Shared posts

19 Sep 20:28

Медленная подводная жизнь

by flami
Медленная подводная жизнь

Не побоюсь пафоса фразы - Такого вы ещё не видели! Daniel Stoupin представляет несравненный ролик о подводных организмах при большом увеличении. Кораллы и губки - очень подвижные существа, но чтобы разглядеть их движение, понадобится эффект time-lapse. Автор сделал 150 тысяч снимков и использовал эффект совмещённого фокуса при создании этого ролика. Ещё рекомендуем тем, кто умеет скашивать глаза для просмотра стерео-фотографий, полистать тематическую галерею этого крутого автора - когда выходит совместить 3D-картинку собственными глазами, то ох! и ах! и можно не сводя глаза назад, просто листать галерею стрелкой вправо :) Потом как из океана выплывшим себя чувствуешь... +блог Даниэля

19 Sep 15:00

Sabato Visconti’s Glitch Art

by Stephanie Chan

Sabato Visconti - Photography

Sabato Visconti - Photography

Sabato Visconti - Photography

Sabato Visconti - Photography

Sabato Visconti is a photographer, visual artist, and digital puppeteer. He fine-tunes his art on an atomic level by using a number of techniques that manipulate code and scramble pixels into what is often surprising results. “Glitch art,” as the aesthetic is called, uses a palette of static, snow, and other shadowy artifacts to create art that is, despite its hi-tech nature, exceedingly organic.

The intense colors and bio-rhythmic patterns that emerge from Visconti’s glitched-out photographs are raw and still retain an emotional connection to their subjects. Some are more abstract, emerging like clouds of texture that seem by turns woven and crumpled and, when it gets particularly noisy, crunchy. Though it might be counterintuitive, it makes sense that glitch art is organic; after all, artifacts in old-school photographs and film footage have always occurred spontaneously. Now, artists are harnessing that force of microcosmic nature and using it creatively.

“You’re trying to find this really fine balance where something doesn’t break fully, but breaks just to the point that you can see it breaking,” Visconti explains. The tension between form and disintegration is palpable in his work; at times, it’s like staring into a digital void or a watching a snapshot of an identity crisis. He takes it one step further in a collection called, “Vertigo by Alfred Glitchcock,” which takes stills and remixes them into evocative visual mayhem.

Do androids dream of electric sheep? If they do, then this is what they see when they close their eyes.

Sabato Visconti - Photography

Sabato Visconti - Photography

Sabato Visconti - Photography

Sabato Visconti - Photography

Sabato Visconti - Photography Sabato Visconti - Photography  Sabato Visconti - Photography

Sabato Visconti - Photography

Sabato Visconti - Photography v Sabato Visconti - Photography Sabato Visconti - Photography Sabato Visconti - Photography

The post Sabato Visconti’s Glitch Art appeared first on Beautiful/Decay Artist & Design.

19 Sep 19:00

Seung-Hwan Oh Fuses Art With Microbiology In Bacteria Manipulated Photographs

by Stephanie Chan

bacteria  Photography bacteria  Photography

bacteria  Photography Seung-Hwan Oh - Photography

Using homegrown bacteria, photographer Seung-Hwan Oh warps and manipulates his photographs, surrendering his art to a higher ecological order. Oh, who also goes by the name Tonio Oh, explains that his intention is to “explore the impermanence of matter as well as the material limitations of photography.” It brings the artist’s studio into the laboratory, marvelously blending the organic and the artificial.

Oh’s website describes the process:

“As the microbes consume light-sensitive chemical over the course of months or years, the silver halides destabilize, obfuscating the legibility of foreground, background, and scale.”

It’s an interesting approach to photography that takes a normally still medium and adds a dimension of something active, live, and dynamic. When you view Oh’s photographs, the question is no longer the significance of what is depicted; instead, what catches your eye is the tension between what is shown and what is already lost. Though art is naturally created to be consumed, in this case, the art itself is the act of consumption, the parts of the photographs that have been literally eaten away by a relentless force of nature. The result, in Oh’s word, can be witnessed as something that is “entangled creation and destruction that inevitably is ephemeral”.

Seung-Hwan Oh - Photography Seung-Hwan Oh - Photography Seung-Hwan Oh - Photography Seung-Hwan Oh - Photography Seung-Hwan Oh - Photography Seung-Hwan Oh - Photography Seung-Hwan Oh - Photography

The post Seung-Hwan Oh Fuses Art With Microbiology In Bacteria Manipulated Photographs appeared first on Beautiful/Decay Artist & Design.

11 Sep 19:03

It's me, Mario

10 Sep 17:01

Золото зелено

Гулял в лесу намедни, смотрю — стоят. Симпатичные какие, дай, думаю, щёлкну. Сделал два снимка, один вышел обычным, а второй вот. Просто лучик попал в объектив.
10 Sep 17:00

Stunningly Beautiful Photos Of Man o’ Wars Resemble Technicolor Rorschach Tests

by Leslie Tane




Using a custom light table, photographer Aaron Ansarov has captured the ethereal and frightening beauty of Portuguese Man o’ Wars in his series “Zooids.” Each one of these floating, compound marine animals are actually a colony of four different kinds of organism, each adapted to perform a specific function for the benefit of the whole, unable to survive on their own.

“As if looking through a special lens into a different dimension, Aaron has given them personalities that seems to shift with every viewer. Through Aaron’s masterful use of light, technique, and ability to go beyond the obvious, we are able to see patterns come together to create a fine-art collection of images entitled, Zooids: Faces of Tiny Warriors-beautiful creatures seeking their place in the world.”

Like gorgeous Rorschach tests, the images are symmetrical and abstract, familiar and indecipherable. The photographs are fine art, ready for display, yet scientists use them for research as well, since the creatures can only be kept alive in a lab for a limited time.
Why are these creatures so beautiful? From an ecological perspective, they don’t need to lure their prey with their multi-colored translucent displays. They look like blown glass, colorful and tactile, yet touching one would result in painful stings and welts from its long, stringy tentacles. It’s certainly a metaphor, that something so lovely can cause so much pain.

Ansarov finds the Portuguese Man o’ Wars on the beaches in Florida, having been blown ashore by the wind. He takes them to his studio, shoots them, and then returns them to the place on the beach where he found them, allowing nature to decide their fate.

“I have two rules with this project. The first is that captured creatures must be released unharmed. The second rule is that I keep shoots to 15 minutes or less, even if I don’t get the picture I hoped for. I don’t want to frighten my subjects. Besides, there’s always another time-they live right here.” (Source)













The post Stunningly Beautiful Photos Of Man o’ Wars Resemble Technicolor Rorschach Tests appeared first on Beautiful/Decay Artist & Design.

10 Sep 08:17

Room in room: 80 кв.м, нитки, ультрафиолетовый свет

© Jeongmoon Choi, 2011
09 Sep 07:46

[Из песочницы] Как делают гигантские зеркала для телескопов

by WhiteUnicorn

Пустыня Атакама в Чили — райское место для астрономов. Уникальная чистота воздуха, благоприятные атмосферные условия в течение года и крайне низкий уровень светового загрязнения делают этот негостеприимный район идеальным местом для строительства гигантских телескопов. Например, телескоп E-ELT, под который уже готовят строительную площадку. Однако это не единственный масштабный проект подобного рода. С 2005 года ведутся работы по созданию ещё одного впечатляющего астрономического инструмента, Гигантского Магелланова Телескопа (GMT). Так он будет выглядеть после окончания строительства в 2020 году:

В основе его оптической системы лежит отражающая поверхность из 7 огромных круглых зеркал. Каждое диаметром 8,4 м и весом 20 т. Само по себе изготовление таких зеркала, да ещё и с требуемой точностью, представляет настоящий инженерный шедевр. Как же создаются подобные изделия? Об этом — под катом.
Читать дальше →
08 Sep 00:15

asperatus cloud x

asperatus cloud x

03 Sep 18:00

Sebastian Selgado’s Revives The Astounding World We Live In

by Ariane Fairlie

Sebastian Selgado - Photograph Sebastian Selgado - Photograph Sebastian Selgado - Photograph Sebastian Selgado - Photograph

Although he was educated as an economist, Sebastian Selgado understands the world most clearly in images, as demonstrated in his incredibly moving photography. His most recent series, Genesis, is his most ambitious and long-term project, spanning eight years as he visited 30 of the earth’s most pure and untouched sites. He was inspired to do the project because up until that point people had been the central subject of his work. He says that he “… wished to photograph the other animals, to photograph the landscapes, to photograph us, but us from the beginning, the time we lived in equilibrium with nature.”

His imagery is completely enthralling. It is obvious the time he spent for each one to capture just the right moment. The fact that his photographs are in black and white emphasizes their impact further, and creates a greater romanticism. What is truly incredible about Selgado is his investment that gives him such a great return in his artwork. For a while he was disillusioned by the world and his photography, having seen so much devastation as a photojournalist based mostly in Rwanda at the time.

Selgado returned home for his own health and sanity, to Brazil, where his parents had left him their land. It was almost completely cleared of the forest “paradise” it once was to him, and so he and a friend worked to replant the eco-system. This experience seems to have shaped Selgado’s view of the state of our planet as a whole. He has seen the atrocities we have inflicted upon it and ourselves, but he has also successfully restored a piece of it to its original strength and beauty. His images, therefore, are not caught in time as a momento of the world we were once a part of, but a reminder of what we might still participate in for the foreseeable future if we can recognize it as something worth reviving.

Selgado speaks about his practice and the Genesis photo-series in a TED talk that you can see here. (Quotations in this article from TED talk) (Via Dazed Digital)

Sebastian Selgado - Photograph Sebastian Selgado - Photograph Sebastian Selgado - Photograph Sebastian Selgado - Photograph Sebastian Selgado - Photograph

The post Sebastian Selgado’s Revives The Astounding World We Live In appeared first on Beautiful/Decay Artist & Design.

02 Sep 08:22

Tuesday, September 2 @ 8:22:17 am

by Soze

30 Aug 15:46

Защитная биолюминесценция

Остракод выплевывает облако светящегося вещества в сторону хищника.
29 Aug 18:55

Artist Interview: Anoka Faruqee’s Optical Paintings Will Twist And Bend Your Perception

by Bill
Anoka Faruqee

Anoka Faruqee, 2014P-07, Acrylic on linen on panel, 22.5 x 22.5″, 2014

Anoka Faruqee

Anoka Faruqee, 2014P-21, Acrylic on linen on panel, 22.5 x 22.5″, 2014

Anoka Faruqee

Anoka Faruqee, 2014P-06, Acrylic on linen on panel, 22.5 x 22.5″, 2014

When walking towards a painting by Anoka Faruqee your eyes refuse to settle.  Turquoise, formed into an elongated triangular band, is pinched between two golden curves.  The turquoise is misbehaving.  Instead of sitting still it appears to flex and blend into the yellow.  As you get closer the painting changes, and at arm’s length another dramatic shift occurs, the previous turquoise and gold bands of color atomizes into narrow, serpentine, overlapping lines with several more colors, no longer just turquoise and gold.  Looking across the room your eyes settle on another painting.  This square shaped canvas is a warm gray that seems to dance.  Upon closer inspection the pleasantly worked surface transforms into a swirling design of forest green and cherry red lines.  Faruqee calls this series of paintings the Moiré series, after the illusion with the same name.  The history of Modern art is often told as a race towards extremes, but will that be true of 21st century art?  Anoka Faruqee’s work seems to place less emphasis on ‘pureness’ than other abstraction.  Faruqee’s work suggests that we can be more complex, and where artists over the past sixty years searched for the strongest statement, maybe our searches will lead in different, more nuanced directions.   


Anoka Faruqee, 2014P-29, Acrylic on linen on panel, 22.5 x 22.5″, 2014

B/D: Anoka, thanks for doing this interview.  Some adjectives that pop into mind when thinking about your work are trippy, fresh, fun, beautiful, and new.   While researching your work for this interview I noticed that when speaking or being interviewed you mention philosophical and historical ideas in reference to your work that go beyond these first impressions.  I’ll give three examples: the history of perspective, Islamic tiling, and Josef Alber’s differentiation between actual and factual colors.  To me, these ideas are philosophical, and relate to the most fundamental aspects of being and experiencing the world.  Can you comment on the gap between the impression of fun, fresh painting and the super intense philosophical ideas you bring up in the context of your work?

Anoka Faruqee:  Thanks, Bill for your thoughtful observations, questions, and this welcome opportunity to converse.

For me, the gap between perception and idea is a continuum: the categories elide into each other. While we need to separate form and content linguistically, Thomas McEvilley said, quite beautifully, that their distinction is more like the fade between two colors.[1]

However this gap is constantly reinforced by a “mind over matter” culture. Rudolf Arnheim, among others, has documented how this split between the physical and mental in Western culture has roots back to the Platonic realm: “the colorless, formless, intangible essence, visible only to the mind, the pilot of the soul.”[2] The ebullient, pleasurable aspect of these paintings can make one skeptical, or even feel guilty. David Cohen, in a conversation, described seeing them as an “orgy.” So, perhaps we resist such pleasure in part because we’re a culture of puritans.

However, our collective suspicion towards beauty is justified: visual pleasure is an effective cultural tool to constantly seduce and influence us in the realms of religion, politics and consumerism. But, I don’t want to throw out the baby with the bathwater: there are so many visual phenomena in the material world, still uncorrupted by these intentions, worthy of wonder and engagement.

The visual conventions you mention (Islamic tiling, perspective drawing, color theory) are all attempts to organize unruly experiences and ideas. Because we engage with these experiences, and the visual conventions that structure them, unconsciously, the challenge is to parse them both as phenomena and as philosophical ideas. Consider a more recent innovation: the 1970’s advances in fractal geometry transformed computer graphics. Previously, drawing natural forms, such as trees and mountaintops, on the computer was ineffective. The fractal algorithm systematically expressed what had previously been so complex to our eyes that we called it chaos.

Of course, painters rendered mountaintops convincingly for many centuries, but once the math and computing power was there, the forms could be expressed automatically and demonstrably. One might say that the desire for knowledge led to this new type of imaging, but one could also say that the desire for the image led to this new type of knowledge.

Making representations is one way to discover something about nature or reality. Before things became so specialized, artists were also inventors, scientists, mathematicians, and philosophers. We often devalue representations as mere reflections of the world we live in, but isn’t art more active: creating understanding? A more humorous example: when working on the Fade paintings, I would sometimes come out of the studio, declaring, “now I understand how a tree grows!”

[1]Thomas McEvilley, “Heads It’s Form, Tails It’s Not Content,”Artforum, 21, no. 3 (November 1982), 55.

[2] Rudolf Arnheim, Visual Thinking (Los Angeles: University of California Press, 1969), 7.


Anoka Faruqee, 2014P-43, Acrylic on linen on panel, 22.5 x 22.5″, 2014


B/D:  Hopefully this question isn’t too long.  Here’s a historical comparison between the development of perspective and the development of colorful abstraction with strong optical elements.  Tell me if you think this works.

The development of perspective follows an arc which is well represented in the work of three artists: Giotto, Raphael, and Pietro di Cortona.  There is a similar development in color painting, beginning with Seurat, moving to Albers and Riley, and ending today in your work.  Both arcs begin with a conspicuous innovation (Giotto and Seurat), a refining of the innovation that leaves the innovation front and center (Raphael, Albers, and Riley), and finally the illusion blends seamlessly with reality (Cortona and you).  Perspective moves to blend with space, and color abstraction moves towards the screen.

Giotto painted the fresco cycle in the Arena Chapel outside of Venice around 1302-5.  The Arena Chapel is remarkable for a lot of reasons, but the reason it is historically remarkable is its startling display of perspective.  What non-artists might call 3-Dness.  Giotto’s innovative use of perspective broke with the Byzantine era’s pervasive flatness by displaying three-dimensional figures in convincing space.  About two hundred years later Raphael took Giotto’s perspectival innovation and refined it.  In Raphael’s painting classical architecture fills an enormous space, and the figures within the piazza he painted represent an intellectual tradition going back to the Greeks.  Raphael left perspective front-and-center in the School of Athens in 1509-10.  In Raphael’s work perspective stops being only a convincing illusion.  It expands out of mere technicality by metaphorically using pictorial space to create historical space.  The historical space is the genealogy of great philosophers of which Raphael could have known about.  Erwin Panofsky, in his book Perspective as Symbolic Form ties the shift to believable space as being a sign or symptom that heralded the birth of empiricism.   During the following 17th century perspective is still being used, but perspective becomes concealed.  Paradoxically, concealed perspective is much more powerful spatially, because it stops being a picture, and starts to counterfeit real space.  Pietro de Cortona painted the Allegory of Divine Providence and Barberini Power in 1633-39.  Cortona’s fresco creates the illusion that the ceiling is much taller than it is.  With Cortona we get the blending of Giotto’s original innovation with reality.  So, over three hundred years, we have Giotto figuring out something awesome – perspective, Raphael refining it, but at the same time leaving it front and center in his masterpiece The School of Athens, and finally the complete obscuration of the technical aspect in Cortona, where the painting not only gives a powerful illusion of pictorial space, but seems to actually expand the real space of the ceiling. 

I see your work in a similar train of correlation where you occupy Cortona’s place, let me explain.  This story begins with Seurat who painted his masterpiece La Grande Jatte in 1884-6.  As the most well-known Pointillist Seurat popularized optical color mixing.  Like Giotto’s conspicuous use of perspective, Seurat calls attention to the newly discovered technique.  Each brush stroke in a Seurat painting is so unintuitive that, to the uninitiated, it can seem like magic.  How did this painter use blue and yellow brushstrokes, but I see green?  What is obvious is that something exciting is being done with color.  About sixty or seventy years later we see Seurat’s innovation being bifurcated between Josef Albers and Bridget Riley. Both artists need to be addressed.  Albers published The Interaction of Color in 1963.  In that book Albers presented optical mixing of color by demonstrating that a color was relative to the colors surrounding it.  This might not seem like much to non-artists, but to artists this is an enormous idea.  Bridget Riley, in my opinion, is the strongest painter among the early Op-Artists.  Riley made very striking use of Seurat’s optical color mixing, including using it in gray-scale.  Riley has published several essays where she explains the nuts and bolts of her relationship to Seurat.  Today we are used to Riley’s paintings, but in the 1960s, according to her Wikipedia page, reviewers wrote about feelings of seasickness and skydiving.  The environment that produced Albers and Riley beget us the pixel.  The rise of television and computer screens parallels their work.  Both Albers and Riley use Seurat’s optical color in a conspicuous way, roughly analogous to Raphael’s use of Giotto’s innovation.  Your paintings, Anoka, seem to occupy the same seamless moment that Cortona occupies.  Your paintings use all the previous innovations of Seurat, Albers, and Riley, but they do not call attention to the innovations, instead they are used to create an experience.  The experience is one of movement, of shifting colors, and ultimately of the breakdown of the painting into its discrete marks. 

Do you think this analogy makes sense?  Do you see your work as sophisticated and seamless?

AF: One could certainly make the case for this evolution of ideas of space and color, and your comparison is astute and thought provoking, particularly in the question of the refinement towards seamlessness, which I’ll return to.

For now, I hope you don’t mind me taking the question in a different direction: I’d rather mash up the two halves of your analogy (drawing vs. color) because they’ve been on my mind. What if we consider other concurrent if perhaps peripheral traditions that were happening alongside the narrative you describe? How about the Florentine court painter Bronzino, whose use of opulent color and pattern serve as a counterpoint to Raphael? A recent painting in the studio reminded me of a close-up of corduroy fabric in a Bronzino portrait that I had seen when in Rome.

2014P-14 (Wave)_lightbox

Anoka Faruqee, 2014P-14 (Wave), Acrylic on linen on panel, 33.75 x 33.75″, 2014

Or let’s consider the 17th century Dutch tradition which utilized the Italian innovations of realism, but with a different tenor, scale, and content, allowing for another way to describe reality that for me, is much more vivid than either Raphael or Cortona.[1] In our experience of the world, all isn’t subjugated to space: there is also luminosity, reflectivity, surface, and materiality.

Increasingly, some of the paintings in the studio define volume with a type of realist illusion, particularly the “Circle” and “Wave” series. These works, showed at Koenig and Clinton in New York and Björkholmen Gallery in Stockholm, form something more topological. Here is why your description of Riley and Seurat is so relevant: in describing Seurat’s translation from drawing to painting, Riley comments how he moves from more light/dark contrast in drawing to less contrast, the “Impressionist mid-tone”, in his painting.[2] The drawing effect is one of volume, while the painting effect is akin to low light or dusk.

I’m also rediscovering how light/dark contrast builds volume in painting. This move comes through recent collaborations with my partner David Driscoll, whose earlier work, he admits, is chromophobic. What happens when the chromophobic marries the chromophiliac? In the Italian tradition, “colore” was subjugated to “deseigno,” but the moiré paintings confuse the distinction between color and drawing.

As in Seurat and Riley, the module (the cross-hatch, dot or line) structures the drawing while it also holds the color. The colors chosen and especially their contrast will drastically alter what composition you are even able to perceive. Take two similar compositions: one with more light/dark contrast will create the effect of a reflective topographic surface, whereas the other with less contrast creates the atmospheric effect of diffuse white light passing through a lens or prism.

[1] Martin Jay, “Scopic Regimes of Modernity,” in Vision and Visuality, Ed. Hal Foster (Seattle: Bay Press, 1988), 12-16.

[2] Riley, “Seurat as Mentor,” in The Eye’s Mind: Bridget Riley, Collected Writings, 1965-2009, Ed. Robert Kudielka (London: Ridinghouse, 2009), 69-72.

2014P-38 (Circle)_lightbox

Anoka Faruqee, 2014P-38 (Circle), Acrylic on linen on panel, 22.5 x 22.5″, 2014

2014P-08 (Circle)_lightbox

Anoka Faruqee, 2014P-08 (Circle), Acrylic on linen on panel, 22.5 x 22.5″, 2014

B/D: In your Moiré series the paint is mostly applied in orderly, curving lines.  The paint likes to splurge out from the edges from these lines, widening and skipping over the other lines.  The ‘mistakes’ preserve the paintings as being from a human hand.  The moments where we notice your hand are precisely the moments where the paint is out of control.  Do you think the paintings would carry other meanings if they had no excess?

AF: Yes, I think they would be very different paintings if there were no such excess, no errata, or no corruption. Although these events are often remnants of the human hand, they also result from the limitation of the tools and materials: the imperfect and unpredictable translations from the virtual to the physical. These marks can be seen as painterly gesture, material accident, or electro-magnetic corruption, and usually all three simultaneously, introducing another order of visual complexity that crucially animates the paintings.

All of these events are captured in an uncanny spatial picture plane that is almost as impenetrable as the screen. The paintings’ smooth milled surfaces indulge an insidious desire towards digital and material perfection. While these moments of accident are still available, they are sublimated: it’s often unclear whether you’re looking at a spill or the simulation of a spill. The surface feels alien. In this way, the paintings frustrate a still widely held Modernist ideal of exposing process as a progressive value. (In the sense of  Roland Barthes’ healthy sign, Bertolt Brecht’s theater, Clement Greenberg’s painting, and Laura Mulvey’s film.)

I’m interested in a gray area around this question of the virtuous Modernist gesture. I think the notion of “exposing the guts” of something as a way to dismantle the transparency and expose the cultural constructedness of an image is one of the most enduring Modernist contributions. Yet so much of cultural production and technology: mainstream cinema, video games, human voice simulation, and so much of what we see on the internet marches solidly towards seamlessness, toward ‘virtual reality.’ I prefer to comment on, rather than completely retreat from, this technological desire.


Anoka Faruqee, 2014P-07, Acrylic on linen on panel, 22.5 x 22.5″, 2014, detail

 B/D: Is painting a symptom of history?  Do you think history is linear, cyclical, or some other option?  (Answer this however it suits you best.)

AF: Painting is history. Much of what I’ve learned about the history of human culture and religion is via its artifacts. (I’m a bad student of conventional history, because I have a hard time remembering textual stories.)

I like that you say the paintings feel new. (My name, “Anoka” is derived from a Bengali world for new.)

I believe in moments of progress, discovery, newness, but I have no idea how stable or permanent they are.

While these paintings draw from tradition, these paintings are not traditional. The paintings speak to an industrial/digital logic. The notched trowels I use have the logic of the screen embedded within them: it is an on/off binary system: notch/tooth, notch/tooth. Wielding the tool is like holding the screen in your hand. The paintings aim to approximate not only the surface of the screen, but also the structure of the screen. The programming behind the screen in intimated by the trowel as well as a growing set of prosthetic devices emerging in the studio.

Moiré itself is a self-generating phenomena: the layers of patterns self-sort as they overlay and interfere with one another. The paintings thus they have a life and mind of their own. They are not images of interference: they are interference. This is the wonder and anxiety that much of contemporary life provokes: a hint of animation and sentience inside the technology.


Anoka Faruqee, 2014P-17, Acrylic on linen on panel, 22.5 x 22.5″, 2014

B/D:  I watched a video interview where you mentioned decorative tiling in relation to an older body of work.  I was fascinated by this, because I think there is a very rich tradition of abstraction that was born from Islamic aniconism, much like Protestant aniconism produced the beginnings of secular art in Europe.  There’s a lot of overlap between Protestant and Islamic visual ideas about sacredness.  Islamic aniconism from the 9th and 10th centuries can look very modern with its tiled walls filled with colorful patterns that playfully hint at imagery.  There is a big crossover in Western art history between Islam and Christianity, as an English speaker I am especially aware of the crossover in Venice and Spain.  Can you speak to this aspect of your work?

AF: This is a fascinating question, do you speak about how Protestant rejections of icons during the Reformation led to a focusing on a human, rather than priestly holiness? Are there any specific works you’re thinking about? I will say now that your question calls to mind the self-discipline of asceticism; the notion of individual worship is central to both Islam and Protestantism and evidenced in the distillation of their artistic forms.


Anoka Faruqee, 2014P-06, Acrylic on linen on panel, 22.5 x 22.5″ 2014, detail

B/D: In an interview with David Humphrey for Bomb magazine, you mention that the most common examples of moiré patterns are misregistered printouts and compressed thumbnail photos.  In those two instances the patterns go haywire and produce the moiré illusion.  Before reading that quote your paintings struck me as possessing a kind of flawlessness, and it was surprising to think of them as having an origin in ‘mistakes.’  When moiré patterns appear on digital screen they are technically mistakes, but they are hypnotic mistakes.  You must be open to everyday inspiration in order to have begun making the moiré work.  Would you describe yourself as focused on looking or focused on thinking?

AF:  Yes…both I hope. To return to Arnheim, who said: “eye-sight is insight,”[1] meaning that the physical act of looking is fused with the mental act of structuring and analyzing this looking.

Yes, and there are many everyday observations that inspire these paintings. What classifies as an everyday observation has expanded exponentially due to our access to immediate screen information: we often gaze upon the moons of Saturn, the aurora borealis, or sci-fi killer robots, more readily than we do the water waves, sunsets, prisms, or spotted insects in our immediate surroundings. The challenge is figuring out how this wide range of observations, both direct and indirect will find their way into the work. The work aims to explore interference in the broadest sense possible: interference effects that occur in wavelengths of light, or electro-magnetic fields, or physical forms such as water.

I’ll leave you with one from a new set of paintings co-authored with David Driscoll; it uses a different out-of-phase geometry that we developed together. The geometry presents a cinematic or photographic blur. It’s akin to the distortion of light when viewing an object through fog or dust, or while in motion. The geometry, surprisingly, returns to some of my earlier paintings: the hexagonal floral or star-like forms of Islamic tiling. Imagine being a Sufi dancer in an elaborately tiled hall, spinning: look up and what to do you see?

[1] Rudolf Arnheim, Art and Visual Perception (Los Angeles, University of California Press, 1974), 46.


Anoka Faruqee and David Driscoll, 2014P-35, Acrylic on linen on panel, 22.5 x 22.5″, 2014

The post Artist Interview: Anoka Faruqee’s Optical Paintings Will Twist And Bend Your Perception appeared first on Beautiful/Decay Artist & Design.

24 Aug 04:57


by Chauncey Plantains
24 Aug 05:45

Sunday, August 24 @ 5:45:12 am

by Soze
23 Aug 05:10

Saturday, August 23 @ 5:09:45 am

by laketrash
18 Aug 18:00

Artist’s Self Portraits Spanning Over Five Years Document The Painful Progression Into Alzheimer’s Disease

by Leslie Tane




Alzheimer’s Disease


Alzheimer’s Disease


Alzheimer’s Disease is sometimes called The Long Goodbye, a gradual loss of memory, self, and eventually, life. When artist William Utermohlen was diagnosed with Alzheimer’s he began to make a series of self-portraits that would continue for five years. Looking at the pictures in chronological order is looking at a life diminished by degrees. As his technical skill ebbed, so did Utermohlen’s apparent sense of self. Still, the urge to create persisted.

In an essay about the self-portraits, Utermohlen’s wife, Pat, wrote:

“In these pictures we see with heart-breaking intensity William’s efforts to explain his altered self, his fears and his sadness. The great talent remains, but the method changes. He sometimes uses water-colour and paints a series of masks, perhaps because he could more quickly express his fear. In both the oils and water-colours these marvellous self portraits express his desperate attempt to understand his condition. There is a new freedom of expression, the paint is applied more thickly, art-historically speaking the artist seems less linear and classical, more expressionist, and I see ghosts of his German heritage.”

Worldwide, nearly 36 million people have Alzheimer’s or a related dementia—almost everyone will be touched by Alzheimer’s in some way during their lifetimes. Although Pat Utermohlen told the New York Times, “It’s so strange to be known for something you’re doing when you’re rather ill,” it was also a testament to William Utermolen’s ability as an artist that he was able to transcend his own experience, even unknowingly, and create work that was at once profound, heart-breaking, and universal.













The post Artist’s Self Portraits Spanning Over Five Years Document The Painful Progression Into Alzheimer’s Disease appeared first on Beautiful/Decay Artist & Design.

17 Aug 07:30


by inka
17 Aug 08:13

Hello my name is internet:

by inka
15 Aug 04:38

Гроза над аэропортом Атланты

14 Aug 02:49

I'm not crazy!

by garciuh
14 Aug 07:33

Punks by Martin Sorrondeguy

by deathbyejaculation
14 Aug 17:30

Illustrated Robin Williams Tributes Celebrate His Love Of Comics

by Jené Gutierrez
Robin Williams illustration

Zack Soto

Robin Williams illustration

Alex Fine

Robin Williams illustration

Michael Hambouz

Serena Dominguez

Serena Dominguez

The internet is currently swarming with stories, tributes, and memorials to the late, great Robin Williams who passed 3 days ago. Some people may not know that in addition to being an actor, comedian, activist, and improv performer, Williams was also an unabashed lover of video games, comic books, and graphic novels, and that this loss resonates throughout these communities as well. Yesterday, Nick Gazin over at Vice posted crowd-sourced illustrations that pay tribute to the performer, his characters, and his life. (via vice)

Spencer Hicks

Spencer Hicks

Rick Altergott

Rick Altergott

Penelope Gazin

Penelope Gazin

Nick Gazin

Nick Gazin

Matt French

Matt French

Mathilde Van Gheluwe

Mathilde Van Gheluwe

Koren Shadmi

Koren Shadmi

Killer Acid

Killer Acid

Johnny Ryan

Johnny Ryan

Brian Butler

Brian Butler

A.T. Pratt

A.T. Pratt

The post Illustrated Robin Williams Tributes Celebrate His Love Of Comics appeared first on Beautiful/Decay Artist & Design.

14 Aug 18:00

Artist Creates Elaborate Black And White Scratchboard Illustrations By Etching Into The Black Ink

by Justina Bakutyte

Nicolas-Delort-Illustration-1 Nicolas-Delort-Illustration-2 Nicolas-Delort-Illustration-3 Nicolas-Delort-Illustration-4

Paris-based illustrator Nicolas Delort creates mysterious black and white scratchboard illustrations. Using nothing but black ink and sharp tools, Delort etches his elaborate drawings into the surface of a clayboard. Despite the monochromatic palette, his works carry out a sense of colorfulness through their dynamic and wondrous scenarios.

Because of his scratchboard technique, Delort‘s works are focusing more on the negative space and its function in the art world. His high-contrast illustrations are full of apocalyptic dynamism, accentuated by the eccentric compositions, intrinsic etching and attention to every minuscule detail. Despite that, artist says his workflow is pretty chaotic.

“Up until the final inking stage, my work is mostly improvisation, because I’m basically never happy with my stuff until it’s finished <…> I start out with a bunch of thumbnails and when I find one that I like open it up in Photoshop and move stuff around until I’m satisfied. I make a final sketch, transfer it on to the scratchboard and scratch away till my wrist hurts.“

While some of Delort‘s narratives might be utterly unknown, others illustrate scenes from literary works such as Harry Potter, American Gods, or are designated movie posters. Although modern in content, Delort‘s works remind us of such artists as Gustav Doré and even Albrecht Dürer who‘ve been advocating the noteworthy art of etching years past. (via Lost At E Minor; Hypocrite Design)

Nicolas-Delort-Illustration-5 Nicolas-Delort-Illustration-6 Nicolas-Delort-Illustration-7 Nicolas-Delort-Illustration-8 Nicolas-Delort-Illustration-9 Nicolas-Delort-Illustration-10 Nicolas-Delort-Illustration-11 Nicolas-Delort-Illustration-12

The post Artist Creates Elaborate Black And White Scratchboard Illustrations By Etching Into The Black Ink appeared first on Beautiful/Decay Artist & Design.

14 Aug 11:21

Defqon.1, Biddinghuizen, 27-29.06.14 - Отчёт

by (Xwonderful)
В мире полно фестивалей на любой вкус и цвет, но есть среди них те немногие, о посещении которых мечтаешь годами, раз за разом пересматривая ролики и фотографии, а также переслушивая сеты. Среди них числится Defqon.1 - ведущее событие для любителей the harder styles музыки, организованное компанией Q-Dance. Представляем вашему вниманию гостевой отчёт, который написал Дмитрий Шкурин, исполнивший свою мечту и побывавший на этом мероприятии. Ему слово!

Для многих музыка, о которой пойдет речь в этом отчете, кажется жестковатой, и многие приравнивают данное ответвление в EDM индустрии к андеграунду, хотя это совсем не так. По крайней мере, андеграундом ее всё еще считают, в нашей стране. Ведь если взять весь остальной мир, то масштабные Hardstyle/Hardcore события проходят во многих странах с большим размахом. Взять те же The Sound of Q-Dance, различные Hard-stage на крупных фестивалях или мировой тур Masters Of Hardcore. Последний, кстати, очень удачно прошел этой зимой в Москве и поднял нашу страну на новый уровень в проведении мероприятий данного рода. MOH был не исключением и локальные вечеринки, проводимые российскими промо-группами бывают очень хороши и оставляют после себя много приятных отзывов. А наличие Hard Fruit арены на фестивале Fruit Vibrations, который проходил в Тушино в начале июля, собравшей под своим тентом достаточно любителей Harder звучания и ставшей чуть ли не самой популярной ареной фестиваля, показывает, что российские организаторы понимают, что Hardstyle давно стал мэйнстримом, и наша публика готова принимать у себя такого рода артистов. Но, что касается более крупных Hard-фестивалей, то до этого нам еще далеко. К сожалению, в нашей стране еще не скоро можно будет собирать стадионы на подобного рода мероприятиях, да и в целом тенденция в настоящее время такая, что организаторам любых музыкальных мероприятий приходится прилагать немалые усилия, чтобы собрать полную площадку, и в большинстве случаев это не всегда выходит. Но что-то мы отвлеклись.
Хоть наша страна еще не готова физически принять крупные ивенты, на которых будет доминировать Hardstyle и Hardcore, но что касается ее моральной подготовки, то тут стоит хорошо подумать. К примеру, если набрать в поиске Вконтакте Defqon.1, то в большинстве случаев вы увидите восторженные посты от различных людей, с прикрепленными к ним официальными видео с Endshow фестиваля или его Aftermovie. И иногда, кажется, что количество данных постов превышает количество выкладываемого видео с любого другого музыкального события, проводимого за пределами нашей Родины. Конечно, в данном случае публику подкупает невероятной красоты шоу, которое уж точно не увидеть у нас и которое считается одним из самых масштабных в мире. В этом Q-Dance старается на славу и не перестает удивлять каждый год даже самых искушенных зрителей. И большинство восторженных людей выражает свои эмоции в соц. сетях в первую очередь шоу, а уже потом самой музыке. Но среди них есть и те, кто хочет увидеть все это своими глазами и побывать на данном событии. Таким же был и я, несколько лет назад, посмотревший одно из данных aftermovie. А после того, как мои друзья и знакомые в буквальном смысле заразили меня Hardstyle/Hardcore музыкой, я поставил себе цель посетить Defqon.1 и увидеть своими глазами не только шоу, которое проходит каждый фестивальный вечер, но и подробнее познакомиться с саундом, который кружит мою голову на протяжении вот уже нескольких лет; узнать все его разнообразие и многогранность и просто насладиться отличным уикэндом. И теперь пришло время рассказать подробнее об этом весьма интересном во многих аспектах событии и дать несколько советов тем, кто давно мечтает его посетить, но знает о нем совсем мало.
Начнем с того, что Defqon.1 – это фестиваль, на который нужно приезжать на все выходные. Одного дня его посещения будет недостаточно. Программа фестиваля такова, что в каждый день происходят различные перформансы. В отличие от других зарубежных фестивалей, длящихся весь уикэнд с утра пятницы по вечер воскресенья Defqon.1 проходит неполные 3 дня. Начинается все с так называемого «The Gathering» в пятницу вечером – масштабного pre-party, проходящего под одной из крытых арен фестиваля до часу ночи и заканчивающегося after-party под утро в так называемой «Survival Area» – крытой арене от Q-Dance Radio, работающей без остановки от старта фестиваля в пятницу до его финиша после after-party, проходящей в ночь с воскресенья на понедельник. Второй и главный день фестиваля открывает свои двери в 11 утра в субботу и приглашает не только тех, кто купил билеты на весь уикэнд, но и обладателей субботних билетов на фестиваль. В этот день на территории Defqon.1 собирается больше всего посетителей. В этом году их число превысило 60 тысяч человек. Начиная с полудня, запускаются все 14 сцен, на которых вы можете выбрать звучание себе по вкусу и оставить все силы до вечера, либо перемещаться между сценами, оценивая все разнообразие Harder-саунда, и знакомясь с сетами огромного количества артистов, приглашенных сюда со всего мира. Среди такого количества сцен самыми крупными являются BLACK, посвященная Hardcore и имеющая внушительные декорации и огромную территорию, на которой можно выпустить пар или просто посидеть, наслаждаясь вкусной едой, различными напитками или хорошей жесткой и быстрой музыкой. И главная арена, носящая название RED – потрясающая воображение конструкция, высотой более чем с десятиэтажный дом, и являющаяся местом выступления представителей всех музыкальных стилей, коим посвящен данный фестиваль. И как вы уже поняли – представляющая самых популярных Hardstyle артистов, чьи имена известны на весь мир. Именно на RED в этом году впервые проходила постановка, получившая название «Power Hour» – своеобразный часовой мегамикс из самых популярных треков, под аккомпанемент фаер и аэрошоу, а также различного рода флешмобов, самым забавным из которых можно считать подбрасывание вверх по команде МС всего, что было у посетителей под рукой: от флагов, сумок, надувных игрушек, головных уборов и твоей девушки, до мусора, поднятого с пола. Для кого-то звучит дико, но на деле все это выглядело очень весело и особенно неожиданно для тех, кто не понимает английский или просто не услышал просьбу со сцены и был засыпан падающими вещами и пластиковыми стаканчиками. С другой стороны это же Hard фестиваль и шутки здесь соответствующие – вы же не мыльные пузыри пускать, да коктейли распивать сюда приехали?

Касаемо музыкального сопровождения во время «Power Hour» – это отличная подборка из знакомых каждому любителю хардстайла и хардкора треков, периодически разбавляемая в шутку такими темами, как «Hakuna Matata» - с детства известной каждому композиции из Короля Льва, а также оригинальной версией песни Beyonce – «Single Ladies», «поставленной специально для девушек» и многими другими приколами в таком духе. Вообще организаторы фестиваля имеют неплохое чувство юмора и перформансов на сцене во время «Power Hour», заставляющих как минимум улыбнуться было очень много, но это лучше увидеть, ведь полная запись с данного действа будет выложена чуть позже на официальный youtube канал Q-Dance, а также войдет в фильм, посвященный фестивалю.
Самой ожидаемой и кульминационной частью фестиваля является «The Endshow», проходящее на главной арене в 22:30, когда уже солнце садится за горизонт, и собирающее посетителей со всей территории, так что лучше занимать заранее место получше для обзора. Мной была выбрана трибуна Heineken, доступ к первому уровню которой был свободным для всех желающих. С трибуны открывался потрясающий вид на всю территорию перед сценой. Немного помешал легкий дождь, но после призыва со сцены «F**K The Rain» и соответствующих жестов в виде среднего пальца в небо от всех ожидающих Endshow погода наладилась и дала насладиться потрясающим по своей красоте шоу, закончившемся красивым треком «Lost In Paradise » от Max Enforcer.

На этом основной фестивальный день закончился, и все обладатели субботних билетов покинули территорию в поисках транспорта, а обладатели weekend-билетов побрели на after-party в один из двух предоставленных шатров или же в кемпинг, устраивать свое after-party около палатки с включенным на всю громкость радиоприемником, и делясь с друзьями фото, видео и эмоциями от прожитого долгого дня.
Третий день фестиваля предназначен для тех, кто купил билеты на весь уикэнд. На языке Defqon.1 таких посетителей принято считать «Weekend Warriors». Проснувшись, приняв душ и позавтракав в местном «ресторане» (который, кстати, оправдывал свое название), находящемся на территории кемпинга, мы отправились к входу на фестивальную площадку, ворота которой открылись ровно в 11:00. Перед нами предстала абсолютно пустая территория Defqon.1 и ощущения от этого были не менее удивительные. Побродив по фестивальным «улочкам», закупившись в магазине атрибутикой ивента мы отправились на BLACK арену в ожидании ее запуска. Пока вокруг практически не было людей можно было пофотографироваться, рассмотреть арену поближе, т.к. в предыдущий день на ней было очень много людей и иногда вперед было просто не протиснуться. Сама арена представляла собой существо, похожего на персонажа из фильма «Чужой» и время от времени издавала громкий злобный рык, заставляя проходивших мимо неё еще сонных людей приседать от испуга. Еще одним плюсом стал деревянный настил, на котором мы весело погоняли мяч с голландцами, пока нас не разогнал внезапный дождь, который к счастью длился недолго. Начиная с полудня, открылось большинство сцен, за исключением RED и нескольких прилегающих к ней. Все из-за того, что ближе к вечеру на главной арене начиналась «Церемония закрытия», на которой в этом году выступили Brennan Heart, Frontliner и Ran-D & B-Front, после, чьих сетов финальный день Defqon.1 подошел к концу очередным светопиротехническим шоу. К сожалению, ввиду сильной усталости и изменившихся планов его мы так и не застали, ибо ехали обратно в Амстердам, но, посмотрев официальное видео с окончания фестиваля, могу сказать, что шоу, проходящее в конце субботы было намного эффектнее и, главное, продолжительнее.

Таким были три фестивальных дня. Ну а теперь пришло время рассказать о его нюансах, которые определенно будут интересны тем, кто собирается посетить Defqon.1, сделать на него тур или просто сравнить с другими крупными мировыми танцевальными событиями.
Для начала повторю уже сказанную фразу о том, что обязательно нужно посетить все три дня фестиваля. Его программа каждый год добавляет новые события, открывает новые арены, да и вообще сам ивент продолжает удивлять в течение всего времяпрепровождения на его территории и, когда уже кажется, что ты посмотрел все, организаторы из Q-Dance подкидывают тебе что-то новое: от внезапного костюмированного шоу, в исполнении одного из артистов, находящегося в не самом трезвом состоянии (речь идет о Endymion и данному шоу посвящено отдельное видео, которое вполне возможно войдет в фильм), до самолета, летающего над главной ареной и делающего мертвые петли прямо над головами посетителей. Здесь можно посетить настоящий тату салон, в котором за немалую сумму тебе набьют татуировку на память и не какую-нибудь шаблонную, а все по твоему персональному предпочтению, которое ты можешь обсудить с тату-мастером. О различных играх и активностях можно рассказывать очень долго и этого хватает на любом другом фестивале, но, тем не менее, все это выполнено очень интересно и те, кто посещает событие такого масштаба впервые будут удивлены многому и всегда найдут, чем заняться, в случае если наскучит топтать свои кеды на одной из множества арен.

И, наверное, самый важный совет: Defqon.1 полностью рассчитан на проживание в кемпинге. Так, что если собираетесь его посетить, то забудьте о каждодневных поездках от отеля на фестиваль и обратно. Во-первых, это очень выматывает, во-вторых, это затратно (билет на поезд от Амстердама до ближайшей жд станции в городе Дронтен стоит порядка 14 Евро в одну сторону). Ну и в-третьих, организация фестиваля продумана странным образом: шатлы, следующие от Дронтена до территории фестиваля, не ходят по субботам. Также в субботу не ходит в этом направлении и общественный транспорт, а расстояние от вокзала до места проведения Defqon.1 свыше 10 км. Эту информацию организаторы фестиваля заблаговременно указывают на своем сайте и настоятельно не рекомендуют преодолевать данный путь пешком. Странность всего этого заключается в том, что суббота – основной день фестиваля, и на чем добираются посетители, купившие субботний билет, а также обладатели прохода на все выходные, решившие ездить на фестиваль каждый день, для нас осталось загадкой. Скорее всего, благодаря заказанным заранее автобусным турам, ссылки на сайты организаторов которых также заблаговременно вывешиваются на официальном портале фестиваля. Изначально мы также планировали ездить на фестиваль каждый день, но в итоге приняли решение поселиться в кемпинге и ничуть об этом не пожалели, т.к. чудесно провели время, и это еще один плюс оставаться на фестивале и не покидать его от начала и до конца. Тем, кто организует туры, могу посоветовать рассматривать гостиницы в близлежащих городках: Biddinghuizen и Dronten. Также на официальном сайте фестиваля и на сайте Q-Dance можно заказать тревел-пэки с проживанием как внутри кемпинга, так и возможностью снять дом для определенного количества человек в одном из вышеперечисленных городов. Добираться из Амстердама, а тем более из других частей Нидерландов весьма долго и неудобно. Политика фестиваля полностью поддерживает кемпинг, тем более, что условия нахождения в нем весьма хорошие. Купив билет на все дни фестиваля, вы получаете не только доступ в кемпинг, но и можете воспользоваться всеми его услугами: приобрести необходимые для проживания вещи (от палатки до фонарика), питаться в фудкортах, принимать душ, пользоваться локерами, обращаться в пункты медицинской помощи и даже провести время в местном кинотеатре – и все это в любое время дня и ночи. Многие точки кемпинга работают круглосуточно, за исключением ресторана и ряда интерактивных зон.
Касаемо пищи, то те, кто был на Киевском GlobalGathering знают, что данный фестиваль был лучшим в СНГ с точки зрения продававшихся там еды и напитков. Как вы понимаете на Defqon.1 дела с едой обстоят ничуть не хуже, а еще лучше и разнообразнее и помимо различного рода бургеров, сэндвичей и пиццы вы можете купить свежие овощи и фрукты, а также встретить несколько неплохих бакалейных лавок. «Ресторан» представляет из себя уютное летнее кафе под навесом, в котором вы можете заказать себе самую разнообразную, а также очень вкусную и питательную пищу. С алкоголем дела обстоят тоже очень хорошо, но как вы понимаете самым распространенным и дешевым напитком, конечно же, является пиво. В данном случае это Heineken.

Очень приятным был тот факт, что на территории фестиваля были расположены точки разлива бесплатной воды, куда можно было подойти со своей бутылкой/фляжкой либо любой другой тарой. Нет емкости для воды? Не беда! Можно купить специальную фирменную пластиковую фляжку, напоминающую пакет из-под майонеза или кетчупа. Данная фляжка удобно крепится к ремню и ее можно носить с собой, а после оставить в качестве памятного сувенира. Питьевая вода хоть и водопроводная, но пригодна для питья. Также воду можно было налить из-под крана рукомойников, расположенных около туалетов, но проверять пригодность данной воды к употреблению мы как-то не решились.

Вы, наверное, спросите, почему столько внимания уделено пище, но эта тема немаловажна т.к. сил и энергии во время фестиваля потребляется очень много, и к воскресенью они могут просто иссякнуть без подзаправки. Что касается подзаправки различными запрещенными веществами, то, несмотря на то, что фестиваль проходит в Нидерландах на его территории установлена «политика нулевой терпимости» и в случае обнаружения лиц, употребляющих наркотические вещества охрана вправе выдворить их с территории фестиваля без возможности обратного прохода. Конечно, за всеми не уследить, но, тем не менее, несмотря на свободную продажу алкоголя и популярность употребления разного рода веществ среди молодежи, а также известную всем легализацию легких наркотиков в Нидерландах, в целом весь контингент выглядел и вел себя вполне адекватно и дружелюбно. Лично мной не было замечено никаких стычек и негативно настроенных посетителей, а публика в целом была очень приветлива. Даже ночью в кемпинге несмотря на шум я не чувствовал какого-то напряжения, а оставляя вещи в палатке и уйдя на фестиваль не беспокоился о краже, хотя о карманниках организаторы предупреждают заранее и рекомендуют оставлять ценные вещи в камерах хранения. Как и рекомендуют покупать беруши, чтобы сохранить свой слух, чаще употреблять жидкости, чтобы не получить обезвоживание, пользоваться средствами контрацепции и не распространять свою интимную жизнь за пределы кемпинга. Все это отображено в виде табличек, развешанных по всей территории фестиваля различными благотворительными службами, которые сотрудничают с организаторами. Не стоит забывать, что Нидерланды очень заботящаяся об охране окружающей среды страна и повсюду можно найти расставленные урны для разного типа мусора. Конечно, под конец дня территория фестиваля завалена всяким хламом, но ее постоянно стараются убирать, а о переполненности мусорных баков не может быть и речи т.к. их тоже регулярно меняют. Также если после фестиваля вы решаете не забирать свою палатку, спальник или другие вещи для кемпинга, то вы можете сдать их специальным волонтерам из благотворительной службы, и эти вещи впоследствии будут отданы бездомным. Что еще удивило, так это семинар на тему вреда алкоголя и наркотиков, проходящий на территории фестиваля в специально отведенной зоне. А также трансляция матча Нидерланды - Мексика недалеко от BLACK арены, собравшая перед своим большим экраном огромное количество поклонников футбола в оранжевой одежде, являющейся любимым цветом и одним из символов страны.
Порадовало и официальное приложение для iOs и Android, позволяющее получить информацию о таймлайне, схеме территории (более того, на схеме можно было узнать свое местоположение благодаря GPS, а также узнать где находятся твои друзья) , цены на еду и напитки, мерч и вещи для кемпинга, а также получать уведомления о начале сета любимого диджея, благодаря заранее составленному персональному таймлайну. Правда на деле эти оповещения не всегда работали корректно и присылали сообщения чуть ли не каждую минуту, в конце концов, заставив от них отказаться. Да и звук тигриного рева, для нотификаций, хоть и забавный, но вызывал порой очень курьезные ситуации. Но в целом задумка очень хорошая.

В случае если ваш смартфон сел, можно было воспользоваться беспроводной зарядкой, работающей по системе Plug 'n Go. Взяв такой внешний аккумулятор в залог за 6 жетонов, можно было подключить свой смартфон и, положив его вместе с аккумулятором в карман или сумку уйти танцевать или ночевать в кемпинг, а когда ваш гаджет полностью зарядится – вернуть его обратно в специальную палатку, получив обратно 5 токенов (один остается в качестве платы за услугу).

Коины, они же токены или по русски просто жетоны – валюта фестиваля, которую можно было купить в расставленных автоматах, которые принимали как наличные денежные средства (евро), так и пластиковые карты, при этом задержек с оплатой не происходило, а перевод и выдача жетонов осуществлялась мгновенно. Ну а тем, кто не дружит с терминалами, организаторы установили специальные кассы, в которых можно было обменять валюту на жетоны у живых кассиров (в кассе принимались только наличные средства).
О фестивале можно еще рассказывать очень много. Здесь можно открыть для себя множество различных ответвлений, казалось бы, знакомого многим стиля музыки. Немного передохнуть от Hard-а на Green и White (Qult) аренах, представляющих собой Breaks, DubStep, DnB, Subground, DutchHouse. ElectroHouse, Carnival, HardDance и Trap звучание. Прыгнуть с тарзанки и сделать Selfie напротив красивой RED Stage, а на следующее утро обнаружить свою «Себяшку» на одной из страниц фестивальной газеты. Оставить пару килограмм и несколько пар обуви под сеты более 200 музыкантов, попытаться посетить все арены, закупиться фестивальной атрибутикой, которую растащат твои друзья после возвращения домой. Послушать треки, большинство из которых здесь можно услышать впервые и релиз которых может быть еще очень не скоро (порядка 50+% материала). Ну и конечно насладиться потрясающим вечерним шоу, которое ты ранее неоднократно наблюдал на youtube, затаив дыхание. И в заключении поставить галочку в своих целях в жизни, пообещав себе, что вернешься в следующем году еще раз, собрав еще большую компанию. В общем, приятно и с пользой провести выходные.
Главное не забудь крем от загара, ведь если повезет с погодой, то шанс сгореть в голландских полях очень велик, что и произошло с нами в эти сумасшедшие 3 дня!

А пока можешь в очередной раз открыть видео с окончания фестивальных дней и ожидать более чем двухчасовой фильм, который выйдет чуть позже этой осенью и покажет многое из того, о чем было рассказано выше.

И не забудь сделать отметку в своем календаре на следующий год. Ведь 19, 20 и 21 июня, в неизменном на протяжении последних нескольких лет месте (Evenemententerrein Walibi World, Biddinghuizen) пройдет Defqon.1 Weekend Festival 2015. See you there!

© Antikythera
Фотографии взяты отсюда

ps: прослушать сеты, записанные на фестивале в этом году
ps: прочитать отчёт с фестиваля Defqon.1, который проходил в 2010 году

© 2013 EDM-News
11 Aug 15:07

Bizarre Portraits Feature Masks Made With Junk Food

by Sara Barnes

ostrer6 ostrer3 ostrer5 ostrer1

These bizarre photographs by British artist James Ostrer feature himself and others covered in thick, sticky-looking layers of candy, frosting, and other junk food. Decadent edibles look hardened and become a strange replacement for conventional masks and armor.

Candy and sweets are often associated with joy, but looking at Ostrer’s work its hard to feel that way. They aren’t delightful, but are visceral. Frosting is slathered on haphazardly with licorice used to create outlines. Sometimes, the lines are droopy and it appears that the entire piece is melting.  The result is a peculiar and unsettling group of photographs that speaks to the sickening amount of junk food we have available as well as a reinterpretation of the self portrait.

These photos are currently on display in his exhibition Wotsit All About at the Gazelli Art House in London through September 11th of this year.

ostrer8 ostrer7 ostrer4 ostrer2


The post Bizarre Portraits Feature Masks Made With Junk Food appeared first on Beautiful/Decay Artist & Design.

08 Aug 22:16

Friday, August 8 @ 10:16:40 pm

by tschaicosby
07 Aug 22:13


by half_past_seven
04 Aug 15:48

Serenading the cattle with trombone [ via to.]

Serenading the cattle with trombone

[ via to.]

04 Aug 16:30

Todd Baxter’s Stylishly Retro Sci-Fi Utopias

by Jené Gutierrez





Multimedia artist Todd Baxter has created a retro futuristic image series inspired by narratives of science fiction utopia. Long fascinated with the technology and physics of the Space Race era, with “Project Astoria: Test 01,” Baxter tells a story that revolves around the experiences of children growing up in a an Earth-like world that has recently been colonized. Baxter’s wife, Aubrey Videtto, is writing the story that the two created together. They hope to collaborate with other artists for the project, including a graphic novelist and musician, to further execute their concepts and designs.  Of this project, Baxter writes, “With Project Astoria, I wanted to play with that childlike hopefulness — that anticipation of humans finally mastering our existence and our technology. Especially as we were reaching such new and magical realities as landing on the moon, the late 60s was the perfect period, in my mind, to add in this alternate history where we all get together and say, ‘Hey! We could go colonize this other Earth-like place and really do it right this time. It could be perfect. Utopia!’ Of course, it doesn’t go perfectly, which is good. Otherwise, it wouldn’t make for a very fun story.”

Baxter’s process is quite involved, but it starts with him pulling out sketches for ideas he’s had. He then browses the images on his computer for environment and landscape images he’s shot, and begins to weave together these environments with Photoshop. Baxter then plans the next elements based on these general compositions, producing photo shoots of his subjects that he continues to compose and retouch with Videtto until each image is fully realized. The result is a playful narrative with an almost kitschy aesthetic, evocative of the likes of Wes Anderson. (via behance and bleek magazine)

baxter8 baxter7 baxter2 baxter9 baxter4 baxter6 baxter11


The post Todd Baxter’s Stylishly Retro Sci-Fi Utopias appeared first on Beautiful/Decay Artist & Design.