Sergioski02

Nakatomi Plaza

Se llama hack-clocking y su creador es D.O. un informático madrileño que quiere permanecer en el anonimato, es técnico de sistemas informáticos de una empresa de marketing del centro de Madrid, España. En su empresa, como en muchas otras, no se pagan las horas extras. Cansado de la tomadura de pelo que sufre él y sus compañeros decidió vengarse aprovechando sus conocimientos de redes y gestión de sistemas.

Desarrolló el método hace un año para ejecutarlo dos veces al día: La primera antes de la pausa para comer, mandando una instrucción desde el servidor central para que adelante la hora de todos los ordenadores y máquinas de la empresa en 3 minutos, así él y sus compañeros pueden salir antes, y la segunda al salir al final de la jornada, adelantando de nuevo los sistemas 3 minutos el tiempo necesario para salir de la empresa. Eso sí, durante la hora de la comida y por la noche vuelve a retrasar los relojes para ajustarlos a la hora real.

Por supuesto el sistema no sirve de mucho si te obligan a quedarte más tiempo o a hacer horas extras, pero sí en una jornada de horario normal. Con cierta lógica, los pocos compañeros de trabajo que conocen la actividad secreta de D.O le llaman el “Puto amo”, aunque él se considera un mero hacker del tiempo y un luchador de los derechos laborales.

Los 6 minutos de regalo cada día, multiplicados por 22 días laborables y por doce meses dan un total de más de 3 días de tiempo libre para todos los empleados, todo sin que lo sepa la empresa, pero que, según comenta D.O “Irónicamente también los disfrutan los directivos que no nos pagan las horas extras”. Y añade. “Estos han sido los años con mayor retroceso en derechos laborales en España desde hace décadas, había que hacer algo”.

El 14 de julio de 2012, el presidente del Gobierno, Mariano Rajoy aprobó entre otras medidas la reducción del número de moscosos de seis a tres.”Ahora pueden recuperarse” dice el informático D.O, que sabe que no está solo en la lucha silenciosa por los derechos laborales. Como aquél que vendió su mail de despedida del trabajo a sus compañeros para que pudiesen desahogarse con sus jefes.

D.O. Ha decidido liberar el script para que otros responsables de sistemas informáticos de empresas puedan ejecutarlo. Este es válido para MAC y LINUX y pide que si alguien desarrolla para WINDOWS lo comparta también.

Aunque desde Parece Del Mundo Today, queremos recordar que existe un buzón anónimo para denunciar el fraude laboral a Inspección de Trabajo en esta dirección: http://www.empleo.gob.es/buzonfraude/

Tú también puedes hacer hack-clocking

A continuación D.O. nos ha dado las instrucciones para hacer Hack-Clocking (solo para expertos) a seguir para que se las enseñes al responsable de sistemas.

Cambio de hora en sistemas Mac:

Para poder administrar y hacer cambios masivos a todos los ordenadores de la red utilizamos en el caso de Mac el software Remote Desktop. Entre sus múltiples funciones se encuentra el poder ejecutar comandos en maquinas remotas.

Utilizaremos el comando “systemsetup“.

Con el comando systemsetup podemos configurar preferencias del sistema. Aprovecharemos este comando con la opción -setusingnetworktime off para parar la sincronización automática del ordenador con los servidores NTP (Network Time Protocol).

Una vez tengamos parada este servicio solo nos queda ejecutar systemsetup con la opción -settime con el formatoHH:MM:SS ara poner la hora del sistema a nuestro gusto.

Copia y pega
systemsetup -setusingnetworktime off
systemsetup -settime HH:MM:SS

Podemos automatizar la tarea para hacerla desatendida, de esta manera puedes regalar el tiempo a tus compañeros aunque te encuentres fuera de la oficina.

Este post Un informático español inventa la forma de salir antes del trabajo, escrito por Jorge Todolí, se publicó originalmente en Yorokobu.

Cuando tu madre o la enfermera decían «no te va a doler» conseguían justo lo contrario a lo que pretendían. Tus músculos se tensaban, cerrabas los ojos con fuerza y ya estabas alerta, a la espera del torrente doloroso en forma de jeringuilla o lo que fuera aquella cosa que normalmente acababa introduciéndose en tu cuerpo. O llevándose una parte de él.

Con María Mercromina y Ana Müshell ocurre lo mismo. Por eso, si no puedes reírte de ti misma, la mejor manera de que no te duela es evitar sus ilustraciones si tu ex tiene nueva novia, si eres una voraz lectora de Instagram que solo necesita los libros para fotografiarlos, si eres stalker sin remedio, si aceptas con agrado ser la segunda madre de tu novio… Si estás entre las últimas, vale más que no sigas leyendo porque sí, te puede doler. Sobre todo, si algún día las hiciste enfadar.

El día que Ana agregó a María en Facebook, la idea estalló inmediatamente. Aunque María es veterinaria, su creatividad no la deja quieta y siempre está escribiendo y tramando nuevos proyectos. Ana es ilustradora, justo lo que María necesitaba para compartir su lado más hater de una forma visual. Habían coincidido colaborando en el fanzine Fritanga, con el que ambas estaban ligadas a nivel personal, aunque todavía no se conocían. Comenzaron a barajar la idea de hacer algo juntas mucho antes de verse en persona y No te va a doler brotó en forma de Tumblr y página de Facebook.

Antes de No te va a doler, María tenía un proyecto parecido con su mejor amiga. Aunque asegura que se adoran, «no funcionamos juntas trabajando». Desde entonces, María ya tenía pensado el nombre de su próximo proyecto. «Ana se puso delante y fue un flechazo. Las dos buscábamos hacer algo juntas y así surgió No te va a doler», recuerda María.

Internet y la necesidad de aparentar son una constante en sus postales. No niegan que ellas mismas sientan ese odio, esos celos y esa necesidad de reverenciar el postureo propio de su época, al que ellas mismas aseguran sucumbir. «Claro, es que todos lo hacemos. Incluso con el feminismo ocurre», reconoce María. La influencia de internet en el postureo, explica Mercromina, «ha sido bestial». «Parece que si no subes un libro a internet no te lo has leído. Es una exhibición constante. Es como: Eh, que yo leí/vi/descubrí esto antes».

En la distancia viven intercambiando ideas y, gracias a internet, logran una sintonía envidiable. María Mercromina destaca el buen feedback con Ana Müshel, que les permite materializar ideas en muy poco tiempo, a pesar de que una vive en Córdoba y la otra en Granada. «A mí me gustaría que María y yo viviésemos más cerca. Seguro que saldrían grandes ideas de charlas en los bares», asegura Ana Müshell. El proceso siempre empieza igual: María manda un mensaje de voz por Whatsapp y ambas empiezan a reír. «Ana tiene su móvil petado con mensajes de voz míos por Whatsapp», cuenta María Mercromina a Yorokobu.

No hay forma de catalogar lo que hacen: fanzine, postales, láminas, diario adolescente. «Es nuestra parte gamberra, de desfogueo. Es una manera de dar por saco y reírnos de las cosas que nos molestan y nos preocupan», explica María Mercromina. Además de convertir las ilustraciones en tarjetas postales, también crearon el fanzine I want to believe, en el que una chica encuentra a un chico tan perfecto que su amado no es humano.

Ana Müshell y María Mercromina resumen, con un humor muy gamberro, situaciones cotidianas por las que pasa la juventud y, sobre todo, las mujeres. El feminismo, internet, la menstruación, los celos, los problemas con la depilación, la adolescencia (aunque ya no son adolescentes), los cortes de pelo y la elección de la ropa son algunas de sus constantes en unas ilustraciones que beben directamente del fanzine.

Además del blanco y el negro, las ilustraciones de No te va a doler comparten el rosa chicle. Puede parecer un color benevolente, amable y dulce. Quizá sea eso lo que te haga caer en la trampa. «Creo que el color actúa así. Es un toque de amabilidad a unos mensajes que a veces son crueles o directamente sangrientos. Nos gusta el contraste entre la línea negra que tiembla y el color plano, además de las connotaciones del rosa en contraste con los temas que trabajamos», relata Ana.

En 2015, nada más nacer en internet como un todo, María y Ana crearon su propio horóscopo, una clasificación muy hater que ensalza el lado oscuro de cada signo, según las descripciones convencionales. Chicas de todos los signos del zodiaco, al igual que Penélope, el mayor cáctus de Ana Müshell, aparecen plantadas en una maceta.

Como los cuchillos y las jeringuillas, los cactus son una constante en las ilustraciones de Ana. La artista los describe casi como si de gatos se tratase: «Los cactus son preciosos. Creo que otra vez hablamos de símbolos. El cactus, una planta que pincha, que apenas te deja tocarlo pero lo tienes ahí cerca y forma parte de tu vida diaria».

Los textos son viscerales porque viscerales son, literalmente, las imágenes. Las ilustraciones de No te va a doler están repletas de bisturís, tripas y órganos. Ana y María han crecido con la enfermedad, la sangre y las vísceras porque sus abuelos eran veterinarios y dejaron una huella imborrable en ellas: «Haber crecido entre libros con dibujos de anatomía me ayudó a encontrar ese punto en común con Mercro. No te va a doler nació de esa mezcla de intereses entre la figura de la mujer y el animal, por dentro y por fuera. Muchos objetos como las jeringuillas o los cuchillos son símbolos de esos interiores. Sacar las tripas es sacar todo de los cuerpos y eso también venía ilustrado en los libros de mi abuelo, algo que me acompañará siempre», recuerda Ana Müshell.

Lo que empezó como una especie de poesía breve ilustrada ha ido derivando en hachazos con mensajes cargados de humor. No ha sido un cambio intencionado, sino fruto del proceso por el que una amistad nace y crece. La confianza aumentaba y poeta e ilustradora iban reorientando su proyecto de manera que las postales más recientes acabaron reflejando experiencias personales. Ana y María se hicieron amigas como nacen las buenas amistades: descubriendo enemigos comunes. «A medida que íbamos hablando nos íbamos dando cuenta de que odiábamos a la misma gente. Empezó a derivar cuando empezamos a contarnos nuestros cotilleos sobre tíos y peleas con tías. La cosa empezó a desvariar para bien», bromea María.

Están hartas, dicen en el manifiesto que comparten en Tumblr. Hartas de la presión social traducida en ocultar varices y estrías, sonreír a las ex de sus novios y aparentar alegría cuando les apetece acuchillar. En resumen, odian la hipocresía. «El 60-90-60 son coordenadas para llegar a la máxima estupidez», escriben.

Este post Deja que te odie con humor, que no te va a doler, escrito por Virginia Mendoza, se publicó originalmente en Yorokobu.

Cuando se analiza la lista de las empresas que consumen más ancho de banda del mundo, todos los nombres suenan. YouTube, Netflix, Twitch…, pero hay una en la lista que resulta desconocida: MindGeek. Según los datos oficiales de la web de esta compañía, donde se definen como líderes en diseño, desarrollo, marketing, SEO y manejo de sitios con grandes cantidades de tráfico, tienen al día más de 1.000 millones de usuarios únicos, 3.000 millones de anuncios y superan los 1.000 empleados. ¿Cómo semejante empresa, con tanta fuerza, no trasciende a los grandes medios? MindGeek se dedica al porno. Es la propietaria de la inmensa mayoría de los clones de YouTube que emiten contenido erótico gratis por la web.

En total, de los diez sitios de pornografía más vistos de internet, MindGeek posee ocho. ExtremeTube, GayTube, YouPorn, SpankWire, Pornhub…, solo escapan de sus tentáculos xHamster y Xvideos. Si se tiene en cuenta que, según la revista The Richest, cada segundo hay 28.258 usuarios viendo pornografía y supone aproximadamente el 35% del total de las descargas, su fuerza se hace evidente. Además, han ido comprando los estudios Babes.com, Brazzers y Reality Kings. El dominio ha llegado tan lejos que ya se habla de monopolio, un problema para los profesionales de esta industria.

«MindGeek controla un gran número de las compañías productoras, por lo que si quieres que te paguen por actuar en el porno, hay muchas posibilidades de que tengas que confiar en ellos para que abonen tus facturas, sobre todo si quieres hacer del porno tu principal medio de vida», explica Lux Alptraum por correo electrónico. La escritora, educadora sexual y consultora, que ha tratado este tema en su blog, asegura que «tener tanto control sobre la fuente principal de ingresos hace que los actores, directores o cualquiera que tenga que confiar en que MindGeek pague su siguiente cheque no esté cómodo hablando en contra de la compañía».

Esa postura tiene cierta lógica para la mayoría de los participantes en el porno. Su poder viene básicamente de ofrecer gratis un contenido protegido por copyright. «MindGeek logra sus enormes audiencias y, presumiblemente, genera ingresos al ofrecer acceso libre a un contenido pirateado de webs de la competencia», continua Alptraum. «Luego usan esa riqueza para comprar a los competidores que todavía no han expulsado del negocio, hasta el punto de que gran parte de la industria del entretenimiento para adultos está bajo su control».

Un dato que se arroja es que mientras al principio del milenio una actriz porno de primer nivel solía cobrar 1.500 dólares por escena, y eran pocas las que se pluriempleaban con escorts, ahora el sueldo medio son 500 dólares y es posible encontrar a muchas en las páginas de contactos. Según la revista Slate, las producciones han bajado un 75%, y las ventas de DVD, un 50%.

Entre los pocos que se han atrevido a alzar la voz contra estas prácticas están Mick South, un actor porno de 57 años retirado de la práctica, pero que tiene un blog con cierta influencia en el mundillo, y Siri, una curvilínea actriz en activo que se ha erigido como una defensora de pagar por los contenidos. Además, la compañía Adult DVD Empire ha iniciado una campaña sobre este asunto con el hashtag #PayForYourPorn.

South mantiene en su blog una lucha en la que trata de sacar las vergüenzas a MindGeek. La empresa tiene algunas, además de su cuestionable modelo de negocio. ¿Las principales? Evasión de impuestos y lavado de dinero. MindGeek fue fundada como Mansef Productions Inc. en Canadá, en 2004, por Ouissam Youssef y Stephane Manos. Después fue adquirida por Fabian Thylmann, un inversor alemán de tecnología que ya había desarrollado software relacionado con la pornografía en los años 90.

Bajo la dirección de Thylmann, cambiaron el nombre a Manwin y logró un préstamo de 362 millones de dólares de la empresa Colbeck, fundada por antiguos empleados de Goldman Sachs. Con este dinero se dedicaron a comprar tubes pornográficos y productoras para hacer crecer el monstruo. Thylmann fue extraditado en 2012 desde Bélgica a Alemania por evasión de impuestos sobre los beneficios de la empresa y esta cayó en manos de Feras Antoon y David Tasillo, que controlan ahora las operaciones desde Montreal.

Siri, por su parte, se atrevió a hablar en público contra la piratería y, en particular, contra MindGeek. En un Ask Me Anything realizado en Reddit, un usuario le preguntó que, si pudiera, qué sería lo que cambiaría de la industria. Su respuesta fue clara. «Si tuviera un cetro mágico, haría que la piratería en la pornografía fuera imposible para así hacer que volviera a ser un negocio rentable para todos». Los 1.800 comentarios que generó, una gran mayoría en defensa del porno gratis en la red, recordaban más a un linchamiento. Luego, en la página Quora, a otra pregunta, contestaba que era como si Wal-Mart, el famoso supermercado estadounidense, además de arruinar las pequeñas tiendas de barrio, se dedicará a robarlas a punta de pistola y luego pusiera el resultado del latrocinio a la venta a un precio más barato.

Los que se han dedicado a estudiar este tema tienen claro el motivo por el que EEUU, donde las leyes antimonopolio son veneradas como parte integral de una economía vibrante, no actúe por voluntad propia contra una situación de dominio de una sola empresa tan flagrante: el tabú en torno a la pornografía que hay en el país y el moralismo. Mientras MindGeek baja los sueldos, compra empresas, apoya de hecho la piratería y extiende sus tentáculos. Las autoridades miran hacia otro lado y no parece que vayan a tomar medidas al respecto.

Alptraum ve un claro peligro. «Si MindGeek cae, una gran proporción de la industria se irá con ella», concluye. «El porno sobrevivirá, pero como una pequeña industria formado por pocos estudios y compañías». Una mala noticia para los futuros John Holmes, las Jennas Jamesons, los Nachos Vidales o las Sashas Greys.

Este post El monopolio escondido del porno, escrito por Carlos Carabaña, se publicó originalmente en Yorokobu.

En primer lugar, el equipo Church Brigade transformó el interior de la iglesia en una pista de patinaje, obteniendo como resultado una atractiva combinación entre el continente existente (antiguo, estático, religioso) y el contenido incorporado (moderno, dinámico, rebelde). Una fórmula innovadora que, además, resulta especialmente oportuna en un contexto que presenta 200 días de lluvia al año. Más tarde, el artista madrileño Okuda confirmaría la transformación del espacio con un mural que supone un nuevo cambio radical, en este caso de la envolvente original, introvertida y homogénea, a una estética excéntrica y multicolor. Así, la unión de arte y skate han permitido reactivar un espacio abandonado que conserva la memoria del pasado sin renunciar al presente.

“Desde fuera no resulta fácil distinguir esta centenaria iglesia en Llanera, provincia en el norte de España, de cualquier otra. Sin embargo, entrando en el interior de la estructura neorrománica nos encontramos ante un espacio transformado: donde hubo bancos ahora hay una rampa medio-tubo; las oraciones han dado paso a los ‘ollies’ y la pintura descascarada ha sido sustituida por una explosión de colores.”

“Durante los últimos cinco años una asociación local dedicada al skate ha estado trabajando para convertir esta iglesia abandonada en una pista de patinaje. ‘Estaba prácticamente en ruinas cuando empezamos el proyecto,’ comenta Ernesto Fernández Rey. ‘Las paredes estaban manchadas, la pintura se estaba pelando y había polvo por todas partes.’

Levantada en 1912, la Iglesia de Santa Bárbara había sido un foco de actividad para los trabajadores de una fábrica de municiones cercana. Sin embargo, cuando la fábrica cerró sus puertas a finales de la guerra civil española, la iglesia cayó en desuso. El espacio había estado abandonado durante décadas cuando Fernández Rey se encontró con él. […] Decidió utilizarlo para saciar su amor por el skate. ‘Tiene una arquitectura muy interesante, con techos altos y mucha luz.’ ”

La perspectiva de un innovador skatepark interior fue un éxito, sobre todo teniendo en cuenta que la zona recibe 200 días de lluvia al año. Autodenominados como ‘Church Brigade’, Fernández Rey y sus amigos crearon una asociación para recolectar dinero y construir una rampa. Conforme sus fondos fueron creciendo, invirtieron las ganancias en ampliar la pista.

Pronto se irían extendiendo rumores acerca del proyecto. Cuando el artista madrileño Okuda San Miguel descubrió una foto online de los patinadores en la iglesia, contactó con ellos para preguntar si podría pintar ese espacio. San Miguel se hizo cargo de la recaudación de fondos para el proyecto, la creación de un espacio de crowdfunding y la contratación de empresas patrocinadoras. ‘Es como mi Capilla Sixtina personal’, dice.”

(+info)

 (vía The Guardian)

Image credits: La Iglesia Skate, Red Bull Media, okudart

La entrada Transformación de una iglesia abandonada en templo del arte y el skate aparece primero en más que verde.

Toda mujer que conviva o haya convivido con un hombre ha dicho entre una y mil veces «no te pegues, que das mucho calor» o «¡me has puesto una gota de pis en la espalda!». Y si no lo ha dicho, lo ha pensado. Cosas de la convivencia y del amor. Sí, del amor: una mujer tiene que querer —y mucho— a un hombre para tolerar o aguantar entre una y mil veces que él se ponga pesadito con ciertos temas (lo que no significa aguantar a un tipo indeseable). Y al revés, los hombres soportan cosas de las mujeres que aman, cosas que ellas ven naturales. (Aquí cada uno que haga su lista: lo que para unos es molesto para otros es un fetiche).

Ir a la convivencia sin manual de instrucciones

De cómo son las parejas en la intimidad (no solo en el sexo) no sabemos ni la mitad hasta que compartimos casa o piso con la persona a la que queremos. De niños ignorábamos de qué hablaban papá y mamá cuando estaban a solas. Tan solo teníamos algunos resúmenes: «Tu padre y yo hemos pensado que…» Por supuesto, no sabíamos cómo habían llegado al acuerdo.

No leímos libros que avisaran de que las uñas o los pelos en la bañera podrían generar pequeñas guerras. Las películas de Hollywood olvidan que los besos mañaneros tienen mal aliento y legañas. Parece que en cuestiones de la intimidad de la pareja Hollywood nos ha tratado durante mucho tiempo como si fuéramos a rompernos porque los personajes hablen de manera natural —y a veces muy vulgar— de la vida en común. (Estamos en tiempos en los que las palabras pueden ser más transgresoras que la desnudez o la pornografía).

De hecho, es fácil que destaquen las películas de Hollywood que se apartan en mayor o menor medida de la ñoñez como las comedias para adultos protagonizadas por Seth Rogen, Jason Segel o Kristen Wiig, la mayoría obra de la conocida como factoría Apatow. Sin embargo, estas comedias acaban cayendo en la corrección política (la que se supone que hace taquilla).

La corrección política del cine made in USA explica por qué en los últimos años las películas y las series británicas sobre el amor y la pareja han interesado al público. Películas antirrománticas como Love Actually (que no habla de amor sino de calentones) o series como Coupling (en las antípodas de la correctita Friends), Dates o Catastrophe, a la que pertenece la frase «¡me has puesto una gota de pis en la espalda!».

Catastrophe o manual (sin tapujos) para parejas

Catastrophe es una serie británica de Channel 4, también coproductora de Utopía, Shameless y Black Mirror. Camina entre la comedia romántica actualizada, la comedia doméstica y los pequeños dramas cotidianos que suponen ser marido o mujer, tener un trabajo que roba las energías, uno o dos niños pequeños, suegros, cuñados y viejas amistades a las que perder de vista. Así es la vida de Sharon y Rob —los protagonistas—: gente tan corriente como nosotros. ¡Una catástrofe! Como tantas vidas, pero una catástrofe que merece ser vivida.

Sharon y Rob somos nosotros

Sharon es una cansada maestra de primaria que se esfuerza por mostrarse tolerante con los alumnos. Rob es redactor publicitario, pero su trabajo carece del glamour de Mad Men, una serie de la que hablan, como hablan de Juego de tronos (cuidado con el spoiler que hacen de la quinta temporada). Ambos tienen gustos normales, no siguen modas ni tendencias.

Parece que realmente Sharon (el personaje) es Sharon Horgan (guionista de la serie) y que Rob es Rob Delaney (también guionista de la serie). Y tanto como los personajes, ella es británica y él estadounidense. Que los personajes se llamen como los actores y creadores no parece casual: de esta manera se busca que el público relacione el personaje ficticio con quien lo encarna. Quizá perderíamos si apostáramos qué hay de real o qué de ficción en el guion. De todos modos, aunque el público no reparara en los créditos, encontraría que lo que ocurre en Catastrophe y de lo que se habla en ella es reconocible.

El formato de serie permite recrear (como pocas veces lo hace una película) las distintas fases de una relación: de los tiempos del calentón a los tiempos de qué-feliz-verte-despertar-cada-mañana, y después a los tiempos de hay-cosas-que-no-aguanto-de-ti. La brillantez de Catastrophe está en tratar las distintas fases con naturalidad (la pose más difícil de conseguir, según Oscar Wilde). Los tiempos de la conquista mutua no están teñidos de rosa ni lo están de oscuro los tiempos de qué-difícil-la-convivencia.

Aquí es importante que recordemos que el cine romántico de Hollywood a menudo presenta como final que la mujer trague con un canalla o tipo impresentable que pretende redimirse con un bonito discurso. En Catastrophe ni él es un canalla ni ella una lagarta. Son personas normales que siempre están tratando de contentar el uno al otro, pero esto no siempre es fácil. Incluso querer agradar a otra persona puede ser motivo de malentendidos.

En Catastrophe hay romanticismo en lo antirromántico: Cuando Sharon o Rob pretenden introducir romanticismo en sus vidas tal y como Hollywood vende, la realidad se encarga de destrozar las expectativas. Un ejemplo: pasan de estar en un restaurante de lujo a una calle sucia en medio de una fauna urbana nocturna que mea y vomita a la vista de todos sin vergüenza ninguna. En escenas como esta, Catastrophe demuestra que amor no depende de los sitios bonitos ni de las palabras bonitas sino de las miradas y las intenciones frustradas por la vida. Rob y Sharon ignoran lo feo: se miran el uno en el otro y se arropan; saben que son dos contra el mundo.

Por todo esto, Catastrophe es una serie que debería ser obligatoria para aquellos que no saben qué es vivir en pareja. No tanto como disuasión sino para entender lo que significa vivir en pareja. Una serie que también deberían ver aquellos que ya viven con otra persona: tras las risas («¡mira, como tú!») queda la reflexión.

Este post Series: ‘Catastrophe’ o manual (sin tapujos) para parejas, escrito por Javier Melendez Martin, se publicó originalmente en Yorokobu.

Evento conmemorativo en las Playas de Sayulita – cortesía de la página de la Escuela y tienda de surf Lunazul en Facebook

Surfistas de todo el mundo rindieron tributo a los australianos Adam Coleman y Dean Lucas, que fueron asesinados en México en lo que según las autoridades fue un asalto que terminó mal, con ‘paddle outs‘ — un homenaje en el que los participantes se internan en el mar en sus tablas de surf y se toman de las manos para formar un círculo. Miles de personas participaron de eventos en varios países incluyendo Australia, México y EE. UU. el 13 de diciembre de 2015.

Esto sucedió luego del hallazgo de dos cuerpos con heridas de bala en una camioneta incendiada en el estado de Sinaloa en la costa noroeste de México. Más tarde las pruebas confirmaron que se trataba de los surfistas Coleman y Lucas.

La noticia generó conmoción en la comunidad de surfistas de México. Nuestro socio Sin Embargo tuiteó:

Surfistas rinden homenaje en playas mexicanas a turistas australianos asesinados en Sinaloa https://t.co/wDny9nILFZ pic.twitter.com/HqwrlmSMp4

— Sin Embargo (@SinEmbargoMX) December 14, 2015

El medio local Sinaloa en Linea también publicó un video del homenaje, ‘Surfistas muestran lado humano de México':

#adamanddean

Facebook, Instagram y Twitter contribuyeron a unir a la gente en este difícil momento.

Josie Cox, la novia de Dean Lucas, publicó este pedido en Facebook el 12 de diciembre para recopilar todos los homenajes:

#adamanddean

PLEASE SHARE THE HASHTAG on Facebook, Twitter and Instagram, so friends and family can collate the photos of the paddle outs from around the world.
By all means take videos and pics and share and send to us and use the hashtag!
Thank u all! X

#adamanddean

POR FAVOR COMPARTAN LA ETIQUETA en Facebook, Twitter e Instagram, para que los amigos y familiares puedan recopilar las fotos del homenaje en todo el mundo. ¡Por supuesto tomen videos y fotografías, compártanlos usando la etiqueta! ¡Gracias a todos! X

La FEDERACIÓN MEXICANA DE SURFING ha utilizado la etiqueta #adamanddean en su página de Facebook para difundir y documentar el evento.

‪#‎vamosasurfear‬
La Federación Mexicana de Surfing y la Asociación de Surfing del Estado de Sinaloa, invitan a toda la comunidad Surfer local y a la comunidad de Mazatlán a unirse en el “Memorial Paddle” que se llevara a cabo el próximo Domingo 13 de Diciembre en Playa El Camarón a las 10:30 AM. Demostremos nuestra Solidaridad a las Familias de los surfers Australianos Dean y Adam

Janet Blaser, editora de la revista ¡M! de Mazatlan, organizó un álbum de fotos conmemorativas en Facebook.

Surf Sessions Clasico Mazatlan subió esta imagen a Facebook para presentar sus respetos a las familias de los surfistas. “Esta fue la respuesta de la comunidad Surfista de Mazatlan luego de los terribles eventos del mes pasado cuando dos surfistas australianos fueron asesinados,” decía el mensaje que acompañaba la foto:

Paddle out en la playa El Camarón. Cortesía de la página en Facebook de Clases de SURF Clásico en Mazatlan.

Otros expresaron sus condolencias en Twitter:

RIP my Golden Bay brothers #AdamandDean. Sending love to all of their family and friends at this horrific time :-( https://t.co/KENx4oE483

— Kate Ferguson (@_KateFerguson_) December 15, 2015

QEPD hermanos de Golden Bay #AdamandDean. Le envío cariños a sus familias y amigos en este terrible momento :-(

‘Como el Triángulo de las Bermudas’

Lamentablemente los crímenes no son inusuales en el estado de Sinaloa que es famoso a nivel nacional e internacional por ser el lugar de nacimiento de los principales narcotraficantes y de la cultura narco en México.

Según se informó cinco sospechosos fueron arrestados. Sin Embargo publicó el 13 de diciembre:

Una de las líneas de investigación indica que los australianos hicieron una parada en un falso retén, donde sujetos vestidos como policías los intentaron asaltar, al oponerse, uno de los dos turistas fue herido de bala. Los agresores refieren que los llevaron a un paraje donde los asesinaron y quemaron el vehículo donde se trasladaban.

En un artículo publicado con posterioridad, Sin Embargo citó al alcalde local:

El Edil señaló que no se necesita ser investigador para reconocer que en esa parte, en la carretera de cuota, hay un grupo dedicado a los asaltos carreteros, robo de vehículos y hasta de combustible de Petróleos Mexicanos (Pemex).
“Ese espacio es como un Triángulo de las Bermudas donde suceden hechos delincuenciales con bastante frecuencia…

El analista político Alejandro Sicairos planteó su preocupación acerca de la inacción de las autoridades frente a los grupos criminales que operan en la autopista en una entrevista con Noticiero Noroeste:

Existe una negligencia criminal. Abandonaron esta zona, sabiendo que es tan peligrosa. Sabiendo que implica riesgos para los sinaloenses y los visitantes.
(…) Nunca se ve un operativo, que haya una advertencia en la caseta de cobro para que quienes transitan por ahí tomen sus precauciones.

Él también mencionó que las bandas que operan en la zona en realidad son sicarios que eran integrantes del cartel de droga de Carrillo Fuentes.

La ‘apasionada’ usuaria mexicana de Twitter Isabelle hizo un comentario sarcástico sobre el arresto de los presuntos asesinos:

Atrapan a los que mataron a los surfistas australianos…eran ladrones de carros Ya luego nos explican por qué no les robaron el carro

— Isabelle (@isabellemexico) December 7, 2015

‘Conectados a nivel global’

Más de 40 fotos y videos fueron publicados usando la etiqueta #adamanddean.

Hazeyhayes dejó un tributo personal en la costa inglesa:

Connecting on a global level for Adam and Dean. My small contribution at Scarborough North Bay, England, UK. Miss and love you so much. My thoughts are with the Lucas and Coleman families, All that knew Adam and Dean, Andrea and especially @josiecox All my love to you!! #AdamAndDean #rememberadamanddean #love @adziecolezie

A photo posted by hazeyhayes (@hazeyhayes) on Dec 13, 2015 at 8:59am PST

Conectados a nivel global para homenajear a Adam y Dean. Mi pequeño aporte desde Scarborough North Bay, Inglaterra, Reino Unido. Los quiero y extraño tanto. Tengo presente en mis pensamientos a las familias Lucas y Coleman. Todos los que conocieron a Adam y Dean, Andrea y especialmente @josiecox ¡Todo mi amor para ustedes! Fotografía publicada por hazeyhayes (@hazeyhayes) 13 de diciembre de 2015, 8:59am PST

Incluso hubo un homenaje en tierra en el que participaron skaters:

Memorial Downhill Session for #AdamandDean in Interlomas, México. Rest in peace brothers. #skate #downhill #Mexico #sk8topia @surfdf A photo posted by Sk8topia (@sk8topia) on Dec 13, 2015 at 2:21pm PST

Descenso en memoria de #AdamandDean en Interlomas, México. Que descansen en paz hermanos. Fotografía publicada por Sk8topia (@sk8topia) 13 de diciembre de 2015, 2:21pm PST

Un tuit de Leah Andy, ‘Mother of a Future Mermaid’, expresó el sentimiento de la comunidad global de surfistas:

Too young, too soon, #AdamandDean xx pic.twitter.com/s9qnuGezg5

— Leah Andy (@LeahAndyAndy) December 15, 2015

Demasiado jóvenes, demasiado pronto

Escrito por Kevin RennieEscrito por ElizabethTraducido por Cecilia Cárdenas · · Ver post original [en] · Comentarios (0)
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Primero fueron los ponis; después, el Congo. De la unión de los dos, surge Pony Congo. No se trata de un mero acoplamiento de palabras. Más bien es un diálogo entre imágenes discordantes y aparentemente ajenas. Sin embargo, una vez juntas en una improbable convivencia, crean una narrativa irónica y sagaz a lo largo de las dobles páginas que componen el segundo fotolibro de Vicente Paredes.

Con una tirada de 750 ejemplares, Pony Congo pretende hablar de una forma completamente inédita de un tema tan antiguo como la humanidad: la desigualdad. Lo hace enfrentando dos modelos de infancia diametralmente opuestos. Por un lado, el estrés de unos niños de clase alta para obtener el reconocimiento y el estatus social en las primeras etapas de su vida. Estos adolescentes son víctimas de sus propias familias y de la presión social que mide su valor por saber montar un poni. En el otro extremo, las estereotipadas sonrisas de los niños pobres de África, aquellos retratos que un fotógrafo documentalista jamás haría: las típicas instantáneas de turistas.

A lo largo de dos años, Paredes retrató el elitista ambiente de los campeonatos de equitación de ponis en Segovia. «Un amigo me había hablado de estas competiciones. Me pareció un tema muy curioso. Es un mundo muy duro para los niños. Hay mucha competitividad, disgustos y estrés… Todo ello me llamó la atención», reconoce el fotógrafo. «Nunca pensé en hacer un trabajo amable. Lo que no imaginaba es que mi trabajo llegaría a tomar estos derroteros», añade.

En 2013 Paredes visitó a unos amigos que vivían en Congo. Llevó la cámara por si acaso. Hizo varias fotos de los niños trabajadores del Bajo Congo y regresó a España. Durante la edición, tuvo una epifanía. «Eran dos trabajos independientes, pero un día al hacer dípticos, noté que empezaban a dialogar. El mundo pobre colonizado y el mundo rico colonizador comenzaron a hablarse por sí mismos», cuenta Paredes.

Regresó al Congo el verano siguiente con la idea de cazar imágenes para lo que en aquel momento sólo era un proyecto fotográfico. «De hecho, al Congo me llevé los mismos filtros de luz polarizada que había utilizado para el trabajo de los ponis», explica el retratista.

Pony Congo no pretende hablar de España, ni de los ponis, y mucho menos de los niños trabajadores de África. El tema de fondo es mostrar cómo se relaciona una parte del mundo, explotada y dominada, con la parte de la humanidad que domina, muchas veces sin saberlo o sin ser consciente de ello. En el libro cada doble página se convierte en una metáfora de la mirada recíproca entre los países ricos y los países colonizados.

Es una mirada totalmente involuntaria que el fotógrafo provoca desde sus inquietudes más profundas. Los niños del Congo y los de los ponis nunca se encontrarían en la vida real. El libro propicia este encuentro y es el espectador quien imagina qué ocurriría si eso aconteciera de verdad.

Vicente Paredes juega magistralmente con la complejidad de las relaciones poscoloniales, fabricando diferentes interacciones en cada doble página: desde la admiración hasta la desconfianza, el desconcierto o incluso el odio. «He juntado unas imágenes que adquieren un significado nuevo, que posiblemente pueda resultar negativo para los retratados. Eso me ha generado muchos conflictos, pero en el fondo lo que hago es usar estereotipos. Podrían haber sido niños que juegan al tenis», afirma.

Con el fin de preservar la intimidad de los retratados, el fotógrafo borra los ojos con barras negras. Una vez más, esta decisión estética se convierte en una declaración de intenciones. «Los niños del Congo no tienen derechos de ningún tipo y mucho menos sobre su imagen. Puedes fotografiarles sin que te pase nada, algo que jamás acontecería con los menores en Occidente», señala.

Paredes riza el rizo y se atreve a jugar con los prejuicios de los lectores. «Hay toda una escuela de cómo se deben leer las fotos de ‘negritos pobres’. En realidad, son niños trabajando, lo más habitual que pueden estar haciendo en su contexto. La miseria, la lástima e incluso la desconfianza están en nuestro imaginario; están dentro de nosotros, no en las imágenes», asegura ese fotógrafo alicantino.

La narrativa está estructurada en colaboración con la diseñadora Natalia Troitiño con el fin de recorrer la amplia variedad de relaciones poscoloniales y su evolución histórica. «Niña que admira con candor al joven jinete apuesto, reacciones de asco, desconfianza, dignidad, miedo…», enumera Paredes. Incluso la elección del papel responde a un criterio político. El libro está impreso en papel brillante para los niños de los ponis, una reminiscencia de las revistas que ensalzan a los personajes de la alta sociedad, y en papel ahuesado mate para los niños del Congo.

Publicado el pasado mes de octubre gracias al apoyo de la fotógrafa Cristina de Middel y de su nueva editorial This Book is true, Pony Congo todavía no ha suscitado reacciones en los familiares de los pequeños jinetes. «En teoría podrían denunciarme, pero en un juicio se demostraría que intenté preservar la intimidad de estos menores», explica el autor.

Su trabajo también ha sido expuesto recientemente en el Festival de Fotografía de Lagos. «Muchos fotógrafos nigerianos me han llegado a preguntar por qué no le puse bandas negras a los niños congoleños en vez de a los niños españoles. Quizás hubiese sido más interesante, pero probablemente habría acabado en la cárcel», concluye Paredes.

Este post Pony Congo: ¿Qué tienen en común la alta sociedad española con unos niños pobres del Congo?, escrito por Valeria Saccone, se publicó originalmente en Yorokobu.

Fotografía: wiredforlego (CC)

Los premios Darwin reconocen a aquellas personas que han colaborado con la evolución de la especie humana eliminando sus genes del acervo común de la humanidad, mediante su esterilización o su propia muerte. Para ganar un premio Darwin los posibles candidatos deben liquidarse a sí mismos de una forma particularmente estúpida, mejorando de esta manera las posibilidades de que nuestra especie sobreviva en el largo plazo al hacer limpieza de los genes de estos «artistas». La mayoría de los premios son póstumos, pero hay también algunas menciones de honor a gente que merecería haberlo ganado pero ha sobrevivido con su capacidad reproductiva intacta. Uno de ellos es Larry «Cortacésped» Walters, un californiano que en julio de 1982 acopló cuarenta y cinco globos meteorológicos llenos de helio a su tractor cortacésped, cogió unos sándwiches, unas cervezas y una pistola de balines por si tenía que disparar a los globos para descender y se preparó para el despegue. Este camionero que siempre había soñado con ser piloto pidió a un amigo que cortase la amarra pero no empezó a flotar suavemente sino que el artilugio salió despedido hacia arriba como la bala de un cañón. El cortacésped volante no se estabilizó a los diez metros de altura, ni a los cien, ni a los mil, alcanzó una altitud de cuatro mil novecientos metros e invadió el corredor de entrada al aeropuerto de Los Ángeles donde varios pilotos avisaron a la torre de control de que no podían creer lo que estaban viendo. Tras pasar catroce horas en un ambiente gélido sobrevivió, pero tuvo que abonar una multa de mil quinientos dólares por haber invadido el espacio aéreo bajo control. Otra mención de honor fue otorgada a dos individuos que intentaron robar en la casa de Duncan Ferguson, un futbolista escocés famoso por su agresividad que había tenido cuatro condenas por peleas, una colección de tarjetas rojas directas y había estado seis meses en prisión. Uno de los ladrones tuvo que ser hospitalizado tras enfrentarse al jugador.

Las diferencias entre hombres y mujeres tanto en mortandad como en admisiones en un servicio de urgencias son bien conocidas. Entre las causas están los daños fortuitos, las lesiones haciendo deporte o los accidentes de tráfico. Algunas de esas diferencias entre sexos pueden ser debidas a factores culturales o socioeconómicos: los hombres participan más en deportes de contacto y de riesgo y la mayoría de los puestos de trabajo con posibilidades de sufrir un accidente están ocupados por hombres. Pero hay otra posible explicación: que los hombres seamos más idiotas, que tengamos una tendencia superior a asumir riesgos, a hacer cosas sin ningún posible beneficio y con una alta probabilidad de acabar mal, de hecho, muy mal.

Un estudio publicado en el British Medical Journal en diciembre de 2014 utilizaba los premios Darwin para comprobar la llamada «male idiot theory» o teoría de la idiotez masculina. Según esta hipótesis de trabajo muchas de las diferencias en los comportamientos de riesgo, las frecuencias de ingresos en servicio de urgencias o la mortandad se podrían explicar con un sencillo postulado: los hombres somos idiotas y los idiotas hacen cosas estúpidas.

El grupo de trabajo encabezado por B. A .D. Lendrem —por cierto, de quince años de edad—, utilizó para comprobar esta teoría los datos de los ganadores de los premios Darwin en los veinte años registrados desde 1995 a 2014. Los premios hacen una clara distinción entre muertes idiotas y muertes accidentales. Por ejemplo, no se otorgan a alguien que se haya pegado un tiro en la cabeza al intentar demostrar que una pistola no estaba cargada. Es algo bastante frecuente y se considera un accidente. Por el contrario, uno puede ser merecedor de un Darwin si se dispara en la cabeza para demostrar que la pistola SÍ estaba cargada; como el italiano que se pegó un tiro en el cerebro con un bolígrafo-pistola para demostrar a un amigo que era verdad que el pequeño artilugio funcionaba.

Una selección de premiados mencionados en el artículo de Lendrem y colaboradores incluía al ladrón que intentó robar el cable de un ascensor soltándolo mientras estaba dentro del elevador, con el resultado de que el aparato se precipitó contra el suelo matando a su ocupante; al que intentó ahorrarse un billete de tren atando un carrito de supermercado al último vagón y subiéndose a él para ser arrastrado durante tres kilómetros antes de que el maquinista se diera cuenta y pudiera detener el tren y retirar el cuerpo del ahorrador; o mi favorito, el terrorista que envió una carta bomba sin suficiente franqueo y que cuando le fue devuelta por el servicio de correos abrió sin darle más vueltas.

Estos tres «lumbreras» cumplen los cinco restrictivos criterios de los premios Darwin:

-Incapacidad de reproducción. Los nominados tienen que haber terminado muertos o estériles o incapaces de usar sus órganos sexuales.

-Excelencia. La estupidez del candidato debe ser asombrosa y única. Se supone que es por el deseo de que los premios tengan un toque de humor. Morir por fumar en la cama no se considera premiable pero morir en la cama de un hospital después de que te hayan aplicado un ungüento inflamable y te hayan dicho específicamente que no debes fumar te acerca a poder ganar un Darwin. Una mención de honor fue concedida a un hombre que quiso suicidarse mediante la ingestión primero de píldoras de nitroglicerina e intentar luego detonarlas corriendo y chocando contra una pared.

-Autoselección. Matar a un amigo al intentar manipular un explosivo no se considera meritorio, pero matarse a sí mismo mientras intenta fabricar un sistema para limpiar la chimenea utilizando una granada de mano está mucho mejor valorado.

-Madurez. Hay que tener edad para conducir de forma legal, estar en su juicio y no sufrir ningún trastorno mental. En algún caso es difícil estar seguro, como el paquistaní que se presentó voluntario para que su sufí le matase y le resucitase después para demostrar sus poderes, cosa de la que solo cumplió la primera parte.

-Veracidad. El suceso tiene que estar verificado, comprobado en una fuente fiable. Las leyendas urbanas y los relatos sin confirmar son excluidos.

También se han seguido otros criterios, como que no debe poner en riesgo la vida de otras personas inocentes y no deben ser el resultado de un intento deliberado; es decir, que nadie se mate a sí mismo solamente por el honroso propósito de conseguir un Darwin.

El equipo investigador revisó los datos de todos los nominados para los Darwin anotando su sexo. Excluyeron a las menciones de honor, tales como el hombre que se masturbaba con la maquinaria de su taller acercando su pene a la correa de una máquina mientras sus compañeros tomaban el bocadillo. En el momento final de entusiasmo se acercó demasiado a la correa, que le enganchó el escroto y le lanzó despedido a varios metros. Al ver la herida —de hecho había perdido su testículo izquierdo— decidió reparar la avería utilizando una pistola de grapas. Cuando fue finalmente a urgencias tenía el escroto del tamaño de un pomelo, ocho grapas oxidadas clavadas en la piel y un testículo superviviente, con lo que perdió su oportunidad de conquistar un Darwin ya que mantuvo la posibilidad de seguir aportando sus genes a las nuevas generaciones.

Los autores del artículo estudiaron a los 413 nominados a los premios Darwin, de los cuales 332 fueron verificados de forma independiente y confirmados por el comité que concede los premios. De esos, 14 eran compartidos por un hombre y una mujer, normalmente parejas aventureras que se pusieron en posiciones comprometidas, dejando 318 casos válidos para el análisis estadístico. De esos 318, 282 eran hombres (88.7%) y 36 mujeres (11.3%). El análisis con el programa informático SPSS confirmó que la diferencia era altamente significativa (p<0,0001). Este resultado es perfectamente coherente con la teoría de la idiotez masculina y con la hipótesis de partida: que los hombres somos unos majaderos y hacemos cosas estúpidas.

El estudio termina planteando una discusión sobre la validez de los datos y las posibles explicaciones. Una de las limitaciones es el haber usado datos retrospectivos y que pueda haber algún tipo de sesgo en la selección. Es posible que las mujeres nominen más a hombres para los premios Darwin, que el propio comité realice una selección sesgada de los posibles candidatos o que los periodistas, la principal fuente de identificación de nominados, primen historias protagonizadas por hombres para que reciban estos prestigiosos premios, esa solidaridad masculina tan denostada en algunas camarillas. A pesar de estas posibilidades es bastante evidente que a los premiados no les preocupa el riesgo mortal o no lo evalúan adecuadamente y hay dudas sobre su nivel de inteligencia. Unos oficinistas observaban interesados a un trabajador de la construcción que iba demoliendo los pilares de un aparcamiento en el solar adyacente. ¿Cómo iba a hacer para que la estructura se viniera abajo de una forma segura antes de tirar el último pilar? El último día descubrieron que no se lo había planteado. La plataforma de hormigón superior se derrumbó aplastando la miniexcavadora y a su conductor.

No sabemos por qué los hombres se comportan de una manera idiota con más frecuencia y mayor diversidad que las mujeres. Las diferencias pueden ser debidas a aspectos genéticos, psicológicos y también a hábitos de consumo como, por ejemplo, el alcohol. Tres hombres que jugaban una variante de la ruleta rusa tomaban un trago de alcohol y, a continuación, saltaban sobre una mina terrestre camboyana sin detonar. La mina terminó explotando, destruyendo el bar y matando a los tres sujetos. También habían estado bebiendo los dos amigos de Kentucky que decidieron repetir la hazaña de Guillermo Tell, pero como no tenían una manzana a mano usaron una lata de cerveza, algo fácilmente disponible, con el resultado que imaginarán. Sin embargo, el que no existan datos sobre consumo de alcohol en muchos nominados hace imposible un análisis científico de esta variante.

Hay dudas sobre por qué los hombres toman esos riesgos innecesarios; puede ser un rito de paso, una forma de asombrar a los colegas y avanzar en la jerarquía del grupo, una manera de conseguir sexo ya sea por asombro o lástima de la observadora o que sea, simplemente, la respuesta habitual a esa frase de «a que no hay huevos…» sustituyendo los puntos suspensivos por cualquier actividad que te acerque a un premio Darwin. Los investigadores comentan que «presumiblemente, el comportamiento idiota debe proporcionar alguna ventaja selectiva, aún sin identificar, a aquellos que no terminen siendo víctimas de él. Otra posibilidad es que sea un ejemplo de altruismo en el cual algunas personas se sacrifican de forma generosa para mejorar la supervivencia de la especie. Hasta que no haya una explicación satisfactoria del comportamiento estúpido masculino, las salas de emergencia de los hospitales tendrán que ir juntando las piezas, a menudo literalmente». Esa es la tarea de Andy Gray, cirujano traumatólogo y coautor del estudio que declaraba: «Es normalmente a lo que me dedico las noches de los viernes y los sábados». Las críticas del artículo consideran que hay que separar entre tomar riesgos y que algo salga mal frente a realizar algo completamente idiota, dan explicaciones evolutivas como que las mujeres se obligan a sobrevivir sin tomar riesgos absurdos para cuidar de los hijos y algunos comentaristas destapan la batalla de los sexos para lo que recurren a listas de premios Nobel o a avances médicos para negar la idiotez de los hombres. En realidad, un artículo navideño, realizado con humor, y que da para pensar y comentar.

Para leer más:

• Lendrem BA, Lendrem DW, Gray A, Isaacs JD (2014) «The Darwin Awards: sex differences in idiotic behaviour». BMJ 349: g7094.
• Web de los Darwin Awards.
• Darwin Awards en Wikipedia.

La entrada La teoría de la idiotez masculina aparece primero en Jot Down Cultural Magazine.

Rotonda de las trufas (Orusco de Tajuña)

En esta microrrotonda de la localidad madrileña de Orusco de Tajuña, ubicada en la confluencia de las calles Valle, Presilla y Alcalá Baja, se encuentra esta curiosa escultura realizada a partir de desechos de herrería que según el ayuntamiento juega con las letras del nombre del municipio, y según los vecinos representa un pincho moruno de bolas de chocolate, trufas o bolas de helado.

Más info: Google Maps

“Aquellos eran tiempos distintos de los actuales: nadie confesaba una humillación, aunque las hubiera sufrido reiteradas y graves. Ahora no hay nada más rentable, en cambio, que proclamarse víctima, sojuzgado y pisoteado, y airear entre gemidos las propias miserias. Es curioso que haya desaparecido el orgullo, durante la postguerra era muy fuerte el que alimentaba a los vencidos, que ni siquiera hablaban de sus muertos y presos, como si sacarlos a relucir -aun en privado- fuera ya un oprobio; no sé, un acatamiento, un reconocimiento del bando que se los había causado y de su potestad para hacer daño. No se callaba sólo por miedo y por no refrescar la memoria de quienes aún tenían capacidad e infligirlo, aumentarlo y ampliarlo; también por no darles un triunfo, por no agachar más la cabeza ante ellos, con lamentos” (421-422).

Javier Marías, Así empieza lo malo. Madrid, Alfaguara, 2014.

Poe es una película con guion y dirección de Sylvester Stallone. Una película biográfica (un biopic) sobre el escritor gótico americano que aparece en muchas listas de mejores películas NUNCA filmadas.

La hemeroteca de The Philadelphia Inquirer (el principal diario de Filadelfia) recoge la noticia-rumor de que Stallone contacta con Kubrick para que dirija Poe (1989):

THANKS, NO!

The hot Hollywood talk is of how director Stanley Kubrick received a personal request from Sylvester Stallone to direct him in the title role of an Edgar Allan Poe biography-screenplay penned by Stallone himself. Kubrick read the script and pronounced it “excellent.” But he passed on directing the movie because he felt it wasn’t “down in the street” enough.

Una traducción urgente:

¡GRACIAS, NO!

El tema candente de Hollywood es que el director Stanley Kubrick recibió una petición personal de Sylvester Stallone para dirigirlo como protagonista de un guión biográfico de Edgar Allan Poe escrito por el propio Stallone. Kubrick leyó el guion y lo calificó de «excelente». Pero pasó de dirigir la película porque sentía que no estaba lo suficiente «en la calle».

Recuerdo haberlo leído en la revista Fotogramas en su momento. Esperaba que Kubrick cambiara de opinión: quería ver a un Poe vigoroso; no dando hostias ni manejando dos metralletas a la vez, sino apasionado y turbulento, sacando afuera lo que llamaba «los terrores del alma». (Quizá estaba sugestionado por el descenso a los infiernos de Jack Nicholson/Torrance en El resplandor).

Treinta años después, Sylvester Stallone confiesa reescribir el guion cada cierto tiempo adaptándolo según el actor del momento que le parece adecuado para interpretar a Poe: Viggo Mortensen, Robert Downey Jr., Johnny Depp… Stallone, cuenta al periodista de Empire Online:

«No dejo de decirle a mi productor Avi Lerner: “Hagamos Edgar Allan Poe!” Él dice: “¿Tiene una pistola?” No, él no tiene una pistola. “¿Puede lanzar un cuchillo?” Yo digo: No, él escribe poesía!»

«No tiene una pistola [...] ¡escribe poesía!», hermoso alegato a favor de la poesía, un arma cargada de palabras. Stallone es un poeta por conocer, también un humanista, a pesar de las balas, como reconoce el Festival de Cine de Venecia cuando concede en 2009 a Stallone el premio Jaeger-LeCoultre Gloria para el Cineasta. La nota de prensa del Festival señala que «Stallone ha explorado las zonas más claras y las más oscuras del llamado sueño americano» y que «muestra ternura también cuando corre la sangre».

La decisión del Festival de Venecia irrita a cierta clase intelectual que despotrica contra el jurado en periódicos y blogs. En años anteriores, el mismo premio recae en Takeshi Kitano, Abbas Kiarostami y Agnès Varda (¡La espigadora y los espigadores, necesaria para futuros directores de documentales!).

Recuerdo una comida de autodenominados intelectuales cabreados con Venecia y Stallone. «A mí me gusta Stallone», suelta alguien y se hace el silencio. Quien habla había mostrado en otras ocasiones su entusiasmo por Mi noche con Maud y El rayo verde, películas poco asequibles para el gran público.

Quien realmente ama el cine no está ceñido a un género o un tipo de película, de la misma manera que el verdadero amante del buen comer prueba toda clase de platos. El cinéfilo encuentra en cada película un motivo de gozo físico o intelectual, una reflexión o una evasión. Disfrutar por distintos motivos con Stallone y Rohmer.

El denostado por mal leído Robert Mckee, que desmenuza con pasión las películas de Ingmar Bergman, escribe que el Rambo de Acorralado es un ejemplo de personaje atractivo como residuo del Vietnam. Luego denosta que se convierta en una máquina de matar en las entregas sucesivas, cayendo así en un cliché. Acertado análisis.

Pocos como Stallone para retratar —ya como guionista, ya como director— a los perdedores apenas utilizando un puñado de palabras. Él sabe lo que cuesta conseguir las cosas; él, que comienza en el porno para pagar las clases de arte dramático. Rocky y Rambo son —cada uno en su primera aparición— perdedores: el boxeador busca un sentido a su vida; el soldado un lugar en el mundo. Lo que viene después, puro negocio. Un negocio que convierte a Stallone en una marca.

Avi Lerner, el productor, teme que Poe desgaste la marca Sylvester Stallone, aunque quede oculto tras la cámara, de la misma manera que Universal teme que Kaleidoscope destruya la marca Hitchcock.

La marca es la culpable de que sobre Stallone pese una amnesia colectiva (que incluye a profesionales del cine y la televisión). Una desmemoria que impide al público asumir que el actor también es guionista y director de cine. Por esto, él mismo se encarga de recordarlo en cuanto tiene una oportunidad:

«Soy un escritor más que un actor y un director más que un actor».

La fijación de Stallone por Poe lo coloca de alguna manera en el grupo de directores de cine malditos, aunque por una película no terminada ni siquiera comenzada. Stallone explica así su obsesión:

«Lo que más me fascina de Poe es que era un iconoclasta. Es una historia para cada hombre o mujer joven que se vea fuera de la caja o haya sido condenado al ostracismo durante su vida como un bicho raro o sea visto como demasiado excéntrico para la sociedad».

Stallone es ese bicho raro: aborrecido por los intelectuales, encajonado por las productoras y el público, pasto de chistes fáciles e incapaz de encontrar financiación para un proyecto personal. A pesar de todo, Sylvester Stallone no se da por derrotado y trabaja con fuerzas e ilusión por dar cuerpo a Poe, como su alter ego Rocky Balboa que se alimenta de las derrotas para volver a levantarse.

Este post Poe, la obsesión de Sylvester Stallone, escrito por Javier Melendez Martin, se publicó originalmente en Yorokobu.

Fotografía: JP Davidson (CC)

Las historias de ficción, en el cine, la literatura y la televisión, nos enfrentan a las contradicciones reales que implica la práctica, más o menos oculta, de la tortura en nuestras sociedades, obligándonos como espectadores pero también como ciudadanos a cuestionarnos su validez y su permisividad. Estas ficciones, en las que a menudo se manipula emocionalmente al espectador, suelen instarnos a elegir entre unos principios morales que creemos incuestionables y la posibilidad de salvar las vidas de un grupo incierto de personas inocentes. Generalmente todo suele salir bien, la tortura se mantiene dentro de los límites de lo aceptable, a menudo basta con la amenaza, y el prisionero confiesa dónde han puesto la bomba y entrega a sus secuaces. Pero la realidad no suele ser así. Nunca es así.

Estos días, en los que aún estamos conmocionados por los recientes atentados en París y la escalada de alarma y peligro que han conllevado en nuestro entorno, se alzan las voces que piden medidas excepcionales para hacer frente a la amenaza terrorista: declaraciones de guerra, cambios en los códigos penales, restricción de derechos civiles, bombardeos preventivos o de castigo y un largo etcétera. El uso de la tortura con el fin de obtener información que permita evitar atentados o perseguir células terroristas es uno de estos límites, un límite marcado claramente por la Declaración de Derechos Humanos y otros convenios y que, sin embargo, ha sido ignorado y pisoteado repetidamente en situaciones como las que hoy vivimos.

Es necesario alertar de los peligros que implican para los ciudadanos, para nuestro Estado de derecho y para las libertades que son nuestro principal patrimonio, prescindir a conveniencia de nuestros principios éticos. También la ciencia, pese a que algunos aún la consideren como una mera herramienta, puede y debe participar en este debate en el que se ve inmersa nuestra sociedad, aportando argumentos y reflexiones, así como sus herramientas más valiosas, la objetividad, el espíritu crítico y el análisis y la contrastación de los datos. Veamos, por tanto, qué pueden decirnos sobre la tortura y su pretendida efectividad —principal argumento de quienes la defienden— los estudios realizados desde el campo de la neurociencia, ese área de la ciencia especializada en el sistema nervioso y, por tanto, en el cerebro.

En diciembre de 2014 se hizo público el resumen de una investigación impulsada por el Comité de Inteligencia del Senado de los Estados Unidos sobre las prácticas de tortura cometidas por la CIA en los primeros años de esta llamada guerra contra el terror. Las conclusiones son espantosas y aunque solo se ha hecho público un sumario de quinientas páginas de las más de seis mil del informe, el extracto asegura que se torturó a más personas y de forma más brutal de lo que se había admitido hasta entonces, que la CIA manipuló a la opinión pública y a la prensa, engañó al poder legislativo y que, en contra de algunas declaraciones interesadas, de todo ello no salió ninguna información provechosa, nada. Además, la reputación internacional del país quedó gravemente dañada, el incumplimiento de los tratados internacionales, patente, y las posibilidades de ser un agente principal para una evolución positiva en el mundo islámico quedaron prácticamente anuladas. Una lección que los defensores de «el fin que justifica los medios» no deberían olvidar.

No hay estudios científicos, es decir, realizados en un entorno controlado y siguiendo las pautas establecidas para poder contrastar resultados, sobre la tortura. La ética lo impide, incluso si hubiera voluntarios. Desgraciadamente hay numerosas víctimas en las que se han podido explorar sus efectos físicos y psicológicos y también se han dedicado muchos esfuerzos a estudiar la tesis de si la tortura produce información veraz y si esta práctica terrible es realmente más eficaz que un interrogatorio normal. Estas son las principales conclusiones:

El cerebro torturado no funciona con normalidad

Los neurocientíficos saben que el sistema nervioso central reacciona al miedo, al estrés, al dolor, a las temperaturas extremas, al hambre, a la sed, a la privación de sueño, a la privación de aire, a la inmersión en agua helada, es decir, a todas las prácticas asociadas a la tortura. El estrés prolongado provoca una liberación excesiva de hormonas como el cortisol. Estas hormonas dañan el hipocampo —una estructura cerebral clave para codificar y recuperar memorias—, incrementan el tamaño de amígdala —otra zona cerebral que une un componente emocional a la memoria, dirige la atención y se comunica con otras regiones cerebrales— y afecta negativamente a la corteza prefrontal —que se encarga de la toma de decisiones, el juicio y el control ejecutivo—. Estas intervenciones generan problemas en la memoria, alteran el ánimo y nublan  la claridad mental y la toma de decisiones racionales.

Los torturadores esperan destruir la resistencia de la persona y obtener información fiable de un sujeto que no desea colaborar, pero el cerebro del sujeto está alterado en algunas de sus funciones básicas, con lo que es lógico suponer que su capacidad de proporcionar información fiable está gravemente alterada también.

Mural en San Francisco. Fotografía: Robert Cudmore (CC)

La tortura altera los recuerdos

Con frecuencia el dolor y el estrés afectan al proceso de consolidación de lo que el detenido ha visto y vivido, es decir, distorsionan su memoria, haciendo que se incapaz —incluso aunque lo desee— de recordar aquello sobre lo que se le pregunta. Las víctimas privadas de dormir están desorientadas y confusas y pueden convencerse a sí mismas de lo que los interrogadores están sugiriendo, creando pistas falsas. El sistema de muchos interrogatorios, repetir y repetir una historia bajo condiciones de estrés, es uno de los métodos más eficaces para introducir falsos recuerdos entre las memorias reales. Una investigadora lo comprobó con un grupo de personas, convenciéndoles de que siendo niños se habían perdido en un centro comercial. Comenzó diciéndoles, individualmente y de forma casual, que uno de sus padres se lo había comentado, después sugirió que imaginaran cómo podría había sido. Tras varias sesiones, un tercio de los voluntarios eran capaces de «recordar» cómo había sido esa experiencia que nunca existió.

La tortura pierde eficacia rápidamente

El dolor es un mecanismo de defensa que sirve para evitar al organismo un daño mayor. Cuando el daño ya es terrible, el dolor simplemente se apaga, algo que conocen muchas víctimas de un accidente de tráfico. Una tortura demasiado rápida causa normalmente que la persona pierda la sensibilidad o se desmaye. Además, diferentes personas tienen distintos umbrales para el dolor y algunos tipos de dolor enmascaran otros por lo que, aunque suene terrible, no es posible torturar de una forma científica, no hay forma de medirla y mantenerla dentro de unos límites. El torturador avanza a ciegas sobre las sensaciones de su víctima, las distintas sesiones suman abyección pero no avanzan en ningún sentido.

No hay niveles de tortura

Los torturadores lo saben y por eso siguen normalmente dos estrategias: aplicar el máximo dolor que su víctima pueda soportar, yendo al límite casi desde el comienzo y, en segundo lugar, explorar distintas técnicas, distintos tipos de agresión y dolor, intentando localizar las fobias y debilidades específicas de su víctima. Un resultado evidente es que las posibles normas sobre el grado de violencia aceptable se saltan siempre, no hay niveles aceptables de tortura, no hay nunca un uso limitado y medido, hay tortura y punto.

La tortura corrompe a la organización que la realiza y a todos los que participan

Los senadores norteamericanos, ante las conclusiones del informe, quedaron asombrados de la incompetencia de la CIA, con actuaciones que llevarían a la ruina a cualquier ferretería, como no saber dónde estaban las personas bajo su custodia, no atender a las quejas de sus empleados ni llevar a cabo estimaciones fiables del resultado de sus procedimientos. Rejali, un investigador dedicado al tema de la tortura, ha escrito que las instituciones que torturan, sea el ejército francés en Argelia, el ejército argentino en Argentina o la CIA en su lucha contra el terrorismo internacional, disminuyen su profesionalidad al mismo tiempo que hunden su estatura moral.

La tortura degrada también a las personas que colaboran

Un grupo de directivos de la American Psychology Association se asociaron con oficiales de la CIA y el Pentágono para evitar que la principal organización profesional de los psicólogos estableciera normas éticas que habrían impedido o dificultado la participación de estos profesionales en los «interrogatorios coercitivos» de Guantánamo. Tras la colaboración de estos directivos de enorme prestigio con las agencias de defensa existían intereses económicos, algo que ha sido un escándalo dentro de la profesión. Cuando estas actuaciones fueron conocidas, Nadine Kaslow, otra directiva de la APA, declaró que «sus acciones, políticas y falta de independencia respecto a la influencia gubernamental demuestran que no se estuvo a la altura de nuestros valores. Lamentamos profundamente, y pedimos perdón, por el comportamiento y las consecuencias que se derivaron. Nuestros asociados, nuestra profesión y nuestra organización esperaban, y merecían, algo mejor».

La tortura impide la recogida voluntaria de inteligencia

El factor principal, tanto para resolver un asesinato como para hacer caer a una red terrorista, es la cooperación de la población. La tortura rompe la confianza entre los ciudadanos y las fuerzas de seguridad —el respeto y la afección hacia estas últimas disminuye y el miedo no sirve de puente— y hace que lo que antes era una investigación normal, bajo un paraguas de colaboración y reconocimiento mutuo, sea ahora mucho más difícil y mucho menos provechosa.

Las víctimas de la tortura aportan información que casi nunca es fiable

Información que además para los servicios de inteligencia es muchas veces contraproducente, haciéndoles gastar tiempo, dinero y recursos humanos y materiales en callejones vacíos y pistas falsas. Los prisioneros rápidamente aprenden que cuando hablan no les tienen la cabeza debajo del agua; es decir, hablar significa menos sufrimiento. Por lo tanto, hay que hablar a toda costa y no importa si lo que se dice es cierto o no lo es. Algunos detenidos intentarán dirigir a los torturadores hacia antiguos enemigos suyos, muchos mentirán y dirán cualquier cosa con la esperanza de que la tortura termine. El informe del Senado encontraba numerosos casos en ese sentido. De hecho, cuando el interrogado daba información veraz, a menudo no era creído, algo que le pasó al senador John McCain, uno de los impulsores del informe, cuando fue prisionero de guerra en Vietnam del Norte. Los estudios realizados demuestran que las agencias torturadoras son incapaces de distinguir la información falsa de la fiable.

La tortura daña la causa del torturador

La disonancia cognitiva necesaria para infligir daño conscientemente a un semejante desarmado genera unos síntomas parecidos a los del trastorno de estrés postraumático. Según el libro None of Us Were Like This Before (Verso, 2010) de Joshua Phillips, muchos de los veteranos estadounidenses que realizaron torturas en Irak experimentaron una intensa culpa, cayendo un alto porcentaje en el consumo de drogas. Los ingleses que torturaron en Irlanda del Norte también declararon que lo que habían hecho estaba mal, con lo que ello implicaba de caída de la moral y confianza en la propia causa.

Un prisionero Viet Cong aguarda el interrogatorio (1967). Fotografía: National Archives (DP)

Muchos torturados son inocentes

Un estudio del programa Phoenix, un proyecto de la CIA bajo cuyo amparo se torturó y asesinó a miles de personas durante la guerra de Vietnam, encontró —según Ryan Cooper— que por cada guerrillero del Viet Cong torturado se torturó a treinta y ocho inocentes. Otros estudios han encontrado que la proporción era incluso mayor, de setenta y ocho a uno.

La tortura es en ocasiones una vía hacia el enriquecimiento personal

No solo tenemos el caso de los directivos de la APA que mencionábamos anteriormente. Los responsables sudvietnamitas del proyecto Phoenix eran a menudo burócratas incompetentes que se lucraron con las pertenencias de sus víctimas, dándose casos en los que incluso aceptaron sobornos para liberar a detenidos que sí eran realmente miembros del Viet Cong. Algunos militares argentinos obligaban a los secuestrados bajo su custodia a firmar contratos de compraventa de sus propiedades a su favor. La tortura es el negocio del torturador.

Por todo ello, más allá del ataque frontal contra los principios y valores sobre los que hemos construido todo aquello que hoy queremos defender, la tortura es un método burdo y de malos resultados para obtener información. Las fuentes de error son sistemáticas e imposibles de erradicar. Las memorias verídicas se borran, se distorsionan y se alteran por culpa de la propia tortura. Se ha llegado a decir que disparando al azar en una multitud hay más posibilidades de acertar a un enemigo que siguiendo las pistas obtenidas con la tortura de un detenido.

Así, más allá de los estudios científicos pero reforzados por estos, la perspectiva que nos proporcionan los últimos catorce años de lucha contra el terrorismo islámico nos dice claramente que en ningún caso debemos dejar en segundo plano los valores éticos y morales que nos constituyen como sociedad y como individuos, que lejos de sacrificarlos en pro de un bien mayor debemos reforzar nuestro compromiso con los derechos humanos y que la tortura nunca, jamás, es el camino. La tortura está prohibida porque es inmoral, cruel e inhumana, pero además es inútil, mina la autoridad moral de quien la practica, hace avanzar la causa de los terroristas y daña profundamente los estados de derecho.

Para leer más:

• Childress S, Boghani P, Breslow JM (2014) «The CIA Torture Report: What You Need To Know». Frontline 9 de diciembre. Enlace.

• Cooper R (2014) «Why torture doesn’t work: A definitive guide». The Week 18 de diciembre. Enlace.

• Harris LT (2015) «Neuroscience: Tortured reasoning». Nature 527: 35–36.

• O’Mara S (2015) Why Torture Doesn’t Work: The Neuroscience of Interrogation. Harvard University Press, Cambridge, Massachusetts.

La entrada Neurociencia de la tortura aparece primero en Jot Down Cultural Magazine.

Una inversión es el proceso de cambiar los ingresos durante un periodo de tiempo por un activo que se espera que produzca beneficios en un tiempo futuro. Un clásico son los índices de bolsa, los bonos, las propiedades inmobiliarias… La clave es la diversificación. Ya mencionada hasta en el Talmud, donde recomiendan tener un tercio del activo en comercio, otro en efectivo y el último en tierras, los inversores de hoy en día pueden llegar a apostar por cosas realmente truculentas.

Bonos David Bowie

Este es el apodo común que tienen los llamados celebrity bonds, un tipo de producto que se basa en que los inversores pagan un dinero al poseedor de una propiedad intelectual basada en la fama a cambio de ser ellos los que recolecten los royalties que se generen. Ziggy Stardust fue quien hizo historia, además de en la música en el mundo financiero, cuando en 1997, se tituló una pieza Bowie se vende a sí mismo en Wall Street. Detrás estaba David Pullman, un hombre que recibe el curioso título de inversor en rock’n’roll.

Fue la compañía Prudential Insurence quien pagó 55 millones de dólares de 1997 por los royalties de toda la carrera discográfica de Bowie previa a 1993, que incluyen clásicos como Space Oddity, The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, Heroes o The Man Who Sold the World. Según el diccionario económico Investopedia, tuvieron un tipo de interés de 7,9% y duraron 10 años. Pullman realizó la misma operación para gente como Ashford & Simpson, los Isley Brothers y James Brown, pero Moody’s bajó su calificación en 2004 al filo del bono basura cuando las ventas de álbumes comenzaron a caer por el auge de Internet.

Derivados del tiempo

En su formulación más sencilla, los derivados no eran más que adelantos por un producto futuro, como un agricultor que ponía un precio para su siguiente cosecha y se vendía el derecho a adquirirla, pudiendo invertir ese dinero en la producción e ir mejorando. En su forma actual, hay derivados de cosas muy raras, incluidas la meteorología, solo que no se vende ni comprar una mercancía, sino la posibilidad de que el tiempo cause pérdidas económicas. A diferencia de un seguro, que cubre una posibilidad escasa de alta riesgo, derivado de tiempo cubre una eventualidad de bajo riesgo pero alta probabilidad.

El primer derivado de este tipo, firmado en 1996 entre Aquila Energy y Consolidated Edison, puede ilustrar como funciona. ConEd compraría energía eléctrica a Aquila durante el mes de agosto, pero el contrato incluía una clausula: si el mes era más frío de lo esperado, con lo que habría menos consumo asociado a aparatos como aires acondicionados, Aquila debería pagar un reembolso a ConEd. Un año después se realiza la primera transacción de estos derivados en el mercado extrabursatil over the counter, y en el 1999, el Chicago Mercantile Exchange, heredero de uno de los más antiguos del mundo en derivados, dio otro paso adelante e introdujo este mecanismo en un sistema abierto con audiciones electrónicas y una transparencia al uso en el descubrimiento de los precios.

Bonos de impacto social

El más reciente de estos productos raros son los bonos de impacto social, también llamados social innovation financing o pay for success. Básicamente, consisten en un contrato entre el sector público y el privado. El primero le encarga un problema a un intermediario que es el responsable de buscar capital de bancos, inversores privados, fundaciones… y también a la organizaciones que lo llevarán a cabo. Si el proyecto alcanza sus objetivos, la Administración paga a los inversores basándose en el ahorro que le ha supuesto este éxito.

El primero de estos programas se puso en marcha en Reino Unido durante el año 2010 para financiar un centro de rehabilitación de presos. En este caso, los inversores lograrían sus beneficios en caso de que la ratio de reincidencia entre los que atendiesen al programa cayese al menos un 7’5% desde el 75% de media. El retorno máximo sería de un 13% y se basaría en lo que el Estado se ahorraría por no tener que construir otra prisión.

Este post Diccionario de la Economía Truculenta: Invertir en David Bowie, el tiempo y la mejora social, escrito por Carlos Carabaña, se publicó originalmente en Yorokobu.

Vivió de lugar en lugar llevando todas sus posesiones en una maleta. No tuvo familia ni un lugar fijo de residencia. Viajaba continuamente y se presentaba en casa de sus colegas de profesión con el rostro cetrino, el cabello recio, chaqueta, camisa y sin corbata. Cuando le abrían la puerta, sonreía y decía: «Mi cerebro está abierto».

Paul Erdős entraba entonces en la casa del matemático que allá viviera, colaboraban en la resolución de algunos problemas, escribían juntos algunos artículos de esta disciplina y después, aquel húngaro pequeño, delgado, enamorado de los números a su manera, salía de nuevo de viaje hacia otra puerta a la que llamar y decir: «Mi cerebro está abierto». Y así, continuamente, hasta que la muerte le sorprendió en Varsovia hace apenas veinte años. Él tenía ochenta y tres.

El caso de Erdős es sin duda único en la historia de las matemáticas, y yo diría que en la historia de la ciencia. Es, junto con Euler, el matemático más prolífico. Erdős escribió más artículos que Euler (mil quinientos veinticinco). Euler escribió más páginas que Erdős. Aquel escribió casi toda su obra en solitario mientras que este lo hizo en más de quinientas colaboraciones con otros matemáticos.

Atacó cuestiones de teoría de números, de combinatoria, de análisis, de topología, de teoría de conjuntos, y amaba, sobre todas las cosas, la resolución de problemas y las demostraciones hermosas. Gastaba el dinero que tenía en viajar de un sitio a otro y en premios que él mismo establecía para quien resolviera algunos problemas que le parecieran particularmente interesantes. Fue un hombre extraño, difícil de alguna forma y, aunque es verdad que no desarrolló teorías profundas, ni decidió las direcciones de la matemática que le sucedió, sí tuvo una influencia notable que hoy todavía se mantiene en esta ciencia perenne.

Hay múltiples objetos matemáticos que llevan su nombre: conjeturas, teoremas, grafos, desigualdades, modelos… Existe también un número de Erdős, una curiosidad que no me resisto a describirles. Es un número que se asigna a cada matemático que haya colaborado con Erdős o a quien se le pueda trazar una línea de colaboración que llegue a él. Así, el propio Paul Erdős tiene número de Erdős 0, todos sus colaboradores directos, más de quinientos, tienen número de Erdős 1.

Quien haya colaborado con un matemático que tiene número de Erdős 1 adquiere inmediatamente el número de Erdős 2 (a no ser que haya colaborado directamente con él, claro). Y así sucesivamente, midiendo el grado de separación con respecto al viejo Paul. Hay más de doscientos mil matemáticos —y eso son muchos matemáticos— que tienen número de Erdős, y se ha estimado que el 90% de ellos actualmente en activo tienen un número de Erdős menor o igual a 8.

Se dice que la media entre los matemáticos que tienen número de Erdős es 5, y que si nos restringimos al selecto grupo de los medallistas Fields (el más prestigioso premio que puede recibir un matemático y que, por cierto, Erdős nunca recibió), la media baja a 3.

Hay incluso un famoso jugador de baseball, Hank Aaron, que tiene número de Erdős 1, ya que la Universidad de Emory, en Estados Unidos, concedió a Aaron y Erdős el doctorado honoris causa el mismo día, y ambos firmaron en la misma pelota de baseball de un admirador. El tal admirador era Carl Pomerance, que escribió 40 artículos matemáticos con Erdős, entre ellos uno sobre números de Ruth-Aaron (sí, Aaron el jugador de este deporte).

Hay un bebé, varios actores y hasta un caballo que dicen que tienen número de Erdős. Y es que parece que cualquiera puede tener número de él. Por cierto, que el mío es 4, el mismo que Bill Gates o Stephen Hawking. Y eso que mi carrera matemática comenzó después de su fallecimiento. Ya ven, parece que, aun después de muerto, aquel vagabundo que amó tanto los números, sigue irónicamente viajando de casa en casa de sus colegas actuales, transformado en un número que, irremediablemente, irá creciendo conforme pasen las generaciones.

Este post El vagabundo de los números, escrito por Eduardo Saénz de Cabezón, se publicó originalmente en Yorokobu.

Ese estilo de construcción gris, triste, de ángulos rectos, eso que todo el mundo conoce como arquitectura comunista, hoy en día está tachada como deshumanizada, fea y aburrida. Para muchos es el ejemplo de lo poco que puede dar de sí la arquitectura, una vulgar solución barata para proporcionar viviendas a los trabajadores sin un solo detalle personalizado. Y créanme, los que fueron testigos de la construcción de estas moles en los países del Este experimentaron el mismo rechazo. Incluso más.

Uno de esos lugares es Hungría, aunque su tipo de edificio comunista más recordado no está en las ciudades, sino en el campo. Se trata de los ‘Kadar-Cubes’, llamados así en honor al presidente Janos Kadar. Eran literalmente ‘cubos’ para solucionar el problema de la vivienda en el campo. Hacían falta tantas casas que el gobierno permitió que los ciudadanos pudieran levantar sus propios ‘cubos’ siguiendo los estrictos estándares de uniformidad que mandaba la ley. Dictaron cada medida, el tamaño de las puertas, las dimensiones de la ventana pero no se pronunciaron sobre el color que debían tener. Y lo que ocurrió es que la Hungría rural se llenó de viviendas con gamas cromáticas increíbles.

La fotógrafa Katharina Roters pasó una década fotografiando estos hogares y reunió todas las imágenes en un libro, Hungarian Cubes. El origen de estas viviendas se remonta a los años 20, donde ya fueron consideradas viviendas de calidad y económicas. Pero no fue hasta los años 60 y 70, en pleno periodo socialista, cuando sustituyeron la arquitectura tradicional en las zonas rurales.

La proliferación de este modelo de vivienda no fue del todo negativo. «Que los Cubos acabaran con la arquitectura tradicional fue traumático, porque eso simbolizaba los profundos cambios sociales y culturales que experimentó la sociedad húngara por la fuerza en aquella época. Sin embargo, también hay que tener en cuenta que supusieron una gran modernización del campo, todas tenían agua, baño y caldera. Las zonas rurales húngaras todavía en la II Guerra Mundial eran zonas muy pobres que no conocían ese nivel de vida», explica Roters.

Durante la posguerra, todos los países tras el telón de acero orientaron su economía hacia la producción industrial y a la vivienda. Pero el problema de Hungría fue que el estado no podía hacer frente por sí mismo al grave déficit de casas que sufría el país. El plan maestro inicial de los comunistas húngaros no tuvo el éxito esperado y llegó un momento en el que la única solución realista era permitir la construcción privada en las áreas rurales con una fuerte regulación.

El estado temía a las viviendas individuales. Los «cubos», rodeados por un jardín, para los comunistas representaba un peligro porque el trabajador podría aislarse de la comunidad y convertirse en una especie de «individuo detrás de la valla». El propio concepto de vivienda individual les sonaba a algo puramente capitalista.

La legislación trató de controlar hasta el último detalle. Los materiales que se podían usar estaban estipulados previamente; los planos, estandarizados para todos igual. Pero el desarrollo de la «autoconstrucción» significó un crecimiento exponencial de los ‘cubos’ en pocos meses, tan rápido que el estado no pudo controlarlo.

El crecimiento coincidió con la época del llamado ‘comunismo gulash’ (guiso), cuando en Hungría hubo una relajación general del régimen respecto a los años estalinistas, que culminaron con la traumática invasión soviética del país en el 56. Según Katharina, «en el periodo del ‘comunismo gulash’ se produjo una extraña alianza entre un estado socialista represivo y un pequeño espacio para la individualidad y la libertad».

De modo que los ciudadanos obedecieron al estado, pero por la única grieta que había en la legislación, la ornamentación de las casas, escapó toda su creatividad. Utilizaron la técnica del esgrafiado. Alguien empleó unos moldes para hacer unos dibujos geométricos y la idea se extendió como la pólvora. Los vecinos intercambiaban los moldes incesantemente, los modificaban y expresaban así sus propias ideas artísticas en las fachadas de sus casas. Incluso hoy, cuenta Katharina, en alguna tienda te puedes encontrar los viejos moldes para hacer los dibujos.

Katharina ya había vivido en Ereván, Armenia, y había descubiertos múltiples formas de creatividad en la arquitectura socialista. También estuvo en Taskent, Uzbekistán, y cuando llegó a Hungría seguía buscando lo mismo. La sorpresa llegó cuando descubrió que la individualidad de cada casa databa del mismo año de construcción de las viviendas. No llegaron más adelante con la desaparición del estado comunista.

Paradójicamente, a día de hoy la fuerza simbólica de los ‘cubos’ se ha desinflado bastante: «El problema es que en la actualidad estas casas se asocian con todo el periodo comunista y digamos que eso no es un recuerdo muy agradable para la gente. Además, en un periodo tan nacionalista como el que se está viviendo actualmente, se perciben como el símbolo del cambio social forzoso, como aquello que redefinió la arquitectura rural del país. Para la gente detrás de los ‘cubos’ hay como cierto periodo traumático al que no quiere volver la vista. De hecho, a la mayoría de los húngaros no les gustan, lo ven como algo kitsch, no creen que tenga ningún valor ni artístico ni social. Ni siquiera lo consideran arte popular aunque lo es sin duda».

Y además, no es un caso de embellecimiento de una ciudad, como pudieron ser las casas de colores de Tirana del alcalde Edi Rama, actual primer ministro albanés, sino que, en palabras de Katharina, «esta es la historia de la formación de una nueva sociedad que necesitaba una nueva expresión, un código nuevo».

Este post Kadar Cubes: la lucha por la individualidad en la arquitectura comunista húngara, escrito por Jelena Arsic, se publicó originalmente en Yorokobu.

George Redhawk es un artista que centra su obra en la creación de estas imágenes animados, donde nos muestran la trayectoria y fluidez a través de su imaginario. George es un artista ciego, y creador a su vez de esta serie perfectamente loopeada de animaciones, que generan una gran revuelo en la red por su calidad y frescura. Disfrutad!

George Redhawk is an artist that focuses on creating this beautifully animated images, showing us a fluid path through his imagination. George is a blind artist, and also the author of this perfectly looped series of animations, which is creating a great expectation on the net for it’s quality and freshness. Enjoy it!

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Fotografía: Baigal Byamba (CC)

El pasado 22 de octubre, un soldado americano murió durante una operación de los Delta Force para liberar a setenta rehenes kurdos que el ISIS mantenía prisioneros en la ciudad de Hawija, al norte de Irak.

Lo primero que hice tras leer la noticia en El País fue buscar más información sobre el soldado en el New York Times. No encontré mucho. Supuse que, como es habitual en estos casos, su nombre no saldría a la luz hasta después de que los familiares fueran informados de su muerte por el Pentágono.

Supuse también que eso es lo que estaba ocurriendo en ese mismo momento. Imaginé a un emisario del ejército llamando a la puerta de una vivienda unifamiliar como las que he visto tantas veces en las películas. Pensé en la mujer del soldado. Quizá había recibido una llamada cariñosa de su marido poco antes de la misión. Ahora oía el timbre con un nudo en la garganta porque a-esta-hora-no-llama-nadie-a-la-puerta-y-eso-solo-puede-significar-una-cosa.

Pocas horas después leí en el Washington Post que el soldado se llamaba Joshua L. Wheeler, que tenía treinta y nueve años, que era de Roland, Oklahoma, y que era un Ranger. Que su misión no implicaba en principio entrar en combate directo con el enemigo. Que cuando las fuerzas peshmerga kurdas se vieron acorraladas por militantes del ISIS, su unidad decidió acudir en su ayuda. Que murió de un disparo y que tenía cuatro hijos. Los imaginé destruidos por la noticia y sentí pena por ellos.

Ese mismo día se publicó también la noticia de que doce personas, tres de ellas médicos, habían muerto en un hospital sirio durante un bombardeo de la aviación rusa.

Leí el titular de la noticia y pasé la página sin leer el resto del texto. Olvidé a los doce muertos en unos pocos segundos. De hecho, he tenido que buscar la noticia en Google para escribir este artículo porque ni siquiera recordaba los detalles exactos.

Los doce muertos podrían haber sido ochocientos mil tutsis o un millón de indonesios. Al soldado americano le dediqué varias horas de mi vida y unas cuantas fabulaciones sentimentaloides y a los doce sirios, apenas unos segundos.

Si los seres humanos fuéramos robots, lo anterior sería incomprensible. Doce muertos son, objetivamente, un hecho doce veces más grave, más triste y más impactante que un solo muerto.

Pero no lo somos. No es racismo. No es imperialismo. No es falta de empatía. No es nada de todo eso. Se llama el kilómetro sentimental y es algo que se aprende la primera semana del primer trimestre del primer curso de periodismo. El interés por un hecho cualquiera es inversamente proporcional a la distancia que nos separa de la víctima. A mayor distancia, menor interés.

Esa distancia puede ser geográfica, pero también cultural. Yo, blanco, barcelonés, ateo, clase media y periodista, tengo más en común con un tipo cualquiera de Nueva York que con un marroquí de Rabat. Aunque del primero me separen ocho mil kilómetros y del segundo, poco más de mil.

El kilómetro sentimental no es un juicio de valor sobre el diferente peso de los muertos. Tampoco nos dice cómo debería ser el mundo. Simplemente nos dice cómo es. Nadie nos ha manipulado desde las sombras de un búnker secreto enterrado bajo las rocas del Death Valley para que nos importe más un americano que un sirio. De hecho, el que ha sido manipulado es aquel al que le importa más un sirio que un americano. Porque lo natural, lo instintivo, es que nos importe más el segundo que el primero. Por la misma razón por la que nos importa más nuestro hijo que el de un amigo, el de nuestro amigo que el de un extraño, y el de un extraño de París que el de un extraño de Yemen.

Si la realidad fuera un dilema moral puro, desvinculado de cualquier contexto personal, yo no lo dudaría ni un segundo: prefiero que el tren atropelle a uno que a doce. ¿Deseo la muerte de miles de ballenas yubarta? Por supuesto que no. Si estuviera en mi mano evitar su muerte (y «estar en mi mano» no significa donar cinco euros cada tres meses) no dudaría en evitarla y publicitarlo luego en Twitter. Pero, ¿me importan realmente las ballenas yubarta? Si he de ser sincero, no. No he dejado de dormir ni una sola noche por las ballenas yubarta pero sí he pasado noches en vela por cosas mucho menos importantes en el esquema general de la realidad aunque infinitamente más importantes para mí, como la duda sobre si debería contestar al whatsapp de A ahora que ando viéndome con B.

Fotografía: Nicolas Auvray (CC)

Al kilómetro sentimental se añade un segundo factor. Una noticia es, por definición, algo que se sale de la rutina cotidiana. Es decir algo malo. Por eso un diario que solo publicara buenas noticias, como suelen pedir los niños cuando los adultos les incitan a jugar a arreglar el mundo, no duraría ni un solo segundo en la calle. Las buenas noticias que se publican en los medios, pongamos la del supuesto descubrimiento de un remedio contra el cáncer, no son más que colofones a malas noticias de mayor alcance. En el caso del ejemplo anterior, la evidencia de que cientos de miles de personas mueren cada año de cáncer sin que se pueda hacer mucho para evitarlo.

Y por eso más de ciento treinta muertos en París, donde los ciudadanos no suelen morir a docenas en atentados terroristas, es más noticia y recibe más atención que miles de muertos en Nigeria, donde esos muertos son rutina. La noticia en Nigeria no es que Boko Haram dispare contra la multitud en un mercado sino que no lo haga porque ha abandonado las armas.

Aún hay más. La acusación de que los medios occidentales no hablan de los muertos del Tercer Mundo es falsa. Sí lo hacen. Y, de hecho, a esos muertos se les dedica mucho más espacio del que les correspondería si los medios atendieran de forma estricta a los intereses de sus lectores. Claro que, si así fuera, todas las noticias hablarían del «House Water Watch Cooper» de Pablo Iglesias. Y por eso el periodismo intenta mantener un equilibrio entre aquellas noticias que deben y merecen ser contadas a pesar de que solo atraen el interés de una minoría de los lectores y aquellos pierdetiempos que interesan a la gran masa pero que nos podríamos ahorrar sin excesivos problemas.

Por no hablar de una segunda evidencia: los medios de prensa del Tercer Mundo también hablan más de sus muertos que de los nuestros. En la actualidad, solo algunas almas cándidas creen que existe algo así como un gen de la bondad, la equidad y la justicia universal en el ADN de los pobres y los marginados.

Los interesados en el tema pueden echarle un vistazo a la lista de universales humanos del antropólogo estadounidense Donald E. Brown. La lista recopila todos aquellos rasgos de la conducta y el lenguaje que son comunes a todos los seres humanos independientemente de su raza, edad, sexo, estatus económico, cultura o religión. Entre esos rasgos, para los que no se conoce excepción alguna, se encuentran los siguientes:

-Las armas.

-La prohibición del asesinato.

-Los celos sexuales

-El comercio.

-Las creencias falsas.

-La distinción entre los miembros del grupo y los extraños.

-Una mayor atención de las hembras por los hijos.

-La identidad colectiva.

-El miedo infantil a los extraños.

-La distinción entre parientes cercanos y lejanos.

-El nepotismo (la preferencia por los hijos propios y los parientes cercanos).

-La territorialidad.

-La distinción entre el «yo» y «el otro».

Un tercer factor. Un muerto resulta muy interesante pero diez millones no lo son tanto. Lo explican en este artículo, donde también se recuerda una frase de Teresa de Calcuta: «Si miro a la muchedumbre nunca haré nada; si miro a uno solo, sí». Stalin lo había dicho antes con bastante menos romanticismo: «Un muerto es una tragedia. Millones son una estadística».

Diferentes experimentos han demostrado que tendemos a donar más dinero si se nos dice que el beneficiario será un niño que se muere de hambre que si se nos dice que serán ocho. La proporción, por si a alguien le interesa conocerla, es de once dólares de media para un solo niño por cinco dólares de media para ocho niños.

Una segunda versión del experimento ofrecía a los participantes tres opciones:

1. Donar una cantidad voluntaria a una niña famélica de la que se enseñaba una foto.

2. Donar una cantidad voluntaria para «miles» de niños famélicos.

3. Donar una cantidad voluntaria para la niña de la foto, tras ser informados de la existencia de «miles» de niños famélicos como ella.

En el primer caso se donaron 2,25 $ de media. En el segundo, 1,15 $. En el tercero, 1,40 $.

La explicación es sencilla. Lo racional es concentrar recursos allí donde estos pueden ser aprovechados de forma eficiente y no tanto allí donde más se necesitan. Y nuestro interés, nuestra implicación emocional, no es más que un recurso limitado. De ahí que sintamos mayor interés por la matanza de París, donde la posibilidad de remediar la situación es mucho mayor (a través de nuestro voto por ejemplo), que por las matanzas de Siria, que escapan casi por completo de nuestro minúsculo radio de acción.

El cuarto y último factor. Una tragedia puntual (un terremoto que cause miles de víctimas, por ejemplo) es mucho más impactante que una tragedia continua (una guerra civil que vaya por su tercer año). Porque nadie, ni siquiera el individuo más concienciado y predispuesto del planeta, puede acarrear el peso del mundo sobre sus hombros durante más de unos pocos días. Y de ahí que las matanzas rutinarias, como las de Mali, Yemen o Siria, tiendan a pasar desapercibidas frente a aquellas otras a las que sí podemos dedicarles nuestra atención precisamente porque no la requieren a diario.

Acabo con el enlace a dos artículos. Este de Arcadi Espada y este de Daniel Rodríguez Herrera, en el que se puede leer el siguiente texto de Adam Smith, sacado de su Teoría de los sentimientos morales:

Supongamos que el gran imperio de China, con sus miríadas de habitantes, fuera engullido súbitamente por un terremoto, y consideremos cómo reaccionaría un hombre de humanidad en Europa que no tuviera ninguna clase de conexión con aquella parte del mundo al recibir inteligencia de esa terrible calamidad. En primer lugar, imagino, expresaría de manera inequívoca su tristeza por la desgracia de ese infeliz pueblo, haría muchas reflexiones melancólicas acerca de la precariedad de la vida humana y la vanidad de todas las labores del hombre, que pueden ser así aniquiladas en un instante. También entraría quizás, si fuese un hombre de especulación, en muchos razonamientos concernientes a los efectos que este desastre podría producir sobre el comercio en Europa, y sobre el comercio y el devenir del mundo en general. Y cuando toda esta excelente filosofía hubiese terminado, cuando todos estos humanitarios sentimientos hubiesen sido expresados suficientemente, continuaría con sus asuntos o sus placeres, tomando su reposo o su ocio con la misma calma y tranquilidad que hubiera tenido de no haber sucedido tal accidente. El desastre más frívolo que pudiera acaecerle ocasionaría una alteración más real. Si fuera a perder su dedo meñique mañana, no dormiría esta noche; pero, siempre que no pudiera verlos, roncaría con la más profunda seguridad tras la ruina de cien millones de sus semejantes.

A Adam Smith, en 2015, le llamarían trol. Pero Smith tan solo señalaba lo obvio: que a ti, querido lector, tampoco te importan un pimiento los refugiados sirios.

La buena noticia es que es mutuo.

La entrada Por qué me importa más un francés que un sirio aparece primero en Jot Down Cultural Magazine.

Qué pinta más estupenda tiene este juego:

A board/lever game of marbles and balance, in homage to the Greek mathematician of the same name.

Origen: ‘Rock Me Archimedes’ Marble Balance Game — Tools and Toys

“Cementerio-isla” de Las Rozas

Construido a principios del siglo XX tras una cesión de la familia Riaza, que cuenta con el panteón más grande, el antiguo cementerio de la localidad madrileña de Las Rozas ha quedado con los años encajonado entre las calzadas de la Autovía del Noroeste (A-6): primero, en 1962, se construyó a un lado la autovía, luego en ambos, y a principios del siglo XXI una ampliación del carril Bus-VAO dejó los coches a apenas 3 m de una de sus paredes.

A pesar de que en 1970 se construyó un nuevo cementerio, más cercano al núcleo urbano, los rumores de que las 270 tumbas de éste se trasladarán no pasan de ser bulos. Incluso aunque es necesario acudir a él en coche o autobús (queda a la altura del km 18 de la A-6, siendo necesario cruzarla por debajo), todos los fines de semana tiene alguna visita.

Más info: Google Maps

Ha vuelto a ocurrir. Un grupo de ciudadanos están publicando ilustraciones y diseñando carteles para pedir el voto a favor de un grupo político en las próximas elecciones generales del 20 de diciembre. No hay trato por medio. La formación política no ha encargado nada ni los espontáneos han pedido permiso. Ni siquiera se conocen. Este colectivo, formado en su mayoría por ilustradores, publicitarios y diseñadores, ha lanzado Purple Rain (#purplerain20D) «en apoyo al mensaje de Podemos».

Esta campaña artesanal, que empieza en Twitter, Facebook, Instagram y Tumblr, tiene su precedente en las elecciones municipales del pasado 24 de mayo. El mismo grupo de ilustradores y publicitarios dieron con una idea que acabó convirtiéndose en un caso de estudio en todo el mundo. Gran parte de la campaña la hicieron los propios votantes con dibujos, canciones, obras de teatro…

Una mañana, varios días antes de las municipales, el barrio madrileño de Malasaña apareció lleno de carteles que apoyaban a Manuela Carmena. En las redes sociales también empezaron a aparecer dibujos y gráficas a favor de la candidata de Ahora Madrid. El colectivo creó los perfiles en las redes sociales y cientos de ciudadanos siguieron publicando ahí sus gráficas para apoyar a la actual alcaldesa de Madrid.

«Nos hemos juntado a través de las redes sociales para trabajar de forma colectiva con el fin de promover el voto para Podemos. Somos ya más de 1000 personas de toda España que estamos empapando de lluvia morada estas navidades tan importantes», explican en un comunicado. «No formamos parte del equipo de Podemos ni pertenecemos a ninguna formación política. Somos individuos que se reúnen y comunican de forma espontánea. Nos mueve el bien común, el optimismo y las ganas de cambio».

En el origen de esta iniciativa hay muchos profesionales dedicados a la comunicación y la publicidad. El horario de trabajo ha sido su tiempo libre y la sede para las reuniones se ha montado, de forma espontánea, en las casas de algunos de ellos. «Hacemos esto sin ningún presupuesto y, por supuesto, sin ninguna remuneración. Pero nos reíamos mucho», cuenta una de las participantes en el proyecto. «Total, decíamos siempre, trabajamos en publicidad e ilustración. Estamos acostumbrados a que no nos paguen».

Este post Purple Rain: La lluvia morada de ilustradores que apoya a Podemos, escrito por Mar Abad, se publicó originalmente en Yorokobu.

¿Pero no os dais cuenta de que no estáis mejorando el cristianismo sino empeorando el rock’n’roll? (Hank Hill a una banda de rock cristiano, El rey de la colina).

Cuando la religión gusta de cruzarse con el ocio el resultado suele ser un imán de vergüenza ajena por la sencilla razón de que a la primera le interesa cabalgar encima durante el acto mientras obliga al segundo a gritar su nombre. Una afirmación que es posible demostrar con ejemplos: la boyband cristiano-rockera Newsboys combina relativa eficiencia en lo de cantar y toquetear instrumentos con letras que rezan «Creemos en la crucifixión / creemos que Él venció a la muerte / creemos en la resurrección / y que está volviendo de nuevo» de manera tan reiterativa como para que el mensaje palidezca al presentarse con los modales de una apisonadora. Ni siquiera el rock satánico se molesta en insistir tanto en las alabanzas más allá de mencionar un par de cuernos y unos seises apiñados. En otros entretenimientos el producto con recado cristiano ha corrido una suerte similar, la de parecer una monja con guitarra que obliga a cantar el «Juntos como hermanos» bajo amenaza de collejas nucleares y calzando una gorra de lado para aparentar militar en la modernidad. Curiosamente los videojuegos, un medio tan ajeno a los predicadores como para convertirse en su diana, también lucen una extensa historia de ramalazos cristianos que van desde lo evangelizador hasta lo delirante.

A. C.

A principios de los setenta Phillip Conrod descubrió en un ordenador una copia de Hunt the Wumpus, un sencillo juego de texto donde el objetivo era dar caza a un monstruo en un laberinto. Aquello despertó el interés de Conrod por los mundos virtuales y le llevó a visitar otras aventuras de la época: Super Star Trek, Lunar Lander o el clásico Colossal Cave Adventure. Su curiosidad le empujó a escarbar en el código de aquellos programas y decidir finalmente que necesitaba construir algo similar. Junto a su padre jubilado, John Conrod, ambos comenzaron a principios de los ochenta a diseñar videojuegos con una característica que los hacía únicos: todos giraban en torno a temáticas cristianas, algo que no era muy sorprendente teniendo en cuenta que el oficio al cual había dedicado su vida John Conrod era el de pastor religioso.

Computer Bible Games. El hardcore cristiano.

Los Conrod crearon unos cuantos juegos de ordenador con títulos como The Church Growth Game, The Memory Verse Games o Manna from Heaven. Hasta que llegaron a un acuerdo editorial para escribir un libro que ilustrase a otros creyentes en el milagro de crear videojuegos: Computer Bible Games: Computer Fun for the Whole Family, un libro de programación para cristianos cuya existencia conllevaba la duda de si los programadores ateos utilizaban técnicas diferentes. El libro tuvo éxito como para producir una secuela y, cuando la editorial original desapareció, los Conrod continuaron promocionando digitalmente las técnicas de programación cristianas. Sorprendentemente, no eran los únicos que vadeaban el mercado: Bernad K. Bangley e hijo publicaron en esos ochenta un libro similar llamado Bible BASIC: Bible Games for Personal Computers.

Advenimiento de Color Dreams

Tras la brutal recesión producida por el crash del videojuego de 1983, que abrió de golpe un montón de autopistas rectales entre los ejecutivos de la industria, fue Nintendo la compañía más ágil a la hora de hacerse con el control de la lonja: colocó entre los usuarios su consola Nintendo Entertainment System (NES) con tanta habilidad como para dominar por completo el mercado. Y lo logró utilizando la táctica de estampar un sello dorado en sus productos, el «Nintendo Seal of Quality», que aseguraba que el software había sido sometido a un control de calidad, algo que agradecieron unos compradores que venían escaldados del mundo de la Atari 2600, donde habían asomado juegos esperpénticos sobre violar indias o tecnológicamente mermados como los miles de cartuchos de E. T. que se convertirían en fósiles en el desierto. La estampa de ese sello de Nintendo también sometía a los desarrolladores a una serie de normas que iban desde la total compatibilidad del producto hasta las limitaciones impuestas al número de videojuegos producidos al año.

Pero algunas empresas como Color Dreams o Tengen decidieron diligentemente optar por pasarse la aprobación de Nintendo por la vaina de los testículos, y comenzaron a producir cartuchos sin licencia oficial, utilizando tretas de programación para regatear el chip de control de Nintendo, y colocándolos en las tiendas por cuenta propia y de espaldas a la compañía japonesa. Nintendo, creyendo que aquello podría dañar la reputación de la consola, ejerció presión sobre las tiendas de videojuegos: o se negaban a adquirir productos no oficiales o el flujo de software oficial se cortaría. En ese momento la compañia Color Dreams, cuyo catálogo tenía mucho producto sin licencia (Captan Comic, Baby Boomer, Crystal Mines o Robodemons), intuyó que a la mina le quedaban pocas vetas provechosas, y decidió adentrarse en un mercado inexplorado: el del videojuego cristiano.

Resulta que en Color Dreams observaron que en las librerías de temática cristiana no solo era posible encontrar manuscritos sino que también se vendían otros tipos de producto religioso como discos o películas, pero aun así ninguna de ellas disponía de videojuegos adaptados para las mentes de los frágiles niños que querían echar unos tientos al Mario Bros sin sentirse pecadores. La compañía decidió crear una división, bautizada Wisdom Tree para parecer comprometida con el tema bíblico, encargada de producir para el fan de Jesús de Nazaret y aquella maniobra, a pesar de parecer absolutamente imbécil, se desvelaría como una genialidad de marketing: ellos se introducían en un negocio donde no existía competencia alguna y donde además podrían continuar fabricando juegos no oficiales. En este caso Nintendo no podría tocarles las narices por comerciar con juegos sin licencia oficial: la compañía japonesa no tenía modo alguno de chantajear a tiendas que no dependían de sus videojuegos, y tampoco era probable que emprendieran cualquier acción contra las moralmente puras librerías cristianas, temiendo un posible manguerazo de publicidad negativa.

Bible Adventures. Colla castellera.

Bible Adventures apareció en 92 en NES, un mediocre juego de plataformas que venía a ser un Super Mario Bros. 2 en el Antiguo Testamento a lo largo de tres capítulos diferentes: Noah’s Ark, donde un Noé amigo de los  castellers animales correteaba abasteciendo el arca de comida y criaturas, Baby Moses, con la hermana de un bebé Moisés tratando de evitar que los masillas del faraón invitasen al niño a practicar submarinismo sin manguitos en el Nilo, y un David and Goliath que narraba el sufrido oficio de pastor y la legendaria gresca contra Goliat. Bible Adventures vendió trescientas cincuenta mil copias sin pisar nunca una tienda de videojuegos, y en Wisdom Tree se sacaron brillo a las palmas de las manos mientras el iris les mutaba en un símbolo de dólar.

A continuación la compañía produciría Exodus, una modificación de un juego propio llamado Crystal Mines que a su vez era un plagio del famoso Boulder Dash. En esta aventura, Moisés se abría paso a través de un nada justificado laberinto disparando la palabra de Dios contra soldados y magos orgullosamente anacrónicos mientras sonaba de fondo el temazo del padre Abraham. Además, el juego incluía una sección didáctica introducida con vaselina: al final de cada nivel el cartucho obligaba a responder correctamente preguntas sobre la Biblia si el jugador quería seguir adelante. Tuvo una secuela llamada Joshua que era lo mismo sustituyendo a Moisés por su aprendiz Josué y los cuarenta años de éxodo por siete días haciendo marchas en Jericó. Y tras esto llegaría King of Kings, que convertía los primeros años de Jesucristo en más aventuras entre plataformas divididas en tres capítulos: The Wise Men, con los Reyes Magos montados en un camello de escupitajos envidiables; Flight to Egypt, con María, Jesús y José escapando en burro de los dominios de Herodes, y Jesus and the Temple, donde un carpintero trataba de localizar a su hijo en el templo de Jerusalén.

Spiritual Warfare intentaba ser un Zelda en entornos contemporáneos de bosques, callejones y aeropuertos, donde el héroe se enfrentaba a navajeros, hare krishnas y demás calaña, exorcizándolos a base de arrojar sobre ellos fruta divina comprada a unos ángeles usureros. Bible Buffet combinaba juego de tablero con las secuencias de habilidad y una extraña obsesión con la comida de todo tipo en las tandas de preguntas sobre los evangelios. Sunday Funday estaba protagonizado por un niño que, circulando sobre un monopatín y con la Biblia en mano, intentaba llegar a tiempo a las clases escolares del domingo. Se trataba de un producto con cierta guasa porque para producirlo Color Dreams solo había redibujado sobre otro juego llamado Menace Beach, donde el héroe no llevaba las santas escrituras encima, tenía como misión rescatar a la novia en lugar de asistir a clase y se incluía el bonus infame de desnudar a la querida del juego entre niveles. En Japón incluso se llegó a publicar otra versión distinta del mismo juego titulada Miss Peach World, que fornicaba copyrights con descaro, cambiaba el género del protagonista y tenía en cuenta que por aquellas tierras niponas la perversión era considerada como una religión en sí misma al incorporar dibujos de chavalas en pelotas de píxeles generosos.

Spiritual Warfare, adulterio de corazón.

En el 94 llegaría Super 3D Noah’s Ark, el Ciudadano Kane del catálogo de Wisdom Tree. La empresa habría estado haciendo la cobra a lo de costearse la licencia oficial de Nintendo pero tardaría milisegundos en sacar el fajo de billetes y chuparse el pulgar en las oficinas de Id Software para pagar por la licencia del motor con el que se había diseñado Wolfenstein 3D, el exitoso matanazis que cimentó un género. Wolfenstein era un juego en primera persona donde un prisionero de los nazis durante la Segunda Guerra Mundial se abría paso por un castillo agujereando culos arios, peleándose con zombis y derrotando a un mechwarrior pilotado por Hitler. Y como todo aquello, exceptuando el tema de los zombis, se encontraba bastante lejos de la temática bíblica, en la compañía utilizaron la herramienta licenciada para pasarles un trapo a los gráficos y darles un lavado: los soldados nazis se convertirían en animales, los pasillos de piedra en camarotes de madera, la artillería de guerra en una colección de tirachinas y el protagonista pasaría de ser un judío polaco con la capacidad ofensiva de un país de tamaño medio a convertirse en el Noé de las escrituras. Super 3D Noah’s Ark era el first person shooter más inocente de la historia, aquel que ni siquiera se molestaba en cumplir lo de shooter: su naturaleza religiosa y familiar le impedía mostrar muertes en pantalla, razón por la cual los enemigos no eran abatidos a tiros sino cebados con fruta hasta que caían dormidos.

D. C.

A la sombra de las ramas de Wisdom Tree empezaron a asomar la cabeza otras compañías con ganas de pegarle mordiscos al mercado religioso. Konami publicó en 1992 para la consola NES un Noah’s Ark con licencia oficial de Nintendo, plataformas clásico protagonizado por la figura de un Noé que con tanto ejercer de estrella ya casi podía considerarse una mascota del medio al nivel de los fontaneros italianos o los erizos azulados. Captain Bible in Dome of Darkness llegó a los ordenadores a mediados de los noventa con un título espectacular, disfraz de aventura y argumento delirante: en el futuro la organización Bible Corps, donde alguien llamado Capitán Biblia es algo así como el puto amo de todo, intenta rescatar una urbe conquistada por robots monstruosos que van por ahí cuestionando la fe ajena. El Captain Bible, un héroe cuyos principales superpoderes son rezar muy fuerte y no recordar ni un solo párrafo de la Biblia, recorrerá esa ciudad maldita descargándose citas de las escrituras en su e-book, rebatiendo los argumentos (cibermentiras, según el juego) de los engendros metálicos con versículos de la Sagrada Biblia y eventualmente sacando a pasear el pack escudo/espada para hacer sentir La Palabra a base de hostias.

Captain Bible in Dome of Darkness. La emocionante aventura de debatir argumentos teológicos a vida o muerte.

A finales de los noventa aparecía The War in Heaven, un esperpéntico first person shooter de groseros polígonos con la guerra entre ángeles y demonios como motivo principal, que además daría lugar a una serie de novelas escritas por el propio desarrollador del juego. Saints of Virtue era otro FPS del mismo año que, con una secuencia de introducción tan espectacular como para bordear los logros hiperrealistas del videoclipde «Money for nothing», proponía un Doom mendrugo donde el campo de batalla era el propio corazón del protagonista, el enemigo, las decisiones morales cuestionables, y el armamento, una Espada del Espíritu que en el fondo funcionaba como una pistola.

Los 2000 verían nacer las superproducciones en el videojuego cristiano con la llegada de Catechumen, un programa que elevaría considerablemente el listón de calidad imperante en el FPS religioso hasta situarlo a la altura de la muesca de «mediocre». Catechumen situaba la gresca en catacumbas romanas dando caza a demonios y había sido financiado con ochocientos mil dólares suministrados tras la masacre de Columbine por un grupo de inversores que creían que lo necesario en el mundo para evitar esos tiroteos eran videojuegos menos violentos. Tuvo una secuela espiritual llamada Ominous Horizons a Paladin’s Calling donde el rol a asumir era el de ayudante de Johannes Gutenberg y la misión a cumplir el recuperar las páginas de esa Biblia de cuarenta y dos líneas ideada por el inventor de la imprenta, pero a pesar de esa colorida excusa argumental la calidad media del producto seguía evaluándose en medidas microscópicas. El juego lo comprarían cuatro personas despistadas y, teniendo en cuenta que había costado más de millón y medio de dólares, sus creadores decidirían que ese era más o menos el momento exacto en el que podían irse todos de la mano a tomar por el culo.

Esos desastres no significaron que los juegos cristianos dejasen de brotar: The Walls of Jericho era un puzle random. The Bible Game mezclaba Mario Party y Buzz! en un concurso televisivo con minijuegos sobre cabalgar la ballena de Jonás, destruir falsos ídolos o tirar piedras con una honda a los filisteos porque era algo que David había puesto de moda y en la Biblia son todos muy de seguir tendencias. La Game Boy original y la Game Boy Advance tendrían versiones de la Biblia comprimidas en cartuchos. Axys Adventures – Truthseeker: Battle Against the Lies llegaba como un cruce bastardo entre Zelda y Mario 64 y, a pesar de que su dirección de arte estaba a cargo de un invidente esquizofrénico, por momentos parecía hasta entretenido. La idea de un superhéroe llamado Bibleman resultaba bastante ridícula como excusa para un videojuego hasta que se descubría que en realidad ese superhéroe orador provenía de una teleserie maravillosa con cierto éxito entre fanfatales de las Sagradas Escrituras.

Bibleman. No intenta ser una comedia, las risas que se escuchan corresponden al público reaccionando ante la emisión del clip en el programa You Have Been Watching de Charlie Brooker.

Adam’s Chronicles sería la propuesta más resultona, una de aventuras y puzles a lo Indiana Jones que reservaría la temática cristiana para ciertos acertijos y parte de la trama de fondo. Heaven: The Game prometía una especie de Myst de escenarios asombrosos pero metía la pata hasta tocar fondo al incluir un personaje que tenía más pinta de estrella del cine porno rellena de bótox que de guía angelical.

A la hija de Peter Fokos le encantaba bailar con su padre en el juego Dance Dance Revolution, pero al mismo tiempo se sentía culpable por disfrutar de ello al advertir que parte de la música incluida podría no ser apta para sus jovencísimos oídos cristianos. La criatura le pidió a su padre que crease una versión aceptable del juego y de esa solicitud nació la saga Dance Praise, unos clones sin disimulo de los Dance Dance Revolution con la virtud añadida de que su repertorio musical estaba compuesto exclusivamente de éxitos del pop cristiano contemporáneo. El juego obtuvo buenas críticas en los medios cristianos, y acabó triunfando como la opción más divertida durante las reuniones de grupos de iglesia. La fiebre por lo musical no se contentó con los bailoteos, el éxito de juegos como Rock Band o Guitar Hero propiciarían la aparición de Guitar Praise, una fotocopia de los juegos musicales de guitarra de plástico con una banda sonora centrada exclusivamente en elrock cristiano.

Dance Praise 2. Ahora puedes adorar a Dios on the dancefloor.

La trilogía Left Behind tendría el honor de convertirse en la serie de juegos de carácter cristiano más polémica de la historia. Violenta estrategia en tiempo real sobre un escenario cojonudo: el de un mundo donde, tras el arrebatamiento celestial, las almas más puras habían ascendido a los cielos para dejar en tierra a los pecadores guerreando contra las tropas del anticristo. Un juego acusado de misógino, violento, culpable de promulgar la conversión a punta de pistola y muy criticado por permitir controlar a los ejércitos del Anticristo en el modo multijugador. Una avalancha de publicidad negativa que funcionó como campaña promocional: el juego vendió muchísimo más de lo esperado y produjo dos secuelas.

El moderno universo de las redes sociales y sus juegos sumidero tampoco se libraría de recibir el amor mesiánico. En Facebook Journey of Jesus: The Calling se presenta como la alternativa para aquellos que consideren que FarmVille necesita más bautizos, más caminar sobre las aguas y al mismísimo Jesús como secundario.

Journey of Jesus. Israel casual.

Y un caso aparte sería el tema de The Zoo Race, un juego que se supone versa sobre carreras de caballos pero cuya verdadera naturaleza es tan ácida para el cerebro que describirlo con palabras no le haría justicia a la experiencia de vivirlo en movimiento.

Perversiones

Lo encantador del panorama digital es que existen muchos creadores inquietos e independientes más allá de compañías que pretenden hacer caja predicando evangelios. Jesuchrist RPG Trilogy proponía una santa trinidad de tres juegos caseros y gratuitos que convertían la vida de Jesús en un Final Fantasy de toscos personajes en 3D. Jesus Christ Simulator 33AD era un simulador de estar clavado en la cruz. Run, Jesus, Run apuraba un evangelio en diez segundos de sprint milagroso. Y el fabuloso The You Testament invitaba a convertirse en discípulo de Jesús en una revisión de las escrituras con secundarios de proporciones ridículas obsesionados con patearse las pelotas, diálogos delirantes y un mesías vacilando de superpoderes capaces de convertir el vino en vino, alterar su estructura molecular para levitar, crear espadas de la nada o ser capaz de ver la auténtica realidad de las cosas en una especie de Matrix gilipollesco. Quizás sea el juego religioso definitivo, aquel que considera totalmente necesario citar a la Biblia y a Confucio junto a Jay-Z, Spiderman, Sylvester Stallone o Eminem.

Esto es lo que The You Testament entiende por una representación fiel de los evangelios. Imagen: Pcgamer.

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