Friends and relatives responded with dubious looks last Thursday when Amy Edwards announced with a knowing smirk that she was “fluent in sarcasm.”

 

“I know my deadpan style can be hard to read sometimes,” she said, with a look of utmost sincerity in her eyes. “But don’t worry; I’m just being sarcastic! I can’t help it.”

 

“No, she’s not,” says Edwards’ sister Laura. “In fact, she’s a very genuine person, which is why I love her.”

 

Edwards’ husband, Gerald, also confirmed that he was unaware of Amy’s proficiency in the “language of sarcasm,” which she kept mentioning.

 

“I married Amy because she is lovely and kind,” he says, looking confused. “She’s never made a snide remark in her life. It’s one of the many qualities I’d hoped she would pass on to our children one day.”

 

“I often don’t even realize I’m doing it,” Amy continued in an unmistakably heartfelt tone. “It’s just how I am now. If you’re not fluent in sarcasm, you might take me too seriously and not get what I’m saying when I do it.” She appeared upset at this thought.

 

 

Despite their alarm, Amy’s friends and family all expressed their plans to support her during this personal crisis.

 

“If she actually wants to be sarcastic,” says her daughter, Eva, “I’d be sarcastic right back. She’d love it. See? I’m already doing it!”

 

Throughout the evening, Amy remained steadfast in her belief that she was fluent in sarcasm.

 

“It’s the only way I have to express myself,” she said, eyes filling with tears. “It means so much that my loved ones make such an effort to understand my sardonic nature.”

 

“Maybe,” says Amy’s priest, Father James Nohs. “She actually is fluent in sarcasm, and this is all just an intense commitment to the joke.”

 

As he watched Amy tearfully hug her two children, he adds, “But I seriously doubt it.”

Woman Earnestly Reminds Everyone That She Is Fluent In Sarcasm is a post from: Reductress

The secret to professional success isn’t all about talent or connections. Sometimes, it’s just about having the right routine. We can learn a lot about being successful by looking at how doctors, lawyers and top CEOs spend their days. If you want to maximize productivity and stimulate creativity like a successful individual, check out these nine things that highly effective people do everyday, exactly 57 times per day.

 

Eat Breakfast

If it’s the most important meal of the day, why do you only eat it once? Successful people eat breakfast all day long, exactly 57 times. “If it weren’t for my 57 bowls of oatmeal, I’d totally fall apart,” says real estate mogul Barbara Corcoran.

 

Wash their Hands

It might sound excessive, but people with IQs over 120 are more likely to wash their hands 57 times per day. “Constantly scrubbing my hands helps me clear my mind and approach the task ahead with a clean slate,” says Jim McNerney, CEO of Boeing.

 

Blink

Some people blink too often during the day, slowing productivity. Some blink too seldom, so that their eyes dry out looking at their computer screens. Successful individuals blink 57 times in the day. No more, no less. “Sorry, I can’t talk now, I’ll lose count of my blinks,” says former New York Yankee Derek Jeter.

 

 

Bite their Lower Lip

Biting one’s lower lip satisfies a nagging oral fixation and releases endorphins that stimulate creativity, only when done 57 times in a day. “I like to bite my lip before, during, and after photo shoots,” says supermodel Gisele Bundchen.

 

Call their Mothers

Letting your mom know how things are going every 24 minutes keeps your goals in constant check and your own importance in perspective. “I made sure to call my mother 57 times a day, especially while I was making repairs on the International Space Station,” says retired NASA astronaut Chris Hadfield.

 

Pray

To God, Allah, Lord Xenu, and any other holy deity they can think of. The point is to cover all your bases. “I pray to the universe in general,” says Oprah Winfrey, “exactly 57 times every day.”

 

Lines of Cocaine

You thought all the energy came from coffee? Think again. Anna Wintour lays out 57 lines of cocaine at the start of every workday. “It helps me focus,” says Wintour.

 

Throw Darts at Photos of Enemies

It’s the best way to relieve stress and tension while driving fear into the hearts of your coworkers. Remember, fear = respect. “I have no idea what you’re talking about,” says former vice president Dick Cheney.

 

The habits above, when done a simple 57 times per day, can help you on your way to becoming a highly effective and successful person.

9 Things Successful People Do Exactly 57 Times Per Day is a post from: Reductress

Theatergoers were shocked and disgusted this week when a lone woman at the Anaheim AMC’s matinee screening of Fifty Shades of Grey neglected to masturbate during the hit film.

 

Jane Comstock, a 39-year-old mother of two, was seen entering the theater and, to the total shock of onlookers, watched the entire movie and exited the theater without stimulating her genitals with her hands or any other object.

 

“I was busy pounding the kitty in a dildo Astroglide party of one, “ says theater goer Margo Knox, “and just as my eyes were rolling back into my head for the o-zone, this creepy woman was staring straight ahead and was actually paying attention to the film. It was really unnerving and creepy to see her sitting like that staring at the screen while I was masturbating and staring at her.”

 

Knox adds, “People are sick.”

 

 

Comstock’s actions seemed to have an affect on many of the other masturbating women at the screening.

 

“Once me and my group caught sight of that uptight pearl-clutcher, it was a lot harder to parallel play with my book club,” exclaimed 37-year-old Marjorie Downs. “We all still cranked a few out, but it was a lot harder than it should have been.”

 

“There are three things I go to the movies for: oily popcorn, mumblecore independent cinema, and violent public masturbation. That woman truly violated something sacred,” says Angie Palmer, who was not actually at the screening but heard about it from a friend.

 

A few moviegoers had their own theories about what could have motivated Comstock to perform such and egregious act.

 

“The only thing I can think of is that she wasn’t masturbating because she wanted to focus on the film,” said 42-year-old Jenna Blunt as she wheeled her toddler out of the theater while wearing her public masturbation poncho. “If that’s the case, she’s even more disturbed than any of us could possibly imagine.”

Woman Caught Not Masturbating at Fifty Shades of Gray Screening is a post from: Reductress

 
X Files’ Special Agent Dana Scully has a punk rock past she’s not afraid to fess up to.

Actress Gillian Anderson still considers herself a “punk” at heart, confirming in a Parade Magazine interview, “even though I can dress up like a soccer...

En España casi nadie los tiene presentes. Es raro, porque otros grupos como The Platters o The Golden Gate Quartet gozaron de bastante popularidad en nuestro país y seguro que hay bastantes lectores que tienen discos de estas bandas en sus casas. Y sin embargo nuestros protagonistas fueron una de las mayores instituciones musicales de los Estados Unidos. Un ejemplo: entre los años treinta y cincuenta metieron una treintena de canciones en el Top Ten estadounidense, gozando durante algunas etapas de un nivel de éxito reservado  solamente a un reducido puñado de artistas durante el siglo XX. En sus días de gloria actuaron junto a los mayores nombres del negocio, que unánimemente les profesaban respeto y admiración porque eran capaces de cosas únicas. Estuvieron activos desde los años treinta hasta que, uno después de otro, fueron desgraciadamente abandonando este mundo en los años ochenta y noventa. Eran hermanos, empezaron a cantar juntos en la infancia y no se separaron hasta la muerte. Con toda seguridad tenían algunas de las mejores voces que el mundo haya conocido y difícilmente alguien podría alcanzar semejante grado de compenetración. Eran The Mills Brothers, tal vez el mejor grupo vocal en la historia de la música popular norteamericana y mundial.

Su descubrimiento parece escrito por guionistas de Hollywood. Un mediodía cualquiera de 1930, William S. Paley se disponía a abandonar su despacho —era el presidente de la poderosa cadena radiofónica CBS— cuando recibió una llamada telefónica de Ralph Wonders, responsable del departamento artístico de la compañía. Perceptiblemente excitado, Wonders reclamaba la presencia de su jefe en la sala de audiciones, donde se había presentado un grupo vocal formado por cuatro hermanos que al parecer habían llegado a Nueva York haciendo autostop desde Cincinnati, a unos seiscientos treinta kilómetros de distancia, y todo buscando una oportunidad para sonar en la radio. «Bill, tienes que escuchar esto», dijo Wonders. El jefe de CBS no parecía dispuesto a cambiar su agenda: «Lo siento, pero ya llego tarde para comer». Sin embargo, su empleado no le dejó colgar el teléfono; insistió e insistió en que debía dejarles cantar para él, aunque fuese «solamente una canción». Ante tanta determinación, Paley accedió y se dirigió hacia la sala de audiciones. Allí estaban los cuatro hermanos, apenas salidos de la adolescencia. Cantaron una canción. El presidente de CBS no pudo creer lo que estaba oyendo. Una hora después, Paley continuaba en la misma sala, pidiéndoles que interpretasen más y más canciones. Extasiado, terminó bajando las escaleras que llevaban a los estudios de radio e hizo que los técnicos pusieran inmediatamente en antena a «aquel cuarteto vocal que sonaba como una orquesta». Fue el primer contacto del gran público con los hermanos Mills. «Ese día no llegué a comer» —recordaría Paley en sus memorias— «pero los hermanos Mills y yo nos ganaríamos muchos más almuerzos a lo largo de los años». Al día siguiente, los Mill Brothers tenían un contrato firmado con la CBS; eran el primer grupo de raza negra que dispondría de un show radiofónico a nivel nacional.

John, Herbert, Harry y Donald, los cuatro hermanos Mills, eran hijos de un modesto barbero de Piqua, una pequeña localidad de Ohio (no me resisto a comentar que la página web de la ciudad, para mi sorpresa y deleite, está maravillosamente anticuada). Desde muy tierna edad causaron sensación por su manera de cantar. Fue su padre quien organizó sus primeras actuaciones en la esquina de la propia barbería familiar, como una manera de tenerlos entretenidos después de la escuela; además, los cuatro chavales cantaban asiduamente en la iglesia. Pronto ellos mismos se especializaron en diversos papeles dentro del cuarteto: John, el hermano mayor, cantaba con voz de bajo y tocaba la guitarra. Herbert y Donald cantaban como tenores. Harry era barítono y además tocaba el kazoo, ese instrumento popular de sonido vibrante que suele emplearse para ejecutar melodías casi a modo de parodia de una trompeta. La extraordinaria calidad de sus voces, su compenetración y el enorme talento para crear sorprendentes armonías dejaban atónitos a quienes los escuchaban. Pero el rasgo más característico del grupo en sus primeros años emergió por puro accidente justo el día en que se presentaban en un concurso local de jóvenes talentos. Nada más pisar el escenario, Harry descubrió aterrado que había olvidado su kazoo en casa. Y había que seguir con la actuación, así que ni corto ni perezoso, cuando llegó el momento de hacer sonar el inexistente kazoo juntó las manos ante la boca para imitar el sonido de una trompeta con sordina. Su imitación sonó tan bien y tuvo tanto éxito entre los asistentes, que sus tres hermanos terminarían aprendiendo a imitar otros instrumentos también con sus voces, desde el contrabajo hasta el trombón. Pronto serían capaces de reproducir fragmentos «instrumentales» sin instrumentos, habilidad que ayudaría a hacerlos famosos.

El lema de la ciudad de Piqua, «donde tus visiones se hacen realidad», difícilmente se antoja original y mucho menos fiel a la verdad, dadas las pocas expectativas que ofrecía el pueblo a sus habitantes. Pero empezó a cumplirse para los cuatro hermanos el día en que una feria ambulante llegó al pueblo. Allí actuaron como teloneros de espectáculos variopintos, tanto musicales como circenses, incluyendo la aparición del famoso perro y estrella del cine, Rin Tin Tin. Los Mills no pasaron desapercibidos, y la orquesta de jazz del espectáculo los contrató como coristas y se los llevó a Cincinnati, donde tenían programada una audición para intentar actuar en la radio local WLW. La emisora no quiso contratar a la orquesta… pero se quedó con los cuatro hermanos del coro. Durante los siguientes meses, los Mills trabajaron como cantantes residentes de la emisora, acompañando a los diversos artistas que pasaban por Cincinnati para actuar (recordemos que por entonces no existía la televisión y la música en directo era la norma en la radio). Aunque estuviesen cantando en una radio local, era solamente cuestión de tiempo que alguien los descubriera y les diese ánimos para aspirar a metas mayores. Eso sucedió cuando a la ciudad llegó nada menos que la orquesta de Duke Ellington. Los cuatro jóvenes acompañaron a Duke en su actuación y este quedó tan impresionado que telefoneó a su discográfica en Nueva York: «¡tenéis que contratar a estos chicos!».

Envalentonados por el entusiasmo y los ánimos del legendario Duke, los cuatro hermanos hicieron autostop hasta la Gran Manzana. Como decía antes, más de seiscientos kilómetros. Y como ya hemos visto, encandilaron al jefe de la CBS quien, entusiasmado, los puso en el aire a nivel nacional poco más de una hora después de haberlos conocido. No pasó mucho tiempo hasta que realizaron su primera grabación, una personalísima versión del popular standard de jazz «Tiger Rag». Era su debut discográfico… y todas las expectativas sobre sus posibilidades comerciales se quedaron cortas. Sencillamente explotaron. Fue su primer número uno en los Estados Unido, y no resulta extraño. La gente no había escuchado nada igual: ¡cuatro tipos sonando casi como una banda instrumental de swing! Increíble pero cierto.

En su siguiente grabación, «Nobody’s Heart», volvían a asombrar con su facilidad para sonar como grupo vocal y al mismo tiempo como improbable grupo instrumental. También fue un gran éxito. Con solamente dos canciones editadas, su popularidad creció tan rápidamente que llegaron a actuar nada menos que junto a Bing Crosby y las Boswell Sisters… eso, solamente unos meses después de haber llegado a Nueva York con lo puesto. Fue precisamente con el gran Bing Crosby con quien grabaron a medias su tercer single, «Dinah», que se convirtió en el segundo número uno de su carrera. La racha continuó. Durante los primeros dos años en el negocio discográfico de The Mills Brothers, editaron dieciséis canciones y colaron nada menos que ¡quince! en el Top Ten estadounidense. Para que nos hagamos una idea, una cadencia tan intensiva de éxitos ha sido alcanzado solamente por —atención a los ejemplos— artistas de la talla de Elvis Presley en la era 1956-57, los Beatles en 1964-65 o Michael Jackson en la época de Thriller. Además, durante aquel breve periodo los Mills Brothers aparecieron nada menos que en siete películas.

La técnica vocal de la que hacían gala era asombrosa para el público de su época. Quizá algunos recordéis que Rage Against the Machine incluían en sus discos una nota que decía «no se han utilizado sintetizadores», con el fin de que los compradores supieran que muchos de los efectos del disco eran realizados por la guitarra de Tom Morello. Pues bien, R.A.T.M. no fueron los primeros en hacerlo. En 1931, algunos discos de The Mills Brothers contenían una nota que decía así: «ningún instrumento se ha usado en esta grabación aparte de la guitarra». Algunos oyentes tenían sus dudas, especialmente cuando escuchaban aquella imitación de trompeta de Harry, que por momentos solamente un especialista podía distinguir de una trompeta verdadera, o algunas fantásticas reproducciones del colchón sonoro que aportaría una sección de dos o tres vientos. Pero los trucos vocales no lo eran todo. El público podría haberse aburrido rápidamente de ellos si los Mills no los hubiesen acompañado de un verdadero talento para realizar exquisitas (y difíciles) armonías a cuatro voces, como resulta fácil comprobar incluso en algunos de sus discos más tempranos, como «Baby, Won’t You Please Come Home», o las tres que pueden escuchar en el siguiente video: «I’ve found a new baby», «Lulu’s Back in Town» o la maravillosa «Miss Otis Regrets».

En aquella época, como durante el resto del siglo XX, la radio estadounidense marcaba la pauta de lo que se escuchaba en todo Occidente y sobre todo en Europa. El Reino Unido, particularmente, vivía permanentemente pendiente de las novedades que llegaban de América. La fama de los cuatro hermanos alcanzó allí tal magnitud que actuaron frente a los reyes de Inglaterra, George V y su esposa Mary. En el año 1934, el que las cabezas visibles del Imperio Británico se sentasen en el mismo corazón de Londres a escuchar cantar a cuatro afroamericanos era todo un acontecimiento. De hecho, nunca antes habían actuado artistas negros ante la realeza. The Mills Brothers estaban en lo más alto, en la absoluta cumbre del negocio y simplemente no podían aspirar a más. Desgraciadamente, el destino les tenía guardada una desagradable y cruel sorpresa.

John, el mayor de los cuatro hermanos, contaba solamente veinticuatro años cuando cayó repentinamente enfermo durante aquella primera visita a Inglaterra. Se le diagnosticó una neumonía y de vuelta en los Estados Unidos batalló con la enfermedad durante varios meses. Aquello, lógicamente, supuso un parón en la carrera del grupo, que no editó una sola canción durante 1935. Finalizando el año, no obstante, John parecía estar casi completamente recuperado así que regresaron a las Islas Británicas para cumplir otros compromisos. Pero al poco de volver a pisar suelo inglés John sufrió una inesperada recaída en su neumonía (hoy se piensa que probablemente sufría de una tuberculosis mal diagnosticada). Esta vez la gravedad de su estado no remitió: murió el 23 de enero de 1936, sin haber llegado a cumplir los veintiséis años.

Sus tres hermanos pequeños quedaron tan devastados que, además de no grabar ni una sola canción durante 1936, decidieron deshacer el grupo. No tenían ganas de continuar y se dispusieron a regresar a casa con sus padres. Pero precisamente de sus padres llegó el impulso para seguir en la música. La madre, Eathel, les dijo que su hermano mayor no hubiese querido verlos abandonar algo que habían logrado construir y que era verdaderamente grande. Otro apoyo fue el de su padre, John Mills Sr., que abandonó la barbería y se unió al grupo como sustituto de John Jr. en la voz grave. No pudieron encontrar a nadie mejor, porque su voz encajaba de maravilla. Pero sobre todo, después de haber perdido a un hermano, también era un más que evidente soporte moral tener con ellos a su padre durante las giras y grabaciones. Al contrario que su difunto primogénito, John padre no sabía tocar la guitarra, así que contrataron a un quinto miembro, el guitarrista Norman Brown.

Aquellos meses en el dique seco no hicieron que el público les olvidase; al contrario, la popularidad del grupo continuaba intacta como demuestra el que retornasen por todo lo alto grabando nada menos que con Ella Fitgerald o Louis Armstrong (¡inmejorables combinaciones! ¡Y la trompeta de Armstrong sonando frente a los vientos simulados de los Mills Brothers!). Todavía eran muy famosos a ambos lados del Atlántico y sus nuevos discos se convirtieron también en éxitos:

El comienzo de la Segunda Guerra Mundial estuvo marcado no obstante por un leve descenso en su nivel de ventas. Los Mills Brothers temieron estar perdiendo el favor del público, que durante años los había tenido como sus ojitos derechos y que lógicamente se había enternecido con la trágica pérdida de John Jr. y la entrada en la banda de John Sr. Su receso comercial tenía que ver con la aparición de otros grupos vocales como The Golden Gate Quartet o sobre todo, The Ink Spots, que empezaban a hacerles la competencia (en próximos artículos hablaré también de ellos). Entre los años 1937 y 1942, The Mills Brothers solamente colaron una canción en el Top Ten estadounidense. Aunque tampoco bajaron más allá del puesto 30 de las listas de ventas, podía considerarse una sequía. Sentían que habían entrado en una época de declive y a medida que muchos de sus antiguos fans estaban buscando sensaciones nuevas, los ejecutivos discográficos se ponían nerviosos y les presionaban para obtener un nuevo hit. Y eso que los Mills Brothers trataban de adaptarse a los tiempos, musicalmente hablando, pero nada parecía funcionar. Sus ventas eran aceptables, pero estaban al borde de la derrota: un nuevo descenso podía significar casi el fin de su carrera. Sin embargo se produjo un triunfante retorno a lo más alto que llegaría de manera completamente inesperada.

A finales de 1942 registraron una canción llamada «Paper Doll», una balada que se alejaba del swing y el jazz que acostumbraban a interpretar. Tanto, que entre los hermanos hubo incluso división de opiniones a la hora de grabarla: solamente el pequeño, Donald, parecía disfrutar con el tema. Sus dos hermanos mayores, Harry y Herbert, se negaron inicialmente a grabarla, aunque terminaron transigiendo a regañadientes. Cuando fue publicada a finales de 1942, la canción pasó relativamente desapercibida; vendió modestamente y no causó un gran impacto. Parecía destinada a convertirse en otro paso más en el largo pero inevitable descenso de los Mills Brothers hacia el ostracismo. Sin embargo, a veces las canciones tienen vida propia. Estaba siendo ignorada en América, pero algo sucedió el extranjero, donde la canción caló entre los soldados estadounidenses que luchaban en la Segunda Guerra Mundial. La letra de «Paper Doll» hablaba de un chico solitario que, cansado de los caprichos de alguna chica, decidía que iba a enamorarse de una «muñeca de papel»:

Voy a comprar una muñeca de papel a la que pueda llamar mía,
Una muñeca que otros tipos no puedan robarme,
Y entonces los chicos que van por ahí flirteando
Tendrán que flirtear con muñecas de verdad.
Cuando vuelva a casa por la noche ella me estará esperando,
Será la muñeca más leal del mundo,
Prefiero tener una muñeca de papel que sea mía
Que tener una caprichosa chica de verdad.

Los soldados se identificaron rápidamente con la soledad del protagonista. Muchos jóvenes reclutas habían dejado a sus novias en casa para combatir, así que además de los sinsabores de la guerra y el miedo a morir, vivían con la constante paranoia de perder a sus chicas (cosa que sucedía con relativa frecuencia). Otros nunca habían conocido mujer o se veían limitados a acudir a prostitutas europeas para no torturarse pensando que morirían siendo todavía vírgenes. Todos ellos eran chicos en la flor de la vida que se lo jugaban todo en el frente y buscaban cierto consuelo emocional en las pin ups, mujeres que salían en las revistas o postales, a las que reproducían en sus tanques o aviones y que ejercían básicamente como sus hadas madrinas. La letra de «Paper Doll» tocó aquella fibra tan sensible de los soldados y con el transcurso de los meses la canción casi olvidada en América empezó a revivir gracias al ejército; incluso la revista Time mencionó el fenómeno de «la canción que está sonando en todas partes», y achacaba su inesperado e incomprensible éxito tardío a los militares. A finales de 1943, «Paper Doll» se convirtió en número uno de las listas estadounidenses durante tres meses consecutivos y terminaría vendiendo la friolera de diez millones de ejemplares, convirtiéndose en una de las cuarenta canciones más exitosas de todo el siglo XX:

Fue precisamente entonces cuando Harry Mills fue llamado a filas para incorporarse al servicio de comunicaciones. MIentras Harry servía en la guerra, su padre y sus hermanos recurrieron a un sustituto, Gene Smith, el primer cantante en pasar por el grupo que no tenía el apellido Mills ni pertenecía al núcleo familiar. La voz de Smith no se parecía a la de Harry, pero se integró bien y les permitió seguir en marcha durante aquel periodo bélico.

Sea como fuere, el apoteósico éxito de «Paper Doll» los devolvió a la condición de grupo superventas, y entre 1943 y 1952 colaron trece canciones en el Top Ten, incluyendo dos nuevos números uno con «You always hurt the one you love» y «The Glow-Worm». Fue una década de éxito constante, en la que ninguno de sus singles bajó más allá del puesto 25 de las listas. A partir de 1953, sin embargo, el nivel de ventas volvió a decaer. El ascenso del rock & roll los hizo parecer repentinamente anticuados. Además, John Mills Sr., a punto de cumplir los setenta años, se retiró. Aunque sus hijos continuaron adelante como trío, los días de grandes hits habían terminado para ellos. Hubo alguna excepción: en 1959 abandonaron el swing y versionaron la curiosa «Get a Job» de The Silhouettes, introduciéndose en el mundo del doo wop, estilo que se consideraba más moderno de lo que solían hacer pero que —paradójicamente— ellos mismos habían contribuido a crear. Casi diez años pasarían antes de un nuevo éxito, que sería el último, la entrañable «Cab Driver», que contra todo pronóstico se coló en la listas durante 1968, un año después de la muerte de su padre (la madre, Eathel, había muerto en 1962).

Habiendo asumido ya que no volverían a copar las listas de ventas, los hermanos Mills continuaron actuando en shows nostálgicos y nunca dejaron de ir de gira, ni siquiera a una edad avanzada, cuando Harry se quedó ciego a causa de una diabetes. Sin embargo, sobre el escenario eran mucho más que un show nostálgico. Al contrario que otros grupos vocales como las Boswell Sisters, por citar un ejemplo, las voces de los hermanos Mills se mantenían en forma y jamás perdieron el respeto de sus compañeros de profesión o la capacidad de asombrar al público. Harry murió en 1982, sin dejar de pisar los escenarios. Lo mismo hizo Herbert, actuar hasta su muerte, en 1989. Donald continuó con ayuda de su propio hijo, John Mills III. Todo quedaba en casa. Murió en 1999, aunque tuvo tiempo de recoger un (tardío) Grammy honorífico por toda su carrera.

Nada mejor para despedirnos de ellos que una de las últimas actuaciones que Harry, Herbert y Donald hicieron juntos, en un especial televisivo emitido apenas unos meses antes de que Harry falleciese (y cincuenta años después de haberse presentado en la CBS neoyorquina tras hacer más de seiscientos kilómetros de autostop). Pueden ustedes prepararse: no hablamos de tres viejas glorias arrastrando su leyenda por el fango, sino de tres hermanos que llevaban décadas y décadas cantando juntos, cuyo nivel de compenetración iba más allá de lo humanamente comprensible, y cuyas voces se mantenían igual de bellas que de costumbre. Se trata de una interpretación del clásico del jazz «Basin Street Blues», que recrearon al estilo en que lo grabaron durante su juventud, incluyendo sus famosas imitaciones de instrumentos (¡ese escalofriante solo de falso trombón!). Nunca tanto como en su vejez quedó claro que estos tipos eran simple y llanamente imbatibles. Tres de las mejores voces del mundo juntas con un único micrófono, como de costumbre en ellos, durante casi cuatro minutos de belleza en estado puro (¡¡y ese final!!). Si esto no te pone los pelos como escarpias, amigo, te felicito: estás oficialmente hecho de granito.

La entrada Música que deberías conocer: The Mills Brothers aparece primero en Jot Down Cultural Magazine.

Riad Sattouf (París, 1978) siempre llega a tiempo. Molesto, ácido y honesto, en El Árabe del futuro (Salamandra Graphic) usa la primera persona para retratar una juventud en Oriente Medio pasada por el filtro de Occidente. Aprovecha la infancia para describir un mundo de contrastes indescifrables. Su experiencia como hijo de francesa y sirio, entre la Siria de Hafez el-Asad, la Libia de Gadafi y Bretaña, podría resumir el conflicto religioso global -en el que las migraciones ponen en contacto pueblos obligados a la convivencia- y el choque francés entre el ascenso de la ultraderecha y el terrorismo islamista.

El sabor de las moras recién caídas del árbol en Trípoli, Libia, una abuela siria que, amorosamente, lamía los ojos de sus nietos para sacarles la dolorosa mota de polvo, las berenjenas encurtidas del desayuno, o los cadáveres de los condenados a muerte que se balanceaban por el viento colgados en la plaza pública de Homs. Los recuerdos de un niño rubio de nombre raro que dibujaba al presidente Georges Pompidou pueden ser minúsculos o brutales, íntimos o universales.

El cómic ya acumula en Francia 150.000 ejemplares vendidos, ha sido premiado en Angulema como la mejor novela gráfica del año y entre las viñetas asoma un padre, traumatizado con las guerras contra Israel, con pretensiones demócratas, pero con prácticas fascistas. Creía ser el responsable de educar al árabe del futuro, aunque en un futuro demasiado pasado.

¿Qué es 'El Árabe del futuro'?

En El Árabe del futuro cuento la historia de mi familia. Mi padre era sirio, de un pueblecito cerca de Homs, y mi madre era francesa. Se conocieron en París, donde mi padre había terminado sus estudios de Historia en la Sorbona, y después nos fuimos a vivir a Libia y más tarde a Siria, al pueblo de mi padre. En mis cómics siempre he contado historias del mundo real, describo lo que veo. Cuando estaba en Siria, como era rubio y mi madre francesa, no me consideraban un sirio de verdad. Los niños más majos me veían como un franco-sirio, y los más idiotas como un judío: como era francés, aliado de EEUU, era un aliado de Israel. Y cuando estaba en Francia, como tenía un nombre raro, me consideraban un árabe, aunque no un árabe normal, quizás no como el cliché del árabe, pero tampoco me he sentido francés. Así que siempre he observado la sociedad desde fuera, como si no formara parte de ella. De todas formas, me gusta estar en la posición del extranjero para retratar cada sociedad con una mirada lo más virgen posible. 

¿Por qué cuenta este periodo de su vida ahora? ¿La guerra en Siria ha tenido algo que ver?

Hacía años que tenía necesidad de contar esta historia, pero no encontraba el tono adecuado o la forma de hacerlo porque no me gustan demasiado las narraciones autobiográficas, en las que suele estorbar el narrador, demasiado amable consigo mismo y con tendencia a sobreestimarse. Buscaba deshacerme de todo eso. Empecé varias veces, pero lo paré, me daba un poco de miedo lo que iba a contar, hay algunos sucesos muy duros, un poco tristes. Pero cuando comenzó la guerra civil en Siria, tuve que ayudar a una parte de mi familia que vivía aún en Homs a venir a Francia. Fue justo al principio de la guerra, cuando estaba seguro de que la situación iba a degenerar y tuve muchas dificultades para obtener las autorizaciones en Francia. Así que me sentí con la necesidad de plasmar todas esas dificultades, pero para poder contarlo tenía que contar toda la historia desde el principio.

Su padre es el personaje principal de este libro. ¿Es un homenaje?

Pensé que si centraba el libro en el personaje del padre y en la fascinación de un hijo por su padre sería más interesante que el tipo que cuenta su vida. Me pareció interesante porque entonces mi padre tenía fe en la modernidad, en hacer salir al mundo árabe de su subdesarrollo, quería que el mundo árabe eligiera su destino y por otra parte era muy supersticioso, estaba contra la democracia, creía en la pena de muerte, no era para nada un demócrata. Y yo quería hablar de esa paradoja, ese conflicto que había en él entre la modernidad y la tradición, un conflicto que en realidad es universal y que voy a explorar en estos libros.

Su padre creía en el buen dictador. ¿Es un mal de su generación?

No sé si fue un mal de su generación, pero estaba fascinado por el hombre fuerte que dirige y que viene de oriente, adoraba a Hafez el Assad, el hombre que viene de un entorno modesto y se identificaba un poco con eso. Él imaginaba, por qué no, que un día tendría la oportunidad de ser presidente. Era un poco un megalómano y estaba fascinado por todos los dictadores. Mi padre me hablaba de Pinochet y Franco, yo conocía a Franco mucho antes de que nos hablaran de él en el colegio. Y es verdad que esa figura del hombre viril que dirige fue una constante que le fascinó.

Su padre creía en el árabe del futuro, una persona libre, formada. ¿Quién es ese árabe del futuro?

No sabría decirlo, tampoco quién es el europeo del futuro, el francés del futuro. El título del libro... mi padre venía de un pueblecito muy pobre, destacó en el colegio y obtuvo una beca para estudiar en la Sorbona y se doctoró allí. Luego le propusieron un puesto de profesor asociado en Oxford y lo rechazó y prefirió ir a enseñar en Trípoli, en Libia, porque quería dar al mundo árabe la educación que estimaba haber tenido. Quería participar en la construcción de árabe de mañana, del futuro. Desde su punto de vista, el árabe del futuro era un árabe formado y liberado de la religión pero él mismo, que estaba muy formado, no estaba liberado de esas creencias, el conflicto vivía en él.

¿Es importante para usted su identidad árabe?

Antes que francés o sirio siento ser muchas más cosas. Por ejemplo, soy mucho más un autor de cómic, ese es mi pueblo, mi nacionalidad. Si me encuentro con otro autor de cómic tengo la impresión de que esa es mi gente. No me siento ni sirio ni francés, no estoy vinculado con un lugar en particular.

¿Qué diferencia hay entre la visión que usted tiene del mundo árabe y la de los jóvenes franceses de origen árabe que han vivido siempre en Francia?

Creo que se trata de un problema francés el de esos jóvenes que reivindican no querer ser franceses, que consideran que Francia no ha sido justa con ellos. Quizás, simplificando, podemos decir, claro, es porque son de origen árabe. Pero creo que va más allá es un problema de cómo Francia gestiona sus inmigrantes y los descendientes de esos inmigrantes.

¿Un fracaso de la integración francesa?

No sé, creo que hay mil razones. Por ejemplo, mi padre tenía una relación muy particular con Francia. Admiraba Francia porque le había permitido venir a hacer sus estudios, adoraba la universidad, la Sorbona, la libertad que había aquí, pero tenía un enorme complejo de inferioridad con los franceses. Porque una parte de su identidad había guardado la marca de la colonización. Para él los franceses fueron quienes habían dominado Siria en los años cuarenta, los que, junto a los británicos, diseñaron las fronteras del mundo árabe. Así que tenía necesidad de ser mejor que ellos, demostrar que era inteligente. Y por eso una parte de él estaba contra Francia, cada uno tiene un motivo diferente dependiendo de su educación personal, familia...

¿Pero fue bien acogido o sufrió racismo?

Eso lo cuento en el próximo libro.

¿Y usted cree que hay islamofobia o racismo en Francia o en Europa?

Yo sólo puedo hablar de mi caso personal. Cuando estaba en el colegio, los niños se burlaban de mi nombre porque en francés Sattouf suena como un chiste en francés “sa touffe de poil” (su mechón de pelo). Pero no lo tomé como algo racista, porque era una diferencia. Nunca he experimentado una animadversión, quizás tres o cuatro veces me he topado con tipos que me dicen “mira el árabe”, pero nunca ha sido la mayoría. Quizás he tenido suerte, pero siempre he tenido la sensación de poder hacer lo que quería. Tuve una beca, estudié, mis padres no tenían mucho dinero y tuvimos ayudas sociales pero nunca he tenido la sensación de ser despreciado. Aunque reconozco que hay otra gente que sí.

Algunos consideran que el discurso nacional francés, que tiene por bandera el laicismo, tiene un tinte en el fondo islamófobo.

No tengo ninguna respuesta brillante que dar. Para mí es muy delicado responder a esas preguntas, porque cuando veo por ejemplo a un artista que da su opinión sobre la política, la economía... me enerva profundamente. ¡Habla de tu trabajo y de lo que conoces y deja de dar tu opinión sobre cosas que no conoces! Lo que pienso sobre estos asuntos creo que está en mis libros.

Pero en asuntos sensibles es fácil equivocarse. Por ejemplo, el título de mi libro, El árabe del futuro. En francés árabe es una palabra casi peyorativa, la gente de origen árabe nunca la utilizan, usan el “verlan” (el tipo de argot francés que invierte las sílabas) y dicen “rabza”, por ejemplo. Una vez vi, por ejemplo, en la librería de una estación un tipo que cogió el libro y fue a la caja a pagarlo y la chica de la caja, que parecía de origen magrebí, lo cogió y dijo: “¡Árabe! ¿Quién es árabe? ¿Qué dice este libro?”. La palabra está cargada de muchas connotaciones y es complicado.

Aunque en el libro describe recuerdos de la infancia de manera muy vívida, pero las relata sin juzgar, sin edulcorar, sin moraleja. ¿Es esa la visión de la infancia?

Cuento las cosas exactamente como tengo la sensación de haberlas vivido sin pasar por filtros ni prohibirme nada. Incluso a riesgo de que haya gente que piense que son exagerados. Esos dos puntos de vista están en el libro, el niño que descubre un mundo diferente y acompañado por una voz en off que ofrece más información y contexto al lector.

Usted publicó una tira cómica en 'Charlie Hebdo' durante 10 años, hasta ocubre de 2014. También participó en el “número de supervivientes”.

El trabajo que hice en Charlie Hebdo nunca fueron caricaturas o dibujos de la actualidad o políticos. Tenía una tira que se llamaba La vida secreta de los jóvenes, en la que contaba escenas vistas y escuchadas en la calle. Era diferente al resto de la publicación. Acabé harto de hacer lo mismo y comencé una nueva serie en Le Nouvel Obs. Yo dibujaba en mi taller y lo enviaba por email, así que nunca estuve en las reuniones de la redacción, hacía años que no había visto a los dibujantes de la redacción. El atentado me impactó profundamente como a todos los dibujantes franceses, porque todo el mundo conocía a los dibujantes de Charlie Hebdo, no eran para nada tipos que vivieran en una torre de marfil. Cabu, por ejemplo, era el ídolo de todos los dibujantes. Y cuando estaban haciendo el número de supervivientes vi en la calle a un tío que llamaba por teléfono a su colega y que le explicaba que, sea cual sea el motivo, no se puede matar a la gente. Así que este tipo, que era un cliché, y que decía lo contrario al cliché, me dio mucha esperanza y por eso quise hacer esa página y se la propuse a la redacción. Pero no voy a volver porque he empezado otra serie en otra parte.

¿Dónde están los límites de la libertad de expresión?

En mi caso personal yo nunca me censuro en mis cómics. Pero no hago un trabajo de caricaturista o político, así que nunca me he enfrentado a esa problemática. Lo que me interesa es diferente: contar historias, mis recuerdos, lo que veo en la calle. No me paro a pensar si lo que cuento va a dar una mala imagen de los árabes o de esta o aquella persona. Prefiero complicar las cosas a simplificarlas.

A Julián Hernández le gusta hablar y le gustan las entrevistas. Algo que se agradece. "Es la mejor forma de explicarse", dice entre risas al acabar la que hacemos con motivo de la publicación de su primera novela, Sustancia negra (Espasa). El líder de Siniestro Total ha dado con este libro el salto definitivo a la literatura, aunque él prefiere llamarlo ficción con modestia, y lo ha hecho con una surrealista y divertida historia difícil de definir. Desde la editorial lo hacen como neodadaísta e iconoclasta y su autor habla de cachaverosódica, un palabro heredado de su padre que da mucho juego en esta conversación sobre una España absurda en su realidad o real en su absurdo. 

Asegura que se lo ha pasado "en grande" creando esta historia en la que Insecto Palo, un anodino vecino de un bloque, secuesta a B, el inquilino del noveno, con el objetivo de hacerle una hidrotrepanación, el suplicio de la gota de agua. Paralelamente, secuestrado y secuestrador asistirán por la televisión al colapso de la civilización occidental al descubrir un cuadro de Tiziano en los sótanos del Vaticano que deja claro que Cristo no murió en la cruz. Todo tan delirante y apocalíptico como nuestra sociedad. Y, no podía faltar obviamente, con mucha música instalada en las páginas de la novela en forma de pentagrama. Si va bien, tiene claro que repetirá.

P. ¿Por qué te metes en esta aventura de escribir una novela?

R. Hay una razón fundamental: que te obliguen. Trabajar bajo presión es lo mejor que se puede hacer, sobre todo escribiendo. Un día me llamó Mario Tascón, que es muy amigo, y me pasó con Belén Bermejo y me lo propuso. Le dije que me dejara pensarlo y me dijo que no, que si lo pensaba no lo hacía. Yo ya había escrito ficción, relatos, cuentos y para fanzines, pero la verdad es que si no es por Belén Bermejo, no lo hago. No fue eso de “oh, siento la necesidad de escribir”. Para nada.

P. Pero no es lo mismo un cuento o la biografía del grupo que ya hizo que construir una novela de ficción de arriba abajo.

R. Claro. A mí me cuesta llamarlo novela. Es más bien un artefacto, una especie de chirimbolo, de coso… de ficción. La diferencia es que es más gordo, más tocho y que se entremezclan más historias. En la novela no hace falta una lógica aplastante pero sí cierto orden de los acontecimientos para que aquello no sea un cristo. No ha sido demasiado complicado echando un vistazo a las cosas que a uno le gustan, como Ramón Gómez de la Serna o series inglesas tipo La víbora negra. Las referencias son buenas para decir: "ah, se puede hacer".

P. No es nada fácil de definir el argumento de Sustancia negra, ¿cómo lo hace usted?

R. Aparece la palabra chavaresódico, que siempre he tenido interiorizada porque la usaba mi padre. Cuando la busqué, me di cuenta de que no se utilizaba. Busqué en el María Moliner, en la RAE y no estaba en ningún lado. Me di cuenta, de repente, que ya se ha muerto mi padre y no podía preguntarle de dónde la había sacado. Se lo pregunté a mi madre, que estaba viva, y tampoco lo sabía. Así que me he quedado sin saber de dónde viene, pero cachaverosódico es una cosa que es como la realidad de lo absurdo o lo absurdo tomado como realidad. Cachaverosódico sería, diría mi padre, que un orador salga a leer un discurso y lea también las acotaciones.

P: ¿Un fin de la cita?

R: Eso es. Eso se cachaverosódico.

P: Rajoy es, entonces, cachaverosódico.

R: Está claro que sí. Lo segundo ya tal, todo es falso salvo algunas cosas… es muy cachaverosódico la verdad (risas).

P: ¿Y de dónde nace esa trama del secuestro y el apocalipsis?

R: La subtrama es el apocalipsis (risas), una subtramilla de nada… Nace de la idea de hacer una especie de Las mil y una noches pero al revés, es decir, la víctima no es la que cuenta. Sherezade cuenta todas las noches una historia para salvar su vida, pero en este caso es al revés. Es el malo, el secuestrador, el que cuenta, aunque luego le pasan más cosas a B, hay flashbacks… La idea era contar historias que tuvieran relación con los dos personajes y lo que pasa en el mundo exterior es un telón de fondo, aunque algunos personajes que se implican directamente en la guerra del apocalipsis.

P: Un apocalipsis que retrata el derrumbe de una sociedad que, por otros motivos, nos suena bastante hoy.

R: Sí. No es algo tan lejano. Está ahí a la vuelta de la esquina, es la fiestecilla que tenemos preparada. Sólo es un poco de anticipación a los acontecimientos venideros en nuestra sociedad.

P: Le veo un poco pesimista.

R: Pesimista no, es un hecho. Esto se hunde. Soy más bien optimista. ¡Por fin! ¡Menos mal!

R: Pero, ¿no hay esperanza con la irrupción de escenarios como el 15M o Podemos?

R: Yo no creo en el género humano, entonces no hay esperanza. Creo en algunos seres humanos pero no como género. La historia de que haya una esperanza de redención y salvación general es muy bonita pero no creo en ella, sinceramente. Lo que sí está bien es que haya vuelcos. No sé por qué pero a la gente le encanta los cataclismos, que haya un magnicidio y cosas así, que además se utilizan de forma política de un modo execrable, pero la gente se siente como "ah, vaya. Ha pasado algo".

P: ¿Como si necesitaran un resert?

R: Sí, justamente. Que intenten vender a la gente que el riesgo de cambiar las cosas es la desestabilización, pues no. ¿Por qué no desestabilizar? ¿Cuál es la razón para que tenga que ser todo estable? El universo es totalmente inestable, todo. Nadie dura para siempre. Nada es eterno y alguna cosa se tendrá que ir algo a la porra algún día.

P: Otra cosa de estos tiempos apocalípticos que está sobre la mesa es la revisión de la cultura de la transición (CT). Siempre ha sido intocable y ahora empezamos a indagar o, al menos, a hacer preguntas. ¿Era necesario?

R: A rascar un poco, sí. Yo creo que sí era necesario. Hay un par de libros: Cultura de la Transición y otro que no es específico pero es perfecto para entenderla que es Grace Morales sobre Mecano. Es perfecto para entender cómo funcionó la CT y que había una cierta ideología política detrás. Había un halo escapista, que era necesario porque salíamos de un país gris y aburrido. De repente, surge un estallido de juerga y fiesta muy humano. Surge la fiesta democrática y para todos que está muy bien, pero no todo era tanta fiesta porque al mismo tiempo nos metían en la OTAN, Vigo tenía una crisis del sector naval brutal y teníamos al primer Borbón bueno de la historia. Era un Borbón maravilloso, un milagro de la genética. Toda una familia, que lees la historia, iba de desastre en desastre y, de repente, surge uno maravilloso. Era una falacia quod erat demonstrandum. Vivíamos en un mundo ideal, pero tenía una parte muy negra, como los GAL, que se iba colando por detrás, pero todo era maravilloso. Por eso creo que es fundamental revisar la CT.

P: Un Borbón milagroso durante 30 años.

R: Sí, sí. Recuerdo a mi padre decir siempre: "que es un Borbón, leer la historia". (Ríe) Eso de que surga uno tipo plof milagro, pues no. Es como la fábula del escorpión y la rana, está en su naturaleza. Es maravilloso pero es que soy un Borbón, no puedo evitarlo.

P: ¿Algo que habría que recordar hoy con el rey Felipe cuando hablan de imagen de cambio?

R: Sí, la publicidad es nueva pero el producto hay que verlo. A ver si por fin es el primer Borbón de la historia que surge como milagro genético. ¿Es Felipe VI el primer milagro genético de los Borbones? (risas)

P: Otra imagen muy ligada a esa CT es la de 'los intelectuales'. Esta novela puede meterle dentro del grupo de intelectuales del rock...

R: La verdad es que la palabra intelectual es jodida. Y por otro, curiosa. Siniestro Total es una idea considerablemente antiintelectual y, en ese sentido, lo de iconoclasta y dadaísta venía bien. Lo de cargarse esa intelectualidad pomposa, solemne y oficial estaba muy bien pero la palabra intelectual…. El otro día viendo una de la apariciones de Juan Carlos Monedero, con todo el barullo que tienen ahora montado, decía "yo soy un intelectual". Me quedé pensando cómo decir soy un intelectual ya es malo. Y mi chica me dijo que por qué no lo iba a decir. Y tiene razón. Intelectual está devaluado, pero quizás es bueno que lo diga ante un presidente del Gobierno que, con todos los respetos a la prensa deportiva, sólo lee el Marca. Así que, que alguien diga que lee libros está bien. Lo que pasa es que rock e intelectual parece un oxímoron. Eso no. (Risas)

P: Aunque ya ha publicado otros libros, ¿esta incursión en la literatura le ha descubierto un género más cómodo o con más reconocimiento que la música?

R: Hombre, mejor llámalo ficción que literatura. Escribir letras para canciones era indispensable para que la gente se fijara en la música y comunicar. De ahí a liarte y escribir más, es la misma historia. No creo que sea más respetable una cosa que la otra. Sí lo parece, pero no lo creo así. 

P: ¿Y como industria hay mucha diferencia?

R: La industria de la música en España está prácticamente desaparecida. Eran muy distintas. En el momento en el que las industrias discográficas ganaron auténticas barbaridades de dinero con el cambio al CD, veías los coches aparcados a la puerta de una multinacional y sólo uno de ellos valía más que todos los coches que tenía todo el grupo. En cambio, la gente de las editoriales iba en autobús al curro. Eso ha hecho también que el libro haya sobrevivido un poco  mejor que el boom del Cd, que se fue luego a la porra. De todas formas, todo es industria cultural y se trata de comunicar y difundir.

P: Esa industria musical, siguiendo con el lenguaje político, que parece que vivió por encima de sus posibilidades, ¿qué se ha hecho mal?

R: Lo de la industria discográfica es irrecuperable tal y como la vivieron en el momento del CD. El CD era baratísimo, lo vendieron carísimo y timaron a todo el mundo. Vendieron toneladas. Los Beatles vendieron más en CD que lo que habían vendido en vinilo en los años 60, que ya fueron barbaridades. Se ganó un dinero exagerado y no hay recuperación. Estamos en otro punto en el que habrá que establecer cómo va a ser el Spotify del futuro, cómo se va a comprar la música… pero la vuelta atrás no existe. Existirá el vinilo pero para poca gente, como ha sido siempre.

P: Cómo abordar el futuro parece el debate pero al autor se le excluye. 

R: Sí, nos ignoran. Es complicado. Lo de la música siempre ha sido una esclavitud. Las relaciones de contrato, la propiedad de los masters… y ellos tienen un poderío y un equipo de abogados contra los que no se puede luchar. Cuentan con eso. Los músicos siempre hemos sido el último eslabón de la cadena social. La modernización y que sea global es lo fundamental, porque antes cada país podía hacer sus cosas, pero hoy no puede ser que aquí haya un 21% de IVA y en Noruega un 5%, porque no podemos competir. Tenemos que competir en igualdad. Si las propias administraciones de un país se cargan la posibilidad de competencia, entonces la hemos cagado con todo el equipo. 

P: ¿Cree que el Gobierno bajará el IVA en plena campaña electoral?

R: Estas cosas se utilizan como demagogia y trucos, pero hay que medir. No se pueden cargar las cosas y llegar luego como salvadores. 

P: ¿Es verdad eso de que cualquier tiempo pasado fue mejor en el respeto por la cultura y el reconocimiento político y ciudadano?

R; No. Siempre ha sido más o menos igual. Aquí se empeña mucha gente en decir que España es un país muy musical y es falso. La música, por ejemplo, es una maría en los colegios e institutos mientras que en ese país que les gusta tanto, Suiza, es obligatoria en todos los niveles de la educación. Hay que aprobarla de verdad.

P: ¿Como la religión aquí?

R: Más o menos, su religión es música. Y eso marca una diferencia considerable. La música siempre ha sido en España algo tangencial. Óscar, el bajista de Siniestro, siempre cuenta que cuando dice que es músico le dicen "ya, pero y en qué trabajas". (risas). Si eso no se entiende desde las administraciones, la gente en la calle no va a percibir que la música y la cultura tienen una entidad.

P: Siniestro Total ha cumplido 33 años, la edad de Cristo. Tras los conciertos de enero con Patones, ¿en qué andáis?

R: Publicamos un disco directo grabado en La Iguana y ahora sacamos singles virtuales en cuanto tenemos un par de canciones.

P: ¿Es la forma de trabajar hoy? ¿El single está desplazando al álbum?

R: El álbum, como lo entendíamos, ya no sirve de nada. Ahora tienes la opción de ir sacando canciones poco a poco. Si luego tienes muchas, puedes sacar un vinilo bonito pero de entrada vamos sacando las canciones a medida que las tenemos. Si tenemos tiempo o dinero para entrar en un estudio de grabación, lo hacemos. Y lo hacemos al margen de discográficas. No tenemos otra opción. En el fondo es lo que hacían los Beatles, sacaban singles durante todo el año y a final de año, haciendo dos o tres canciones más sacaban un LP. Creo que es un concepto muy pop y del origen del álbum, pero cuando llegaron los álbumes conceptuales y toda la pesca parecía que si grababas un single eras un cutre. El consumo hoy es mucho más inmediato y hemos perdido el miedo a ese concepto de que todo lo que no era una superproducción, era una mierda. Eso se ha acabado y ha hecho a la música más accesible y manejable. 

«¡Bada bing, bada bang, bada bum!»

Slut shaming is one of society's favorite forms of policing female sexuality. Cristen and Caroline explore the history, science and psychology of slut shaming, and why it's often a girl-on-girl pattern.

En el año 1956, en un pequeño pueblo del estado de New Hampshire, nacía un chiquillo llamado Jesus Christ Allin. El particular nombre de la criatura era culpa de un padre bastante hooligan de la Biblia que aseguraba haber recibido la visita de Jesucristo para comunicarle que su nuevo hijo «sería un gran hombre al estilo del Mesías». Lo cierto es que si esa afirmación divina hubiese incluido además las palabras «sangre», «mierda» y punk rock no habría ido muy desencaminada del destino real del querubín.

El mundo está lleno de cosas hermosas, esta historia no es una de ellas. Los estómagos tiernos harían bien en evitar la digestión pesada y soez que viene a continuación. Y todos los demás deberían ajustarse las gafas de buceo porque ahora mismo están trepando por la escalera del trampolín que antecede a la zambullida en una piscina de la más hedionda mugre.

Esta es la historia de GG Allin.

El último mesías

Jesus Christ Allin era el segundo hijo del matrimonio entre Merle Colby Allin y Arleta Gunther. Tres años antes la pareja había concebido un bebé varón que se había librado del bautismo con temática bíblica al recibir un nombre que optaba por el copia-pega paterno: Merle Colby Allin Jr. O el hermano mayor de la figura que nos ocupa y también el creador involuntario de su nombre artístico al ser incapaz de pronunciar correctamente la palabra «Jesus» y dirigirse a a su hermanito llamándolo «Je-Je», una denominación que evolucionaría en el apodo mucho más estilizado de «GG».

La dicción no sería el más grave de los problemas de la familia Allin, los infantes GG y Merle vivían en una cabaña sin electricidad ni agua corriente por decisión de su padre, un überfanático religioso que impedía a su mujer e hijos llevar a cabo demasiado contacto con el mundo exterior y cultivaba el preocupante hobby de cavar tumbas cuyo número coincidía con el de la unidad familiar, algo que empezó a levantar sospechas ente Arleta y sus dos retoños sobre la viabilidad de conjugar un futuro perfecto. Tras algún intento de fuga, frustrado por un padre que utilizaba a GG como rehén, Arleta acabaría escapándose de las garras de Merle Colby Sr y llevándose a los niños al estado de Vermont. GG Allin resumiría esos primeros años de vida como un infierno dominado por una entidad paterna con aires de psicópata asesino que les trataba como prisioneros.

Al llegar a la escuela Arleta decidió cambiar el nombre de Jesus Christ Allin por el de Kevin Michael Allin para evitar que la criatura se convirtiese en un aparcamiento de collejas. El chaval abordó la vida escolar tropezando con todo: al ser mal estudiante y repetidor acabó sentando el culo tras los pupitres de las clases de educación especial y comenzó a regar el odio por la sociedad en general. En sus años de instituto decidió asistir a las aulas vestido de mujer inspirado por los New York dolls y dedicarse a otro tipo de cosas menos sanas: vender droga, allanar casas ajenas y robar todo lo que era posible.

The sound of music

Esto es pura basura, es decir punk, tan crudo que creerás que tu estéreo está roto. No existe ni una gota de intelecto, talento o innovación en este disco. Las letras son estúpidas y ofensivas. Lo recomendamos. (Crítica de Boston Rock al primer sencillo de GG Allin & The Jabbers, 1979).

El tonteo con la música comenzó de manera temprana, GG Allin arrancaría como batería en el grupo Little Sister’s Date, efímera formación adolescente que versionaba tonadillas de Aerosmith o Kiss. Después fundaría Malpractice, un grupete con el que llegaría a publicar un sencillo pero que tendría una breve vida en activo, según el propio Allin por ser una agrupación «adelantada a su tiempo», algo así como Marty Mcfly en el Baile del Encantamiento Bajo el Mar. Durante aquellos primeros pasos en el mundo artístico Allin aún era un ser de luz, idolatraba a los Beatles, Iggy Pop y The Rolling Stones mientras llevaba una vida personal razonablemente normal: casado con su novia del instituto, con un trabajo corriente y respondiendo al nombre de Kevin si no estaba subido al escenario. Con sus baquetas recién alistadas en la banda The Jabbers, donde se facturaba una mezcla de hardcore punkarra y power pop, comenzó a ejercer de cabecilla de los shows en directo y a dejar crecer su megalomanía: en el primer álbum completo que publicaron (Always was, is and always shall be) Allin decidió eliminar el «The Jabbers» de la cubierta y sustituyó la foto grupal por una propia con cara de gigoló rockero. Un dato revelador es que en la actualidad parece que existe un mayor número de copias de aquel disco autografiadas que limpias de rúbrica alguna, presumiblemente porque las ansias de besar la fama llevaron al cantante a pasear el bolígrafo sobre todas las que pudo. A mediados de los ochenta el resto de componentes decidieron desintegrar la empresa cuando fueron conscientes de que un Allin enganchado a la heroína, devorador de pastillas ofrecidas por su público, amigo de hacer la croqueta sobre cristales rotos durante las actuaciones y con una afición preocupante por visitar la cárcel, estaba empezando a desbocarse demasiado y su perfil apuntaba a lo que se conocía técnicamente como «estar mal de la puta cabeza».

Durante aquellos años GG alternó su posición en The Jabbers con varios berreos en otros grupos. Colaboraría en álbumes y sencillos con Wayne Kramer y Dennis Thompson, de Motor City Five, o Emily XYZ y con agrupaciones de elegante nombre como The Scumfucs, The Texas Nazis o The Cedar Street Sluts. Pero pese a vomitar unas cuantas decenas de temas y ser bastante activo en los bajos fondos del underground el incidente que estaba a punto de hacerle despegar tendría poco que ver con la batería de temas producidos. Porque a la hora de hablar de Allin como músico lo menos importante es hablar de su música: su legado es en su mayor parte una montaña de ruido grabado en condiciones lamentables e incluso las piezas producidas durante la época Jabbers, donde el cantante aún tenía una voz más cercana al ser humano y menos a la rata torturada, eran cortes pegadizos pero sencillos que pasaron de puntillas por la historia. No, para hablar de la leyenda de Allin no es necesario mencionar su producción musical sino explicar que existió un punto de inflexión en su vida: el momento mágico en que en una pequeña ciudad de Illinois el músico decidió generosamente desnudar su alma, revelar sin tapujos el auténtico interior de la estrella de rock y lograr fundirse en un todo con el público en la comunión definitiva entre la audiencia y el artista. En 1985 GG Allin cagó como un aspersor sobre la audiencia.

Once you pop you can’t stop

A mediados de los ochenta, GG se arrastra entre drogas y botellas por la casa infestada de cucarachas de Bloody Mess, músico y colega de tropelías con cresta envidiable, hábitos higiénicos cuestionables y afición por prenderse fuego al propio cabello durante sus directos. Ambos decidieron participar en una actuación en Peoria (Illinois) y se embarcaron en un autobús como alegres colegiales en una excursión. En una de las paradas del viaje a Allin se le ocurrió comprar una caja de laxantes para dar más color a su número musical y acabó decidiendo que lo más coherente era tragárselos todos de golpe en ese mismo momento; como consecuencia de aquella feliz idea el hombre se pasaría el resto del día con las piernas hechas una trenza, apretando la escotilla de descarga y sudando mucho. Una vez en el local Allin contendría el revolucionado tránsito intestinal mientras esperaba su turno para abordar el escenario porque su intervención venía precedida de un grupito (Caustic Defiance) más light y conocido localmente que era el culpable de la masiva asistencia de público adolescente. Tras el show principal la veintena de jóvenes presentes, aquellos que aún no habían abandonado el local para asistir al botellón celebrado en el parking, contempló a un hombre abordar las tablas vestido únicamente con una bata y un suspensorio con un CÓMEME apuntando al pito escrito en la goma. El caballero acarreaba consigo un radiocasete y una cinta instrumental (porque Allin consideraba que no era estrictamente necesario ir de gira con una banda completa cuando era posible aprovechar las ventajas de la tecnología) que diligentemente puso en marcha antes de acercarse al micrófono. De manera sorprendente fue capaz de escupir unas cuantas estrofas antes de que los intestinos le anudasen definitivamente las entrañas y tomara la firme decisión de bajarse el taparrabos, apuntar a la audiencia y sacar lo peor de sí mismo.

Lo que sucedió a continuación tiene aires apocalípticos y debería de imaginarse con la cámara lenta activada y el movimiento «O Fortuna» del Carmina Burana sonando de fondo: una manguera de caca punki arrojó un portentoso caudal a presión repintando medio local y provocando en la chavalada presente una reacción similar a la de un nazi al abrir el Arca de la Alianza. El hedor golpeó como una onda expansiva a tres estados contiguos y Kevin Brashear, encargado de sujetar un micrófono delante del radiocasete, evocaría el momento desde su punto de vista privilegiado, en cuclillas de cara al público y a la vera del artista, con palabras poéticas: «¡GG estaba tirando mierda hacia todos lados!». Entre gritos de pánico y arcadas se produjo una estampida salvaje de gente huyendo de aquella personificación del terror más puro al mismo tiempo que los dueños de la sala con las cejas y las blasfemias en órbita se abalanzaban a toda velocidad contra el cabrón transmutado en surtidor para recriminar amablemente su comportamiento a base de una lluvia de hostias. Pero Allin optó por la estrategia defensiva elaborada y comenzó a rebozarse en sus propias heces. Cuando los encargados y los camareros del local llegaron a su posición ninguno se atrevió a ponerle la mano encima a aquel tarado barnizado de mierda y nadie parecía tener a mano un palo para azotarle desde una distancia prudencial. GG Allin y Bloody Mess escaparon en la furgoneta de la madre de Brashear justo cuando la policía estaba llegando al lugar del crimen y los adolescentes presentes se apilaban en las afueras del local con los ojos llorosos preguntándose unos a otros si existía un Dios. Brashear tardaría semanas en erradicar el olor del vehículo de huida, Bloody Mess se llevaría a casa el micrófono cubierto de excrementos , GG acababa de fagocitar a Kevin Michael. Nacía el poop punk, nacía el asco y la infamia.

Lo que sucedió a continuación es un encomiable descenso al alcantarillado del buen gusto, si poco tiempo antes el cantante ya era conocido como el «chalado de Manchester» de aquí en adelante haría todo lo posible por elevar a once esa afirmación: se embarcaría en una gira con un Bloody Mess que viajaba armado con una cámara de plástico disparando fotos a todo como un crío en Disneylandia y ambos convertirían la ruta en una excursión salvaje empapada de drogas, materia fecal, vómitos, visitas a bares de travestis, cunnilingus a fans en los pasillos de hoteles y cabezas de skinheads reventadas. En aquel momento asistir a un concierto de GG suponía contemplar un espectáculo grotesco en el que un hombre desnudo defecaba en directo, practicaba la coprofagia, te arrojaba sus deposiciones a la cara, se cortaba con cristales, golpeaba el micrófono contra su calavera hasta chorrear sangre y propinaba hostias aleatorias a su propio público. También implicaba la certeza de que el recital nunca llegaría a completar el setlist previsto porque en la mayoría de los casos antes de que eso fuera posible la policía, los responsables del evento o el público intervendrían de un modo u otro. La banda de inadaptados que asistía a sus actuaciones también demostraban cierta clase y finura: en uno de sus shows el mesías del rock infame cayó inconsciente a causa de las drogas y su audiencia decidió agradecerle la dedicación propiciándole una paliza considerable a su cuerpo inerte. Un anónimo en internet aseguraba que su banda llego a coincidir con el cantante durante una prueba de sonido previa a un evento en la que Allin llegó a ensayar un par de temas antes de tener el detalle de bajarse los pantalones y plantar un pino en el suelo, algo admirable al tener en cuenta que estamos hablando de un mero ensayo sin público alguno. Si esa anécdota es real de lo único de lo que no se podría culpar a al showman es de falta de constancia.

GG Allin se autoproclamó el último rock and roller auténtico. Idolatraba el country y en especial a Hank Williams. Malvivía como una rata sin ningún tipo de posesiones más allá del suspensorio, la chaqueta y cosas como aquel casco nazi con el que fue a rendir sus respetos a Johnny Cash, solo se duchaba por error, sentenciaba que la sociedad y el rock estaban devorados por el corporativismo pero que menos mal que estaba él ahí para devolver al género a sus raíces a base de cagar sobre el escenario. Su obsesión con los asesinos en serie le llevó a cartearse y hacerse amiguito de John Wayne Gacy, el payaso asesino responsable de la muerte y violación de una treintena de niños que sería ejecutado por inyección letal. El propio Gacy diría del cantante que era un buen chico, pero que olía como el demonio, una afirmación a la que hay que otorgarle los bonus points de salir de boca de un puto psicópata. En 1989 Allin declaró al fanzine Maximum RocknRoll que llevaría lo extremo al límite durante el día de Halloween de ese mismo año al suicidarse en el escenario durante uno de sus conciertos, pero finalmente la fecha señalada le pillaría encerrado en la cárcel. Continuó declarando lo mismo durante cada año venidero pero no tuvo la suerte de cumplir su sueño: la víspera de Todos los Santos siempre le sorprendía contando rejas.

Hated

A principios de los noventa un estudiante de la New York University Film School abandonaba la carrera para centrarse en la dirección de Hated: GG Allin and the Murder Junkies, un documental (que se puede ver aquí) sobre la gira que Allin llevaría a cabo junto a los Murder Junkies tras cumplir condena en la cárcel por agredir a una mujer y beber su sangre durante un encuentro sexual. Ese exestudiante de cine se llamaba Todd Phillips, y sería el futuro responsable de cosas como Road Trip, Aquellas juegas universitarias o la trilogía rompetaquillas de Resacón en Las Vegas. Y aquella intrépida aventura underground en forma de documental le llevaría a filmar cubierto con un chubasquero diversas actuaciones infames de los Murder Junkies con el chalado frontman amigo de la repostería intestinal haciendo de las suyas. También registraría varios eventos miserables como aquella performance en la Universidad de Nueva York donde Allin decidiría que lo que necesitaban los jóvenes estudiantes era ver a un adulto metiéndose un plátano por el culo. E introduciría al público al hermano de la estrella: Merle, encargado del bajo en la formación y jardinero de un imposible bigote del inframundo. Y a Dino Sex, el zumbado y pervertido batería que primero trataba de justificar su afición por tocar en pelotas sin tener muy en cuenta que una condena por exhibicionismo pasada le hacía pocos favores a su alegato, y a continuación intentaba convencer al espectador de que la obra de GG Allin era un canto a la paz mundial y no un esperpento protagonizado por alguien que se empana en su propia mierda. Phillips contemplaba todo aquello como quien asoma la cabeza a un accidente de tráfico protagonizado por payasos de circo, con más curiosidad que respeto y tirando de la guasa: se pasaba por el forro la petición de uno de los entrevistado de eliminar en el montaje el nombre de una prostituta contratada para escanciar su propio pis sobre el cielo de la boca del punk rocker (un metraje casero que también se ha incluido en la película). Y decidía ilustrar las palabras de un narrador que mencionaban la extrema fidelidad de los fans de Allin con la instantánea de un hombre cuya boca estaba ocupada por el pene de un GG con pintas de estar inconsciente. Un pene que, todo sea dicho, sería muy punk pero tenía una presencia casi testimonial, algo que proporcionaba bastante comicidad e incertidumbre a las actuaciones del caballero.

Finalmente la bestia protagonista del film asistiría a la proyección pública de un primer montaje de la película y lo haría con el piloto en modo de vuelo: arrojando cervezas contra la pantalla, hiriendo con una de ellas a otra espectadora, y escapando del lugar antes de que apareciera la policía.

El último punk

Presentadora: ¿Es usted feliz consigo mismo?
GG: Soy hermoso.
(Última entrevista televisiva de GG Allin en 1993).

El 27 de junio de 1993 Allin ofrecía un concierto en una pequeña sala de Manhattan cuando el show se suspendió por razones inciertas. Aquello provocó que el artista saliese a las calles desnudo y con una capa de caca como chaqueta para acabar arrastrando a sus seguidores de paseo hasta una fiesta improvisada en casa de Johnny Puke. En algún momento durante aquel guateque Allin palmaría por sobredosis de heroína entre un grupo de colegas que al creerlo borracho y desmayado decidirían sacarse unas cuantas fotos junto al cuerpo cuando este ya estaba siendo abrazado por la parada cardiorrespiratoria. Poco antes, en otra de sus intervenciones televisivas, se había presentado ante la audiencia estadounidense como dueño del destino de los niños de los espectadores mientras se regodeaba explicando que durante sus actuaciones se había zumbado tanto a niñas y niños menores de edad como a animales domésticos poco escrupulosos.

Para su funeral, del cual también existe testimonio visual, su hermano Merle dio la orden de no lavar ni arreglar el cadáver y el chalado de Manchester abandonó este mundo en su caja de madera engalanado únicamente con su clásico suspensorio, su chaqueta de cuero, una botella de Jim Beam (tal y como había solicitado en la balada «When I die») y un walkman con una cinta de sus canciones. Los asistentes a la despedida remataron el espectáculo grotesco aportando el lazo distinguido: bebiéndose el whisky durante la celebración y devolviendo una botella vacía al féretro. A día de hoy los fans (o detractores, a saber) de GG visitan regularmente su tumba para verter en la lápida bebidas alcohólicas, orines propios o directamente defecar sobre ella como quien lleva flores a sus seres queridos.

En el año quince después de Jackass, tras haber contemplado los desbarres de Mayhem y a unos niñatos como Bloodhound Gang reciclando vómitos en el escenario, todo el tema de la escatología festiva resulta bastante menos sorprendente. GG Allin está lejos de ser un héroe o una figura legendaria inadaptada a la que venerar. Porque partirse los dientes con el micrófono y obrar en público para después hacer malabares con el quinto elemento realmente tiene muy poco de acto de valentía y mucho de ser un auténtico gilipollas insalubre. El cantante, a pesar del discurso de alma libre y salvador del R’n’R que promulgaba en aquel manifiesto vital redactado en prisión, dejaba claro en otros diarios carceleros, recogidos en el libro GG Allin: Prison Wars, que en realidad era un adolescente enfadado con el mundo. Uno que garabateaba guarradas ofensivas como un colegial sobre su carpeta y que evidenciaba hábitos masturbatorios de frecuencia similar a los de un primate salvaje, algo que se deducía por aquellas páginas donde el verbo jerk era utilizado casi como signo de puntuación. Un ser despreciable, repudiable y asqueroso que se calificaba a sí mismo como templo del rock and roll y justificaba sus actos resolviendo que sus fluidos corporales eran la manera de entrar en comunión con el público. En la era actual a todos esos protopunkis teenagers y postpunkis cuarentones que se creen muy rompedores proclamando la conducta antisocial entre sus contactos de Facebook o Twitter habría que recordarles que GG Allin murió como una babosa mientras sus amigos se hacían selfies con su cadáver, y que no existe nada más punk que eso. Ni nosotros necesitamos que exista, con un mesías de la infamia hemos cubierto nuestro cupo de heces para un par de generaciones más.

Que te jodan allá donde estés, GG Allin.

La entrada GG Allin: mesías de la infamia aparece primero en Jot Down Cultural Magazine.

Trescientas horas de entrevistas grabadas. Dieciocho meses de intenso trabajo. Un volumen que roza las mil páginas. Más que una historia oral de la música indie, parece que estemos ante una producción de Cecil B. De Mille, maestro de las epopeyas bíblicas de Hollywood. Hablamos de Pequeño Circo (editorial Contra), un libro que se nutre de recuerdos, cotilleos y análisis relacionados con la música independiente de los noventa en el estado español.

El indie fue una escena cultural tan modesta como influyente, germen de una sólida red de festivales, la moda de los anuncios cool y la hegemonía estética hipster. 

El veterano periodista Nando Cruz ofrece un detallado censo de aquella fiebre musical y plantea debates que trascienden lo musical. Los resultados van desde el destape de "pufos" económicos hasta el cantante de Los Planetas dejando caer que todo aquello fue un precedente de la protesta social del 15M (su lógica es más psicodélica que política, todo hay que decirlo).

El propio autor nos desvela las claves de este meritorio trabajo, que se publica el próximo 18 de marzo.

Uno de los títulos que tenías pensado para el libro era ‘Por favor, págame’, por la falta de honestidad de muchos empresarios indies. ¿Cuál es la historia económica que más te ha descolocado?

Lo que más me ha sorprendido es que en esa época los músicos no hablasen entre sí de dinero. Esa absurda discreción ha facilitado prácticas injustas hacia los grupos que en algunos casos llegan hasta hoy. Tampoco esperaba la cantidad de historias distintas que me han contado sobre el sello Acuarela.

Manuel Torresano, de discos Siesta, dice que ha visto "más comportamientos repugnantes" en la escena indie que en las compañías multinacionales. ¿Estás de acuerdo?

Torresano habla de engaños a la hora de pagar royalties. Su explicación es razonable y creíble: el jefe de un sello indie juega con su propio dinero cuando regatea pagos a un grupo, mientras que el que echa cuentas de los royalties en una multinacional no se va a quedar esas cantidades. Dicho esto, las multinacionales tienen mecanismos más elaborados para acaparar la mayor parte de beneficios que genera un disco.

 

Y esto es así desde que firmaron el primer contrato discográfico con un músico de blues. Una historia que me sorprendió es el chantaje de la editorial Warner Chappell a Australian Blonde. Pidieron al grupo que les cediesen los derechos de todo su catálogo a cambio de  salir en un anuncio de Airtel cantando My Way, original de Paul Anka, que pertenecía al catálogo de Warner. Al no acceder, ese anuncio lo grabaron Los Piratas.

El músico y promotor Juan Santander vincula la creación de la escena de festivales indies a la burbuja inmobiliaria. ¿Qué opinas de esta acusación?

Solo puedo decir que la industria del directo es una de las más opacas. Conocemos, por ejemplo, por cuánto dinero renovó el otro día Busquets con el Barça. En cambio, nadie sabe qué cobrarán este año The Strokes, The Chemical Brothers o The Prodigy por tocar en los festivales. A partir de ahí, la música en vivo en general y los festivales en particular son ámbitos donde las cuentas se pueden cuadrar de mil maneras porque un artista puede costar ocho u ochenta. Y no es un secreto que muchos promotores han hecho el agosto y aún viven de montar festivales a ayuntamientos manirrotos.

Otra de las tesis centrales es que el indie tuvo un espacio mucho más destacado en los medios de lo que merecía por el volumen de público que lo apoyaba. ¿Dirías que se puso en primer plano del escaparate mediático porque era una música inofensiva, que no creaba problemas políticos?

El indie se puso en primer plano porque era la música que gustaba a la gente que escribía en esos medios, porque estéticamente no era tan molesta como se suponía y porque tenía una apariencia de modernidad. Su docilidad fue la guinda que permitía hablar de cosas 'alternativas' sin que fuesen conflictivas de verdad. Cubrió un hueco, la cuota de lo rarito y minoritario, taponando con su presencia otras músicas realmente conflictivas, críticas y con más público.

También hay muchas voces en el libro que coinciden en el escaso nivel artístico de los indies. ¿Cuál es tu opinión al respecto?

En la revista Rockdelux dicen que, a pesar de ese bajo nivel, valió la pena apoyarlo y que volverían a hacerlo con el mismo entusiasmo. Esa obstinación me impresiona. Ahí yo no puedo estar más en desacuerdo, pese a haber sido tan culpable como el que más de fomentar la burbuja indie desde los medios en los que escribí. Fue un gran error, y no porque al final no generase suficientes discos memorables, sino porque aquella escena transpiraba unos valores que entonces asumí sin rechistar y que hoy no comparto en absoluto: sobre todo el elitismo, la anglofilia y la ausencia de una mirada social crítica.

Varios entrevistados coinciden en señalar carencias en Radio 3. Por ejemplo, que en algunos programas importaban más los egos que la difusión musical. ¿Dirías que la emisora incumplió su labor como servicio público?

Radio 3 favoreció un tipo de música en detrimento de muchas otras. Todavía es así. Por mucho que en la parrilla haya programas especializados en otros estilos, lo indie sigue copando buena parte de la programación. Más allá de las peleas entre Jesús Ordovás y Julio Ruiz (que eran peleas por ser el más indie del corral), lo más llamativo es que ambos coincidan en que Radio 3 se dirige y debe dirigirse a un sector concreto de la juventud: el de perfil universitario. Eso ya hace imposible que Radio 3 cumpla su cometido como servicio público para todo un país. 

El libro aborda el intento fallido de muchos grupos indie de sonar en radiofórmulas. El retrato que queda de Los 40 Principales en los años noventa es el de una emisora corrupta, donde se programa en función de sobornos como viajes de lujo o inserciones de campañas publicitarias. ¿Qué credibilidad le otorgas a este retrato?

Los directivos de esta emisora han tenido que responder a estas acusaciones de los periodistas desde los años ochenta. Debo puntualizar que en el libro no aparece la palabra "soborno" ni una sola vez. Y no porque yo la haya eliminado, sino porque ninguno de los entrevistados la ha llegado a pronunciar. Hablan de "regalos", "inversiones publicitarias", "cambalaches"… Y quien utiliza estos tecnicismos no es el guitarrista despechado de un grupo indie, sino gente que trabajó muchos años en RCA y Sony; incluso personas que formaban y aún forman parte del conglomerado Prisa. Son demasiadas voces apuntando en una misma dirección. Lo que retrata ese capítulo es una escena que aspiraba a sonar en Los 40 y una emisora que no tenía ningún interés por el indie, pues intuían que esa música no tenía calado social. Justo la situación contraria que pasaba con Extremoduro, donde la emisora quería que sonasen y el grupo se negaba.

Otro problema que señalas es la falta de tejido cultural en España. Lo que tenemos es un panorama con unos pocos triunfan a lo grande (Dover, Los Planetas…) y un montón de artistas precarios a los que no les alcanza para vivir. Apenas hay clase media.

Lo que tenemos es un circuito. Y si no existiera ese circuito, te lo monta una cervecera en un santiamén. Lo que falta es un tejido, que es algo muy distinto. Un tejido independiente es algo que puede existir por sí mismo y sin necesidad de un gran inversor. Hoy todo corre peligro de hundirse si a un sponsor o a un ayuntamiento se le gira una tuerca y decide no invertir. Es un espejismo. Un circuito puede ser simplemente la posibilidad de tocar durante dos semanas en doce salas... a las que luego no va nadie. Por tejido entiendo más bien un público interesado de forma natural por un tipo de música e implicado de una forma que va más allá de pagar la entrada. Eso en el indie apenas existió y ahora tampoco. Y es así porque en los noventa, cuando el indie brotó como una escena pretendidamente alternativa, no fue capaz de construir ese circuito alternativo que con los años quizás sí se hubiese transformado en un tejido.

Libros similares sobre escenas más amplias, por ejemplo el punk neoyorquino o el hardcore estadounidense, se quedan en quinientas y pico páginas. ¿Por qué una historia oral del indie español necesita mil?

Porque quise escribir dos libros. El encargo de la editorial Contra era hacer una historia oral del indie. Yo quería aprovechar para explicar, a través de sus protagonistas, por qué el indie en España parecía tanto y fue tan poquita cosa. En realidad, Pequeño circo son dos libros en uno. La primera parte explica cómo surgió toda aquella escena y la segunda expone la trastienda del indie y detecta las grietas del edificio. No quería escribir un libro de batallitas (aunque las hay y muchas) ni un elogio de aquella época, sino construir un relato crítico que, además, diera pistas de cómo hoy la escena y la industria musical son las que son.

We're busy little bees running around GDC meeting with developers and checking out cool games, but this is just a quick heads up that the latest update for Pixelbite's tactical dual-stick shooter Space Marshals [$4.99] is now available as a free update in the App Store. The update adds Chapter Two to the game, which includes new weapons, new gear, new missions to complete and new enemies to defeat. Check out the trailer.

If you haven't checked out Space Marshals already, you really should if you're looking for a dual-stick shooter with a tactical edge that's not just a mindless blast-a-thon. I mean, don't get me wrong, I LOVE blast-a-thons, but this is a very refreshing take on an overdone genre on mobile. We loved it in our review. There's a Chapter Three in the works too, so look forward to that hitting sometime in the future and enjoy this latest Chapter Two update to Space Marshals.

LOS JAMBOS son un grupo de Pamplona, formado por Txema Maraví (Napoleon Dynamite, Situación Kritika, Wee Musgo y No Band) e Iñigo Maraví (Morlans) y Tamu Tamurai (Los Ginkas, Foralettes y Los Karatekas).

Su música es una excitante combinación de pop, garage, surf, punk y salvaje rock’n’roll. Sus canciones son como un día soleado en la playa practicando surf, excitantes, divertidas, frescas y muy energéticas.

Las letras cargadas de fantástico humor nos hablan de pijoflautas, tetorras, patas de conejo, lindas niñas, cabezas de chorlito, medicocres en la universidad,…

Hay que ver los desternillantes, terroríficos, eróticos, bailongos y originales vídeos que se marcan para sus canciones, creemos que el maquiavélico artífice de ellos es Txema Mariví, sonrisas aseguradas.

Tienen publicados dos referencias digitales y un 7″ de vinilo en el sello Cantabric records.

Los directos prometen juerga, sonrisas y mucho rock’n’roll.

DISCOGRAFíA:

- Los Jambos Lp (2014)
– Los Jambos 7″ (2014 Cantabric records)
– Los Jamnos Ep (2013)

Los Jambos Bandcamp

Los Jambos canal Youtube

(Pincha en el reproductor superior para escuchar o descargar el programa)

El Despacho del Dr. Venkman, como lugar dedicado a tratar las terapias más delirantes y las neuras más divertidas, recibe a un “paciente” de lujo, José Viruete.
Hablamos de la cultura ochentera, de la nostalgia bien y mal entendida, de los primeros foros de debate en internet, de las páginas webs dedicadas a nuestras aficiones mas frikis o minoritarias, que ahora son mayoritarias o incluso “mainstream”, y nos detenemos en los distintos proyectos que ha realizado Viruete.

Desde la página web de www.viruete.com hasta el podcast de Campamento Krypton, pasando por la web Dreamers, su colaboración con Telecinco, el divertido CineBasura de Canal + Xtra con Paco Fox… La carrera de Viruete ha estado ligada de manera evidente a la evolución de la cultura más friki o underground en internet.
Toda una lección de historia reciente, imprescindible para entender el gran momento friki que vivimos ahora, dentro y fuera de Internet.

Los integrantes de El Despacho del Dr. Venkman (Antonio Vuarnet, Gaby Thurman y Marco Oso170) han estado vinculados, de una manera o de otra, a toda esa cultura friki de internet, a ese mundillo de foros, debates, noticias y eventos relacionados con los comics, la música, los videojuegos, los eventos más subculturales o alternativos, superhéroes casposos en televisión, videoclub… Todo un mundo que nos ha encantado recordar gracias a Viruete, al que damos las gracias por haber participado.

Bonus: El apartado musical está formado por algunas de las canciones del grupo de Viruete, Calipo A.
Y también hablamos de parodias porno de superhéroes, claro.

Canal Osera (@CanalOsera)

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Punk-fired rock ‘n’ roll classicist Ezra Furman has just announced his biggest London headline show to date, at O2 Shepherd’s Bush Empire in October, where he’ll know doubt be playing tracks off his new album. Full details below.

Ezra Furman will be releasing his sixth album on Bella Union this summer. His last album Day of the Dog was the crystallisation of four cult albums and a lot of touring to half empty rooms, but after extensive coverage on BBC6, people have started to take note.

The songs on that acclaimed album are all sinew with no filler and if you’re into the Modern Lovers and Violent Femmes you’d do well to take a listen – assuming you haven’t been introduced already. For all those who already know and love this cross dressing waif the news will surely cheer up a depressing midweek morning.

His next, as yet untitled, album is set for release this summer through Simon Raymonde’s label and will feature his band The Boyfriends whose expertise in defining his sound can’t be underestimated.

There’s been a London gig announced at 02 Shepherds Bush Empire, his biggest to date, but that isn’t until 22^nd Oct. As if to rub it in, a new track titled Restless Year has been released that will scratch your itch for two and a half minutes.

Pre sales go on sale tomorrow (5^th) and are on general sale Friday.

Find Ezra Furman on Facebook and twitter, as @ezrafurman.

 

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Relapse Records celebrate 25th anniversary with a 184 track free download…

This year, Philadelphia based Relapse Records turn 25 years of age; in that time the label has grown from a basement based DIY set up to one of the worlds most respected labels specialising in the more extreme end of music.

As part of the continued year long celebration for Relapse Records 25th anniversary; the label has released a free 180+ song sampler spanning the label’s entire history.

The sampler features one track from almost every artist that has ever released an EP or full-length album with the label since 1990; as such you get prime cuts from the likes of Mastodon, Neurosis, Obituary, Merzbow, Red Fang, Death, Dying Fetus, Necrophagist, Suffocation, Baroness, Dillinger Escape Plan, High on Fire, Torche, Pig Destroyer and many more. The sampler can be streamed and downloaded via Bandcamp HERE.

From death and doom to grind and hardcore to experimental and noise, get acquainted with Relapse and help them celebrate a quarter century of contamination!

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Dans son rapport annuel, l'Organe international de contrôle des stupéfiants s'inquiète des nouvelles substances arrivées sur le marché, et note le recul de la consommation de cocaïne.

Rene Cervoni- vocales
Luis Marrero- guitarra principal
Zuania Colon- guitarra rítmica
Giancarlo Cervoni- bajo
Sergio Narvaez- bateria

Tengo que admitir que soy de las personas geeks musicales que se meten a cada portal cada vez más oscuro que el otro y que a veces te puedes encontrar con un gran spam, y mi único objetivo es esa curiosidad de encontrarme con bandas interesantes que muchas veces te pueden enamorar con un single o una portada del album. En este caso entre mis idas y venidas navegando en las redes tengo que aceptar que últimamente es difícil encontrar algo auténtico y que aun sientas esa pasión escondida detrás de las letras, la música y sobre todo la actitud. El mundo va avanzando y uno cree que porque tiene mas facilidades para encontrar música en internet o a veces que una banda grabe algo en un home studio y pueda ponerla en vitrina se va a encontrar con miles de cosas buenas pero la verdad que lamentablemente no es así.

En este caso puedo decir que fue todo lo contrario, me encontré con una banda de esas que ya no fabrican por ahi, esas bandas que ya crees que no van a salir mas, esos sonidos que sabes que traman algo y que su actitud es genuina y potente como para volarte los sesos con unos temillas. Es así como empieza mi historia con “Los Pepiniyoz” (Desde San Juan de Puerto Rico) un quintento que arrasa con un sonido galáctico power pop, que si le das al detalle de los temas puedes escuchar influencias grandes del punk setentero y que se nota que han crecido con un rocknroll puro para ir construyendo este singular y enérgico sonido.

Después de pasar por varios discos y un último EP en agosto del 2012, vuelven para conquistarnos elegantemente con un aullido propio en su nuevo disco a punto de salir titulado “Alta Tensión”.

Es ahora cuando nos toca hablar un poco sobre el album que ya lo tenemos en nuestras manos y es una autentica obra power pop, estos chicos vienen a hablar con autoridad y expresar todo lo que sienten en este LP de 11 temas donde cada tema es un proyectil de vitaminas. Riffs rápidos con onda a Ramones, toques pop ochenteros, fuerza punk rock, todo creado en un fabuloso conjunto de tracks con intensidad y diversión al máximo. Es que es así! se nota que se la pasan bien y lo disfrutan, y aparte se dan el gusto de gritarte a los oídos lo que sienten con una sinceridad única.

En el mundo de los Pepiniyoz lo prohibido no existe, ellos se dan licencia de hacer lo que les parece y que todo lo que expresan emocionalmente sea directo, no puedo negar que en alguno de los temas he dado unos cuantos pasos de baile, es que es así! te genera vivacidad , dinamismo y lo mejor de todo, es que no te encuentras con la clásica banda que ya tiene todo armado, sino que se puede notar desde el primer rasgueo que todo lo que ellos componen es propio, natural y sin miras a nada más que decir las cosas bien dichas y entretenerse.

Definitivamente ahora no encuentras bandas que te transmiten algo en el interior y menos que te digan algún mensaje inyectado a la vena como lo están haciendo los pepiniyoz, es por eso, el cariño que les agarre en el primer momento, y cabe comentar que me robaron una sonrisa de ilusión , de saber que aún hay personas allá afuera con mucho entusiasmo, arrebato y pasión.

Desde el primer track “Deja la Ciudad” empiezas este viaje en el cual es imposible no comenzar a mover la cabeza y que la letra te de esa introducción de lo que se viene para engancharte.
La verdad, ya quería temas así pero en español…..mientras va avanzando tenemos canciones con riffs punk rockers en “Sirenas de Emergencias” y con un coro power que te hará repetirlo una y otra vez, así como en “Soledad en Compañia” que esos coritos de regreso le dan una magia especial.

Ya en el camino, vas encontrando temas con la misma esencia pero bajando las revoluciones como “Dame La Brisa”, que te dan un repaso del rocknroll de otra época  , suavecito, melancólico pero como un verdadero rockero sabe hacerlo, otro suavecillo pero romántico es “Volver a Jugar” delicia para darle un equilibrio al album.

Y para cerrar un himno titulado “Mil Voces” como para darle un toque final sensacional. Todos los temas llevan un corte singular y encantador, aquí manda el corazón señores, así que despierta y adquiere el nuevo disco y te aseguro que no pararas de amarlos.

Para finalizar no me queda mas que decir ….que bellas cosas que uno puede encontrar en el camino y que te pueden hacer volver a sentir que la música esta viva, y que uno esta vivo…Paz!

MAS INFO

http://lospepiniyoz.bandcamp.com/

https://www.facebook.com/lospepiniyoz

Habrá quien empiece leyendo este artículo poniendo ya pegas. Dirá ¿quién dice si una foto es buena o no? La respuesta es bien sencilla. Basta con poner en Google “cómo hacer buenas fotos” y salen tutoriales a cascoporro. Esas son las fotos buenas. Es de cajón.

A todos nos gustan las recetas sencillas, las claves del éxito en 15 pasos y si puede ser en 10 mejor, que nos ahorramos tiempo y pasta en talleres inútiles. Es cierto que cuando uno empieza en la fotografía se lee todos los manuales de técnica fotográfica. Todos, incluidos esos que tienen consejos para hacer barridos si algún día te da por fotografiar los coches de los rallies de tu pueblo. Pero con el tiempo uno quiere ir al ajo lo más rápido posible. ¿Para cuándo el modo “fotaca” en nuestras réflex de última generación?

Yo hace un tiempo me leía las reglas de oro del bloguero de turno y las seguía a rajatabla. Lo hacía con la esperanza de que mis fotos me acabaran gustando más que las suyas, porque no todos aspiramos a inmortalizar un pajarillo sobre una rama, algunos queremos trascender con nuestra obra. Pero ahora existe otra opción: el método Cienojetes para convencer a todo el mundo de que tus fotos son buenas. Sí amigos, los tutoriales son un engorro, tienes que cambiar la forma de hacer tus fotos, reflexionar, llevarte bien con el obturador y el diafragma, saber de luces, etc. Nuestro método es mucho más efectivo, ni siquiera necesitas tener luces. Tú haz las fotos que te dé la gana, que nosotros te ayudamos a convencer a todo el mundo de que son buenas.

Ya lo anunció Arthur Danto cuando dijo que “todo vale porque ya nada vale”, refiriéndose a la muerte del arte. Por tanto, no merece la pena esforzarse por seguir unos cánones, el canon eres tú (y yo, claro). Aquí van las diez reglas de oro:

1. Respecto a la regla de los tercios, la proporción áurea y demás artilugios cartesianos: haz lo que te salga del forro. Si las respetas dilo alto y claro, di que sigues una concepción clásica y formal. Si no las respetas di que tu dominio de la composición te lleva a romper las reglas y que además a ti la teoría de la Gestalt te recuerda a los cuentos de Bucay.
   

   La regla de los tercios garantiza una foto buena (Foto de Claudia Arévalo)

2. Respecto a si tus fotos tienen parecido a otras fotos: haz lo que te plazca. Si copias a los grandes maestros entonces argumenta que tienes un conocimiento visual superior al de la mayoría. Di que tienes la mirada muy contaminada, que parece algo malo pero en el fondo está muy bien visto. Por el contrario, si tus fotos no las haría ningún fotógrafo de renombre con un mínimo de dignidad, entonces di que tienes un estilo rompedor, fresco, desenfadado, una mirada limpia. ¡Tú eres original, qué cojones!
   

   Una mirada contaminada aquí verá un referente, una mirada limpia verá genialidad (Foto de Jan Postma)

3. Respecto a disparar en blanco y negro o en color: tú a tu rollo. Si haces blanco y negro di que es la esencia de la fotografía clásica, que tu mirada sólo ve luces y sombras. Si las haces en color argumenta que el color da una información extra, una doble lectura a tus fotos. Si no tienes ganas de líos ponlas desaturadas al 50% y luego di que esto es como lo del vestido, que cada persona las ve en color o en blanco y negro. Ya está.
4. Respecto a si poner los datos EXIF o mejor un rollo conceptual sobre las fotos: para qué elegir, todo junto. Aquí va un ejemplo: mi fotografía tiene una concepción gran angular, una visión polisémica de apenas 20mm, sobre los instantes fugaces yuxtapuestos que ocurren a 1/125 debido a una sensibilidad intrínseca de apenas una centena de ISOs.
5. Respecto a si las fotos están movidas o nítidas: te la suda. Si la foto te sale trepidada no te dejes vencer por las críticas, tú di que eres muy de Roland Barthes, que a ti te gusta impregnar tus imágenes de la mayor cantidad de vida que puedas almacenar. Si se quejan de que está muy nítida, de que te has pasado un poco con la máscara de enfoque, entonces contraataca diciendo que es la mejor forma que tienes de expresar la visión tan precisa que posees de la realidad.
   

   En el foro de Nikonistas ponen a parir esta foto de Avedon diciendo que está trepidada. Al pobre hombre le habrían venido bien nuestras reglas.

6. Respecto a qué motivos fotografiar: tírale a lo que se te ponga por delante. Por increíble que parezca siempre encontrarás a alguien a quien le guste tu motivo, desde los pájaros que vuelan bajo cuando hace un frío del carajo hasta los aparcamientos vacíos llenos de bolsas del carrefour que dan vueltas por los aires. Seguro que a más de una persona le acabo de dar ideas para su próximo proyecto.
7. Respecto a qué ISO usar: tú tira en automático. Que al final sale mucho ruido, que se nota el píxel, pues la pasas a blanco y negro y dices que es de carrete. Si quieres quedar como Dios encima di que es un Tri-X forzado a 1600. Memoriza la frase, no hace falta que la entiendas. Ya te dijimos que nada de reflexionar.
8. Respecto a si tirar en manual o en automático: tira en automático, que para eso has pagado la tecnología que lleva la cámara. Si viene el listo de turno y te dice que sólo los fotógrafos de verdad disparan en manual dile que se ponga a medir la luz sin el exposímetro, que quite el autofocus y que guarde la imagen a boli en lugar de utilizando un complejo algoritmo de compresión ejecutado por su procesador de última generación.
9. Respecto a si debo mejorar mi pericia durante la captura: ni hablar, ¿para eso tienes el Photoshop pirateado? Hoy en día se arregla todo en el Photoshop.
   

   Foto pixshark.com

10. Una última cosa. No os preocupéis si tenéis que cambiar el discurso en función de con quién os encontréis. Estas reglas son versátiles, se adaptan a todo. Esto es como lo de los principios de Groucho Marx, para el que no le gusten podemos tener otros. Los fotógrafos más inteligentes son los que cambian de concepto como de chaqueta.

Ale, a triunfar.

PKN (Pertti Kurikan Nimipäivät) the punk band with learning disabilities are representing Finland in the Eurovision Song Contest!

Hurray! Let’s hope they win and prove two things…

• People with learning disabilities exist, they want to have fun and express themselves and deserve rights and respect.

• Punk Rock is just as valid now as ever it was as a means of self-expression.

But,  people will say …

They can’t play! He can’t sing! Call that music?

Well, yes. We do. It is the latest in a long tradition of raw, basic punk rock where enthusiasm has counted for more than technical ability. Punk Rock has always been about Freedom of Expression and the fact There Are No Rules and Anyone Can Do It!

PKN might well be seen by the public at large as a Novelty or worse, still a Joke. There is no doubting there is an inadvertent comic element to their performance. But no more so than watching The Exploited or The Damned gurn their way through a live performance.

But musically, ‘untutored’, teach-yourself-to-play, punk rock dates back decades and here’s the proof – Ten Great bands who “couldn’t play”, taught themselves by trial and error,  couldn’t sing … and didn’t give a shit!

The Slits

Attitude over ability for sure in their first year, before they decided to go for a sparser reggae sound.

The Unwanted

A typical Roxy punk band from 1976 / ’77. Out of tune, out of time but still making history and having fun and ‘saying something’.

The Prefects

Two members of whom release a new album this year (as Nightingales on Louder Than War Records – review here.) Amateur Wankers is the title of their posthumous compilation as The Prefects.

Siouxsie and the Banshees

This is a rough tape of their  debut at the 100 Club with Sid Vicious on drums. 20 odd minutes of unrehearsed, spontaneous racket which became legendary.

The Mekons

The greatest untutored or self-taught band of all-time? One side of their debut single.

The Prats

Scots teens and pre-teens make a noise. Sheer self-expression released on an Earcom compilation by Factory Records.

Jon the Postman

Manchester Punk scene hanger-on and legend in his own lunch-hour.  Lack of talent was never an obstacle in those heady days.

Buzzcocks

Taken from Spiral Scratch. The guitar is a stuttering buzz, the drums like an encephalograph gone haywire, the singer is jerky and twitchy – who would know that this band would become the perfect pop group; the Beatles of their generation.

Television Personalities

Infamous for their Part-Time Punks EP and song. This is the B-side of their first single, where tunefulness and being in time was not their forte.

Fatal Microbes
Another one that annoyed parents all over the UK . Out of tune? Nah. Beautifully melodic compared to much of what would come in later years.

 

…and here are PKN again, in all their minimalist, to-the-max, naïve-punk-rock glory.

All words Ged Babey. More writing by Ged on Louder Than War can be found at his author’s archive.

The post Top Ten “They Can’t Play” Bands Inspired By PKN, This Year’s Eurovision Song Contest Entry By Finland appeared first on Louder Than War.

The boys are firmly back in town but apparently they bring bad news as we catch up with King Khan & BBQ Show ahead of the unleashing of their astounding new album “Bad News Boys”.

After a 6 year hiatus King Khan & BBQ Show have reconvened to produce the brilliantly odd Bad News Boys, its yet another album filled with brilliant garage rock infused with their own individual flare. We catch up with King Khan and Mark Sultan AKA BBQ Show to talk about their variety of influences, what makes this project so special, upcoming live performances and in general what to expect from the pair this time around.

It’s quite clear the band are excited to unleash this slab of wild and intense garage rock on the unsuspecting public, I’m almost certain that the live shows will be as brilliant and intense as ever especially going by Khan’s interesting description. Mark also leaves us with a rather poignant closing statement, which I couldn’t agree with more especially in this digital age.

First of all for those who aren’t in the know what are the major differences between your other projects and this guise?

Mark Sultan: Ah! Ya, we find it weird that people get this band confused with the Shrines. Khan’s name is there, sure. But the bands sound NOTHING alike. For one, the Shrines has like 10 dudes. We’re two. The sound just CAN’T be similar (we don’t even have a bass!). Throw onto that we don’t even play the same style of music, and the fact that this band has two distinct vocalists and songwriters, and you have a different band, entirely. As far as other projects go, there are many between us, I’m sure Khan will address his. Mine active ones are ‘The Ding-Dongs’, in which I play early rock’n’roll/rockabilly with Bloodshot Bill, as a full band. I play as a solo act under either ‘BBQ’ or ‘Mark Sultan’, playing stuff reminiscent of KKBBQ, but also full-blown experimental stuff. On labels like Sub Pop, In The Red, Bomp… And the two of us have ‘The Almighty Defenders’, which is King Khan, me, and Black Lips. That is sort of a ‘gospel’ band. We released an album on Vice.

KK- Yes we have alot of different projects going on, but the KK & BBQ Show and the Shrines are my main ones. I have a punk record coming out called “Scum of the Moon” by The Black Jaspers, a band i do with Jasper Hood (singer of The About Blanks) and John Boy Adonis(drummer of the Shrines) on In the Red Records. I have just started my own label called “Khannibalism” and will be putting out a bunch of singles very soon including some stuff i recorded with Lias Saoudi from The Fat White Family.

The new album Bad News Boys is excellent, that goes without saying but are there any particular tales behind any of the tracks?

Mark Sultan: I think it’s more a story of the album as a whole. I know I can’t really give stories about songs I wrote or sang… Like ‘Alone Again’ or ‘Bye Buy Bhai’. They just kinda ‘happened’. The real magic was in the session. If memory serves, we did it in a day or two. But memory won’t serve: we were drinking LOTS of homemade absinthe and doing other things. And luckily my basement where we recorded is full of really creative energy. It was great fun doing the album. I mean, at that point, we were friends again (we even did record a 45 a couple of years back, but that seemed weird), and you can hear the joy in the recordings. It’s like we tapped right back into where we were psychically years ago and just had a blast. We buried many hatchets and took many shits.

KK- yes indeed, lots of joy on that recording session, blessings from the green fairies and we sucessfully travelled back to when we were floor punching teenage delinquents.

In particular is there a story behind the album closer Zen Machines?

Mark Sultan: ‘Zen Machines’ was actually supposed to be the new bandname, at one point, along with 2 others.

KK: Zen Machines was the plateau we reached as time travellers and blood brothers… we have always worked by harnessing a sweet nectar out of chaos…. like beekeepers we smoke the drones away and give it all back to our respective queens.

Do you think your time apart has altered your sound at all, have either of you brought any new influences or game changing ideas to the table?

Mark Sultan: I think people thinking we would ‘evolve’ or do ‘something new’ are missing the point with this band. Besides both of us having access to experimentation in other projects, we are very schooled music fans. We aren’t stuck on the sound. It really is just that it IS our sound. When we play, this is what we do. To try changing it would be TRYING. We are just letting this be what it is, very naturally. When I read people complaining that it sounds like our other albums, stylistically, i know (from experience) these same people would complain if we DID deviate. People just like complaining.

KK – yeah, we is what we is and we likes what we does and all the rest can go fuck off…. If you can imagine a gangster rap version of popeye saying that then kudos.

Is time apart good for your individual creativity? When you reconvene is there an instant spark?

Mark Sultan: We had about 5? 6 years apart from this band. But thru our whole stint together, and before that, we have always had our different projects. A lot of my solo stuff would use the same style of songwriting I use for songs I write in KKBBQ, but the difference is that 99% of the time, even those songs wouldn’t fit in this project. It’s a magical project. So, I guess, for me, there is a creative boost when writing for this band, cuz of excitement. We turn into little kids. It’s funny.

You both have very individual styles do you think you complement each other well?

Mark Sultan: I think we really do compliment each other well. A lot of folks might not know my sound and style, for example. I read stuff where – even though there are two distinct voices on these records – Khan is credited as one homogenous voice. It’s very, very depressing on one hand, but I think it also shows how cohesive we are, how symbiotic we can be when creating for this one. What people should understand is that we have know each other for YEARS. Our first touring and recording band, ‘The Spaceshits’, released their first 45s 20 years ago.

Is there a full tour in the works, we’ve noticed your on the bill for End of The Road this year will there be any other dates in the UK around that?

Mark Sultan: Full tour in the UK? I don’t think so. Mostly US stuff.

KK: we will do some UK dates around the end of the road thing in sept. and we play with the mummies, gories and black lips in Oakland with John Waters hosting on July 4 and 5th this year. I have never been this excited about a show before.

Obviously, King Khan your famed for your captivating live shows, can we expect similar things from any upcoming live shows?

KK: Well as long as there is blood in my veins and reindeer in my reigns I will keep on keepin on. I think when Mark and I play together we cause a strange mist of energies and smells that swirl around us and make people do things that they normally wouldnt…. we conjure…. cuz that is what we do… we are conjurers sent from a bearded mushroom to protect the holiness of rock n roll and keep it as pure as possible…. we exist on our own sphere and don’t belong to this world.

Also on another point what inspires the craziness of your live shows? I was personally blown away the first time I saw you!

KK: Harnessing the nectar of the bearded mushroom whose drones are sent to harass us and whose bees are sent to molasses…. they are coming to take me away haha hee hee….

Are there any bands we should be looking out for right now besides yourselves obviously?!?!

KK: Look out for racist bands, fake rocknroll bands, rubber bands, and the bands whose music turns kids brains into little emojis and ruins any chance for genius because they replace their brains with fodder… poor kids these days…. so velly sroooopid!!!! ooops…fart …..DIE!

Have you anything else you’d like to tell us about?

Mark Sultan: Listen and love music. But know where it comes from. Who is risking what? What influenced them? It’s easy to consume music as fast food. But music is a very magickal and precious resource. It’s individual and comes from the soul. All I ask is that people invite songs into their hearts and let them grow there. If something moves you in this lifetime, it’s rare. Lock it away and pass it down. Don’t just chomp it and shit it. You’ll be happier.

KK: Yes, Crunch Crunch!!!!

 

~ 

King Khan & BBQ Show are on Facebook and Tweet as @KKBBQShow. They will also be playing End of the Road Festival this year.

All words and pictures by Lee Hammond. You can check out more work by Lee at his Louder Than War author’s archive, he also tweets as @Napzap.

The post King Khan and BBQ Show – Interview appeared first on Louder Than War.

Rhino's four-disc collection The Doo Wop Box may not contain every classic doo wop single ever recorded, but it comes damn close. Featuring 100 tracks, superb sound, and amazingly detailed liner notes, the set is one of the best various-artist box sets ever assembled; although these four discs will be all the doo wop some listeners will ever need, hopefully the set will make most listeners want to investigate the genre even further. (Stephen Thomas Erlewine, Allmusic)
Once again, the highest praise for Rhino Records. This box set, while pricey, is worth every dime. These discs have a great range, from the finger popping rhythms of The Turban's "When You Dance" (which according to the extensive liner notes was the first recording of the background sound which gave the genre the name "doo wop"), and the Cadillac's "Speedo" to the Marcell's classic "Blue Moon". Of course, the many tributes to love are well represented too, with The Five Keys "Glory of Love", The Five Satin's "In The Still of the Night", and my personal favorite of this style, The Flamingoes timeless "Lover's Never Say Goodbye".
Aside from these all well known gems, it is also a repository of some lesser publicized classics wonderfully interspersed with those songs now the staples of many oldies stations. It is also the only place I am aware of with the greatest named doo-wop group of all time: Vito and the Salutations, and their inimitable (and seldom heard) rendition of "Unchained Melody". It is so different from the Righteous Brothers and a wonderful piece of music.
I grew up in New York listening to this music first on the corner and then on the radio. It brings back wonderful memories of warm summer nights, and the talented (and not so-talented) guys harmonizing on the streets. (Record Runner)trax disc 1:
1. It's Too Soon To Know - The Orioles 2. Count Every Star - The Ravens 3. The Glory Of Love - The Five Keys 4. Gee - The Crows 5. Crying In The Chapel - The Orioles 6. Money Honey - Clyde McPhatter & The Drifters 7. Golden Teardrops - The Flamingos 8. A Sunday Kind Of Love - The Harp-Tones Feat. Willie Winfield 9. I - The Velvets 10. Goodnite Sweetheart, Goodnight - The Spaniels 11. Sh-Boom - The Chords 12. Gloria - The Cadillacs 13. Hearts Of Stone - The Jewels 14. Earth Angel (Will You Be Mine) - The Penguins 15. Sincerely - The Moonglows 16. Mary Lee - The Rainbows 17. Close Your Eyes - The Five Keys 18. (Will You) Come Back My Love - The Wrens 19. Story Untold - The Nutmegs 20. Only You (And You Alone) - The Platters 21. Why Don't You Write Me? - The Jacks 22. When You Dance - The Turbans 23. At My Front Door - The El Dorados 24. The Great Pretender - The Platters 25. Lily Maybelle - The Valentinestrax disc 2:
1. Speedoo - The Cadillacs w/The Jesse Powell Orch. 2. Why Do Fools Fall In Love - Frankie Lymon & The Teenagers 3. I'll Be Home - The Flamingos 4. Devil Or Angel - The Clovers 5. Church Bells May Ring - The Willows 6. Little Girl Of Mine - The Cleftones w/Jimmy Wright & His Orch. 7. I Want You To Be My Girl - Frankie Lymon & The Teenagers 8. In The Still Of The Night - The Five Satins 9. The Closer You Are - The Channels 10. Oh What A Nite - The Dells 11. A Thousand Miles Away - The Heartbeats 12. Please Say You Want Me - The Schoolboys w/The Leroy Kirkland Orchestra 13. Come Go With Me - The Del-Vikings 14. I'm So Happy (Tra-La-La-La-La-La) - Lewis Lymon & The Teenchords 15. Walking Along - The Solitaires 16. Little Darlin' - The Gladiolas 17. Don't Ask Me To Be Lonely - The Dubs 18. Florence - The Paragons 19. Desire - The Charts 20. Whispering Bells - The Del-Vikings 21. Tonite, Tonite - The Mello-Kings 22. Long Lonely Nights - Lee Andrews & The Hearts 23. Baby Oh Baby - The Shells 24. Tell Me Why - Norman Fox & The Rob-Roys 25. Buzz-Buzz-Buzz - Hollywood Flames 26. Tear Drops - Lee Andrews & The Heartstrax disc 3:
1. Been So Long - The Pastels 2. Get A Job - The Silhouettes 3. Book Of Love - The Monotones 4. Maybe - The Chantels 5. I Wonder Why - Dion & The Belmonts 6. One Summer Night - The Danleers 7. For Your Precious Love - Jerry Butler & The Impressions 8. You Cheated - The Shields 9. I'm So Young - The Students 10. Everyday Of The Week - The Students 11. Little Star - The Elegants 12. Tears On My Pillow - Little Anthony & The Imperials 13. Trickle, Trickle - The Videos 14. Ten Commandments Of Love - Harvey & The Moonglows 15. 16 Candles - The Crests 16. So Fine - The Fiestas 17. Lovers Never Say Goodbye - The Flamingos 18. Since I Don't Have You - The Skyliners, With Lenny Martin & The Orch. 19. Pizza Pie - Norman Fox & The Rob Roys 20. Sorry (I Ran All The Way Home) - The Impalas 21. A Teenager In Love - Dion & The Belmonts 22. Who's That Knocking - The Genies 23. I Only Have Eyes For You - The Flamingos 24. Hushabye - The Mystics 25. Rockin' In The Jungle - The Eternalstrax disc 4:

Los americanos hacen una serie sobre el IBEX35 en un paraiso fiscal

“Mort” or “Reaper Man”? “Pyramids” or “Small Gods”? WHICH IS THE BEST?

Not ranked: Raising Steam (2013), Snuff (2011), Unseen Academicals (2009), Making Money (2007)

I don't want to talk much about the books published after 2007, the year of Sir Terry's diagnosis with a form of Alzheimer's. They shouldn't be characterised as part of the Discworld canon: In the case of Raising Steam and Snuff, they are almost unrecognisable as Pratchett books. The dialogue is baggy and expository – especially in Raising Steam – and the characters have the right names but behave nothing like the people we know from the earlier books. The earlier two are more Pratchett-like, but still, it seems a shame to start a celebration of the Discworld by focusing on them. I'm really sorry, Sir Terry. I feel awful writing this.

Snuff cover art. Harper

Monstrous Regiment (2003)

Pratchett does good feminism. His female characters are flawed, interesting, varied, fully realised human beings: look at Nanny Ogg and especially Granny Weatherwax for proof. His books are shot through with wry anger at men forcing women into preassigned roles. But normally he weaves it in: The plot device in this book (set in an obscure country torn by religious war) makes it explicit, and therefore clunky.

Victor Gollancz

Carpe Jugulum (1998)

The most damning thing I can say about this book, in which the Witches head to Discworld Transylvania, is that it has entirely failed to stick in my memory. It has good lines (Vetinari describing the up-and-coming nations of the Hub as the "werewolf economies") and some good satire of Hammer Horror vampire films and the like, but it is not one of the greats.

Doubleday

Thud! (2005)

Some of Pratchett's political beliefs shine through in his books, of course. But in this one, in which Vimes is trying to prevent a resurgence of ancient violence between dwarfs and trolls, he's a bit heavy-handed with it. There's a "War! What is it good for?" message and a we're-all-the-same-under-the-skin message which is so front-and-centre that it gets in the way of the plot. Also, this is another later-period Vimes novel, with all the Vimes-worship that entails. The early Vimes, who hated the privilege of the rich, would have been infuriated by the Thud! Vimes shutting down several city streets just so he could get home in time to read his infant son a bedtime story. But Pratchett holds this up as something to be applauded, which feels weird.

Corgi

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Paul Tschinkel’s Inner Tube may have been low rent, but it was one of the grooviest TV rock shows in the history of the medium. The show ran on Manhattan cable from 1974 to 1984. With a shoestring budget, Paul managed to capture the raw energy of what is arguably the last great era...