This is not an endorsement or recommendation for trolling. If anything, it's simply an explainer to let you know what's going on. Because trolling is bad poi.
German graphic artist Matthias Jung creates collages of fictional structures that seemingly turn the logic of architecture upside down. Buildings sprout mountains populated by livestock, homes hover in mid-air, and contrasting architectural styles are fused together in strangely harmonious ways like something straight out of a Terry Gilliam movie. You can see more of Jung’s work on his website where he also has a number of prints availble. (via iGNANT)
La Game Cube, la consola de Nintendo, se ha vestido de gala homenajeando a Zelda: Wind Waker gracias al excelente trabajo realizado por el modder Vadu Amka, al que ya conocemos por consolas como la PlayStation al estilo Crash Badicoot. Me encantan las consolas con este tipo de acabados, aunque la verdad es que he visto tantas últimamente que ya pierden el factor sorpresa. Pero ésta en concreto me ha encantado, y además tiene hasta los números en hylian.
Me gustó mucho el manga, cuando queráis os lo dejo.
La entrada en el mundo de los adultos es quizás una de las etapas más difíciles en la vida de toda persona. Una etapa en la que se toman decisiones difíciles que van a determinar, prácticamente, el resto de nuestras vidas. ¿Seguir nuestros sueños y anhelos de la adolescencia o aceptar con resignación una vida simple y anodina?Solanin es el perfecto retrato de esta etapa trascendental y en la que más de uno se verá reflejado.
Solanin es un slice of life creado por Inio Asano. El manga fue publicado en la Young Sunday de Shogakukan entre junio de 2005 y abril de 2006, quedando recopilado en dos tomos. La obra fue aclamada por la crítica internacional, lo que le llevó a ser adaptado a live-action. La película fue dirigida por Takahiro Miki, quien recientemente ha dirigido la adaptación a imagen real del manga Ao Haru Ride.
El pasado 2014 fue el año de Inio Asano en España. Tras los exitosos lanzamientos de La chica a la orilla del mar y Nijigahara Holograph de Milky Way Ediciones, Norma Editorial anunció en julio la licencia de Solanin. Este salió a la venta en el pasado XX Salón del Manga de Barcelona en un tomo único que recopilaba los dos tomos de los que consta la obra. Como ya hiciera en La chica a la orilla del mar, Inio Asano vuelve a centrar su atención en una etapa difícil del ser humano. Mientras en que en la primera los dos protagonistas dan los primeros pasos en la adolescencia, en Solanin los personajes entran de golpe en el mundo adulto. Una realidad que les plantea nuevas emociones y situaciones, que les obligará a replantearse sus vidas.
¿Vivir o disfrutar?
Meiko es una recién licenciada que trabaja en una empresa que fabrica productos de ofimática. Aunque gana un buen sueldo, ella no está para nada ilusionada ni con su nuevo trabajo, ni con su nueva vida. Vive en un pequeño apartamento con su novio Taneda, que trabaja como ilustrador en la prensa escrita. Sin embargo, Meiko quiere un nuevo cambio en su vida que le permita disfrutar de su vida, según ella, para ser libre.
Lo único que conservan de su antigua vida es la banda de rock formado por Taneda en su etapa como universitario. Ambos, junto a Mole, Billy y Ai, se siguen reuniendo para tocar y charlar, rememorando los viejos tiempos, aunque también compartiendo su nueva vida. No obstante, Taneda al igual que Meiko, se resiste a vivir de manera anodina y quiere hacer realidad su sueño de adolescente: triunfar en el mundo de la música. ¿Lo conseguirán o la cruda realidad los despertará de sus sueños?
Se trata de una obra que recoge a la perfección una de las mayores tragedias humanas: el fin de la adolescencia y el comienzo de la vida adulta. A lo largo de la historia los personajes se ven desbordados por multitud de sentimientos y sensaciones que los cambiará para siempre. Por esta razón, Solanin es una obra reflexiva donde la acción prácticamente se reduce al mínimo, para presentar el día a día de estos jóvenes, que luchan por buscar su lugar en el mundo.
Sin embargo, este predominio de la conversación y la reflexión también es uno de los puntos flacos del manga. Si bien es la manera ideal de transmitir esa sensación de vivir una vida anodina y sin sustancia, también proporciona un ritmo lento a la historia y que puede llegar a desencantar. No obstante, los continuos devaneos y pensamientos de los protagonistas están sazonados con situaciones cómicas, momentos verdaderamente emotivos e incluso algún giro de guión, que hacen la lectura mucho más amena.
Cinco personajes y ningún destino
Aunque la acción se centre en Meiko y Taneda, Solanin está protagonizado por cinco jóvenes. Todos ellos amigos y con el sentimiento de frustración y desazón ante la sensación de no saber qué hacer en su vida.
Por un lado está Meiko, una joven inquieta y alegre que, tras acabar la universidad ha entrado a trabajar de oficinista. Tiene un buen sueldo y su trabajo no es muy estresante, sin embargo siente que no encaja. No desea pasarse la vida en ese trabajo. Por otro lado, está Taneda quien, empujado por el cambio de Meiko, quiere alcanzar su sueño de ser una estrella de la música junto a su grupo.
Junto a ambos están Mole, que está a punto de finalizar la universidad y tampoco sabe qué hacer después de sus estudio. Billy que trabaja de dependiente pero que ve que está perdiendo el tiempo y Ai que está deseando que Mole acabé la carrera para por fin dar un nuevo paso en su relación.
En general, todos son personajes soñadores y con los que el lector empatiza fácilmente y que entiende sus frustraciones. Es decir, como ya ocurriera en otras obras, Asano logra crear unos personajes muy reales y creíbles. Con ellos, a pesar de narrar un slice of life sin apenas tensión o acción, logra transmitir emociones muy fuertes aunque es cierto, que a veces, con tanta divagación y reflexión pueden resultar un tanto pesados.
Un dibujo realista, pero muy personal
El dibujo de Inio Asano no podía ser más idóneo para esta obra. Solanin destaca por combinar a la perfección, al igual que en otras obras del autor, unos fondos hiperrealistas con los diseños característicos del autor. Además, huye del uso excesivo de tramas para presentar unos escenas lo más naturales posibles.
Los personajes resultan anatómicamente proporcionados y con el estilo particular del autor: caras alegres, con ojos ligeramente rasgados y bocas y orejas grandes. Rasgos que resultan muy expresivos, tanto en las escenas cómicas, como en los momentos trágicos o de melancolía. Sobre todo destacar, la mirada, en apariencia tan sencilla, pero tan cargada de sentimientos y sueños. Así, a pesar de presentarse con el estilo propio de Asano, resultan de los más naturales.
Al igual que en otras obras del autor, el lector se encuentra con fondos llenos de detallismo y profundidad. Todos ellos caracterizados por un trazo fino y donde se combinan multitud de escalas de grises y negros. De esta manera, Asano retrata a la perfección esa realidad gris en la que se encuentran sumidos sus personajes.
Inio Asano, la voz de su generación
Inio Asano es uno los autores de mayor proyección actual dentro del mercado del manga, siendo considerado por los medios japoneses como la voz de su generación. Nació el 22 de septiembre en 1980 en Ibaraki y a los 17 años dio sus primeros pasos como artista del manga. Ya en el instituto empezó a dibujar yon-koma (manga de 4 viñetas), más que nada porque no tenía ganas de estudiar.
A raíz de estas publicaciones y, viendo que su trabajo era popular entre sus compañeros, decidió presentarlo a la revista Big Comic Spirits de Shogakukan. Aunque en un principio la editorial rechazó sus dibujos, un editor decidió darle la oportunidad cuando uno de los mangakas falló en la entrega.
Sus primeros trabajos en la revista fueron cuatro páginas de relleno. No obstante, sus primeros pasos envalentonaron en demasía al autor cuya carrera se frustró al poco tiempo. Después de este fulgurante debut estuvo 5 años de sequía a excepción de alguna tira ocasional. En esta época nada le motivaba, ni siquiera el mundo de los videojuegos, algo que le daba tanta pereza que ni se molestó en rellenar las solicitudes de trabajos, como afirmó el autor en una entrevista.
Después de este tiempo de casi inactividad, volvió a ser el centro de atención con la obra Nijigahara Holograph, la cual fue publicada por la editorial Ohta Shuppan. Este thriller a medio camino entre el surrealismo y la fantasía significó el inicio de su escalada fulgurante. La obra llegó en 2009 a España de la mano de Ponent Mon y recientemente fue reeditada por Milky Way Ediciones.
Tras esta exitosa vuelta al mercado, publicó con ShogakukanHikari no Machi, que le permitió hacerse con el Premio GX para jóvenes artistas. Esto le valió a pasar a formar parte de la de los autores habituales de la editorial. No obstante, también ha publicado obras en otras revistas como Umibe no Onnanoko. Esta se publicó en la Manga Erotics F que, a pesar del título de la revista, se sitúa en el género del slice of life. Esta llegó también a España de la mano de Milky Way Ediciones con el título La chica a la orilla del mar, siendo el primer título japonés de la editorial y el cual gozó de una gran acogida por los lectores.
No obstante, fue en Shogakukan donde se publicaron las obras de mayor éxito del autor. Por un lado, Oyasumi Punpun, finalizada con 13 tomos hace apenas un año y, por otro lado, Solanin, lanzada en España en el pasado XX Salón del Manga por Norma Editorial. Esta última fue nominada a los Premios Eisner de Estados Unidos en 2009 y cuenta con una película de imagen real en 2010 e interpretada por Aoi Miyazaki.
Actualmente el autor está inmerso en la publicación de Dead Dead Demon’s Dededededestruction, un manga con naves espaciales y alienígenas gigantes, un gran misterio y dos chicas que van al colegio. Hasta el momento esta cuenta con dos tomos recopilatorios. También ha publicado un artbook en Japón, Ctrl+T, bajo el sello de Shogakukan en 2010 con dos historias cortas que se publicaron antes en las páginas de la revista Big Comic Spirits.
Sobre la edición
El manga se sale del formato habitual de la editorial de publicación de manga. La edición española recopila en un tomo único de 426 páginas los dos volúmenes de los que consta la obra. Este tiene un tamaño semejante a una kanzenban, rústica con sobrecubierta de, 14,8 x 21 cm. Además, el diseño de la portada varía respecto a la japonesa.
El aumento del formato permite disfrutar en un tamaño mayor las viñetas llenas de detalles de Inio Asano, así como poder leer la obra de manera continua. Marc Bernabé y Verónica Calafell han hecho un gran trabajo en la traducción. Y no era sencillo debido a la inclusión de canciones en la obra y que han traducido con gran acierto.
Además, el precio es de 15,95€ que, si tenemos en cuenta que recopila dos tomos y en un tamaño mayor, resulta más que aceptable.
Conclusión
Con Solanin, Inio Asano ha vuelto a demostrar porqué es uno de los autores referentes dentro del manga actual. La obra es un claro reflejo no sólo de la realidad misma, sino también de la naturaleza del ser humano. Aunque pueda parecer lenta, la historia se desarrolla de manera magistral recogiendo la vida misma en viñetas.
A pesar de sus excentricidades y acciones, los personajes de la obra son totalmente reales. Cada uno suscita multitud de emociones y sentimientos con los que más de uno se verá identificado. A esto acompaña un dibujo que contribuye a recrear esa realidad de la manera más fiel, pero sin perder el estilo propio del autor.
En definitiva, una obra imprescindible en la colección no sólo de fans del manga, sino también del cómic en general. Además, se trata de una historia muy acorde con los tiempos que corren. ¿Seguir nuestros sueños y anhelos o simplemente sobrevivir? Este es el gran dilema.
Lo mejor
Una historia reflexiva con la que más de uno se sentirá identificado.
Un dibujo detallado y realista, pero que no pierde la esencia de Asano.
Lo peor
La ausencia casi de acción y la continua reflexión generan un ritmo lento.
Menuda maravilla se ha sacado de la manga el artista francés conocido por el nombre de Oskunk: una GameBoy diferente, inspirada en el clásico rolero de Nintendo, que vive una segunda juventud con la reedición para 3DS. Alejándose de las personalizaciones típicas de consola, más orientadas a los relieves y las formas, el trabajo del francés es vibrante, colorido, original y tiene un puntito de 'underground'. Nos ha encantado.
Estos guantes con forma de patatas fritas del McDonald's no están a la venta, se trata de un diseño publicitario ideado por la agencia Moroch, pero es evidente que algo así acabará comercializándose, o por lo menos ofrecido como opción en el McMenú de turno.
Sería un regalo mucho más agradable que los que vienen en los Happy Meals que comentábamos hace un tiempo.
Los desarrolladores de Environmental Station Alpha, una especie de plataformas de acción aventurero en clave Metroid y juegos del mismo calado, han confirmado en los foros de TIGSource que lo publicarán este próximo 22 de abril en Steam y posiblemente en otras plataformas de descarga digital.
Tras unos tres años de desarrollo, parece que finalmente el proyecto de Arvi Teikari, con el apoyo de Roope Mäkinen en tareas musicales y Joonas Turner y Niilo Takalainen para los efectos sonoros, verá la luz el próximo mes de abril. El juego, que ha sido desarrollado en Multimedia Fusion, será compatible con ordenadores Windows y Mac, y presenta un apartado audiovisual minimalista pero bien realizado. Dotado de una resolución más cercana a la GameBoy (160x120 pixels) y una paleta de colores reducida, ésto no ha sido impedimento para lograr dar forma a unos escenarios atractivos y diferenciados, además de unas animaciones bastante conseguidas y unos movimientos muy dinámicos como podemos ver en los siguientes GIF animados y en el vídeo anterior.
En ESA no faltarán los enfrentamientos con bosses, la consecución de objetos y nuevas armas que nos permitan mejorar nuestro equipamiento y abrirnos camino a lo largo del amplio mapeado. La historia del juego nos sitúa en una especie de estación especial, utilizada con fines científicos para comprobar como evolucionan ecosistemas naturales conocidos. Sin embargo, el sistema se vino abajo sin causas aparentes y, de repente, se reciben señales de vida. Toca investigar y descubrir qué ha ocurrido y de dónde proviene dicha señal. Existe una demo disponible para ir abriendo boca y esperar hasta el próximo 22 de abril, cuando aparezca el juego terminado, que costará aproximadamente 8 euros.
No, no: nadie os va a contar la historia de mi puta vida. Nadie excepto yo, claro: hacía ya algún tiempo que no colgaba por aquí alguna entrevista que me hubieran hecho, y me apetecía compartir las dos últimas, que han coincidido en un breve espacio de tiempo.
A decir verdad, lo que hice en el podcast El despacho del Doctor Venkman no es una “intie” al uso, sino una charla sobre la evolución de internet y la cultura pop en la red. Conozco a Vuarnet desde los tiempos de Dreamers (end-90s) y siempre es un placer encontrarme con él. En realidad la charla se grabó en verano, pero han tardado en subirla, los cabritos. Ahí hablamos de otros podcasts, del culto a la Serie Z, el mitoplastismo, el universo Marvel, Gran Hermano, de cosas que he hecho por ahí y mil chorradas más.
Por otro lado, en la web Can it be so simple me pasaron un cuestionario bastante curioso, en los que por primera vez hablo de mis discos favoritos, mi aficción a la NBA y mi nuevo proyecto musical, que podréis escuchar dentro de poco. Así que si sois seguidores de esta web, o mis otras actividades, es bien posible que os interese.
Y para que me conozcáis un poco más, unas cositas que tenía por el disco duro y que dicen mucho de mí. O no. ¡Gracias por estas ahí siempre!
Artist Ellen Jewett refers to her sculptural work as “natural history surrealist sculpture,” a blend of plants, animals, and occasionally human-made structures or objects. Her artwork is deeply informed by an extensive background in anthropology, medical illustration, exotic animal care, and even stop-motion animation, all of which accentuate the biological structure of each piece, while freeing her imagination to pursue more abstract ideas.
Over time, Jewett has become more focused on minimizing materials and relying a negative space. “I find my sculptures are evolving to be of greater emotional presence by using less physical substance,” she shares. In addition, she eschews any potentially toxic mediums like paints, glazes, and finishes, opting to use more natural, locally-sourced materials. “This, unavoidably, excludes most of what is commonly commercially available, and has sent me on a journey of unique material combination and invention.” By employing these more uncommon materials, and leaving traces of fingerprints and other slight imperfections Jewett hopes her work leaves a more authentic impression.
You explore more of Ellen’s work on her website, and many of her pieces (some of which you see here) are available for purchase online.
Tomad Don Bluth en tres tazas, crack donde los haya.
Hazme algo parecido a lo que hiciste con 'NIMH'...pero hazlo más bonito
Con estas palabras animaba Steven Spielberg a Don Bluth a que superara las cotas de animación que había alcanzado con su primer filme en el que sería la segunda producción de la compañía para la gran pantalla. Una producción que pretendía superar lo que el antiguo animador de Disney había logrado con 'NIMH, el mundo secreto de la Sra. Brisby' ('The secret of N.I.M.H', Don Bluth, 1982) y para la que el artista se aliaría con el por aquél entonces rey Midas de Hollywood en una relación que plantearía muchas ventajas y algún que otro gran inconveniente.
Sea como fuere —a lo largo del artículo veremos con más detalle los quebraderos de cabeza que le acarreó a Bluth el aprovechar la oportunidad del mayor impacto comercial que le ofrecía Spielberg para su filme— lo cierto es que cuando hablamos de 'Fievel y el nuevo mundo' ('An American Tail', Don Bluth, 1986) lo hacemos de una cinta por la que no pasa el tiempo; un clásico del cine de animación en general y de los años ochenta en particular al que poco le importan innumerables revisiones y que, comprobado por activa y por pasiva, funciona indefectiblemente con las nuevas generaciones igual que lo hizo con los peques —y no tan peques— de hace casi 30 años.
Si no está roto, ¿por qué arreglarlo?
Aunque sea una afirmación hecha desde el completo desconocimiento, no creo que sea muy descabellado pensar que, con lo bien que le había funcionado la idea de una película protagonizada por ratones —y ratas—, a la hora de abordar su siguiente producción Bluth contemplara con muy buenos ojos la idea de seguir abundando en el mundo de los roedores. De hecho, fue insistencia del cineasta el transformar el concepto original de un mundo completamente animal en uno similar al que ya habíamos visto en 'NIMH' o, por ejemplo, en 'Los rescatadores' ('The Rescuers', John Lounsbery, Wolfgang Reitherman y Art Stevens, 1977): el de una sociedad oculta y paralela a la humana.
Inicialmente reacio a cambiar lo que le parecía un punto de partida genial, fue tras el visionado de la cinta de Disney que Steven Spielberg, que se había asociado a Bluth a través de Amblin en 1984, dio su brazo a torcer, dando así luz verde a la redacción de un guión firmado por Judy Freudberg y Tony Geiss que, una vez finalizado, hubo de ser sometido a numerosas reescrituras durante el proceso de producción para hacer frente a los muchos problemas que Bluth y sus animadores fueron encontrándose conforme avanzaban los meses, se acercaba la fecha de estreno y el presupuesto inicialmente previsto crecía de forma casi indiscriminada.
Aumentando de 6,5 millones a los 9 que finalmente costó a las arcas de las tres compañías implicadas —la suya, Amblin y Universal— tres fueron los frentes en los que Bluth tuvo que luchar contra viento y marea para poder sacar adelante 'Fievel...'. El primero, de índole técnica, era el cambio radical en los modos de producción que la cinta terminó requiriendo, obligando al cineasta a contratar un ayudante para poder realizar los storyboards de toda la acción —algo que hasta entonces había sido entera responsabilidad suya— y a recurrir a procedimientos como la Xerografía para agilizar los tiempos de animación.
Directamente derivado de la asociación con Amblin y Universal, la segunda de las trabas es la que provocó que, llegado el momento, Bluth sintiera que el control sobre 'Fievel...' se le estaba yendo de las manos. Supervisado por demasiados ojos, el proceso de avance de la producción llego a un momento en el que el recorte de escenas y la inserción de nuevas para asegurar la continuidad de la acción fue estrictamente necesario si se quería llegar a la fecha de estreno. Entre las que se perdieron las que resultan más llamativas son las que nos habrían trasladado las aventuras de Fievel y su familia por Europa camino hacia el barco que los lleva a América.
Por último, y después de haber intentado mudar la producción a Irlanda para reducir costes —algo que impidió Spielberg aduciendo que una cinta llamada 'An American Tail' no podía ser elaborada en otro país (sic)—, Bluth se fue a topar con los sindicatos: considerando que el presupuesto inicial del filme era casi la mitad de lo que una cinta Disney venía costando por aquellos tiempos y a sabiendas de que era un esfuerzo que iba a merecer la pena por contar con el respaldo de Spielberg, el cineasta llegó a un acuerdo con sus empleados y congeló el sueldo durante un año y medio muy por debajo de lo que la unión de trabajadores tenía establecido.
Dicha decisión hizo que los sindicatos estadounidenses se le echaran encima y comenzaran una batalla constante que se prolongaría casi todo el proceso de producción, complicando aún más la extenuante labor que ésta comportaba e inclinando de forma definitiva la balanza en favor de que, de cara al futuro de la compañía y a la puesta en pie de su tercer título, Sullivan Bluth —nuevo nombre que adquirió la productora— aprovechara las muchas ventajas fiscales que ofrecía Irlanda, mudando toda su operación allende los mares para narrar las aventuras de cinco dinosaurios.
Horner en la cumbre
(...) no hay manera de que pudieras utilizar una música como esta en otro tipo de película. Sólo funcionaría en animación o si hubiese escrito un ballet. Adoré hacerla.
Dejando de lado complicaciones y "anécdotas" del proceso de producción y entrando de lleno en valorar lo que 'Fievel...' nos ofrece, resulta inevitable comenzar por cualquier otro lugar que no sea aquello que primero acude a nuestros sentidos cuando comenzamos a ver la cinta animada. Y esto no es otra cosa que las evocadoras notas arrancadas a un violín por la maravillosa y sobresaliente partitura de un James Horner que alcanza con la composición de este filme una de las cotas más altas de cuantas le hemos visto coronar a lo largo de su prolífica carrera.
Respondiendo a la intención inicial de Spielberg de que la cinta fuera un musical —se dice que el realizador afirmó que quería su propio 'Heigh-Ho' en clara referencia a la canción de los enanitos de Blancanieves— la alternancia entre las cuatro canciones que jalonan la acción y la música orquestal es de una perfección sublime que alcanza su paroxismo en ese 'Somewhere Out There' cantado por Fievel a la luz de la luna que mereció dos premios Grammy a la Mejor Canción del Año y Mejor Canción Escrita para una Película o para Televisión.
Reflejo indiscutible de la grandeza que encierran las notas de Horner, que la práctica totalidad de los premios y nominaciones que mereció la cinta fueran destinados a el trabajo del músico estadounidense habla a la perfección de la grandeza de una banda sonora evocadora, variada y que, en última instancia, consigue transmitir a la perfección la gran variedad de sentimientos que Bluth logró instilar en el metraje, sobresaliendo por encima de todos la inmensa ternura que despierta ese pequeño ratoncito llamado Fievel Ratonowitz.
'Fievel y el nuevo mundo', dechado de virtudes
Claramente establecido en el segundo párrafo del artículo, que 'Fievel...' es una pequeña maravilla del cine de animación de todos los tiempos es algo constatable cuando uno se asoma a sus ochenta minutos y asiste a un despliegue de talento y variedad que justifica más allá de cualquier dato de taquilla el que la producción de Don Bluth se convirtiera en la primera película de dibujos animados que batía a un título de Disney, superando en 22 millones de dólares a 'Basil, el ratón superdetective' ('The Great Mouse Detective', Burny Mattinson, David Michener, John Musker y Ron Clements, 1986).
Pero más allá de las inevitables comparaciones y de lo que esa "victoria" supondría para los dos estudios, volver hoy a 'Fievel...' con casi treinta años más en las espaldas permite acercarse con una mirada completamente diferente a lo que de chaval ya me encandilara por completo, ateniendo a otras lecturas de la cinta que se alejan de su vertiente más aventurera e infantil sin que ello suponga, por supuesto, rechazar lo bien que dicho sesgo de la cinta funciona, sobre todo en lo que concierne a la sinergia que se crea entre el ratoncito protagonista y ese gato llamado Tigre al que ponía voz en la versión original el versátil Dom DeLuise.
Apreciando pues lo bien que la cinta resume, por ejemplo, la diáspora que llevo a muchos europeos de principios de finales del s.XIX a buscar el sueño americano, y valorando asimismo la inmensa calidad de una animación que se hace grande en su concreción tradicional con unos diseños de personajes magníficos —la ternura que, de nuevo, despierta Fievel desde su primer segundo es de genio— y un mimo exquisito por los fondos sobre los que se desarrolla la acción, no es descabellado afirmar que 'Fievel y el nuevo mundo' es un título que sigue siendo estación de peregrinaje obligado para cualquier amante del cine de animación en particular y del séptimo arte en general.
Everyone just keep in mind, this man did this. There was no green screen, there was no padding. and he didn’t even flinch when the wall from the first gif hit his arm as it came down.
This fictional advertising campaign is a dystopian take on a future with room only for those able to afford their own body parts. The campaign idea and the products have all been designed and illustrated by Chantal Sherif, with art direction from Tarek Abdelkawi.
I used olympic athletes as an inspiration and a metaphor for physical superiority in the posters, and I translated sports and movements into organs.
Resalto el comentario de siner sobre esta atleta. Para que quede constancia de este vídeo.
WSHH meets Michelle Jenneke in Australia. Instagram: Mjenneke93 Directed By Slave Labour Executive Produced By QWORLDSTAR SUBSCRIBE to the Official WorldStar...
A falta de una semana para que llegue a nuestros cines la esperada 'Kingsman: Servicio secreto' ('Kingsman: Secret Service', Matthew Vaughn, 2015), nos presentan al James Bond español. Arriba tenéis el primer y divertido tráiler de 'Anacleto: Agente Secreto', la adaptación a la gran pantalla del popular personaje de cómic creado por Vázquez.
Quim Gutiérrez, Imanol Arias, Alexandra Jiménez, Berto Romero, Carlos Areces, Rossy de Palma y Emilio Gutiérrez Caba encabezan el reparto de la película, una comedia de acción cuya puesta en escena corre a cargo de Javier Ruiz Caldera, director de 'Spanish Movie' (2009), 'Promoción fantasma' (2012) y 'Tres bodas de más' (2013).
'Anacleto: Agente Secreto' estará en cartelera partir del 4 de septiembre, en un año cargado de estrenos protagonizados por espías: la mencionada 'Kingsman', 'Operación UNCLE' ('The Man From UNCLE', Guy Ritchie), '007: Spectre' (Sam Mendes), 'Misión Imposible 5' (Christopher McQuarrie)...
Os dejo también la sinopsis oficial de 'Anacleto: Agente secreto' que ha revelado RTVE:
Adolfo, un treintañero que trabaja de segurata, está pasando una mala racha. No sólo le deja su novia de toda la vida por ser un tipo sin ambición sino que, para colmo, se convierte en el objetivo de una serie de matones liderados por Vázquez, un peligroso criminal que acaba de escapar de la cárcel. ¿Pero qué ha hecho él para verse en semejante lío? ¿Cómo es posible?
El mundo se le viene abajo cuando descubre que su padre tiene una doble identidad. No es un payés dedicado a la producción de embutidos, como él ha creído toda la vida, Adolfo tendrá que abandonar su zona de confort y colaborar con su padre, la persona con la que peor se entiende del mundo, para sobrevivir a la venganza de Vázquez y de paso, entre tiroteos y persecuciones, intentar recuperar a su novia...
PD: Caldera tiene entre manos otro proyecto basado en un "tebeo" nacional: 'Superlópez'.
La estética cyberpunk tiene su aquel. Pensemos en neones y leds.
These fantastic, hangable light art boxes by Etsy seller The Daily Robot are a unique way to decorate your home. They feature characters like Samus Aran, Mega Man, and Master Chief in laser-engraved acrylic with brightly colored LEDs. They’re available in limited runs so they’re both beautiful and unique collectibles that add a nerdy glow to any room.
If you find yourself in Sydney (Australia) at all during 2015, then head over to the Nicholson Museum at the University of Sydney and check out this amazing recreation of the Roman town of Pompeii, created by Lego Certified Professional Ryan McNaught.
The diorama represents Pompeii as it was at the time of its destruction in 79 AD, and even contains a little foreshadowing of the volcanic eruption that buried it.
Like all of Ryan’s displays, this one is as big as his personality, and as chock full of details as a sack full of baby spiders. So it comes as no surprise to me at all that sharp-eyed museum visitors will be able to find cameos by the TARDIS, Mozart and even Pink Floyd.
My only regret is that Ryan did not build this as a before-and-after diorama. For what it’s worth, here’s how I imagine the “after” version might look. Get on it, Ryan! :-)
Montañas hechas de pan, mares de pescados, trenes de chocolate, bosques de verduras o palmeras de pasta son solo algunas de las ideas que dan vida a las maravillosas creaciones del fotógrafo Carl Warner, que crea paisajes con un detalle asombroso empleando diversos alimentos como materia prima. Aunque a las fotos se le añaden algunos efectos para hacerlas más vistosas, toda la base está generada con productos reales, como podéis ver en los vídeos al final del artículo.
La entrada en el mundo de los adultos es quizás una de las etapas más difíciles en la vida de toda persona. Una etapa en la que se toman decisiones difíciles que van a determinar, prácticamente, el resto de nuestras vidas. ¿Seguir nuestros sueños y anhelos de la adolescencia o aceptar con resignación una vida simple y anodina? Solanin es el perfecto retrato de esta etapa trascendental y en la que más de uno se verá reflejado.
Meiko es una recién licenciada que trabaja en una empresa que fabrica productos de ofimática. Aunque gana un buen sueldo, ella no está para nada ilusionada ni con su nuevo trabajo, ni con su nueva vida. Vive en un pequeño apartamento con su novio Taneda, que trabaja como ilustrador en la prensa escrita. Sin embargo, Meiko quiere un nuevo cambio en su vida que le permita disfrutar de su vida, según ella, para ser libre.
Aunque la acción se centre en Meiko y Taneda, Solanin está protagonizado por cinco jóvenes. Todos ellos amigos y con el sentimiento de frustración y desazón ante la sensación de no saber qué hacer en su vida.
Inio Asano es uno los autores de mayor proyección actual dentro del mercado del manga, siendo considerado por los medios japoneses como la voz de su generación. Nació el 22 de septiembre en 1980 en Ibaraki y a los 17 años dio sus primeros pasos como artista del manga. Ya en el instituto empezó a dibujar yon-koma (manga de 4 viñetas), más que nada porque no tenía ganas de estudiar.
Menuda maravilla se ha sacado de la manga el artista francés conocido por el nombre de Oskunk: una GameBoy diferente, inspirada en el clásico rolero de Nintendo, que vive una segunda juventud con la reedición para 3DS.
Los desarrolladores de Environmental Station Alpha, una especie de plataformas de acción aventurero en clave Metroid y juegos del mismo calado, han confirmado en los foros de TIGSource que lo publicarán este próximo 22 de abril en Steam y posiblemente en otras plataformas de descarga digital.
