra maestra incomprendida de las hermanas Wachowski

¿Nueva película de 'Matrix' sin las Wachowski ni Keanu Reeves? Warner se lo está pensando

Las Wachowski preparan el regreso de la saga 'Matrix', según el director de 'John Wick 3'

-
La noticia 'Matrix': las 11 escenas de acción más memorables de la trilogía fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

24 Jun 14:11

Los 39 mejores carteles de la historia del cine

by Víctor López G.

Los 39 mejores carteles de la historia del cine

A la hora de dar forma a una campaña promocional que arrastre a la inmensa mayoría de público potencial de un largometraje a las salas de cine, tan importante es contar con un buen tráiler como con un póster que cautive a primera vista y que condense en una única imagen la esencia, el tono y el contenido de la producción que está publicitando —algo en absoluto sencillo—.

En el siguiente artículo queremos rendir homenaje a los grandes hitos de la cartelería cinematográfica confeccionando una lista con los 39 mejores carteles de la historia del cine en la que hay cabida a todos los géneros, épocas y estilos y en la que se encuentran auténticas joyas en cuestiones de diseño, composición, ilustración y concepto por las que no pasa el tiempo.

'2001: Una odisea del espacio'

2001

El artista y diseñador conceptual Robert McCall trabajó para la NASA documentando con sus ilustraciones la historia de la carrera espacial. Sabiendo esto no es de extrañar que el perfeccionista Stanley Kubrick le seleccionase para dar forma a este magnífico póster en el que la cautivadora imagen central queda ensombrecida por las promesas de una tagline que sugiere una aventura inigualable.

'1997: Rescate en Nueva York'

Escapeposter

La filmografía del maestro John Carpenter no sólo está repleta de grandes obras del terror, la acción y la ciencia ficción; también recoge algunos de los pósters más alucinantes de la historia. Para muestra, esta maravilla concebida por Barry E. Jackson, coronada por la impactante imagen de la Estatua de la Libertad decapitada que J.J. Abrams usaría veintisiete años más tarde como inspiración para uno de los momentos estrellas de 'Monstruoso'.

'Alien'

Alien

Una tipografía arial bold con una inusual separación entre sus caracteres, una frase memorable como "En el espacio nadie puede oír tus gritos" y un huevo de gallina maqueado para la ocasión. Con estos tres ingredientes y un uso inteligentísimo del espacio en la imagen Frankfurt Gips Balkind dio vida a uno de los mejores pósters de la historia, a la altura de una de las mejores películas de la historia.

'American Beauty'

American Beauty Xlg

De nuevo, una excelente combinación de una poderosa imagen en términos conceptuales que describe a la perfección las temáticas centrales del largometraje y una tagline acertadísima y enigmática que nos invita a "mirar más de cerca". Por cierto, como dato curioso cabe mencionar que ni las manos ni el estómago del póster son los de Mena Suvari, sino los de la modelo Chloe Hunter.

'Anatomía de un asesinato'

Anatomia De Un Asesinato

No es necesario dedicar demasiado espacio a ensalzar la figura de Saul Bass como uno de los mejores diseñadores gráficos de todos los tiempos. Lo que sí haremos es alabar su magnífico trabajo en el póster de 'Anatomía de un asesinato', en el que la tipografía desigual y descompensada y el desmembramiento imperfecto del cuerpo invitan a pensar en las inconsistencias del relato de un cliente que podría estar mintiendo a su abogado.

'Apocalypse Now'

Apocalypse Now

Bob Peak, considerado como el padre de póster cinematográfico moderno, atesora en su portfolio auténticas joyas de una calidad inmensa pero, de entre todas ellas, cabe destacar esa impresionante ilustración dedicada a la igualmente magnífica 'Apocalypse Now' de Francis Ford Coppola. Los efectos de la guerra reflejada en los rostros de Marlon Brando y Martin Sheen, los juegos de luces, sombras y reflejos, la línea de helicópteros atravesando horizontalmente el cartel... Soberbio.

'Aterriza como puedas'

Aterriza Como Puedas

'Aterriza como puedas' nació como una parodia —con tanta mala leche como un tronchante sentido del humor— de la infinidad de películas de catástrofes aéreas que asediaron la cartelera en los años 70. Para dar forma a su póster, el diseñador Robert Grossman lo tuvo tan "fácil" como dar —literalmente— una vuelta al cartel de cualquiera de las 'Aeropuerto' para retorcer el concepto y salir triunfante de la taera sin despeinarse.

'Blade Runner'

Blade Runner

El mítico artista John Alvin, que atesora más de 135 créditos como diseñador de pósters y arte promocional para diferentes producciones, creó en 1982 esta genialidad en la que su destreza pictórica y su uso de la composición quedan ensombrecidas por su capacidad de aunar en una misma obra la esencia del cine negro y la ciencia ficción. Una pieza a la altura de este clásico imperecedero dirigido por Ridley Scott.

'Casablanca'

Casablanca

A primera vista podría parecer que este póster de la eterna 'Casablanca' no tiene ningún elemento que le haga destacar más allá del la representación de los rostros de Humphrey Bogart e Ingrid Bergman. Pero, como suele decirse, el diablo está en los detalles; y en esta ocasión está en la mirada de los dos personajes centrales del cartel, unidos en su tortuoso romance y cuyos ojos revelan una preocupación que va más allá de lo amoroso.

'Chinatown'

Chinatown

Esta ilustración de Jim Pearsall para el póster del clásico de Roman Polanski 'Chinatown' es puro noir. La figura del detective privado en la sombra, con su sombrero y su cigarro, cuyo humo forma lo que parece ser el cabello de la fantasmagórica deconstrucción de la femme fatale interpretada por Faye Dunaway es, sencillamente, oro puro.

'Defensa'

Defensa

La longeva trayectoria en el mundo del póster cinematográfico del diseñador gráfico neoyorquino Bill Gold nos ha dejado decenas de genialidades —de las cuales encontraremos varias en este listado—, siendo una de ellas es este increíble trabajo para la salvaje 'Defensa'. Ese ojo abierto de par en par, horrorizado y puede que en estado de shock, representa a las mil maravillas la experiencia que supone introducirse de lleno en una de las obras cumbres del survival junto a sus malogrados protagonistas.

'El ataque de la mujer de 50 pies'

El Ataque De La Mujer De 50 Pies

El ilustrador californiano Reynold Brown capturó en este icónico póster para uno de los clásicos de culto de la ciencia ficción cincuentera toda la belleza de una Allison Hayes despampanante en su papel de mujer gigante. Encanto, una pequeña dosis de caos y destrucción, y una tipografía de lo más contundente sobre un fondo amarillo para un referente imborrable de nuestra cultura pop.

'El exorcista'

El exorcista

De nuevo Bill Gold desatando todo su potencial y maestría con un póster inmejorable para la mejor película de terror de todos los tiempos —con permiso de 'El resplandor' y 'La cosa'—. El juego de contrastes, luz y oscuridad que envuelve la llegada del padre Merrin a la casa donde el demonio Pazuzu tortura sin piedad a la pobre Regan da forma a una atmósfera que representa a la perfección todo lo que nos espera dentro de esta obra maestra de William Friedkin.

'El show de Truman'

El Show De Truman

Este póster de 'El show de Truman' evidencia que, en muchas ocasiones, el concepto lo es todo. ¿Qué mejor manera de presentar en una imagen un filme en el que la vida del protagonista es grabada y emitida durante las 24 horas del día que con un mosaico de esas imágenes? Aunque a nivel plástico no sea especialmente novedoso, casa a la perfección con la historia.

'El silencio de los corderos'

El Silencio De Los Corderos

El póster de 'El silencio de los corderos', sobradamente efectivo por si mismo, esconde un pequeño "huevo de pascua" que lo hace merecedor de formar parte de una lista como esta. La polilla que cubre los labios de Jodie Foster, conocida como La Esfinge de la Muerte, parece tener un patrón con forma de calavera en su cuerpo. Esto, en realidad, es un trabajo fotográfico de Salvador Dalí llamado 'Involutas Mors' creado con el cuerpo de varias mujeres desnudas. Impresionante.

'E.T. El extraterrestre'

ET

El ilustrador John Alvin vuelve a hacer acto de presencia en nuestro listado con esta pequeña y sencilla joya que condensa a las mil maravillas la historia de amistad y amor incondicional entre el joven Elliot y el entrañable E.T. y que, por mucho que Spielberg niegue cualquier subtexto religioso en el filme, parece inspirado directamente por 'La creación de Adán' de Miguel Ángel.

'Fargo'

Fargo

No se puede negar que el póster de este filme de culto de los hermanos Coen es tremendamente original; pero la elección de darle el aspecto de creación de punto parece ir más allá de la mera floritura estética. La icónica imagen de la película está "sin terminar", con la aguja y el hilo aún presentes sugiriendo que aún hay muchos cabos sueltos que atar para completar el misterio que envuelve la trama. Punto extra por el tono "hogareño" de la imagen, también presente en la tagline del cartel.

'Halloween'

Halloween

El escueto póster de esta obra maestra de John Carpenter podría pasar por un teaser, ya que, aparentemente, no aporta demasiada información sobre la película. Aunque, echándole un vistazo más concienzudamente, no necesita más elementos para captar la esencia de este slasher: el uso del color y la iluminación, y la presencia de elementos indudablemente turbadores como esa calabaza y el cuchillo —ojo a los inquietantes reflejos en su hoja— dejan bien claro que la película no nos hará pasar un buen rato...

'Indiana Jones y el templo maldito'

Indiana Jones

La inmensa mayoría de piezas que conforman la cartelería de la saga del arqueólogo más famoso de la gran pantalla son auténticas obras de arte. No obstante, he decidido escoger esta imponente representación del mítico Indiana Jones para 'El templo maldito' por su forma de capturar al icónico personaje: látigo y machete en mano, descamisado, con su inseparable sombrero, rodeado de unas tonalidades infernales y en una pose en la que sólo puede leerse la palabra aventura.

'La chaqueta metálica'

Full Metal Jacket

Fondo blanco, un motivo central tremendamente impactante —ese "born to kill" al lado del símbolo pacifista...—, tipografías en negrita y una tagline directa como un puñetazo en la boca: "En Vietnam el viento no sopla. Apesta". Un puñado de elementos para dar forma a un póster inmejorable que no necesita más para vendernos esta gloriosa cinta bélica del irrepetible Stanley Kubrick.

'La cosa'

La Cosa

Entre los más de 150 trabajos para el mundo del cine, el ilustrador Drew Struzan creó en apenas 24 horas, basándose únicamente en unas escuetas informaciones sobre la película, esta auténtica delicia. Al contrario de la inmensa cantidad de detalle que solían tener los pósters ilustrados de los años 80, Struzan decidió buscar el impacto en la simplicidad: hielo, una tagline concisa y una figura central humanoide en una pose que parece indicar que poco —o nada— queda del hombre que habitaba antes ese cuerpo.

'La naranja mecánica'

La Naranja Mecanica

De nuevo tenemos a Bill Gold diseñando un póster que ha pasado a formar parte del imaginario colectivo; una imagen —con la ilustración de Philip Castle— que presenta muchas similitudes con el cartel de 'La chaqueta metálica'. De nuevo tenemos una figura central que capta toda la atención, tipografías en negrita —que en esta ocasión resaltan el nombre de Stanley Kubrick— y un uso ejemplar del espacio en blanco.

'La semilla del diablo'

La Semilla Del Diablo

Uno de los pósters más icónicos de la historia del cine de terror es, a su vez, uno de los más brillantes en múltiples aspectos. Desde la sutil tagline con connotaciones religiosas hasta el uso de los términos, pasando por las lúgubres tonalidades verdosas predominantes que envuelven el rostro y el espacio de Rosemary y que sugieren enfermedad y malestar. La posición de la cabeza humana y de la silueta del siniestro carrito del bebé sobre ella nos dicen que no estamos ante el típico filme del género, y que la psique de su protagonista y sus traumas tendrán un peso específico.

'Lo que el viento se llevó'

Lo Que El Viento Se Llevo

Este póster del clásico producido por David O. Selznick corresponde al de su reestreno en 1967, y atesora toda la espectacularidad del largometraje que aún hoy día sigue dejándonos boquiabiertos. Cark Gable con su camisa abierta y Vivien Leigh rendida ante los encantos del galán, ambos rodeados por las llamas, soldados a caballo, carruajes y una tagline que no ha envejecido lo más mínimo: "¡La película más majestuosa de todos los tiempos!"

'Metrópolis'

Metropolis

Una maravilla adelantada a su tiempo como lo es este clásico de Frtiz Lang merecía un póster de este nivel. Una auténtica delicia en cuanto a composición se refiere que confina a la mítica María en el tercio inferior de la imagen, dirigiendo nuestra mirada hacia hacia ella mediante las líneas que nacen en el título de la película y que dan forma a la impresionante y sobria arquitectura de las zonas altas de la ciudad en la que se ambienta la historia.

'Noche de miedo'

Noche De Miedo

Desde que era un canijo y me dedicaba a explorar los pasillos del videoclub del barrio mirando de reojo las carátulas de la sección de terror, siempre me fascinó el póster de esta película de Tom Holland. Con los años pasé de apreciar únicamente la fantástica y tenebrosa ilustración que corona la imagen para adorar sus pequeños detalles, como la simetría de la colocación de los árboles rota por el camino que lleva a la puerta de la casa y, por supuesto, en la figura que observa a través de la única ventana iluminada —el único elemento envuelto por colores cálidos—.

'Nymphomaniac'

Nymphomaniac

Que el tío Lars sea un experto en el noble arte de provocar al respetable no es ninguna novedad; tan pronto te muestra un plano explícito de una mutilación genital como pone a bramar al patio de butacas de una proyección en Cannes ante las salvajadas de su última película. Es por esto que llama especialmente la atención este teaser de la fantástica 'Nymphomaniac'; provocación sutil, minimalista y que nos hizo soñar con todo lo que el cineasta danés iba a hacer circular por la pantalla en su sexual bilogía.

'Planeta prohibido'

Planeta prohibido

Pocos pósters dicen "ciencia ficción cincuentera" como esta genialidad creada para promocionar la 'Planeta prohibido' de Fred M. Wilcox. El cautivador escenario extraterrestre que deja entrever el fondo de la ilustración queda ensombrecido por la figura del robot Robby y la hermosa mujer que sostiene en sus brazos. Como reza el cartel: "Amazing!"

'Platoon'

Platoon

El póster original de 'Platoon', diseñado por Bill Gold, era mucho más sencillo y sobrio que el que ha terminado trascendiendo; pero la fuerza a nivel dramático y visual que atesora la escena de la muerte del sargento Elias hace totalmente comprensible que esta instantánea se haya convertido en una de las más recordadas de la historia del género bélico, y en el principal motivo del cartel del filme de Oliver Stone.

'Posesión infernal'

Posesion Infernal

Llegamos a la recta final de la lista con una nueva entrada relacionada con el género del terror. En esta ocasión las alabanzas van dirigidas al póster del debut de Sam Raimi en la dirección; una aterradora delicia cuya composición juega con el espacio y la inclinación para potenciar el efecto del horripilante motivo principal de la ilustración. Por si esto fuera poco, incluye una recomendación de Stephen King. Ahí es nada.

'Pulp Fiction'

Pulp Fiction

Si hiciésemos un censo sobre los pósters que coronen los salones y habitaciones de las casas de los cinéfilos —y no tan cinéfilos— de medio mundo, probablemente el de 'Pulp Fiction' arrasaría por completo. La mítica imagen de Uma Thurman fumando mientras lee una de las revistas de las que la película toma prestada el título ha trascendido hasta el punto de convertirse en una de las más icónicas de la cultura pop contemporánea.

'Re-Animator'

Reanimator

Uno de los mejores pósters ilustrados que nos dieron los ochenta fue esta belleza para la tronchante 'Re-Animator' de Stuart Gordon. La imagen habla por sí sola, con el Doctor Herbert West iluminado en contrapicado dando lugar a una buena gama de sombras expresionistas; pero lo que en realidad se lleva la palma es la sorna de la tagline que la acompaña: "Herbert West tiene una buena cabeza sobre sus hombros... y otra sobre su escritorio". Genial.

'Regreso al futuro'

Regreso al futuro

Ya le hemos mencionado por su trabajo en 'La cosa', pero no podríamos pasar por alto otro de los trabajos imperecederos del maestro Drew Struzan, en esta ocasión para la igualmente perenne cinta que dirigió Robert Zemeckis en 1985. 'Regreso al futuro' condensada en una sola imagen, con el chaleco y las zapatillas de Marty, el DeLorean, el suelo llameante y toda la atención del protagonista centrada sobre un elemento clave si hablamos de viajes en el tiempo: su reloj.

'Sin novedad en el frente'

Sin Novedad En El Frente

Nada puede reflejar de forma más fidedigna el horror de la guerra que el rostro de un soldado. Y esto queda perfectamente justificado al echar un vistazo al póster promocional de 'Sin novedad en el frente', en el que el rictus de Lew Ayres es lo único necesario para transmitir las sensaciones y la desazón de un joven sumergido en el fango de las trincheras de la Primera Guerra Mundial.

'Star Wars'

Star Wars

Para el estreno de la primera 'Star Wars' en 1977, se contrató al publicista, diseñador gráfico e ilustrador —entre muchos otros oficios— Tom Jung, a quien se le dio una breve directriz para crear el cartel promocional: "el bien sobre el mal". El resultado fue este fantástico póster, que muchos ejecutivos de Fox consideraron "demasiado oscuro"; algo que dio lugar a nuevas —y estimables— versiones del mismo concepto que terminaron reemplazando la obra de Jung, aunque, bajo mi humilde punto de vista, con mucho menor efecto.

'The Driver'

The Driver

Mucho antes de que Nicolas Winding Refn diese vida a su ultra-estilizada 'Drive', Walter Hill firmó este genial neo-noir que enfrentaba a unos Ryan O'Neal y Bruce Dern impecables en su juego del gato y el ratón, y que contó con este póster ilustrado, ejemplar en términos de composición y de paleta de colores. Tonos azules y apagados para una historia urbana en la que la noche tiene un peso específico.

'The Warriors'

The Warriors

Este póster preside el salón de mi casa, y no importa cuánto lo vea: sigue pareciéndome una gozada. Las diferentes bandas que pueblan la suerte de Nueva York distópica en la que se ambienta este clásico de Walter Hill, cada una con su indumentaria característica, acompañadas de una tagline que promete una epopeya sin igual convierten al cartel de 'The Warriors' en un ejercicio modélico para vender un filme sin traicionar a su espíritu y contenido.

'Tiburón'

Jaws

'Tiburón' es una obra maestra, su banda sonora es una obra maestra, su dirección es una maestra y, por supuesto, su póster, también lo es. Se tardó seis meses en confeccionar el diseño del icónico cartel, ilustrado por Roger Kastel, y en encontrar el punto aterrador que exigía. La clave radicó en mostrar los dientes del escualo, jugando con las perspectivas y gestionando el espacio de un modo magistral, comprimiendo la figura femenina en un asfixiante tercio superior ocupado por el escueto título impreso en unas enormes letras rojas.

'Vértigo'

Vertigo

Qué mejor manera de terminar con esta lista que, nuevamente, de la mano del maestro Saul Bass. Las espirales, también presentes en la secuencia de títulos del filme de Alfred Hitchcock son el motivo central de un póster en el que se pretende captar lo que él define como el "vórtice psicológico del vértigo". Una nueva muestra de que el diseño gráfico asociado a un largometraje debe estar estrechamente ligado a la narrativa del mismo; algo en de lo que Bass era plenamente consciente, tal y como demuestra su obra.

Estos han sido los que, personalmente, considero como los 39 mejores carteles de la historia del cine. Por supuesto, como siempre pasa con las listas, habrá discrepancias, así que os invito a comentar cuáles son los posters que añadiríais al compendio o cuáles creéis que no deberían haber formado parte del mismo.

También te recomendamos

'Stranger Things' homenajea a sus referentes con una serie de alucinantes posters retro

24 alucinantes carátulas piratas que nos hacen soñar con películas y series que necesitamos ver

Los 19 mejores carteles de cine de 2018 (y 13 atrocidades)

-
La noticia Los 39 mejores carteles de la historia del cine fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

22 Jun 13:41

Lock Picking Lawyer: un canal de YouTube acerca de cerraduras, candados, llaves y seguridad

by alvy@microsiervos.com (Alvy)

Me crucé con el canal de Lock Picking Lawyer, un recurso informativo estupendo y con vídeos de calidad acerca del educativo y siempre interesante mundo de las cerraduras y sus vulnerabilidades. Contiene cientos de vídeos cortos (la cuenta va por 894) acerca de candados, cerraduras, cajas de seguridad y otros sistemas para proteger puertas, equipajes y otros objetos como bicicletas o incluso armas (algo muy necesario en Estados Unidos, donde mucha gente guarda armas de fuego en casa).

Pese a los llamativos y coloridos nombres –los fabricantes tienen que hacer mucho márketing– en el fondo se descubre que hay desde candados y cerraduras malas a las muy malas hasta llegar a las pésimas. O a ideas un tanto desastrosas, como la caja con llave para guardar llaves, que multiplica varios puntos la inseguridad. Casi todas las cerraduras se abren con ganzúa, como mandan los cánones. Esa también.

Muchos de los vídeos de Lock Picking Lawyer explican cuán seguras o inseguras son las diferentes soluciones. En el vídeo, por ejemplo, se explica que todos los candados TSA para equipaje no deben usarse nada más que para eso: por si acaso el equipaje se abre porque falle el cierre normal.

Los candados TSA son meramente disuasorios; todos los que llevan el rojo «TSA» de la Transportation Security Administration tienen una mini-cerradura para una llave maestra llamada TSA 007. Llave que se puede comprar por 5 euros en cualquier tienda china y que abre literalmente todos esos candados TSA. Así que hay que suponer que los amigos de lo ajeno tienen acceso a una una y mejor no usarlo en taquillas, la bicicleta, ordenadores u objetos valiosos.

Pruebas, retos y diversión

En ocasiones hay vídeos también con retos y concursos de apertura de candados y cerraduras. En las pruebas de nuevos productos chequean tanto las formas no-destructivas de abrir los candados y cerraduras como las formas destructivas, lo cual incluye utilizar tijeras o cizallas. De hecho así es como descubrí el canal, viendo un vídeo acerca de cómo con unas cizallas de mano rompen un cable antirrobo de bicicleta que se vende como «ultra-resistente, de seis capas de acero + kevlar» en pocos segundos. Dentro vídeo:

En el vídeo el experto bromea satíricamente con que la empresa que lo fabrica cambió el diseño y materiales después de que se publicara un primer vídeo demostrando que no era muy seguro: tardó dos segundos en cortarlo. El modelo de este vídeo es el nuevo, «dos veces y media más resistente». En vez de abrirlo con una mano y unas cizallas manuales se abre apretando un poco más con las dos manos: en diez segundos en vez de en solo dos.

Para que el desasosiego no abata a nadie este experto también tiene También una lista de los mejores 10 candados con los que se ha topado en sus andanzas. No se pueden abrir con ganzúa, no es fácil romperlos y no es fácil conseguir llaves maestras o copias.

Relacionado:

# Enlace Permanente

21 Jun 06:38

Houston, el Águila (de Lego) ha aterrizado

by wicho@microsiervos.com (Wicho)

The Eagle has landed, versión Lego

Según se acerca el aniversario del Apolo 11, la misión espacial que permitió a la humanidad poner pie por primera vez en otro astro, van apareciendo cada vez más homenajes a este momento histórico.

Desde hoy está disponible este modelo en Lego del Águila, el módulo lunar de la misión. Está a una escala mucho mayor que la del Águila que viene con el modelo de Lego del Saturno V que lanzó la misión. Así que caben dos astronautas en su interior e incluye también algunos de los experimentos que dejaron sobre la superficie de la Luna en los «maleteros» del módulo. También hay una base sobre la que aterriza que incluye pisadas de astronautas. Y, como en el Águila real, se pueden separar los módulos de descenso y de ascenso.

Lars Joe, el diseñador de Lego reesponsable de este modelo, describe su proceso de creación y los detalles que incorpora en este vídeo:

Sin duda es uno de esos conjuntos de Lego destinados a convertirse en un clásico. Yo lo iría pillando ya por si se agota. Y desde luego que será añadido a mi hilo de regalos para personas con espaciotrastorno.

Shut up and take my VISA!

# Enlace Permanente

19 Jun 23:25

Todo el tentador merchandising de las galaxias está reunido en el parque temático Star Wars: Galaxy’s Edge

by alvy@microsiervos.com (Alvy)

Este vídeo de Insider es de los que ponen los dientes largos. Está dedicado a todos los juguetitos, disfraces, muñecos y chismes que se pueden comprar en las tiendas del Galaxy’s Edge, el nuevo parque temático de Disney en California.

El lugar tiene pinta de ser un auténtico infierno para las tarjetas de crédito, que pueden acabar más fundidas que Darth Vader en la lava de Mustafar. Hay sables láser, trajes jedi, complementos para disfraces… Y naturalmente infinitas figuritas coleccionables y todas las aberraciones posibles con los robots: tazas de R2-D2, ensaladeras de R2-D2, gorros de R2-D2. ¡Por el amor del Dios de la Cibernética! El pobre BB-8 tampoco se libra. Hasta se pueden diseñar robots y sables láser «a medida», claro.

Es el consumismo en estado puro, una oda al ansiaviva de la venta de «recuerdos» que acabarán probablemente en cualquier rincón olvidados, con todos los uniformes de los buenos, los malos y los neutrales. Un lugar adecuado para frikis de las galaxias pero no apto para obsesionados con el coleccionismo o quien parezca de «incontinencia crediticia». ¡Que la fuerza os acompañe y os evite la tentación!

Aceptar créditos Fry

# Enlace Permanente

12 Jun 17:54

El Urbanismo táctico como solución a San Leandro

by Unknown


El urbanismo es, sin duda, una de las herramientas más poderosas que tiene un Ayuntamiento para plantear un modelo de ciudad. El pasado mes de abril se cerraba al tráfico uno de los márgenes de la Plaza de San Leandro, iniciativa que partió de una demanda ciudadana en la que estaban implicados diferentes colectivos vecinales, asociativos e incluso el cercano Instituto Velázquez. Cuando se lleva a cabo una actuación así es fundamental contar con un objetivo y explicar las razones por las que se ha realizado, de lo contrario se puede conseguir el efecto contrario al deseado y terminar generando un problema o rechazo.



Espacio peatonalizado en San Leandro sin uso alguno


A los pocos días de haberse "peatonalizado" este tramo de carretera fueron retirados los macetones que cerraban el paso a los vehículos y el espacio volvió a ser colonizado por los coches. Se volvió a "peatonalizar" el espacio y, esta vez, se añadió una valla junto a los maceteros. Con el paso de las semanas los coches no han vuelto, pero el espacio sí ha sido ocupado por los veladores de uno de los bares de la plaza y es lógico pensar que con el paso del tiempo cada vez haya más veladores.

¿Qué ha pasado en San Leandro? 

Se ha decidido cerrar al tráfico una zona pero no se le ha dado ningún uso alternativo. El vecino que estaba acostumbrado a aparcar su coche en dicho espacio puede pensar, con razón, que no tiene sentido dejarlo sin aparcamiento simplemente para dejar ese trozo de asfalto vacío. Del mismo modo, los bares de la zona pueden aprovechar un espacio sin uso para hacer negocio colocando sus veladores. El problema no está tanto en el coche o en el velador, sino en lo que se pretendía conseguir cerrando al tráfico ese tramo de calle. Realmente, ¿para qué se ha hecho esa peatonalización? ¿En qué ha mejorado la plaza? Sí, ahora hay cuatro o cinco coches menos aparcados pero, ¿y qué?

Como decía al principio, el urbanismo puede ser una buena herramienta para aumentar la calidad de vida de los vecinos o para mejorar un espacio concreto. Cerrar un tramo de calle y dejarlo sin uso alguno carece de sentido ya que los coches van a seguir llegando a la plaza para buscar aparcamiento en las plazas aún habilitadas (por lo tanto no se genera una menor atracción de tráfico) y el usuario no va a hacer suyo este nuevo espacio básicamente porque no hay nada que se pueda hacer en él.


Intervención en Poble Nou (Barcelona). Fuente

Intervención en Poble Nou (Barcelona). Fuente


El bautizado como urbanismo táctico nos da algunas claves para mejorar un espacio sin necesidad de grandes obras. Si el objetivo es hacer de este espacio un lugar de encuentro cívico se deberían haber instalado elementos que contribuyan a hacerlo atractivo e interesante para el ciudadano. ¿Es necesario para ello llevar a cabo una gran obra de remodelación de toda la plaza? Pues no. Es tan sencillo como hacer algo similar a lo que se ha planteado en multitud de sitios durante los últimos años: elementos efímeros que convierten un espacio hasta ahora invadido por el tráfico en un lugar de convivencia. ¿Cómo qué? Pues tenemos elementos para aburrir, desde unos simples columpios para que jueguen los niños hasta grandes macetones con árboles, jardineras, mesas para jugar al ping-pong, hamacas, obras de arte... o una tirolina, elementos baratos, fáciles de instalar y que se pueden retirar rápidamente cuando se lleve a cabo la obra de remodelación de la plaza. De este modo se crea un antecedente, se gana ese espacio para el ciudadano, que lo hace suyo y lo utiliza. De lo contrario tenemos un espacio muerto que genera rechazo en el vecino que se ha quedado sin aparcamiento o molestias al que ve cómo debajo de su ventana le colocan veladores. 


Intervención en Poble Nou (Barcelona). Fuente

Esculturas de Xavier Mascaró en la zona peatonalizada de Poble Nou (Barcelona). Imagen Cultura de Sevilla


Un ejemplo, de los muchos que se podrían poner, lo tenemos en las super manzanas de Barcelona, con la prueba piloto de Poble Nou, donde se ha pacificado el tráfico en una serie de calles interiores del barrio aprovechando la retícula urbanística del ensanche para crear zonas de uso común. En ellas se han instalado mesas de picnic, macetones con árboles, bancos, juegos infantiles e incluso una serie de esculturas de Xavier Mascaró cedidas por la Fundació Vila Casas. Lo mismo ocurrió en Times Square cuando se ensayó su parcial peatonalización o en multitud de ciudades de América Latina donde llevan años utilizando el urbanismo táctico para evaluar posibles usos del espacio a través de elementos efímeros fácilmente retirables. De este modo se puede testar la respuesta de la ciudadanía, incorporando mejoras y evaluando el objetivo antes de llevar a cabo una intervención permanente. En Sevilla está más que comprobado que todo espacio que se gana para el peatón acaba convertido en velador (plazas de la Alfalfa, Pescadería, Pan, Los Terceros...), quizás sea hora de ensayar otro tipo de actuaciones en las que el ciudadano pueda, simplemente, estar por estar en esos espacios, sin consumir, tan solo haciendo uso de los mismos.
27 Mar 00:18

Cuando Disney se copiaba a sí misma: la verdad detrás de esas escenas calcadas en sus clásicos animados

by Mikel Zorrilla

Cuando Disney se copiaba a sí misma: la verdad detrás de esas escenas calcadas en sus clásicos animados

Disney controla con mano de hierro el mundo del séptimo arte en la actualidad, pero no fue siempre así. Hubo una época en la que su futuro dependía en exclusiva del éxito de sus películas animadas, lo cual llevó a la compañía en varias ocasiones a reutilizar escenas vistas en producciones anteriores.

La teoría más común de qué llevó a Disney a actuar de esta forma es que así ahorraban tiempo y dinero. En algunos casos era una forma de seguir aprovechando la gran inversión realizada para 'Blancanieves y los siete enanitos', para la cual se utilizó la rotoscopia para realizar dibujos a partir de grabaciones con personas reales, pero lo cierto es que el motivo era en realidad otro.

Escenas Disney que son calcadas.Por falta de tiempo o para ajustar presupuestos,algunas películas cogen el modelo de Cintas anteriores y las reciclan pic.twitter.com/IwUszb1Y79— FRANCIS GARCÍA (@FRANC1S_84) March 24, 2019

Fue el animador  Floyd Norman, que participó en cintas como '101 dálmatas', 'El libro de la selva' o 'Robin Hood' a lo largo de su extensa carrera, quien aclaró el responsable de que Disney actuase así: el director  Wolfgang Reitherman, responsable de obras como 'Merlín el encantador', 'Los aristogatos' o 'Los rescatadores', además de los tres títulos mencionados para ilustrar el trabajo de Norman.

Wolfgang Reitherman Wolfgang Reitherman

El motivo es mucho más mundano de lo que podríamos esperar, ya que Reitherman simplemente quiso apostar sobre seguro utilizando escenas que ya sabía que funcionaban. Así lo resumía Norman:


Es mucho más difícil y lleva más tiempo volver a dibujar una escena ya existente. Es mucho más rápido y sencillo simplemente hacer nueva animación y es mucho más divertido para los animadores. Pero a Woolie le gustaba ir sobre seguro y usar material que sabía que funcionaría. Eso fue todo.

 

Misterio resuelto. Fue Reitherman el responsable de que Disney actuase de esa forma, porque que era algo que hizo muy a menudo en su momento es algo que nadie puede discutir...

También te recomendamos

El tráiler de ‘Toy Story 4’ deja claro que Pixar quiere rompernos el corazón una vez más

Estas son todas las muertes que habrías sufrido sin tecnología

Aquí está el tráiler de 'Frozen 2': un primer y emocionante adelanto de la esperadísima secuela de Disney

-
La noticia Cuando Disney se copiaba a sí misma: la verdad detrás de esas escenas calcadas en sus clásicos animados fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

15 Mar 18:40

'Mirai, mi hermana pequeña': una deliciosa fábula que triunfa en todo lo que se propone

by Mikel Zorrilla

'Mirai, mi hermana pequeña': una deliciosa fábula que triunfa en todo lo que se propone

Muy lejana empieza a quedar ya el Óscar a ‘El viaje de Chihiro’, la única producción asiática que ha conseguido hacerse con el galardón a la mejor película de animación del año. La Academia de Hollywood se ha acordado de nominar a títulos como ‘El castillo ambulante’, ‘El viento se levanta’ o ‘El cuento de la princesa Kaguya’, pero hasta ahí ha llegado el reconocimiento.

‘Mirai, mi hermana pequeña’ es el último título en sufrir ese destino, pero al menos esta vez la Academia supo valorar hasta cierto punto los méritos de Mamoru Hosoda, uno de los directores asiáticos de animación más aclamados de los últimos tiempos. En esta ocasión nos propone una notable fábula a partir de la historia de un niño que se siente desplazado tras el nacimiento de su hermana pequeña.

El encanto de la sencillez

Escena Mirai Hermana Pequena

Hosoda apuesta en ‘Mirai, mi hermana pequeña’ por una sencillez visual idónea para sentar las bases de la historia. El mimado protagonista no acepta que su familia haga más caso a su hermana pequeña y no desaprovecha cualquier ocasión para intentar acaparar la atención. Por ese lado todos tenemos bastante claro cuál va a ser el destino del relato, pero Hosoda utiliza la realidad como base para dar el salto a un mundo de fantasía con ciertos ecos de ‘Cuento de Navidad’.

Está claro que los diferentes descubrimientos que va haciendo Kun están encaminados a una inevitable reconciliación final, asumiendo su nueva posición en la vida. Eso podría haber sido una limitación insalvable para ‘Mirai, mi hermana pequeña’, pero el guion firmado por el propio Hosoda que va integrando muy bien ese elemento más fantástico sin dejar nunca de lado las raíces realistas de la historia.

Eso lleva a Hosoda a exprimir a fondo la aparente sencillez de la animación de la película, logrando momentos de gran belleza visual que añaden algo más de fondo al relato en lugar de simples caprichos de su director. A eso hay que añadir una capa de humor bastante destacable que rara vez pasa a primer plano, pero que siempre ayuda a que todo sea más fácil de asimilar por parte del espectador.

‘Mirai, mi hermana pequeña’ es una delicia

Mirai Hermana Pequena

Ahí es donde veo una mayor diferencia en cuestión de tono respecto a lo que uno podría esperar de una cinta así de haber venido de Ghibli, ya que esa sensibilidad especial propia de otra cultura es algo que Hosoda también capta de maravilla. Sin embargo, en su humor sí que hay una mayor universalidad, aunque sin que nunca resulte algo fuera de lugar dentro de lo que nos está contando.

Si en su inicio sabe captar con mucho encanto el día a día de la familia protagonista, con la llegada de ese elemento fantástico la película eso es algo que nunca llega a perderse, pero que convive con los diferentes descubrimientos que va haciendo Kun tanto de la vida en general como de la historia de Japón en particular. Todo eso fluyendo con una naturalidad envidiable, pero sin andarse nunca con prisas.

Ese ritmo más sosegado quizá sea una traba para los niños de nuestro tiempo, acostumbrados a cintas más vivas en ese apartado, ya que tampoco apuesta por un desarrollo convencional. Eso es algo que a partir de cierta edad uno agradece mucho más -o al menos así creo que debería ser- y que para mí eleva aún más lo que propone ‘Mirai, mi hermana pequeña’, consiguiendo además dotar de mayor intensidad a las reflexiones que va dejando caer a lo largo de su ajustado metraje.

En definitiva, ‘Mirai, mi hermana pequeña’ es una delicia que sabe manejar muy bien los ingredientes que maneja Hosoda para divertirte cuando se lo propone, emocionarte cuando lo busca y mantenerte siempre interesado y a menudo fascinado con lo que sucede en pantalla.

recommendation.header

Tú a tu casa y yo a la mía. ¿Son las casas individuales el futuro de las parejas?

'Cómo entrenar a tu dragón 3': un gran final para una de las mejores trilogías de la historia del cine

'Destroyer: Una mujer herida' reformula el thriller policiaco con una brillante Nicole Kidman

-
the.news 'Mirai, mi hermana pequeña': una deliciosa fábula que triunfa en todo lo que se propone originally.published.in por Mikel Zorrilla .

21 Feb 14:23

Taron Egerton brilla en el nuevo adelanto de 'Rocketman': "Elton John no ha oído a nadie cantar mejor sus canciones"

by Víctor López G.

Taron Egerton brilla en el nuevo adelanto de 'Rocketman':

Después de que 'Bohemian Rhapsody' haya trascendido su estatus de película para pasar a convertirse en un fenómeno en toda regla —su victoria en los Globos de Oro y sus cinco nominaciones al Óscar son sólo un síntoma de esto—, podemos ir preparándonos para un aluvión de biopics musicales de lo más variopinto, siendo el próximo en llegar 'Rocketman', en el que exploraremos la figura de Elton John de la mano de Dexter Fletcher.

Tras haber visto un primer adelanto del filme en un tráiler que deja entrever una pinta más que decente, hoy hemos podido disfrutar de este pequeño avance en el que se nos muestra la sorprendente transformación de Taron Egerton en el artista británico. Y no me refiero a una transformación física, sino vocal; porque el actor, por deseo personal de John va a interpretar sus canciones en largometraje.

El productor musical Giles Martin ha comentado que el autor de temas míticos como 'Tiny Dancer', 'Your Song' y, por supuesto, 'Rocket Man' ha afirmado que no haber oído a nadie cantar sus canciones mejor que Egerton; y contar con un intérprete capaz de dar la talla frente a la cámara y el micrófono de igual modo —lo siento mucho, Rami Malek— es todo un plus que pone la película aún más si cabe bajo nuestro punto de mira. Escuchadlo por vosotros mismos.

'Rocketman' llegará a nuestras salas de cine el próximo 31 de mayo, y contará, además de con Taron Egerton, con Richard Madden, Bryce Dallas Howard y Jamie Bell —entre otros— completando el reparto de una de las cintas del año. Por el momento, mientras esperamos a su estreno, os dejo con su nuevo póster.

Rktm Poster Cmyk

También te recomendamos

Crema de chocolate y café con mascarpone: receta para enamorar

Taron Egerton es Elton John: primer vistazo a 'Rocketman', definido como "el primer musical para adultos" de la historia del cine

¡Tenemos nuevo Elton John! Taron Egerton sustituye a Tom Hardy en 'Rocketman'

-
La noticia Taron Egerton brilla en el nuevo adelanto de 'Rocketman': "Elton John no ha oído a nadie cantar mejor sus canciones" fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

14 Feb 00:32

Más allá del Genio de Will Smith: cómo los remakes Disney han perdido la magia de la animación clásica

by John Tones

Más allá del Genio de Will Smith: cómo los remakes Disney han perdido la magia de la animación clásica

El (ciertamente escalofriante) trailer de la nueva versión de 'Aladdin' no ha dejado a nadie indiferente. Supone cierta culminación del plan de Disney de encadenar sistemáticamente remakes -con cadencia no ya anual sino casi semestral- de las producciones Disney clásicas animadas. Un plan que, a poco que se contemple con cierta frialdad, y dejando de lado la nostalgia que nos hace consumir cualquier producto derivado de lo que nos gustó en la infancia, no deja de ser una idea de casquero de gran envergadura.

Resumamos este plan en una cronología esencial: a mediados de los noventa, Disney se percata de que hay algunos clásicos animados que, con la consiguiente descarga publicitaria y algo de ingenio en el refrito, pueden dar interesantes beneficios. Las dos primeras películas sujetas a este experimento son 'El libro de la selva: La aventura continúa' (1994), que aunque todos tengamos en mente la versión animada de Disney, es cierto que la versión canónica se inspira en los libros de Kipling.

La segunda de estas versiones sí que abriría cierta tendencia que aún se puede rastrear hoy: '101 dálmatas' (también a partir de un libro original, aunque aquí sí que la versión masivamente conocida es la animada de Disney) seguía la historia del clásico animado, la ampliaba y presentaba como gran baza a la versión de carne y hueso de su villana original: una Cruella de Vil interpretada por Glenn Close. Una jugada similar se llevó a cabo en la película que desató la última generación de remakes Disney, 'Maléfica', aunque en este caso con un CGI recargadísimo y que no quería igualar sino superar a 'La bella durmiente' original.

Las culpables de este empleo barroco y excesivo de la animación computerizada fueron las dos horrendas 'Alicias...' de Tim Burton. La primera de ellas fue un increíble éxito de taquilla que asentó la estrategia de cabalgar el tsunami CGI para proponer versiones "realistas" de los clásicos animados. Se hizo con 'Cenicienta', en mayor medida aún con la horrenda 'La bella y la bestia' y, de forma algo más acertada, con 'El libro de la selva'.

Por qué hay cosas que solo pueden ser un dibujo animado

Sin embargo, con lo que hemos visto de 'Aladdin' se pone de manifiesto hasta qué punto estos remakes, independientemente de aciertos puntuales (actores afortunados, algunas reformulaciones de los tópicos de los cuentos de hadas que consiguen dar en el clavo -a menudo acompañadas de la horrible confusión entre "más oscuro" y "más adulto"-), parten de conceptos absolutamente delirantes. ¿A quién puede entrarle en la cabeza que un personaje de las características del Genio se puede replicar con un actor humano y un aspecto realista?

Da igual que la vis cómica de ese actor se vea potenciada por el CGI (y Will Smith la tiene de salida aunque, inciso, está a años luz de cartoons de carne y hueso como Jim Carrey o Kate McKinnon). Es sencillamente imposible alcanzar el dinamismo, la hiperexpresividad de un dibujo animado, sobre todo cuando ese dibujo está modelado a partir de la ametralladora de parodias, tics, chistes y bufonadas que es la voz de un Robin Williams desatado.

Y es imposible porque no puede ser, claro: se puede replicar la velocidad, pero las múltiples transformaciones, los cambios radicales de aspecto, comportamiento, las febriles mutaciones continuas que hacen que entendamos los dibujos animados como algo que obedece solo a su propia naturaleza líquida y mutante, solo puede entenderse gracias a los mundos imprevisibles de la animación. En ellos, las leyes físicas y naturales quedan a discreción exclusivamente del animador. La presencia de un humano en esa ecuación es un veneno que puede aprovecharse creativamente ('¿Quién engañó a Roger Rabbit?', obvio) o, sencillamente, es un palo en las ruedas de la bicicleta.

Acudamos a algún ejemplo clásico para que la cosa quede clara: los dibujos animados primigenios, aún en blanco y negro y concebidos de forma que parecían respirar al ritmo de la infecciosa música jazz que hacía las veces de banda sonora de sus peripecias. Pasaba con los cortos de los Hermanos Fleischer de los que hablábamos (a propósito de 'Popeye' y pasaba con cortos Disney como el fundacional 'Steamboat Willie' que vio nacer a Mickey Mouse.

A nadie se le ocurriría hacer versiones realistas de aquellos personajes porque está claro que están concebidos como seres animados. ¿Por qué entonces se da últimamente el paso para versiones en imagen real, más allá del beneficio económico? La respuesta está en que, con la tecnología de la mano, se ha recuperado la irritante creencia de que una película realista tiene más valor que una que no lo es, una discusión que en otros campos de la creación humana se solventó en la primera mitad del siglo XX. Pero la cuestión ha vuelto con renovada fuerza en la forma de estos remakes, sencillamente porque ahora se puede hacer.

Pero la cuestión va más allá de eso: solo hay que ver una de las muchas comparativas plano por plano que abundan en Internet de la famosa intro de El Rey León y su versión remozada para entenderlo. Cada decisión que se toma en una buena película de animación es intencionada: la paleta de colores, los movimientos de los personajes, los ángulos de cámara. En la nueva versión se ha buscado que los animales parezcan de verdad y que los entornos naturales estén iluminados con realismo. Es un desprecio total por la creatividad del original.

Dejando de lado, por supuesto, el problema más grave: la expresividad de los personajes. Un león, por definición, no tiene expresividad y, en cualquier caso, tiene menos que un dibujo animado. Por eso a menudo en estas películas, personajes que originariamente eran una exhibición de dinamismo expresivo (desde Lumiere y Ding Dong en 'La Bella y la Bestia' -o la propia Bestia, ya que estamos- a cualquier animal de 'El libro de la Selva'), se convierten en meros maniquíes incapaces de transmitir emociones. Observa el maravilloso gesto de Simba cuando es alzado ante sus súbditos por Rafiki, una emocionante mezcla de sorpresa, orgullo y temor. En la versión CGI es... bueno, un gato. Que no lo olvidemos, son estrellas de Internet precisamente por su cómica carencia de expresividad.

Esto no es un manifiesto en contra del CGI. Al menos no, de todo el CGI: pese a que tecnológicamente están superadísimas, las primeras películas de Pixar, empezando por 'Toy Story', siguen siendo hoy tan emocionantes como en su momento. Y hay autores (incluso dentro del mainstream, como Genndy Tartakovsky) que han sabido sacar oro expresivo de los a veces algo acartonados recursos de la animación computerizada. Pero claro, eso es cuando hay un animador que parte de cero con las herramientas, no cuando se usa el CGI para "arreglar" la animación clásica.

Por supuesto, Disney está en posición de hacer lo que quiera con sus propiedades. ¡Estaría bueno! Pero recuerda: cada millón de dólares que Disney invierte en una nueva versión de 'Mulan' que nadie ha pedido, es un millón que no está dedicando a revalorizar en ediciones dignas su animación clásica o a invertir en nuevas producciones que continúen ese legado con aportaciones renovadoras. Y es una pena.

También te recomendamos

Tecnología de los materiales y sensores de control del sueño, los verdaderos ingredientes para un descanso de calidad

El remake de 'El rey león' ya nos reveló al sustituto de Constantino Romero como Mufasa: comprueba la diferencia

Primer tráiler de 'El rey león': el nuevo remake en acción real de Disney promete recuperar la magia del original

-
La noticia Más allá del Genio de Will Smith: cómo los remakes Disney han perdido la magia de la animación clásica fue publicada originalmente en Espinof por John Tones .

13 Feb 14:19

Cómo se forma un organismo, célula a célula [VÍDEO]

by noreply@blogger.com (Antonio Martínez Ron)


'Becoming' es un espectacular corto dirigido por Jan van IJken en el que podemos observar cómo se forma un ser vivo célula a célula. Mediante la técnica de time-lapse, el vídeo nos muestra el desarrollo de un renacuajo de tritón alpino (Ichthyosaura alpestris) desde el zigoto hasta la fase de renacuajo. Una preciosidad. Visto en Digg
Entrada publicada en Fogonazos http://www.fogonazos.es/
13 Feb 14:12

Una zambullida por los océanos del planeta [VÍDEO]

by noreply@blogger.com (Antonio Martínez Ron)


El gran Guillaume Néry nos vuelve a sorprender con otro de los maravillosos vídeos de sus inmersiones en apnea. En esta ocasión, con "One Breath Around The World", juega a bucear en distintos paisajes submarinos, de una belleza deslumbrante. El momento más bonito, a mi juicio, es cuando se mueve entre los cachalotes dormidos, suspendidos bajo el agua como moles misteriosas. Qué envidia poder hacer algo así. Vía Kottke
Entrada publicada en Fogonazos http://www.fogonazos.es/
13 Feb 14:02

HAARP boreal: un time-lapse nocturno y con aurora boreal en un recóndito y misterioso paraje

by alvy@microsiervos.com (Alvy)

Harun Mehmedinovic y Gavin Heffernan tienen esta curiosa peliculita rodada sorprendentemente con permiso en un paraje único. Forma parte de la serie de fotografías y películas del Proyecto Skyglow acerca de los cielos nocturnos y los efectos de la contaminación lumínica de las ciudades y carreteras. Como parte de este proyecto hacen fotografías, ruedan películas y time-lapses y a veces consiguen pequeñas maravillas como esta, que han titulado –muy apropiadamente– HAARP boreal.

Se trata ni más ni menos que de unas tomas con la técnica de time-lapse en un lugar perdido de Alaska, más concretamente en las instalaciones del Programa HAARP (Programa de Investigación de Aurora Activa de Alta Frecuencia). Como algunos sabrán se trata de un recinto vallado donde hay 180 peculiares y enormes antenas con las que se estudian las propiedades de la ionosfera, así como radiotransmisores con los que se analizan sus propiedades electromagnéticas.

Todo esto, que suena muy a «rayo de la muerte» de Tesla fue construido y comenzó a funcionar allá por 1993, aunque por sus características «secretas y misteriosas» ha dado lugar todo tipo de teorías conspiranoicas a cual más rara; de hecho esta se considera una de las mejores. Dado que también se emplea para analizar lanzamientos de misiles y que sus efectos pueden observarse en las frecuencias VHF y UHF.

Durante el rodaje de las escenas nocturnas –al parecer los técnicos de Skyglow han sido los primeros en obtener permiso para rodar en las instalaciones del HAARP de noche– tuvieron la suerte de disfrutar de lo que denominan «noche de calidad Clase 1» y de que les apareciera una aurora boreal, con un resultado bastante espectacular. Dicen que se pasaron la noche rodando a -34°C, con unas Canon 5D Mark IV, pero tras el montaje del time-lapse queda claro que sin duda mereció la pena.

# Enlace Permanente

12 Feb 23:44

Una imagen promediada de la superficie terrestre durante un año

by alvy@microsiervos.com (Alvy)

Una imagen promediada de la superficie terrestre durante un año
Una foto promediada con imágenes del VIIRS/NASA, proyección Mercator / Johannes Kroeger

Johannes Kroeger se entretuvo en recopilar todas las imágenes del radiómetro VIIRS (Visible Infrared Imaging Radiometer Suite) que orbita nuestro planeta en un satélite para construir una «imagen promedio» de la superficie terrestre a partir de los valores de cada pixel cada día del año a lo largo de todo 2018.

De este modo las zonas normalmente nevadas o heladas quedan en blanco, el agua en azul, la tierra marrón o verde y las áreas con nubes más o menos blancas según la frecuencia de formaciones nubosas. En los detalles se pueden ver algunas curiosidades como las islas o los ríos grandes como el Amazonas.

También hay una versión animada bastante interesante.

Relacionado:

# Enlace Permanente

07 Feb 00:27

'Tres idénticos desconocidos': la confirmación del género documental como nuevo nuevo thriller conspiranoico

by Kiko Vega

'Tres idénticos desconocidos': la confirmación del género documental como nuevo nuevo thriller conspiranoico

Hace ya algún tiempo que el género documental se encuentra afianzado como una fábrica de thrillers más que notables. Títulos como 'Catfish', 'El impostor' o la alucinante 'Ícaro' han aportado un montón de horas de cinematografía de primer nivel.

Pero no solo de cine vive el documental. También la pequeña pantalla nos ha hecho vibrar con 'The Jinx (El gafe)', 'Making a Murderer' o la reciente 'Abducted in plain sight'. Y la máquina no para tal y como demuestra el excelente estreno en nuestras pantallas de 'Tres idénticos desconocidos', la última gran bomba del thriller documental. Conspiranóico.

Eran uno dos y tres

Esta historia arranca de manera idílica en la Nueva York de 1980. Tres completos extraños descubren accidentalmente que son trillizos idénticos, separados en el momento del nacimiento. Una alegre reunión tras 19 años los catapulta a la fama internacional.

Hasta aquí todo bien, pero si algo hemos aprendido es que las buenas historias son las que permanecen en el recuerdo gracias a un inesperado golpe bajo. Y de golpes sabe un rato su director, Tim Wardle, que hace unos años ya se adentró en otra historia peliaguda con 'One killer punch', documental para televisión que podéis ver aquí mismo.

Como decíamos, la historia arranca de manera ideal, pero la alegría y la inocencia no tardarán en tomar un giro oscuro, revelando un secreto extraordinario e inquietante que va más allá de sus propias vidas y podría transformar nuestra comprensión de la naturaleza humana para siempre. Todo ello gracias a un inmenso material de archivo al que su director sabe añadir intrigantes ganchos narrativos en forma de recreación elegante junto a un trabajo de investigación de categoría.

¿Quiénes somos? ¿De dónde venimos? ¿Adónde vamos?

Resulta realmente perturbador comprobar cómo estos tres críos llegaron a separar sus caminos nada más nacer, pero no más que las consecuencias que traería a sus vidas. 'Tres idénticos desconocidos' maneja la información con estilo, dosificando revelaciones y secretos hasta ir abriendo una caja de los truenos que todavía resuenan ahora.

Más allá de bañar en sospecha la existencia de un libre albedrío vital, lo que propone el documental de Wardle ha estado silenciado durante muchos años. Durante el desarrollo de la producción, fueron varios los informes que llegaron al equipo acerca de intentos anteriores de contar la historia durante los ochenta y los noventa. Al menos en uno de estos casos, aparentemente la película estaba casi terminada y lista para ser lanzada cuando fue desechada en el último momento por la directiva.

Critica-Tres-Identicos-Desconocidos-trillizos

Existen teorías de conspiración acerca de las conexiones políticas y mediáticas sobre el deseo de mantener en secreto esta historia, algo en que deja meridianamente claro el resultado final, y eso solo hace más interesante el documental.

'Tres idénticos desconocidos' tiene todos los ingredientes que necesita un buen thriller para atraer al espectador: unos protagonistas cercanos e interesantes, inesperados cambios de tono y giros imposibles en la trama, suspense, misterio y un desenlace que se quedará rebotando en tu cabeza mucho después de su final. Cómo es posible que algo así haya sucedido o cómo demonios es posible que esta historia no sea de dominio público son quizás las verdaderas preguntas que hacerse.

Cuando la realidad supera a la ficción, cuando un trabajo de investigación exhaustivo nos conduce a territorios tan peligrosos como los expuestos aquí, es lógico que al final la realidad termine convertida en ficción. No pasará mucho tiempo hasta que veamos esta historia convertida en un largometraje.

También te recomendamos

Estrenos de cine: juguetes animados, reinas malogradas y niños siniestros

Merkel pide más datos en la UE y al poco le roban datos personales

'Abducted in Plain Sight': el nuevo documental de Netflix cuenta una historia tan increíble como escalofriante

-
La noticia 'Tres idénticos desconocidos': la confirmación del género documental como nuevo nuevo thriller conspiranoico fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .