Snob

Hace unos años escribí este (sigo pensando que atinado) texto, titulado "10 LECCIONES BÁSICAS QUE UN HOMBRE DEBE DOMINAR PASADOS LOS 20 AÑOS" y hoy revisionando la deriva que va tomando nuestra cultura y sociedad (contenta me tiene) he decidido ir un paso más allá y aleccionar con generosa voluntad a los varones con los que trabajamos, con los que nos casamos, con los que follamos. (Me dirijo sobre todo al tío que promedia nuestra cultura: varón blanco heterosexual).

***Alegre hombre que penetra pelín perdido en la madurez: La lectura de este texto no deja rastro ni le llegarán alertas insoportables. Puede borrarlo del historial después y nadie sabrá que ha pasado por aquí. DISCRECIÓN ASEGURADA.

Querido señor. (Sí, usted es un señor y si le resulta ofensivo, párese a pensar en la carga hiriente del sustantivo "señora", la mofa de la época de "señoras que..." o la extraña necesidad de mujeres tipo María José Campanario de decir cosas como "Yo soy una señora". Usted, una vez cumplidos los 30 es un señor aunque vaya en skate. Asúmalo, que va siendo hora de descontextualizar el lenguaje opresor)


Querido señor -decía- no se avergüence de no saber según qué cosas. Este desquiciado mundo da por hecho que usted es un supraser con rayos x del conocimiento. No se preocupe, yo sé que usted es un ser deficitario y asustado, pero le guardo el secreto. (Repito: DISCRECIÓN ASEGURADA).
Es menester que maneje estos datos con soltura y los utilice en favor de las féminas con las que trata, porque le acarrearán suculentos beneficios también a usted. Deje ya de pensar en modo cortoplacista:
1. Las mujeres somos criaturas lunares: técnicas como Unión Fenosa, conceptuales como Apple. La naturaleza cíclica nos hace funcionar en ciclos de 4 plazos semanales (Se puede informar aquí). No es lo mismo salir de juerga, iniciar un viaje o follar cuando estamos ovulando que dos días antes de que nos venga la regla: Son experiencias totalmente distintas. Si consigue averiguar en qué momento del ciclo está la mujer que le gusta, tiene el éxito asegurado. Invítela a una cerveza en su segunda semana: tendrá varias cervezas más, una conversación chispeante, tal vez una inspirada felación, puede que una relación alucinante y ojalá que envejezcan juntos queriéndose hasta el último día de sus terrenales existencias.


2. Mucho cuidadito con el largo del pantalón. Por favor, lo carga el diablo.


3. No nos interesan nada sus logros profesionales. Deje de hablar de ellos para ligar. (Es más, se nos reseca el coño cuando oímos sus gestas laborales).


4. Si hay que dar unos azotitos majos durante el coito, se dan. Pero tenga en cuenta que en igualdad de condiciones, que igual que los da, los puede recibir... y ahí lo mismo se da cuenta de que le cortan el rollo. O que le metan unos dedos en la boca... Muy bien, pero calibre si viene a cuento, y más cuando pretende ser un puño entero... Hágaselo a usted mismo si tanto le gusta, y luego ya, pruebe con su/s compañera/s sexuales. Pero de verdad: No se fíe del porno, es mentira. (Son los padres).


5. El embarazo, el parto y el puerperio (que dudo que sepa lo que es) son etapas chamánicas de la vida, que mezclan brujería y hormonas. Si quiere o va a tener hijos ES TAREA SUYA buscar su sitio ahí. Si no lo encuentra, se encontrará que la madre tiene de repente un máster con pasaporte a la sabiduría y usted es analfabeto. Y las cosas no podrán volver a ser lo que eran, y usted será un desgraciado.

6. Las sartenes requieren de mayor frotamiento que el resto de enseres y vajilla al fregarlas a mano. Si quedan restos grasientos se estropean.


7. Imagínese por un momento que usted y todos los demás varones, tuvieran que llevar la polla a la vista. Todos los hombres con el miembro fuera todo el día. Habría comparaciones y juicios sobre el tono de la piel, el vello, la depilación, los granitos e imperfecciones y sobre todo, el tamaño. También sería del dominio público cuándo se empalma usted y por qué cosas. Y estoy segura de que muchas de esas cosas -demasiado a menudo involuntarias- nos parecerían fatal. La maquinaria capitalista se pondría a trabajar en cremas, extensores, remedios para el frío, para el sol, para las secreciones, aparatos, maquillaje, complementos de Mr Wonderful, tintes, injertos con anestesia, láser y mil inventos más en principio para que usted estuviera a gustito con su pene. En realidad (ya sabemos lo pérfida que es la mercadotecnia) para aumentar su insatisfacción y así seguir vendiéndole chorradas que su polla no necesita. Una polla que seguro que usted adora ahora que es suya y que tiene bien guardadita. (Aunque le gustaría yo que sé, que fuera más venosa o más recia o más oportuna...) Bien, ya lo ha entendido ¿no? Imagínese cómo vivimos las mujeres, cuando nuestros cuerpos son tratados como objetos sexuales, médicos y morales sobre los que todos opinan porque vivimos expuestas persé. Imagine la tortura que es sobreponerse cada día a la idea de incorrección, de volumen mal repartido, de fealdad, de imperfección, de inmoralidad... Nuestra piel no es nuestra, es de un sistema absurdo que juzga y decide lo que tenemos que hacer con ella, nos castiga si disentimos y nos mantiene permanentemente insatisfechas para que busquemos desesperadamente el favor y beneplácito ajeno. ¿Entiende el mérito que tenemos? La próxima vez que vaya a juzgar a una tía, y lo que hace con su cuerpo, piense en todo lo que podríamos decir de su polla, haga el favor. 

8. Un secretito: Las camisetas de La guerra de las Galaxias, los muñequitos en las estanterías o los conciertos de Los Pixies... son cosas de señores "quedados", no de jóvenes chachis.


9. Ir de feminista da pena y no se liga más por ello (es un mito como la homeopatía). Serlo es propio de avezadas inteligencias, pero no tiene premio.
(Es muy cómodo hablar de igualdad cuando la desigualdad la sufre otro).


10. Usted puede (y debe) vestir con los colores y las prendas que le gusten. Puede (y debe) llorar cuando sienta ganas. Puede (y debe) omitir la palabra "puta" de su lenguaje. Puede (y debe) distinguir las diferencias biológicas de género de las diferencias culturales de género. Puede (y debe) escuchar a las tías. Puede (y debe) aprender de ellas. Puede (y debe) saber comer un coño -si le interesa el sexo heterosexual-. Puede (y debe) hacer felices a los demás para ser feliz usted. O al menos no andar fastidiando.

Lo dice Diana Aller

Cuando le hincamos el diente a un filete no pensamos en el proceso que lo ha llevado a nuestro plato. Y, quizás, si lo tuviéramos en mente comeríamos mucha menos carne. La ganadería produce más gases de efecto invernadero que todos los trenes, aviones y vehículos del mundo.

La carne, en concreto la conocida como “carne roja” (sobre todo la de ternera), tiene además un importante impacto sobre la salud. Su consumo cada vez más elevado está asociado a una mayor incidencia de la obesidad, la diabetes tipo dos, y como apunto el polémico informe de la OMS de hace unos años, el cáncer.

Un impacto sobre la salud y el medio ambiente –no solo por las emisiones de gases, también por el consumo de agua y suelo– que está aumentando vertiginosamente. El crecimiento de la población ha elevado el consumo mundial de carne en más de un 500% entre 1992 y 2016 y es probable que esta trayectoria continúe en el futuro, especialmente en los mercados emergentes. Por ejemplo, se prevé que la demanda de carne producida solo en Asia crecerá un 19% más hasta 2025. El sector de la ganadería industrial podría aumentar de los actuales 70.000 millones de animales a los 110 o 120.000 millones.

Es por todas estas razones por las que el organismo Farm Animal Investment Risk and Return (FAIRR) ha publicado un informe en el que anima a los gobiernos a valorar la creación de un impuesto sobre el consumo de carne. Y es una idea que ha llamado la atención del Foro Económico Mundial, que celebrará su reunión anual en Davos (Suiza) a finales de este mes.

Si algo daña a la sociedad, necesita un impuesto

“El camino hacia los impuestos generalmente comienza cuando existe un consenso global de que una actividad o producto daña a la sociedad”, apunta el resumen ejecutivo del informe. “Esto lleva a una evaluación de sus costos financieros para el público, que a su vez resulta en un apoyo para algún tipo de impuestos adicionales. Los impuestos sobre el tabaco, las emisiones de carbono y el azúcar han seguido esta hoja de ruta”.

Hoy en día, 180 países tienen impuestos sobre el tabaco, 60 jurisdicciones fiscalizan las emisiones de carbono y al menos 25 el azúcar. La carne, asegura este informe, es la siguiente en la lista. Y hay países como Dinamarca, Suecia y Alemania que ya se lo están planteando.

“El de la carne es además un sector en el que se solapan los problemas del medio ambiente y la salud”, ha asegurado a Futurism Rosie Wardle, portavoz de la FAIRR. En su opinión, el impuesto ayudaría a aumentar el consumo de plantas, algo que sería positivo para nuestra salud y la del planeta.

Un nuevo impuesto sobre la carne “generaría dinero que podría gastarse en atención médica” asegura Waller, que apunta que “estamos viendo estas propuestas cada vez más” y el asunto está empezando a discutirse en la esfera internacional.

¿Carne solo para ricos?

Aunque la discusión sobre el enorme impacto de la ganadería industrial viene de largo, la posibilidad de imponer tasaciones al consumo de carne genera múltiples dudas. En primer lugar, a nivel nutricional, la carne roja solo es nociva si se consume en exceso, algo habitual en los países desarrollados, pero no entre los sectores más pobres de la sociedad.

“Si tienes un impuesto a la ternera, ¿a quién expulsarás del mercado?”, se pregunta Josef Schmidhuber, subdirector de la división de comercio y mercados de la Organización de las Naciones Unidas para la Agricultura y la Alimentación (FAO). “A los que son más pobres. Y esa es una mala idea, porque penalizas a aquellos que necesitan aumentar su consumo de carne. Llamamos a este modelo 'impuesto regresivo'”.

La tasación, por el contrario, no afectaría en gran medida a los sectores más adinerados, que seguirían consumiendo carne. Esto es: el impuesto no serviría para atacar al grupo de consumidores que más contribuye al problema.

Dicho esto, de lo que no cabe duda es que, a medida que avance la ganadería industrial, su impacto será más evidente, y de una u otra forma se tomarán medidas sobre el asunto.

Quizás los días del chuletón están contados.

Imágenes | Pixabay
En Directo al Paladar | Cataluña aplica el impuesto a las bebidas azucaradas
En Directo al Paladar | Los diferentes tipos de carne y su influencia en la salud

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La noticia La carne es el nuevo tabaco, y tendrá su impuesto: “Hay consenso en que es dañina para la sociedad” fue publicada originalmente en Directo al Paladar por Miguel Ayuso .

Robert Heinlein >>>>>> Philip K Dick.

Some women require foreplay to get off. Others, Little Caesars 5 for $5.00. And then there's Jessica Carrboro aka The Crotch Vampire, who takes no less than a scoop of organic strawberry swirl to get moist. I say this with complete sincerity: You're not ready for her.

THE END

Dan Harmon Admits to Sexually Harrassing Writer, Apologizes. "I crushed on her and resented her for not reciprocating it, and the entire time I was the one writing her paychecks." Full text here. Megan Ganz response starts here.

La entrada SEN SEGREDOS! Por que triunfan o pan de Pan da Moa, a tortilla de Moha Rúa Nova, o peixe de Mamá Peixe e o chocolate do Metate? se publicó primero en Pincha.

Galicia, como xa se comentou noutra reportaxe anterior, foi un importante teatro de operacións dos submarinos alemáns durante a I Guerra Mundial. Unha situación...

Por Xosé Troiano

FERROL360 | Sábado 6 enero 2018 | 00:00

La Xunta comunicó que Galicia se mantiene como principal área productora de kiwi en España, con más de 16.000 toneladas anuales en unas 700 hectáreas. La comunidad autónoma alcanza 87 explotaciones de cultivo de kiwi, fresa y arándano, de las que 48 corresponden a kiwi, 27 a fresa y 12 a arándano.

Destaca la provincia de A Coruña, con 39 cultivos; en el caso concreto del kiwi, llega al 33,3 % del total de Galicia con sus 16 explotaciones. Mientras, en arándanos sobresale la de Horticina, en Cerdido. Fundada en 2001, recibió una ayuda de la Xunta por 250.000 euros para mejorar sus instalaciones.

Genera en la actualidad 23 puestos de trabajo a lo largo de todo el año, pero la firma estima que rondó los 200 empleados en 2017. De cara a la próxima cosecha, prevé llegar a 1.200 trabajadores a pleno rendimiento. Ocupa 95 hectáreas, con 320.000 plantas, y aspira a situarse en 1,5 millones de kilogramos de arándanos entre 2018 y 2019.

Well well, fancy seeing this game again. It may have only gotten Runner-Up in the Multiplayer GOTY award, but Rio Grande’s excellent port has secured the crown for the year’s best board game. There's been quite a few board game ports this year, so Race for the Galaxy had to fight off some serious competition.

Matt Thrower’s done a lot of our digital boardgame coverage this year, including Race for the Galaxy. We asked him to comment on this game’s win as well:

It's a stretch to call a card-based tableau builder a board game, but it highlights why it deserves this award: because it feels like one. At the pulsing heart of this galaxy is an economic engine system akin to those in the deepest worker placement titles. Atop it is a much more approachable set of rules and an engaging theme, a real sense of sci-fi civ building. It's the best of all worlds, both in terms of mechanics and where you can classify it in your collection.

If you want to read more about what Matt thought about the game, go and read his 5-Star Review.

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Runner Up: Terra Mystica

Meanwhile, DIGIDICED’s Terra Mystica knabs the runner-up slot in the category. This excellent port released back in April, and while Michael had some reservations about it at the time, it still garnered 4-stars in his review:

Still, this is not the game for the faint of heart. It is an excellent vehicle for thoughtful social experimentation, where players might feel as if they are mutely cultivating immaculate gardens in isolation, but will soon find their hedges overlapping and themselves embroiled in rancorous and internecine arguments. Terra Mystica is challenging and rewarding in equal parts, and the app represents a new way to play a long-standing favorite.

We understand it’s had several updates since launch, so it should have gotten even better by now!

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Staff Picks & Honourable Mentions

Eight-Minute Empire deserves a mention for getting third place, where as the staff vote was pretty much in line with the public feeling. There was only one outlier – Richard was quite taken with the recent re-release of Carcasonne, and so voted for that game in this category.

Congratulations to Rio Grande and Digidiced – hopefully their future conversions will be just as good!

To keep track of all the winners and runner-up’s during the 2017 Awards, please see the 2017 Awards Index Page.

Miley Cyrus with a strap on originally appeared on MyConfinedSpace NSFW on January 6, 2018.

Medio Rural destaca que Galicia é a comunidade "na que máis medrou o importe" nos dous últimos anos, período no que pecharon 1.100 explotacións. Os sindicatos agrarios censuran a "propaganda", "publicidade" e "fachenda" do Goberno galego ante a importante crise do sector

Mike Tyson ha sido boxeador, actor, monologuista y detective de dibujos animados. Y ahora, el excampeón de boxeo ha decidido hacer una incursión en el recién estrenado mercado de la marihuana legal en el estado de California, y es que, según informa The Blast, Tyson y otros dos socios —Robert Hickman y Jay Strommen— planean construir un gigantesco “resort del cannabis” sobre 16 hectáreas de territorio desértico en California City, aprovechando la reciente legalización de la marihuana en el estado.

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LEE:

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La mitad de la extensión del resort, al que han bautizado “Tyson Ranch”, albergará “instalaciones de cultivo” en las que cultivadores profesionales podrán investigar y desarrollar nuevas cepas. También contará con un centro de formación y una tienda de suministros para los curiosos que quieran iniciarse en el cultivo de marihuana.

Según parece, el resto del terreno será el que dé el nombre de “resort” al nuevo proyecto de Tyson, con espacio para acampadas y cabañas de lujo, un anfiteatro para actuaciones en vivo y una fábrica de productos comestibles a base de marihuana.

"La mayoría de los empleados del centro serán veteranos de guerra y que parte de los ingresos del mismo irá destinada a ayudar a miembros de las fuerzas armadas"

The Blast señala que la mayoría de los empleados del centro serán veteranos de guerra y que parte de los ingresos del mismo irá destinada a ayudar a miembros de las fuerzas armadas, ya que se utiliza CBD —un componente de la marihuana que no coloca— para tratar el trastorno de estrés postraumático.

La alcaldesa de California City, Jennifer Wood, que también estuvo presente en la ceremonia inaugural celebrada en diciembre, declaró que el Tyson Ranch podría suponer el “renacimiento” de la ciudad.

Todavía no se conoce la fecha concreta de apertura, pero esperamos que cuando llegue el día, el mismísimo Tyson lleve a los clientes en una visita guiada, como una especie de Willy Wonka de la marihuana. La chaqueta morada ya la tiene.

Traducción por Mario Abad.

Siempre que suena “Santa Baby” en una fiesta navideña es de vital importancia que alguien aproveche la oportunidad de ilustrar a todos los presentes en la sala acerca del subestimado historial criminal de su creadora, Eartha Kitt.

Yo siempre soy esa persona. En un impulso que va más allá de mi control, siempre empiezo a narrar su biografía: el hecho de que fuera una actriz, cantante y defensora de los derechos civiles de renombre internacional, además de agitadora política. Algunos la conocen por su icónica representación de Catwoman, o quizá por haber puesto más recientemente voz a Yzma en El emperador y sus locuras. Para Orson Welles era "la mujer más excitante del mundo". Para la CIA era una amenaza para la seguridad nacional. Para mí es el símbolo del triunfo y la resiliencia, un icono cultural que representa el feminismo, la actitud positiva hacia el sexo y la lucha por los derechos civiles. “Santa Baby” está muy bien, pero Eartha Kitt era mucho más que eso.

Kitt, que nació en una plantación de algodón de Carolina del Sur, nunca supo realmente quién era su padre, aunque más tarde afirmó que era el hijo del dueño de una plantación y que ella había sido producto de una violación. La madre de Kitt, que era negra y Cherokee, la entregó en adopción cuando tenía cinco años y la familia adoptiva de Kitt la crió en condiciones abusivas, obligándola a recoger algodón para "ganar dinero y ahorrar". Sus hermanos adoptivos le pegaban y abusaban de ella, según sus propias palabras, porque era birracial: "Ni suficientemente negra como para pertenecer a los negros, ni suficientemente blanca para pertenecer a los blancos", como ella misma describió.

Cuando Kitt tenía alrededor de ocho años, su tía biológica la acogió y ambas vivieron en un diminuto apartamento en Harlem (según Kitt, aquello fue más por cumplir con un "deber cristiano" que por auténtico afecto familiar). Trabajó durante toda su adolescencia en una fábrica de máquinas de coser y constantemente se escapaba de casa y dormía en vagones de metro. Cuando tenía 21 años, consiguió una audición en la pionera compañía afroamericana de danza de Katherine Dunham y la admitieron, lo que dio inicio a su carrera en el mundo del espectáculo.

A lo largo de los siguientes años, bailó con la compañía por todos los escenarios de Nueva York, después por los de Londres y luego por los de París, hasta que conoció a un tal Orson Welles, que se mostró tan embelesado por su actuación que la cortejó y después la contrató para hacer de Helena de Troya en Dr. Faustus. En su autobiografía Confessions of a Sex Kitten, Kitt afirma que tuvieron una aventura amorosa, pero nunca sexual: "Los hombres más excitantes de mi vida", escribió, "han sido los hombres que nunca me han llevado a la cama".

Al cabo de tres años, Kitt había producido su primer álbum, que contaba con "Santa Baby" entre sus temas, haciendo de su cruda energía sexual y del característico ronroneo que dejaba ir con su vibrato su sello de identidad. Rápidamente pasó a ser, en palabras del New York Times, “conocida por su sensual voz, su personaje de cazafortunas que convierte a los hombres en indefensos niños pequeños y su poder sexual”. Y Kitt parecía adorar ese personaje. Parecía encantada de parecer mala, de ser el objeto de afecto, de utilizar a los hombres y de hablar más tarde sobre ello ante un micrófono. Por eso "Santa Baby" le pega tanto: es una canción en la que pide coquetamente a un mito de la infancia que le traiga anillos de diamantes, yates y derechos a la explotación de minas de platino. El Santa de la canción, según podría intuirse, quizá no es realmente Santa.

Pero allá por los 50 y los 60, la actitud positiva hacia el sexo ni siquiera se mencionaba (especialmente en el caso de las mujeres negras). Eartha Kitt se convirtió en un símbolo sexual en una Norteamérica de posguerra, donde la creciente popularidad de Marilyn Monroe se contemplaba ampliamente como una amenaza "inmoral" y "vulgar" contra la pureza de Norteamérica y donde Hugh Hefner estaba demandando a la oficina postal norteamericana porque no querían distribuir su revista Playboy. El hecho de llevar la revolución sexual hasta el mainstream fue un proceso lento y el auge de Eartha llegó en un momento en que los afroamericanos todavía estaban luchando por sus derechos humanos básicos, un momento en que todavía era ilegal que un afroamericano mantuviera relaciones sexuales con una persona blanca en 28 de los 50 estados de Norteamérica.

En 1966, durante la cúspide de la carrera de Kitt, diversas encuestas descubrieron que la mayoría de norteamericanos creía que los afroamericanos se estaban moviendo "demasiado deprisa" en su lucha por la igualdad racial. Su llegada, en otras palabras, desafió con furia las expectativas de raza de su época y también las de género.

En 1967, Kitt interpretó el papel de Catwoman en la serie de TV Batman, enfundada en un sexy traje de cuero y sacando partido a su icónico ronroneo. Aquel fue un momento muy importante para la representación femenina. En aquella época, la revista JET incluyó un artículo en la contraportada titulado sencillamente “TV-Radio" que publicaba un repaso semanal de todas las personas negras que aparecían en la radio o la TV en horario de máxima audiencia. Normalmente era una lista muy corta, que incluía menos de una docena de personas a la semana, de las cuales una o dos eran normalmente mujeres (si es que había alguna). Y el hecho de que Kitt interpretara aquel adorado papel fue importante más allá de la simple representación. Tal y como indica Deborah Elizabeth Whaley ―profesora de estudios norteamericanos en la Universidad de Iowa― en un ensayo publicado en 2010, “la interpretación de Kitt se salía de los papeles disponibles para las mujeres negras en televisión, porque no encajaba en el proverbial estereotipo de "mammy", ni en el de Jezebel, ni en el de la trágica mulata, ni en el de la mujer negra que trata de usurpar el puesto de los hombres, que tanto abundaban en la televisión y el cine por aquella época”.

Con su papel en Batman, la carrera de Kitt había alcanzado un nuevo punto álgido. Sin embargo, un año más tarde todo se vendría abajo: en enero de 1968 asistió a un almuerzo en la Casa Blanca con motivo de tratar el tema de la delincuencia juvenil en Norteamérica. Había sido invitada personalmente por la Primera Dama por un trabajo que estaba realizando para las organizaciones juveniles dentro de la ciudad y fue una de las siete mujeres negras que asistieron, entre los 41 invitados. Pero mientras que Lady Bird Johnson y las demás oradoras pontificaron ampliamente acerca de diversos proyectos para embellecer las autopistas y plantar árboles en las zonas menos favorecidas, Kitt optó por una estrategia notablemente distinta: cuando fue su turno para hablar, denunció con vehemencia la Guerra de Vietnam.

En su autobiografía Confessions of a Sex Kitten, Kitt describe cómo cada vez se sintió más frustrada conforme continuó el almuerzo. Observó una mujer blanca tras otra ofrecer discursos anodinos acerca del "embellecimiento de Norteamérica, macetas con flores sobre los alféizares de las ventanas de la pobreza". Kitt levantó la mano varias veces pero nunca se le dio la palabra hasta el final y, para entonces, ya estaba lívida. Su continuado activismo trabajando con jóvenes en riesgo estaba inspirado en su propia experiencia, en la forma en que nunca se sintió apoyada por su familia o por el gobierno. Sus comentarios aquel día se iniciaron con el siguiente contexto: "Yo he vivido en las cloacas", afirmó, "así que sé de qué hablo".

“Enviáis a los mejores de este país a que les disparen y les dejen lisiados", continuó, según afirmaba un artículo del New York Times de la época. “Ellos se rebelan en las calles... No quieren ir al colegio porque les van a separar de sus madres y les van a disparar en Vietnam". Tras el prolongado y apasionado discurso de Kitt, según el Times, Lady Bird Johnson empezó a chillar, "con la voz temblorosa y los ojos inundados de lágrimas".

De acuerdo con la autobiografía de Kitt, tras el almuerzo la Casa Blanca no reservó un coche para ella, aunque había llegado hasta allí en uno. Tuvo que coger un taxi hasta su hotel. En la radio, durante el trayecto, descubrió que los reporteros ya estaban diseccionando lo que había sucedido. La narrativa dominante, según recordaba ella, era simplemente “Eartha Kitt hizo llorar a la Sra. Johnson” (según la investigadora de identidades sociales Sarah J. Jackson, al menos un tercio de las noticias sobre este incidente representaron a Kitt como la antagonista, como una "atacante" de la Primera Dama, e incluso un medio la describió como "mujer estridente").

La repercusión fue impresionante. Al cabo de unos días, según un informe de 1975 elaborado por el New York Times, la CIA había recopilado un dosier de cotilleos de terceras personas sobre Kitt a petición del mismísimo Presidente Johnson, basándose en datos que la organización llevaba recolectando desde 1956. El informe de la CIA afirmaba que las escapadas de Kitt al otro lado del océano y su moral "ligera" eran la comidilla de París. También la acusaba de tener "una disposición desagradable" y una "lengua muy sucia" y de comportarse como una "niña mimada". Lo peor de todo es que en el informe se referían a ella como una "ninfómana sádica", epíteto que más tarde se le otorgaría en la mayoría de artículos escritos sobre ella durante el resto de su vida ("¿Y eso qué tenía que ver con la CIA, en caso de que fuera cierto?", bromeó despectivamente en una entrevista años más tarde).

El trabajo de Kitt "fue muy escaso o completamente inexistente" tras el almuerzo en la Casa Blanca, pero ella no tuvo ni idea de por qué hasta que supo del dosier de la CIA por boca de un periodista del New York Times seis años después. En una entrevista concedida en 1995, afirmó que el dosier contenía instrucciones específicas para difamarla en Estados Unidos, "a fin de que no se me volviera a ver y, por lo tanto, no se me diera trabajo". Y parece que funcionó: los clubes nocturnos y otros locales no le pidieron que regresara para las mismas actuaciones ―según ella― y la WME "perdió su contrato". Como resultado, se vio obligada a actuar sobre todo en Europa, en bares de todo el continente. En una etapa posterior de su vida, Kitt protagonizó un gran regreso, volviendo a Broadway, actuando en películas y recibiendo nominaciones para los Tony y para los Grammy. Incluso se la volvió a invitar a la Casa Blanca, cuando el Presidente era Jimmy Carter. Pero su carrera nunca fue la misma tras aquel almuerzo en 1968.

El rechazo de Kitt a poner en riesgo sus creencias puede que le hiciera perder oportunidades de trabajo, pero también es lo que la ha convertido en una figura tan icónica: siempre fue ella misma. Durante toda su vida, jamás dio un paso atrás y, en cada entrevista que he visto o leído, se mantuvo fiel a sus declaraciones en la Casa Blanca a pesar de haber sido obligada a salir del candelero durante varios años. Continuó apoyando a los jóvenes poco privilegiados de DC y LA y fue miembro de la Liga Internacional de Mujeres por la Paz y la Libertad. También se apoyó en su personalidad sexual hasta una edad bien avanzada (por favor, disfrutad de esta entrevista en la que una Kitt de 62 años estira la pierna sobre el regazo del entrevistador, frente a un público en directo, mientras ronronea, "¿Hasta qué punto crees que soy malvada?"). Su audacia no tenía límites y su percepción de sí misma es algo que perdurará en el tiempo.

Hay una entrevista, extraída del documental All By Myself, que representa todo lo que adoro de Eartha Kitt: cuando le preguntan si alguna vez se había puesto en riesgo por un hombre, ella sonríe, echa la cabeza atrás y empieza a reír a carcajadas. “¿Ponerme en riesgo por qué razón? ¿Ponerme en riesgo por qué? ¿Ponerme en riesgo? ¿Qué es ponerse en riesgo?", dice, completamente indignada. "Es estúpido. ¿Un hombre llega a mi vida y tengo que ponerla en riesgo? Creo que tendrías que pensar dos veces antes de hacer esa pregunta... ¡Una relación es una relación que ambos deben ganarse!”.

Kitt nunca se puso en riesgo a sí misma en ninguna otra parte de su vida, así que, ¿por qué lo habría de hacer con respecto a su vida amorosa? "Cuando te enamoras, ¿qué hay que poner en riesgo?", continúa. "Yo estoy enamorada de mí misma y quiero que alguien lo comparta conmigo. Quiero alguien que me comparta conmigo".

La protagonista de They Call Her One Eye, una película sueca de culto prohibida en su país, inspiró a Tarantino y el personaje de Elle Driver (Daryl Hannah). Parches en un ojo, venganza y... cadáveres reales

Friga / Madeleine, la protagonista de la película sueca Thriller, en grym film (en español: Thriller, una película cruel, aunque también se la conoce como They Call Her One Eye, Hooker’s Revenge o simplemente Thriller) decidía vengarse de todos y cada uno de los culpables de su aspecto y tragedia: había sido violada y, posteriormente, apuñalada en un ojo, lo que hizo que la conocieran como «la chica de un solo ojo». Para ello tuvo que sufrir una metamorfosis hasta convertirse en una despiadada asesina sin compasión, aprendiendo a conducir a toda velocidad, disparar, etc.

Cartel original de la película

Fotogramas de They Call Her One Eye

«Frigga / Madeleine (Christina Lindberg, que en la vida real era actriz de softporno), por arte de magia se convertiría en la poderosa Elle Driver (Daryl Hannah)»

La película se estrenó de forma casi invisible, en circuitos de películas de serie B que proliferaban en 1974, año de su producción. Suecia la había prohibido. ¿Las razones? Violencia sexual, escenas crudas (tanto como para utilizar un cadáver real en la escena del apuñalamiento en un ojo, algo que el director no quiso ocultar), el vía crucis vital de su protagonista (muda tras la violación, luego heroinómana y, finalmente, vengadora) o lo que subyace en la cinta: ojo por ojo y diente por diente. Un par de años antes se estrenaba la obra maestra del cine «violación y venganza», La última casa a la izquierda de Wes Craven. They Call Her One Eye pasó a ser un subproducto del cine underground hasta que Quentin Tarantino llamó a su director Bo Arne Vibenius, que había sido asistente de Ingmar Bergman, y le propuso que hiciera una pequeña aparición/tributo en su exitosa Kill Bill, donde no dudaba en reconocer su herencia. Frigga / Madeleine (Christina Lindberg, que en la vida real era actriz de softporno), por arte de magia se convertiría en la poderosa Elle Driver (Daryl Hannah). Al igual que la protagonista de They Call Her One Eye, sufre la ira de un despiadado profesor de artes marciales, Pai Mei, que la instruye para ser una asesina del Escuadrón Asesino Víbora Letal. Mei se enfrenta a Driver, a quien le arranca su ojo derecho.  Sangre, violencia, espadas, grandes pistolas.

Elle Driver en Kill Bill

En la película hay escenas de sexo explícito de Frigga / Madeleine, pero posiblemente impresiona más cuando, usando un cúter, le arrancan un ojo. La sucesión de venganzas es lenta y calculada (la película ya de por sí es tremendamente lenta e hilarante), pero más aún cuando cada asesinato se muestra a cámara lenta al estilo western. La estética del parche en el ojo de la gran Frigga / Madeleine recuerda mucho a otro grande, Kurt Russell (aka «Snake Plissken») de Rescate en Nueva York, el clásico de John Carpenter. Así, desde entonces, serían los malos malísimos: casi sin rostro y sin diálogos, crecidos ante las adversidades, obligatoriamente despiadados en un mundo excesivamente cruel.

Elle Driver en They Call Her One Eye

Benjamin Marra se ha convertido en una de las voces más personales y originales del panorama americano independiente. Y lo ha hecho, paradojas, con una reinvención de los códigos del cómic y el cine de acción más trash. Marra concibe sus historias sin hacer concesiones de ningún tipo, ni a las normas narrativas ni al público. Autsaider, responsable de las estupendas ediciones españolas de las obras de Marra, acaba de publicar Night Business, un libro que recopila la primera serie que concibió el autor, y hemos hablado con él.

Gerardo Vilches (GV): Me gustaría preguntarte, para empezar, si crees que Night Business es tu trabajo más ambicioso.

Benjamin Marra (BM): Sí, diría que sí. Es el primer cómic que comencé. El primer número de la serie, que es el primer capítulo del libro, ni siquiera sabía cómo iba a acabar, así que imagínate el resto… No tenía planeado que acabara siendo algo tan grande, pero pasaron los años, fui haciendo más números y acabó creciendo mucho. Pero, inicialmente, solo quise hacer un cómic que funcionara como un portafolio que pudiera enseñar a los editores para que me contrataran como dibujante. Pero, al final, se convirtió en algo más personal, una forma de contar mis propias historias, más que la puerta para ser contratado en una gran editorial. Night Business podría ser mi obra más compleja y ambiciosa, sí, ya que me llevó diez años terminarla.




GV: En el libro pueden apreciarse ciertos cambios en tu estilo de dibujo; no sé si fue algo que estabas buscando, o fruto de una evolución normal en un trabajo de diez años.

BM: En los primeros cuatro años hice cuatro números; luego me tomé un descanso bastante largo, de seis años, en los que estuve pensando en cómo terminar la historia y haciendo otros libros para Fantagraphics o Autsaider. Pero sabía que tenía que terminar Night Business para pasar página. Supongo que cuando retomé el trabajo para terminar la historia, la única manera en la que fui capaz de mantener el interés en ella tras tanto tiempo fue practicar con diferentes estilos de dibujo, experimentar. Eso era más importante para mí que la consistencia visual del libro; la historia es la historia, y es lo que la gente va a recordar por lo que es. Pero necesitaba entretenerme a mí mismo y probar cosas nuevas, cambiar de pinceles, plumas o papel… ¿Estos cambios hacen mejor o peor el libro? No lo sé, pero no quiero preocuparme demasiado por ello.

GV: ¿Improvisabas mucho, o llegó un momento en el que planificaste el guion?

BM: No, al principio improvisaba mucho. Nunca había hecho un cómic antes y quería hacer uno desesperadamente. Fue un proceso de aprendizaje. Del número 1 al 4, tras terminar cada uno de ellos pensaba en qué iba a pasar a continuación, sin mucha planificación, pero después descubrí que tenía que ser más organizado y pensar en un final. Y luego se trataba de pensar en cómo alcanzaba ese final. Por ello tuve que sentarme a diseñar cada capítulo del 5 al 10, pensar en todas las escenas, secuenciar las páginas. Descubrí que así es más sencillo dotar a la historia de un ritmo concreto. Además, bueno, me daba cuenta de que si no me ponía serio y trabaja en el final aquello no iba a terminar nunca, porque podía seguir con la historia para siempre. Y no quería dejar nada sin resolver, ni un final abierto. En general, no me gustan, a menos que sea una historia en cuyo final se abra un mundo nuevo para los personajes. Necesito asegurarme, en todo caso, de que resuelvo todos los cabos sueltos antes de pasar ese nuevo mundo.

GV: Una cosa que me gusta mucho es que, de alguna forma, debajo de todas esas situaciones locas que pasan, es una historia clásica, con un antihéroe, la chica, los tipos malos, una venganza… ¿Es algo que hiciste a propósito, lo tenías claro desde el principio del proyecto?

BM: Supongo que es natural que mi trabajo gire en torno a una narrativa clásica… Para mí, los cómics tienen que ver con la narrativa, pero, sobre todo, con el dibujo. Me encanta dibujar. No soy un escritor especialmente dotado, como sí sucede con otros autores de cómic, así que no me gusta jugar con la narrativa, ni hablar de temas pesados… Ya sabes: sexo, violencia, venganza… cosas relacionadas con emociones básicas del ser humano. Se ve especialmente bien en Night Business: mi dibujo es ambicioso, pero siempre intento mantener la historia en un nivel simple y manejable, en un sentido muy clásico y tradicional.

GV: Otro punto interesante de tu trabajo es que tu estilo narrativo recuerda a los viejos comic-books, ese tipo de tebeos que la gente tiende a considerar incluso basura… ¿Estás intentando recuperar su espíritu con tu trabajo?

BM: No es necesariamente eso… Bueno, supongo que es intencionado en algún grado cuando mi editorial se llama Traditional Comics, porque no me gusta la mayor parte de las cosas que están sucediendo en el medio en los últimos años. No me emocionan, en general, los estilos de dibujo imperantes en los cómics mainstream de Marvel o DC. Odio sus dibujos [risas]. Lo que me inspira son los viejos cómics de EC, las tiras de prensa clásicas de Milton Caniff o Alex Toth… Y me atraen los autores actuales que se ven inspirados por todo ello: David Mazzucchelli, Klaus Janson, Tom Palmer… Son mi mayor inspiración hoy en día. Me encanta lo que hacen, y trabajan en un sentido muy tradicional dentro del arte del comic book. Todo viene, básicamente, de los años cincuenta, sesenta y setenta. Hay un montón de cómics de esa época, para mí es una fuente de inspiración inagotable. Por todo esto dibujo como lo hago: no es que piense que, necesariamente, los cómics tienen que tener ese aspecto, simplemente es la manera en la que me gusta dibujar.

GV: ¿Qué rol juega la violencia en tu trabajo?

BM: No lo sé… no estoy seguro. Para mí, la violencia es la forma en la que los seres humanos se tratan entre sí. Me fascina la violencia. Es parte de nuestra naturaleza, supongo, estará siempre presente. Al mismo tiempo, siento miedo hacia la violencia. La mayor parte de la población del planeta se enfrentan a ella diariamente. Yo tengo la suerte de que no lo hago, pero todo está lleno de violencia, cada segundo de nuestra existencia: la vemos en las noticias, en la calle. Y creo que la representación que hago de la violencia tiene que ver con mi miedo hacia la misma. Es un modo de controlarlo. Desde un punto de vista narrativo, puede que la violencia sea algo barata o naif por mi parte, pero la violencia es la motivación de los personajes. Intento explorar los instintos más básicos a un nivel muy elemental. También resulta un modo muy efectivo de añadir intensidad a una historia, e intento representar la violencia de un modo visceral y directo. Quiero que la gente la sienta, ya sabes.

GV: En relación con todo esto… en tu trabajo muestras no solo violencia, sino también muchas situaciones controvertidas y polémicas, que atañen a la comunidad negra, a las mujeres, etcétera. En mi opinión, la exageración con la que las tratas debería evitar cualquier acusación de racismo o misoginia, pero ¿has tenido algún problema de este tipo? ¿Ha habido gente que se haya sentido ofendida por tu trabajo?

BM: Sí, ha habido gente que ha criticado mi trabajo en esa línea, lo que creo que es perfectamente entendible [risas]. Cuando hago mis cómics siempre intento no reprimirme o autocensurarme, y no creo que pueda hacer eso sin entrar en terrenos peliagudos. Yo no me considero un gran narrador, soy muy básico y crudo, mis historias no son elegantes. Intento hacerlas tan locas e intensas como puedo, así que no puedo autocensurarme: necesito ir tan lejos como pueda con mi material. Pero entiendo totalmente cuando la gente no está de acuerdo con lo que hago; no le puedes gustar a todo el mundo. Prefiero que la gente odie mi trabajo a que la deje indiferente. No quiero dejar de explorar lugares a los que siento que tengo que ir por tener miedo de hacerlo: me sentiría creativamente incompleto si lo hiciera, solo por el hecho de que a alguien no vaya a gustarle. No puedes basar tus decisiones creativas en función de lo que puedan pensar algunas personas. Matarías lo que estás haciendo. Al menos esa ha sido mi filosofía durante estos años. Que haya gente que vaya a odiar lo que hago es parte del proceso.

GV: Para alguna gente, la ficción es literal, de forma que sienten que una obra tiene que contener valores positivos, ser inspiradora, o de otra forma pueden acusarte de las cosas horribles que hacen tus personajes. Pero tú no eres tus personajes…

BM: Sí, es cierto. Conozco a gente que tiene problemas para diferenciar la ficción de una historia de los hechos reales. Es curioso. No comparto esa visión, como artista: creo que la ficción es un modo de explorar ideas, y a veces exploras terrenos que no tienen que ver con los buenos sentimientos. Sería irresponsable y deshonesto suprimir o negar que existen otras cosas. Una vez que, como autor, escojo escribir historias sobre ello, para mí es importante no tener miedo de llegar hasta las últimas consecuencias.

GV: Has trabajado con Fantagraphics en El azote del terror: CAU. ¿Hay muchas diferencias entre trabajar con una editorial como esta o en tu propio sello, en términos narrativos?

BM: No, en absoluto. Fantagraphics me dejó hacer lo que quise. Igual que Autsaider, ellos quieren que haga cualquier cosa que se me ocurra, nunca me han pedido que cambie nada, lo cual es estupendo. Respetan mi visión. Y creo que, si hiciera algo y lo quisiera cambiar después, puede que no me publicaran más, por no tener las agallas de ser fiel a mi propia visión de las cosas.

GV: Comparado con Night Business, El azote del terror: CAU tiene un enfoque mucho más satírico. ¿Qué piensas, es algo que buscaras conscientemente?

BM: Sí, es cierto. En Night Business hay humor, pero es una aventura bastante directa, se trata de una explotation grindhouse. Mientras que El azote del terror: CAU es una especie de sátira de las películas de acción de los ochenta. Pero no creo que pensara, al principio, que iba a ser una sátira; simplemente pensé en hacer el mejor cómic que fuera capaz. No pensaba que fuera a resultar tan divertido como sátira, pero sí, creo que lo es.

GV: En El azote del terror: CAU me encanta cómo los personajes están siempre diciendo en voz alta lo que están haciendo, es muy divertido.

BM: [Risas] Sí, no es algo que tuviera pensado desde el principio, pero cuando lo introduje, se convirtió en parte del ADN de la historia. Se trataba de romper las reglas con las que se supone que hacemos cómics, que nos dicen que la imagen y el texto no deben ser redundantes, y mostrar información diferente. También tiene que ver con algunos cómics clásicos, ya sabes… Superman siempre estaba explicando lo que hacía. No sé por qué me resulta tan divertido escribir estos diálogos, pero me lo pasé muy bien, se convirtió en una especie de running gag. Me gusta romper las reglas narrativas para obtener efectos divertidos.

GV: Una última y típica pregunta: ¿estás trabajando en algún nuevo proyecto ahora mismo?

BM: Siempre. Estoy trabajando en muchos diferentes a la vez, algunos de los cuales son aún secretos. Pero, por ejemplo, estoy trabajando en una historia para la nueva Heavy Metal con el guionista Grant Morrison, es la segunda vez que trabajamos juntos y es muy emocionante. También estoy trabajando en varios cómics… siempre estoy metido en un montón de cosas, siempre ocupado… a veces demasiado ocupado [risas]. Todo lo que quiero es hacer cómics, pero no resulta fácil ganarse la vida con ellos, de forma que también tengo que aceptar otros proyectos, pero también resultan divertidos… Aunque espero poder centrarme de nuevo en los cómics pronto.

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El emporio Vice, de origen canadiense, es una de las mayores historias de éxito mediático del siglo XXI. En principio, se les comparaba con un recambio hipster a la MTV, pero hace tiempo que desbordaron ese marco. El pasado verano, el patrimonio de su fundador Shane Smith superó los mil millones de dólares. El aumento se debe a una ronda de inversión de 450 millones del fondo TPG, según explica 'Forbes'. A pesar del subidón económico, Vice atraviesa uno de sus peores momentos de imagen, debido al machismo rampante que ha caracterizado su funcionamiento. Una investigación del 'New York Times' ha desvelado los detalles.

El texto ha obligado a sus fundadores a disculparse. “De arriba a abajo, hemos fallado a la hora de crear un ambiente de trabajo seguro e inclusivo, especialmente con las mujeres”, explica un comunicado firmado por Smith y el otro cofundador, Suroosh Alvi. “Hemos permitido un ambiente nocivo, de club masculino, que se impuso por mala gestión, incluso disfuncional, que permeó a toda la empresa”, reconocen. Vice, que se vende como una revista contracultural, ha acabado mutando en producto sexy para la derecha estadounidense gamberra, hasta el punto de recibir en 2013 una inversión que ronda los 52 millones de euros del magnate Rupert Murdoch, valedor mediático de Margaret Thatcher, Ronald Reagan y Donald Trump.

La mujer como “trabajador inferior”

Sandra Miller, ejecutiva de la firma, recuerda que vivió “un ambiente tóxico, donde a los hombres se les permitía decir las cosas más desagradables, mientras que las mujeres eran consideradas trabajadoras inferiores”, denuncia. Más de veinte empleadas fueron víctimas o testigos de casos de acoso sexual. Hasta el momento, se ha llegado a cuatro acuerdos extrajudiciales, uno de los cuales implica a Andrew Creighton, actual presidente del grupo. El directivo despidió a una subalterna por negarse a tener una relación con él. Para evitar el juicio, Vice tuvo que pagar 135.000 dólares. Otra empleada de Londres, Joanna Fuertes-Knight, fue objeto de acoso sexual, maltrato laboral y discriminación racial. Jessica Hopper, periodista freelance que colaboraba en Vice, incluyó en uno de sus artículos que durante una entrevista el rapero Murs le propuso tener sexo, a lo que ella se negó. Superiores masculinos de Vice cambiaron el texto, sin su permiso, indicando que ella había aceptado. Cuando la periodista contactó con abogados, obtuvo una rectificación y una indemnización. “Incluso los empleados más progresistas miraban para otro lado”, explica otra trabajadora.

Medidas concretas

Vice volvió a ser objeto de críticas el pasado noviembre cuando realizó un acto corporativo sobre el estado de la empresa y no se abordó el problema del acoso sexual. Ahora parece que la cabecera empieza a tomar en serio el asunto: han cambiado al responsable de Recursos Humanos, firmado un compromiso por la igualdad salarial y contratado un comité de asesores, que incluye a la prestigiosa feminista Gloria Steinem. Tras la publicación del reportaje del 'New York Times', han aflorado nuevos casos, por ejemplo el de Billie ‘JD’ Porter, una londinense que empezó a trabajar en Vice con solo dieciséis años. Cuando le entregaron sus tarjetas de visita habían descrito su cargo como “Lolita capaz de arruinarte la vida”. Entre los inversores de Vice destacan empresas que hacen gala de su apoyo a los valores familiares, por ejemplo Disney y 20th Century Fox. La historia recuerda a una versión ampliada del conflicto de American Apparel, marca de ropa hipster, donde la junta de accionistas forzó la salida del fundador Dov Charney, tras numerosas acusaciones de conductas sexuales impropias.

Yupis disfrazados de indies

Haciendo memoria, 2017 ha sido un año donde diversos hipsters se han animado a cuestionar sus propios códigos culturales. Es el caso de Ian Svenonious, punk-rockero de culto, autor del libro ‘Te están robando el alma. Contra Ikea, Apple, Wikipedia, el rock corporativo y la depilación púbica’ (Blackie Books). En la parte más cultural del texto, habla del rock alternativo y universitario como un reflejo de los valores capitalistas. “Así como los yuppies afrontaron un proyecto a largo plazo para gentrificar las ciudades estadounidenses y rehacerlas a su propia imagen, los grupos indies, normalmente formados por descendientes de oyentes de la National Public Radio (adinerados, educados, blancos) se enfrentaron a la misión de gentrificar el punk (…) El concepto clave para esta versión personal, emprendedora, apolítica, capitalista e individualista del punk fue también la filosofía 'hazlo tú mismo', y fluyó a la perfección junto al ya para entonces ya paradigmático credo yuppie y su énfasis por los productos caseros, singulares y de procedencia local”.

¿Conclusión? Aquello no fue una subcultura rebelde, sino una renovación de los decorados del capitalismo. “La estética indie es igual de inflexible: H&M, Urban Outfitters y American Apparel venden a todos los estadounidenses el flácido estilo ‘británico de vacaciones’. La música de Radiohead y Arcade Fire estalla por los altavoces de los estadios. Para muchas pobres almas, no existe una alternativa a lo alternativo”, señala.

Autocrítica en España

En nuestro país también pueden encontrarse ejemplos de rechazo hacia el esnobismo hipster, enunciados por autores que conocen la cultura desde dentro. Es el caso del ensayo ‘Sociología del moderneo’ (Melusina), del antropólogo Iñaki Domínguez, donde repasa algunas de las disfunciones de la tribu. Su aportación más brillante consiste en relacionar la popularidad de drogas como el MDMA con las carencias emocionales de este colectivo: “La relación del moderno con su cuerpo es profundamente narcisista -solipsista-, por lo que necesita de este tipo de soluciones pasajeras para dar salida a sus necesidades afectivas. Es un modo de entrar en sintonía con su propio cuerpo. (…) El moderno es un ser atrapado entre sus deseos egoístas (autoimagen), su necesidad del otro como espectador y su anhelo de satisfacción afectiva. En el contacto físico y sexual hay una búsqueda inconsciente de trascendencia; de superar el aislamiento narcisista que promueven los mercados", lamenta.

Muermo en Malasaña

La revista Minerva también publicó este año un texto brillante , con gran carga autocrítica, donde el sociólogo Daniel Sorando recordaba sus años en Malasaña, sin duda el barrio más cool de Madrid:

“Lejanas ya muchas de sus vecinas más empobrecidas, su territorio era una pista de aterrizaje continuo para turistas nacionales e internacionales en busca de la siguiente frontera urbana. No cabe duda de que la encontraban: en cada uno de nuestros grafitis (ahora subvencionados por las marcas de cerveza que se sirven en el barrio); en cada una de nuestras conversaciones en las terrazas donde celebrábamos las nuevas galerías de arte transformador; y en cada uno de los huertos urbanos que plantábamos en los solares en barbecho de los especuladores. Como sostiene Sharon Zukin, estábamos domesticando el espacio a base de capuchinos hasta consolidar ese producto de consumo que es Malasaña. Un producto distinguido, por supuesto. Nada que ver con la monotonía de los adosados de las élites conservadoras. Y entre tanta distinción, unas geografías contra otras no han hecho sino lubricar el mecanismo por el cual la fortuna de nuestros barrios se devalúa o revaloriza según criterios definidos por el mercado y no por el Derecho a la Ciudad. Es precisamente esta dinámica la que denuncia esa palabra tan extraña que no conocía la primera vez que pisé las calles de Malasaña y que, pasados los años, me ha permitido comprender tantas intuiciones e inquietudes. Gentrificación no es un nombre de señora”.

Resumiendo: los hipsters más espabilados piden perdón y entregan las armas. ¿Podemos ya pasar página de este bochornoso episodio cultural?

La sexualidad en la infancia sigue siendo tema tabú. Pero existe. Y hay que desestigmatizarla.

 

Hablar de sexualidad en la infancia no es habitual.

Es algo que da vergüenza, miedo, se considera tabú y, una vez más, se ve todo cubierto por un manto de oscuridad.

Por eso vamos a arrojarle un poco de luz al asunto. Basta de ningunear o -peor aún- estigmatizar esa parte tan importante de quienes somos, de qué sentimos.

Podremos escuchar a padres y madres hablar de si a su hije le ha salido un diente, si ha sufrido cólicos o no, si ha dado su primer paso o si ha descubierto que le gusta el tomate. Y más adelante podremos llegar a comentarios tipo: le gusta leer, se pasa el día jugando con el vecino con los muñecos de Star Wars o está todo el día liada con experimentos científicos.

Pero nunca escucharemos comentarios tipo: hoy estaba descubriéndose, hoy ha estado tocándose con su compañere, etc. La sexualidad en la infancia no existe.

Porque lo vemos mal.

Porque seguimos arrastrando con nosotres la idea de que es algo negativo o, al menos, es un aspecto totalmente privado de lo que no hay que hablar ni decir nada. Y si, además, se trata de la sexualidad en la infancia, aún más.

Pero ya sabemos que aunque algo no se nombre no significa que no pase.

La mirada adulta

Muchas veces ese es el problema. No es lo que hagan sino el significado que le da la persona que lo ve.

Algo tan inocente como puede ser la autoexploración de su propio cuerpo, si es en zonas del cuerpo como la boca o los pies parece lógico, pero si es en sus genitales nos llevamos las manos a la cabeza.

La infancia es una época de descubrimientos, de aprendizaje, de sentir y tocar, de observar y curiosear. Y así es su acercamiento al cuerpo, con esa intención.

Tu hije no es una persona depravada ni pervertida, no mira tu propio cuerpo ni el de cualquiera de su entorno con ningún tipo de intencionalidad depredadora tal y como lo pueden considerar algunes adultes.

Los juegos de niñes

Es muy habitual que les niñes empiecen a descubrir el placer con sus semejantes, porque no es raro que jugando pueda haber roces en los genitales. Con la pierna en el clítoris y siento gustito, que si se sienta encima y el pene reacciona.

Sucede.

No saben por qué, pero van descubriendo que haciendo A o B, aquello da placer. ¡Qué gran descubrimiento!

Luego está el “¿has probado a…?”. Y es que ya sea por autodescubrimiento accidental o porque alguien haga referencia a ello, prueban a tocarse y se lo cuentan entre elles y todes terminan probando eso de lo que les han hablado.

Si se puede hablar de ello, claro. Porque hay muchas personas que ya en ese momento sienten culpa, consideran que lo que hacen -aunque placentero- no está bien y se lo callan. Y a veces hasta lo sufren.

Creciendo juntes

Hablando con mujeres adultas, muchas reconocen que no es un asunto que hablasen. La sexualidad en la infancia no era un tema con su entorno ni de amistades ni, muchísimo menos, familiar. Que igual sí sucedía que jugando a ‘las casitas’, luego se tiraban en la cama y encontraban placer o que, deslizándose por el pasamanos de una escalera, ésta se convertía en una atracción mejor que las de la feria.

Pero no lo verbalizaban. Y entrando en la adolescencia menos.

Los hombres, sin embargo, recuerdan no sólo las primeras experiencias sino cómo se masturbaban juntos viendo algo e, incluso, los unos a los otros. Compartían comentarios de que habían hecho e incluso había quienes tomaban nota de cuantas veces a la semana.

Esta diferencia es debida a que la sexualidad en la mujer siempre ha sido peor vista. Eso no es algo que haga una “señorita”. ¡Ah! ¿No? Pues que nos borren de ese club del que no sabíamos ni que formábamos parte, gracias.

Normalizábamos que un compañero de clase dijese que se masturbaba pero que lo dijese una compañera era un escándalo y ya iba acompañado de unas connotaciones negativas.

Por eso las mujeres nos callábamos.

Por eso a día de hoy hay mujeres adultas que nunca se han masturbado. Porque han aprendido que eso no se “debe” hacer. Malditos “deberías”.

Educando

Basta ya de describir la sexualidad como algo por y para la reproducción. Y menos con cigüeñas que vienen de París que eso ya es el colmo.

Eduquemos durante la infancia en el placer, en la diversidad, en la desgenitalización, en la prevención de la salud, en el consentimiento y en las emociones que acompañan.

Eduquemos en el amor, respeto y cuidado hacia une misme y hacia los demás.

Creemos adultes sanes que sean felices dentro de su cuerpo, con su identidad, con su orientación.

Con su vida.

Y seamos felices todes.

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Este año, el post de nuestras películas favoritas va a ser ÉPICO. No por la calidad de los flims (que los hay muy buenos) ni por el bigotón de Kenneth Bragas (que lo es y mucho), sino porque vamos a escribir todos los miembros del equipo, incluido nuestro nuevo fichaje Guille Stardust, que a lo subnormal a lo subnormal ha sido uno de los que más ha escrito en 2017. Así que vamos a ello: LAS

En esta época de repasos también podemos dejar por un momento de hablar de Lo Mejor o de Lo Peor para echar un vistazo a los Locurones. Películas que deciden ir más allá, para bien o para mal, y que por eso mismo merecen un recuerdo especial, porque romper con lo habitual es en muchas ocasiones la única manera de ofrecer sorpresas.

Nuestros mejores del año (hasta hoy)

Un año más vamos a echar un ojo a aquellas películas del fantástico que han logrado sorprendernos. Han buscado una manera, bien por destacar, por motivos artísticos o porque alguien ha tenido la feliz idea de ir un poco más allá. Y, al final, han acabado llegando hasta el locurón, bien poniendo un tímido dedo en él o saltando fuertemente a sus brazos. Tanto da. Por supuesto, de muchas de estas películas habréis leído algo llamándolas controvertidas y cosas así. Con gente a favor y en contra y algunas apariciones en las listas de “Lo Mejor del Año”. Esas, por tanto, no necesitan nuestro comentario. Vamos, que si queréis podéis considerar que esta es una lista de locurones de 2017 que no son mother!.




Olvidad, por tanto, la posibilidad de leer sobre cintas que no son de género como Drib, obras sencillamente fallidas como Death Note o Bright, ideas conceptualmente interesantes pero no muy originales como Mon Mon Mon Monsters o Mayhem o, directamente, ejemplos de locura conceptual basada en las narices que hacen falta para poner por título Let’s talk about “It” -como si de un exploit del payaso de Stephen King nos fuéramos a encontrar… y no- o ese American Guinea Pig: Sacrifice que por no ser no es ni American.

Y sí, ya sabemos que son muchas las películas de las que podríamos estar hablando en lugar de estas. Y que lo mismo esfuerzos como Lowlife (que aún está dando tumbos por festivales, no preocuparse) o el documental Haunters: The Art of the Scare podrían agradecer más la exposición. ¡Pero para eso siempre hay tiempo! Nosotros lo que queremos es más ideas como la parodia Trip Ubusan: The Lolas vs Zombies -aunque no sea muy locurón, mucho menos teniendo en cuenta que viene de donde viene- igual que queremos que David DeCoteau deje su recién encontrado cómodo puesto haciendo películas para Lifetime, que parece mentira que este año sólo haya hecho de las suyas en Swamp Freak.

Pero no hablemos más de las que no han pasado el corte. Ha sido un año muy bueno -aunque sea solo en lo económico- para el terror. Así que 1586 películas, 43 telefilmes y 108 VoD después, celebremos las que han sabido ir descendiendo por el tobogán del locurón para nuestra alegría y diversión.

13 – Tragedy Girls

Ya, el trailer destripa demasiado. Quizá no la más original de las películas pero sí un buen ejemplo de mezcladillo. Uno echa de menos los apuntes que hace la propia película de ir a soltarse el pelo, pero con lo poco a lo que se anima al actualizar esas ideas en tiempos en los que la fama tiene dimensión de relevancia internetera y con el convencimiento de una decisión estética tras ella, no deja de ser el perfecto punto de partida que muestra hasta dónde no se atreven a llegar las opciones más convencionales.

12 – Gogol. Nachalo

El habitualmente curioso Egor Baranov se marca una película de metaliteratura-ficción poniendo a Gogol como protagonista de una trama que nos va llevando hacia su Viy con varias etapas de chifladura distintas. Según va metiéndose más en el elemento onírico-fantástico, pegando botes temporales y olvidando, aunque sea solo un poco, su más claro referente cinematográfico menos problema tiene en desatar su típica comedia burra. Y entonces llega el final y deja bien claro que si esta película se subtitula Nachalo es porque esto va a ser una -ya veremos cómo de extensa- serie.

11 – Shhhh

Es una lástima que esta película no tenga más presupuesto, porque tras esta apariencia de corto universitario hay casi hora y media de unos extraños asesinatos en la modalidad de venganza irónica cometidos contra la gente que hace cosas en el cine como usar el móvil, hablar, hacer ruido al comer… Pero la ejecución y los -nulos- medios restan la fuerza y dignidad que podría haber tenido la película a cambio de dotarla de una cierta simpatía por alguien que ha rodado esto en lugar de empezar a asesinar gente. Que es un paso a mejor, supongo.

10 – Dracula in a Women’s Prison

En el reino de reunir dos exploits en la misma película tenemos este año una película de Mujeres en Prisión a la que han metido a Drácula porque… bueno… porque hay que revitalizar los géneros. Por supuesto el argumento da para lo que dá antes de convertirse en un festín de CGIs baratos pero, con eso y todo, está mucho mejor que otros intentos de explotar títulos llamativos que hemos sufrido este año como Bigfoot Horror Camp o Werewolves of the Third Reich. Quizá incluso que Halloween Pussy Trap Kill Kill! Lo importante es que quede clara las posibilidades para la desvergüenza de estos remixes.

09 – Bagman

Parodia de los slashers al uso poniendo una bolsa de papel en la cabeza del asesino y dándole como motivación asesinar a gente que no recicla. A partir de ahí mucho chiste bobo, mucho momento más o menos sexual y la sensación de que para haberse hecho con un presupuesto que parece sacado de sisar las vueltas del pan no les ha quedado demasiado mal. Y, total, puestos a justificar comportamientos asesinos no es el peor motivo del año.

08 – Bunnyman Vengance

En un año en el que hemos tenido Payasos Asesinos para aburrirnos esta película logra adelantar a otros candidatos como Clowntergeist, Badoet oThe Dark Side of the Womb porque aquí el protagonista va disfrazado de conejo, es una referencia a una leyenda urbana y, además, es la más reciente de una saga de películas tirando a aburridas -sí, me temo que incluso esta, que puede ser la menos peor, tiene un interés limitado y una coherencia argumental más difusa aún-, logrando que nos preguntemos a la vez cómo es posible que no haya más gente que sepa de su existencia y que, de alguna manera, hayan llegado tan lejos. Por suerte esa laxitud en la coherencia permite que cualquier idea, por estúpida que suene, se incorpore a la historia principal. Total, para el sentido que va a tener.

07 – Sangili Bungili Kadhava Thorae

En un año en el que la exitosa saga Golmaal se ha puesto con casas encantadas en Golmaal Again parecía una locura intentar mezclar humor y terror. Pero aquí tenemos esta Sangili Bungili Kadhava Thorae que juega al horror familiar aunque en muchas ocasiones lo que eso signifique es que está introduciendo conceptos propios de, digamos, Matrimoniadas a una película con fantasmas vengativos y pisos que no pueden ser dejados por su propietario. Así que, a ratos, es como regresar a cuando ese mezcla se puso de moda en el Hollywood de los años cuarenta. Podrían haber metido más números musicales, pero eso ya son cosas mías.

06 – Sky Sharks

Siempre es complicado escoger a la película de tiburones más loca del año. En 2017 hemos tenido entradas como Toxic Shark, 5 Headed Shark Attack, Land Shark y, por supuesto, Trailer Park Shark. Pero Sky Sharks tenía algo que ninguna de ellas tenía. Y no me refiero a ser alemana. Me refiero a los zombies nazis. Sí, una película sobre experimentos locos que acaban con tiburones voladores zombies nazis. Vale, luego no deja de ser una reunión con cameos y la profundidad argumental de Sharknado 5. Pero la locura de la premisa ya justifica una primera selección.

05 – Kuso

El problema de las películas locas suele estar cuando se nota que hay alguien esforzándose porque lo sea. Parece una tontería, pero intentar hacer la locura artificial es una de las cosas que más pueden dañar esa misma locura. En esta que nos ocupa la acumulación de escenas repletas de auténticos locurones pierde fuerza por lo claro que está que buscan epatar, ser desagradables, resultar rupturistas y blablabla… Igual que un niño diciendo palabrotas que no acaba de entender para parecer mayor y acaba siendo más pueril que ofensivo. Pero, en fin, las locuras están ahí, eso es innegable.

04 – Petak Umpet Minako

Es curioso cómo una idea cala -o, quizá, se sabe que va a haber una película de cierto éxito- y a partir de ahí salen los exploits.  Así que entre el regreso de Annabelle, Child’s Play y Puppet Master parecía el año idóneo para llenar de Muñecos Diabólicos las películas. Y a fe que The Elf y Curse of the Witch’s Doll, y The Doll Master y The Toymaker, e incluso Chi o sû nendo o lo mismo pero al revés, Rock Paper Dead, han logrado convencernos de que los muñecos son poco de fiar. Pero para hacer algo aún más original ha hecho falta unirle además el famoso Hitori Kakurenbo, una especial variación del juego del escondite,  y la firme determinación de realizar un reparto de entidades en el que la muñeca parece más o menos inofensiva. Pero si algo deberíamos haber aprendido este año es que fíate tú de las muñecas.

03 – Dave Made a Maze

Hay un motivo para que esta película haya estado paseándose por tantos festivales, y es que resulta enormemente imaginativa, busca ser todo lo divertida de lo que es capaz y, sin embargo, no se corta a la hora de ofrecer una constante sensación de peligro. Una auténtica locura, sospecho que sobre todo de producir y post-producir, pero de esas que logran un acabado lo suficientemente agradable como para que sea razonable esperar que acabe logrando un cierto puesto de película de culto. Aunque sea sólo entre los aficionados a cierto tipo de locura.

02 – Fantasma

Este (prácticamente explícito) homenaje de Brett Mullen a Argento es una de las películas más estéticas y excesivas del año. Lógicamente. Reuniendo múltiples guiños pero sin renunciar a un tema propio, incluso a algunas decisiones que le dan cierta entidad propia, incluso en comparación con eso que se ha dado en llamar el Neo-Giallo. Y es que hay movimientos en los que el exceso nunca es suficiente.

01 – Devil 2.0 (a.k.a. Toyfa)

Llámese como quiera llamarse, este ejemplo de sensorialidad utilizada para narrar problemas mentales es la obra más extraña del año. Al menos para quien esto escribe. Extraña por los recursos y maneras porque, por extraño que suene, la coherencia de la misma es notable. No la calidad, que es tan amateur que a ratos parece creada para descargarse de responsabilidades, tanto como es evidente el recorrido de la trama. Pero, aún y con eso, logra ser lo suficientemente loca como para merecer este puesto

Hasta aquí por este año. Ya sabemos que otra gente tendrá otros candidatos para la lista -sin duda ha sido un mazazo dejar fuera Another Yeti a Love Story: Life on the Streets– pero para eso está la sección de comentarios. ¡Y dentro de un año podremos ver si 2018 ha logrado ser -cinematográficamente- más loco aún!

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La entrada Las 13 mayores chifladuras del cine de terror de 2017 aparece primero en Canino.

"Señoras y señores, lo que viene ahora es la cima de la comedia en España en lo que llevamos de siglo, lo más subversivo de los últimos 17 años, incluso más que Álvaro de Marichalar; éste es el mayor logro para destruir el sistema desde dentro que se ha conseguido nunca". Esta frase, que normalmente habría pasado inadvertida entre las mil y una presentaciones exageradas que cada día se dan en los medios, me llamó la atención porque procede del cómico Ignatius Farray, uno de los presentadores del programa 'La vida moderna', y se refiere a un juego de mesa. La lógica es apabullante: si un tipo que chupa los pezones a sus espectadores en el teatro dice que un juego de cartas es subversivo, entonces no queda más remedio que probarlo.

Quedamos con Alejandro Pérez, uno de sus creadores, para jugar una partida a Ladrillazo en Madrid. Paco Fernández, la mente creativa del proyecto, ha huido a Galicia para desconectar del tsunami sufrido tras el lanzamiento del juego. "Estamos muy estresados. Hemos tenido que empaquetar 1.200 juegos y enviarlos a todas las partes del mundo en una semana, compaginándolo con nuestros trabajos, y estamos agotados", dice Alejandro. Nos ha citado en Basurama, un espacio de creación cultural que nació en la Escuela de Arquitectura de Madrid y cuya sede está en el barrio de La Elipa.

Pérez hace efectos especiales para películas, mientras que Fernández se graduó en ingeniería. Hace cuatro años tuvieron la idea de crear un juego de cartas, aprovechando el 'boom' que han generado juegos de mesa como Carcassone o Los colonos de Catán, pero basado en la burbuja inmobiliaria, un tema que interesa especialmente a Paco Fernández. "Me puse a leer sobre la burbuja hace años, cuando compartía piso con unos amigos. Tenía trabajo y una carrera, pero ni de broma podía comprarme un piso, así que me dije: 'si no puedo yo, ¿quién puede? ¿Qué está pasando aquí?' Y de ahí, de esas lecturas de prensa, habitualmente de El Confidencial tengo que añadir, salió la documentación del juego", dice Paco al otro lado del teléfono.

Las reglas del juego son sencillas. A cada jugador se le reparten ocho cartas, que pueden ser de cinco tipos: ciudadanos, políticos, terrenos, constructores y proyectos. El objetivo es generar tramas para sacar adelante los proyectos y así cobrar cada turno... en sobres. Es básicamente una pirámide: los ciudadanos respaldan políticos y los políticos consiguen terrenos; juntos movilizan a los constructores, que es el último paso antes de sacar un proyecto adelante, pero es la ambición del jugador la que marca sus metas. Por ejemplo, para construir el Centro Niemeyer, en Avilés, solo hace falta un terreno, dos ciudadanos y un constructor, pero aporta dos sobres por turno. Por contra, la línea 9 del metro de Barcelona precisa de dos terrenos, cuatro políticos y seis constructores, si bien le genera al jugador seis sobres cada vez. Hay una última categoría, las tarjetas mamandurria, que se compran y sirven para obtener ciertas ventajas, como levantar las cartas del mazo antes de cogerlas o recalificar otras cartas.

En el centro de la mesa hay un mecanismo con aspecto de alto horno donde se meten los sobres antes de la partida. Cada jugador mete un puñado de sobres sin que los demás lo vean, así nadie sabe cuándo se terminarán. Durante la partida se irá cobrando al final de cada turno, apretando un botoncito que expulsa sobres, y el juego se acaba cuando se acaba el dinero. Ese momento es el estallido de la burbuja y gana quien más sobres haya conseguido evadir a su paraíso fiscal.

"España es una gerontocracia y tiende a la derecha, así que empiezo yo y después vas tú", dice Alejandro señalando a Miguel, experto en urbanismo de y enamorado del juego. Las cartas en la mano no valen nada, ya que para utilizarlas hay que bajarlas a la mesa, y para bajarlas hay que cumplir una serie de requisitos. Uno de los que menos pide para involucrarse en tu trama es Julián Muñoz, que es el primero en caer en la mesa.

Miro mis cartas y reparo en que el diablo está en los detalles. Cada carta tiene unas capacidades en función al personaje, e incluso una cita en el pie que, cuando la introduces en Google, es un tour por la lisergia ladrillera española. Me ha tocado Esperanza Aguirre y decido consultar por teléfono a Paco Fernández porque no sé bien qué hacer con ella. "¡Esperanza en los primeros turnos es muy decisiva! Su súperpoder es el Tamayazo, que consiste en robar a otro político de la mesa, pero de nivel bajo”, me comenta. La echo a la mesa y me quedo con Julián Muñoz, formando una dupla legendaria con la que quiero sacar adelante la autopista de peaje AP-41, una de tantas pistas quebradas que ha tenido que rescatar el Estado. “Mientras hacíamos las cartas, pensamos que estaría bien premiar a los jugadores que hicieran tramas reales, como Jaume Matas con el Palma Arena, con unos puntos de estilo o algo así, pero lo descartamos porque hay cartas como José María Aznar que están en casi todo y lo desnivelan”, relata Paco.

Cada carta es un homenaje bufo a la época del ladrillazo: Enrique Bañuelos, de Astroc, tiene el poder de la Paella Party, para ejecutar mamandurrias gratis; José Bono puede robar a un constructor de otro jugador; María Victoria Pinilla, recalficiar cualquier terreno; y Manuel Chaves puede movilizar varios ciudadanos gracias al poder del PER.

Tengo un problema: por más que tiro cartas y cojo nuevas, no consigo a un constructor, de modo que mi trama está truncada. "Mira, el otro día me escribió un jugador. Decía que con Ladrillazo había descubierto que los constructores tienen más poder en España que los políticos. Nunca me lo había planteado, pero lo pienso y es obvio que es así. En el juego, en cuanto tienes dos o tres políticos, ya no necesitas más, pero constructores es mejor tener todos los posibles”, explica Fernández al teléfono.

"Obviamente el constructor más poderoso del juego es Florentino Pérez y ACS. Su carta tiene un poder especial muy interesante, el poder del palco, que baja a la mesa cualquier infraestructura gratis, entonces puedes hacer un combo Florentino más Eurovegas, o Florentino y la T4, que es de locura”, prosigue Paco. No obstante, para utilizar a Florentino se necesita mucho apoyo político e incluso otros constructores más pequeños, de modo que suele aparecer en las últimos compases de la partida: “Hay constructores más baratos que salen mejor que ACS. OHL, por ejemplo, tiene uno de los mejores poderes del juego, Sobrecostes, que hace que ganes el doble de dinero por turno por cada uno de los proyectos”.

Mientras espero a un constructor, me van saliendo políticos que no puedo utilizar. Me descarto de Gallardón porque no puede participar en la trama con Aguirre; las cartas de ambos lo prohíben. También tengo que deshacerme, entre carcajadas, del senador de La Gomera Casimiro Curbelo, que no puede apoyar a mujeres. En su carta está la frase "yo no pago a las putas, yo me meo en las putas" que pronunció en una sauna, a altas horas de la madrugada, a la que había acudido con su hijo para celebrar su graduación en la universidad. Es como si Berlanga hubiese vuelto a la vida para hacer juegos de mesa.

En mitad de la partida me descubro negociando con Alejandro, intercambiando terrenos por constructores y evadiendo capitales a través de los rusos, y comprendo el nivel de subversión al que se refería Ignatius: son las dinámicas del juego las que te llevan a reírte los personajes, pero por sí solas las cartas son inofensivas. Me pregunto cómo se lleva el día 1 después de ridiculizar a casi todas las personas más poderosas de España en un producto impreso. "Yo no diría ridiculizar, sino caricaturizar, que es algo que hace cualquier medio de comunicación a diario. Y, además, la toda información que sale en el juego está publicada en la prensa, así que sí, si nos quieren demandar, serán muy bienvenidos, sería una promoción magnífica", dice Paco.

Ladrillazo tiene varias capas de ironía, a cada cual más compleja, y la más directa son las ilustraciones. Las de los ciudadanos y los terrenos, a cargo de Rut Pedreño, son retratos realistas, pero las de los políticos y constructores, realizadas por Joaquín Aldeguer, son deformaciones cómicas de la realidad. "De esta forma queríamos pasar de lo real a lo mastodóntico, de las personas a los proyectos faraónicos, de un solo vistazo", explica Pérez. "Estuve un año entero buscando arquitectos que me hiciesen 'renders' para las cartas de proyecto, pero descubrí que un solo 'pre-render' tiene un precio de 200 euros la unidad… Menos mal que a Joaquín no le ha descubierto aún el mundo de la arquitectura, porque ese día se acabó el hacer caricaturas para la prensa a 50 euros", remacha Paco por teléfono.

De repende Miguel saca al Rey a la mesa y Alejandro se agita: "¡El Rey no solo es la tarjeta que más dinero puede evadir, sino que puede robar cualquier carta de la mesa! Ya sabes, cuando Juan Carlos levanta el teléfono...", dice Alejandro. Le pido consejo a Paco. "Yo no creo que el Rey sea la mejor carta, pero sí la que te hace la vida más fácil. Para bajar al Rey a la mesa necesitas muchos terrenos, y los demás jugadores pueden ver que estás acumulando demasiados, que haces cosas raras, y boicotearte… la idea es que todo en torno a esa carta son maniobras turbias”, dice entre risas.

El jugador no puede cobrar directamente los sobres que gana por sus proyectos, sino que tiene que blanquearlos a través de personajes capaces de evadir. De entre los ciudadanos solo pueden evadir los rusos y los chinos. "Lo de los chinos es un homenaje directo a Gao Ping, que llegó a estar en el juego pero al final lo quitamos, como a Rita Barberá. Y lo de los rusos es obvio: en el triángulo Murcia-Almería-Alicante han hecho estragos, y mira el caso de la urbanización Majestic, en Málaga, se vio que era solo un instrumento para lavar dinero, clave en una trama mayor", explica Paco. Solo Oriol Pujol y Abel Matutes evaden entre los políticos, porque el método natural para evadir en el Ladrillazo es a través de los constructores. "Es obvio que, por su estructura, son empresas que pueden esconder dinero con más facilidad. Lo que queremos decir al ponerles el sello de evasores es que pueden hacerlo, no que lo hagan", se justifica con una sonrisa pícara Alejandro.

Paco me aconseja al teléfono que busque proyectos más grandes para ganar más dinero y tener alguna posibilidad de ganar la partida. "Fíjate que los proyectos más conocidos no suelen ser los más caros. De hecho hemos tenido que quitar algunos famosos para meter cosas como el Puerto Exterior de A Coruña, que cuesta como 40 seseñas o 40 cajas mágicas. Es un dineral absurdo… y por eso están haciendo otro puerto exterior en Ferrol, a 21 kilómetros de A Coruña. O el hospital de Toledo, que durante las pruebas era el proyecto más rentable del juego, porque es una obra que ha sido inaugurada por cuatro presidentes autonómicos distintos. Bono, Barreda, Cospedal y García-Page. Además creo que costó 400 millones, que es diez veces más de lo que suele costar un hospital, así que es una obra que nos hace mucha gracia".

No me da tiempo a seguir sus consejos: Don Juan Carlos ha desnivelado la partida y, cuando dejan de salir sobres de la banca, Miguel tiene una fortuna en Islas Caimán. Por detrás queda Alejandro, que hizo un buen capital gracias al trabajo de los barones Chaves y Bono, y yo, que apenas tengo sobre porque me he dedicado a reírme con las tarjetas.

Agotado en toda España

Ladrillazo salió al mercado a comienzos de diciembre y ya está casi agotado. Lanzaron 2.000 unidades, cuatro veces más de lo que suele ser normal en juegos independientes, y apenas les quedan 300 entre Madrid y Barcelona. "Nos están pidiendo más unidades los distribuidores, pero la segunda edición va a tardar, y además algunos envíos se han perdido y tengo que volver a hacerlos", explica Pérez mientras recoge la mesa. Paco se marchó a Galicia con diez cajas del juego en el maletero para repartirlas entre los amigos y olvidarse un tiempo del móvil. "Tendríamos que estar brindando con champán por el exitazo del juego, pero la verdad es que estamos muy agobiados, porque somos novatos y queremos controlarlo todo. Me gustaría decirte que estamos disfrutándolo a tope, pero la verdad es que no", afirma Fernández.

Gracias a un 'crowdfunding' han costeado la producción del juego, pero todavía no tienen claro cómo hacer negocio con él. "Ahora, cuando regrese, pensaré en cómo demonios se hace para ganar dinero con la venta de juegos en las tiendas, porque hago las cuentas y no me salen por ninguna parte. Para que te hagas una idea de lo novatos que somos, la distribuidora nos djjo el día antes de empezar a vender que lo normal en este sector es regalar a las tiendas uno de cada seis juegos que vendes… ¿perdona? ¿Tenemos que regalar el 15% de la producción? ¡Pero si ese era nuestro margen de beneficio!", dice Paco.

Bueno, pues no sé si acabaréis de descubrir estas cosas o si seréis de los que lleváis años leyendo esto. Lo importante es que estáis aquí, que yo también lo estoy y que ahora toca toda esa pila de texto sobre la cosa de los libros de este año.

Pero vamos con el texto de siempre:

Un año más (18 años ya, y parecía que fue ayer cuando empezamos con la tontería) aprovecho el comienzo de año para entregar el “Sark de Oro” al libro que más me ha gustado del año recién concluido

Comienzo con la clásica advertencia así que quien quiera pasar al resumen del año que se salte este párrafo. Las listas de “Lo mejor de…” acaban siendo los resultados de la intersección de los gustos personales con los libros leídos a lo largo del año. La posibilidad de que haya aparecido un libro revelador y no salga en esta lista puede deberse más a no haberlo leído que a criterios de selección. Recapitulando en estos años y para que quede constancia, los anteriores Sark de Oro recayeron en “El Hada Carabina” de Daniel Pennac, “Huérfanos de Brooklyn” de Jonathan Lethem, “Cíclopes” de David Sedaris,“La Disco Rusa” de Wladimir Kaminer, “La Mosca” de Slawomir Mrozek, “El Martillo Cósmico” de Robert Antón Wilson , “Pégate un tiro para sobrevivir” de Chuck Klosterman, “Las Ovejas de Glenkill” de Leonie Swann, los“Cuentos Completos” de Connie Willis, “Al pie de la escalera” de Lorrie Moore, “Mi Tío Napoleón” de Iraj Pezeshkzad, “Los amigos de Eddie Coyle” de George V. Higgins, “Hermana mía, mi amor” de Joyce Carol Oates, “Boston. Sonata para violín sin cuerdas” de Todd McEwen, “Americanah” de Chimamanda Ngozi Adichie, “La hoguera pública” de Robert Coover, “Descolonizar la mente” de Ngũgĩ wa Thiong’o y “Las Mitford” de Charlotte Mosley.

Al final tendré que crear una wiki o un algo para que entren todos. Sin contar con que debería empezar a pensar en poner también los Sark de Plata y las otras dos categorías inventadas, el premio a No-Ficción Sark de No-Oro y el premio a libro en lengua inglesa Golden Sark. Porque esto cada vez queda más largo.

Aviso, también como casi todos los años, de que mis lecturas suelen determinarse por escuderías, es más sencillo que lea algo de las editoriales pequeñas y medianas a que lo haga con lo que sacan Planeta, Alfaguara o Anagrama. Vamos, que no pretendo engañar a nadie: No me he leído todo lo publicado ni de lejos. Dicho lo cuál y antes de entrar en los ganadores de este año vamos a repasar lo que han hecho los editores.

En cuanto a los libros…

Creo que el exitazo de El cuento de la criada, con lo que nos ha costado tenerlo de nuevo en las estanterías, sirve perfectamente para ilustrar varios puntos claves de los libros de este año: Una mayor presencia y peso de las autoras, un mayor interés por temas de reivindicación y diversidad y, por supuesto, mucho más fantástico. Especialmente terror -y no sería capaz de quitar del todo el libro de esa lista- pero no solo. El terror y la ciencia ficción se han beneficiado de un año en el que todo parecía extraño. También el punk ha tenido un mini-repunte por motivos que no soy capaz de comprender. Porque aunque algunas tendencias de años pasados -como la del ruralismo y la reivindicación de Lo Pueblo, vg- han seguido estas y otras han despuntado nuevas. Por ejemplo, en el lado del orden, nos hemos ido a un renacimiento de la diversión casi sin sangre del clasiquísimo mystery inglés, punta de lanza de una cierta anglofilia. Por supuesto es mucho más lo que el año ha tenido, incluyendo recuperaciones. Ah, y las editoriales pequeñas se han multiplicado y expandido. Para enorme alegría de quien esto escribe. Este podría ser un buen resumen del año, pero acerquémonos más.

El cuento de la criada ha sido un libro esencial este año, y también una cadena de arrastre. The power se subió con mucha sabiduría a su espalda y la misma editorial aprovechó que otra novela de la autora tendría también adaptación para publicar Alias Grace. Pero no es lo único que ha venido detrás. También hemos visto cómo en la narrativa retorcida aparecían las mujeres de No, mamá, no y Canción dulce. O que se difundían los cuentos de La nueva mujer, se traían las obras de autoras diversas como Bessie Head y continuaba la publicación de ensayos de autoras como Siri Hustvedt, Laura Bates y Carolina León, o los diarios de Alice Denham y Virginia Woolf. E, incluso, Capitán Swing se animó a traducir como Desahuciadas la esplendida Evicted. Pero, especialmente, en los ilustrados hemos tenido múltiples aproximaciones que apostaban por lo regalable tanto como por lo didáctico. Así Mujeres de ciencia o F de Feminismos parecían buscar esa mezcla mientras que la nueva edición de El papel amarillo parecía apostar por la inclusión de ilustraciones para actualizar el interés. Aunque posiblemente el fenómeno en este campo sea Valerosas, el recopilatorio de mini-biografías de Pénélope Bagieu ha logrado fundirse tres ediciones (al menos hasta que empiecen a entrar las devoluciones post-navideñas) de su primer volumen y mover con fuerza una segunda del siguiente. No es el único ejemplo de éxito en cómics -ha llegado POR FIN la edición mexicana de Nimona empujada por el buen funcionamiento de Leñadoras, que ha visto aparecer, a su vez, un segundo volúmen- mientras que autoras como Laurielle se animaban a publicar en solitario, Fandogamia traía Giant Days e incluso en la diversidad se alcanzaba a la Super Sorda de Cece Bell. Aunque sospecho que si un segundo nombre tuviéramos que unir al resumen de este año sería el de Gloria Fuertes.

El centenario de su nacimiento ha permitido no solo que Torremozas vendiera y actualizara multitud de sus poemarios, también que en Blackie Books se sacaran de la manga dos tomos documentadísimos, uno cercano a al biografía ilustrada y el otro con ilustraciones infantiles. No está claro que hayan sido los mejores volúmenes sobre la autora pero sí que han sido los que más han vendido. y es que la tormenta perfecta del centenario, la reivindicación, su propio talento y las ediciones ilustradas han parecido funcionar a su favor.

Algo de lo que podemos alegrarnos también por lo que ha supuesto para toda esa… tendencia. Si todo esto ha servido para que hayamos tenido novedades infantiles como el libro-juego ¡Yuju! Príncipe Azul, ¿dónde estás? de Sylvie Misslin y Amandine Piu o para que editoriales juveniles se animaran con Chicas en la luna o La chica de tinta y estrellas, bienvenidas sean. – Y, lo mismo, en algún momento dejan de ser Chicas y pasan a ser Mujeres.-

Y, por supuesto, también ha servido para mover el mercado fantástico. Que ha agradecido las ediciones para aquellos que no pueden leer en inglés de La quinta estación de N.K. Jemisin y Las estrellas son legión de Kameron Hurley. Pero también de clásicas como Margaret Cavendish, Rokey Sakhawat Hossain o, más en lo moderno, Barbara Hambly. O un nuevo intento de desembarco de Daína Chaviano. Pero, especialmente, del terror. Vale, no ha habido forma de que se publicara un libro nuevo de Shirley Jackson -a ver si en 2018- pero la antología de Damas oscuras y los cuentos completos de Angela Carter han estado ahí. Y las pequeñas han seguido haciendo su trabajo. La Biblioteca de Carfax ha realizado una magnífica labor en el año de su lanzamiento, publicando a consagrados como Amelia B. Edwards  o Edith Nesbit  y a modernas como Beverly Lee. Pulpture ha publicado relatos variados y recuperado otra de las obras inquietantes de Louisa May Alcott, la irrupción de Cerbero ha dado una pequeña plataforma para que aparecieran nombres más o menos conocidos de nuestras letras fantásticas, de Conchi Regueiro a Cristina Jurado y de Sofía Rhei a Lola Robles, y aunque Pilar Pedraza no haya tenido novedad sí es cierto que a Elia Barceló -que la ha tenido, pero fuera del género- se le han recuperado varias obras. Así que para nuestras autoras parece que ha sido también un buen año con el que continuar el éxito del Nacional de Narrativa a Cristina Fernández Cubas en 2016.

El terror ha sido uno de los géneros más afortunados del año. A los nombres mencionados podemos añadir el de otro par de editoriales que se han estrenado este año como Insólita, que nos ha traído El archivo de atrocidades de Charles Stross, o Dilatando Mentes que con Un lugar mejor de Michael Wehunt se marcaron todo un tanto en su selección muy variada -aunque de momento sin ninguna mujer, eso mal- de fantástico. También editoriales con más recorrido se han apuntado. Nocturna ha sacado la estupenda Una cabeza llena de fantasmas y ha publicado lo último de Joe Hill, a la vez que Stephen King o Neil Gaiman seguían sin parar, Valdemar recuperaba todos Los Libros de la Sangre de Clive Baker en dos volúmenes y Akal sacaba otro tocho igual de voluminoso con su Lovecraft Anotado, aportación a la no ficción solo comparable con la biografía de Stoker que se ha marcado Skal para Es Pop. Mientras que Ediciones B -además de seguir publicando cosas de SciFi como el último de Andy Weir- se desmarcaba con el postapocalíptico Paradox 13 del amigo de la casa Keigo Higashino. Ah, y Orciny ha seguido con lo suyo publicando, por ejemplo, Bienvenidos al Bizarro, en el que aparecen un poco todos. Tamara Romero incluida.

También ha habido toques en otras ediciones, claro. La interesante Parpadeo de Theodore Roszak además de hablar de cine y de improbables conspiraciones llegaba a tener algo de eso. Aunque sea más notable por lo primero -en un año con algún otro título sobre cine interesante, aunque más en la parte de no ficción, como Cine cómico español, 1950-1961 o Violetas de España-, también podemos hablar de las otras recuperaciones que han tenido lugar este año gracias a las pequeñas editoriales. Porque si Pálido Fuego ha traído de vuelta a Roszak no es menos cierto que La Navaja Suiza hizo lo propio con William H. Gass (en el año de su lamentable fallecimiento), que La Fuga ha recuperado a Jay Friedman y que, igual que la recuperación de Ngũgĩ wa Thiong’o sigue lenta pero segura, Hoja de Lata tuvo a bien recuperar a James McBride en uno de los grandes títulos sobre la raza publicados este año. (Siendo el segundo, por supuesto, El ferrocarril subterráneo de Colson Whithead). Que no es que sean las únicas miradas al exterior interesantes, ojo, que finalmente La Vegetariana ha tenido su versión Española -frente a la Chilena que llegó el año pasado como por descuido- y que también nos ha llegado ese novelón que es El simpatizante de Viet Thanh Nguyen. Con el añadido de que este último podía servirse en sesión doble con el Persiguiendo a Cacciato de Tim O’Brien. Una perspectiva asiática que se podía rematar con el cómic El arte de Charlie Chan Hock Chye de Sonny Liew en un año que tanto ha mezclado.

Por ejemplo, Norma ha publicado la mezcla de cómic y punk que es Archie conoce a Los Ramones -y también el grandísimo Jughead, pero esa es otra historia- aunque puede que eso sea porque ha habido un cierto interés por el punk este año. No está muy claro de dónde ha salido, eso sí. Pero hemos tenido varias aproximaciones para los más jóvenes. Desde la serie Band Records comenzando por los susodichos Ramones hasta el ¿Qué es el punk? de Eric Morse en Flow Press Media. Y lo mismo podemos decir de obras biográficas como ese Te potaría en la cara o un nuevo ejemplo del interés por la historia desde el punto de vista de las mujeres en Ropa, música, chicos de Viv Albertine.

Y ya si mezclamos mujeres y anglofilia podemos ir desde Los años ligeros, El club de los mentirosos o La Serpiente de Essex hasta otro de los temas principales del año. La Novela Negra en su versión de Mystery Inglés.

Así, junto a la siempre fiable dÉpoca con Asesinato en Charlton Crescent, las recuperaciones de Alba como Mi prima Rachel o la continuación de Josephine Tey en Hoja de Lata, hemos podido asistir a un buen puñado de grandes historias en la colección de Clásicos de Novela Policíaca de Siruela con Christianna Brand. Además, por supuesto, de con E. C. Bentley o Ernest Braman. Igual que Ardicia ha recuperado a Victor L. Whitechurch o Francisco Arellano ha recopilado en El misterio de Pegram a lo que él llama Los otros Sherlock Holmes. E, incluso, aunque de otra manera, se ha comenzado a publicar a Horace Rumpole en España.

Por supuesto no ha sido solo esto lo que ha llenado nuestro año negro Sajalín ha recuperado el Carter de Ted Lewis, RBA ha recordado que tenía por ahí perdido a Lawrence Block. Japón sigue en racha, este año con novedades aún de Rampo Edogawa, Seishi Yokomizo o Seicho Matsumoto. Hasta hemos podido acercarnos por el negro africano gracias a El enigma del pájaro azul . E incluso los más jóvenes han podido disfrutar del género con obras juveniles como Alguien está mintiendo, o con aproximaciones más cercanas al libro-reto como Enigmas de Víctor Escandello o el Caso abierto de Àngels Navarro y Jordi Sunyer. Está claro que ha sido un gran año para el género en todos sus frentes.

Pero ya está bien de tanto título y tanta cosa, ¡que tampoco habéis venido para que os aburra durante todo el día! Así que pasemos a lo que os interesa de verdad. ¡Los Sark de Oro! Y los ganadores son…

Dicho todo esto, vamos a por lo que realmente está esperando la gente. Bueno… alguien habrá que lo espere, digo yo. Así que vamos con los premios de este año.

Golden Sark

– Paperbacks from Hell de Grady Hendrix, ed. Quirk Books

Una de las lecturas que más he disfrutado de todo el año. Pensé que sería la clásica obra que reúne portadas más o menos cohesionadas por una temática y en su lugar me encontré un completo estudio que, con cierto humor que no siempre es muy acertado, va contándonos los movimientos editoriales del género de terror durante los años ’79 y ’80. También nos ofrece un contexto para entender de dónde venía y, por supuesto, una breve mirada a los ’90. Y sí, también hay portadas y datos sobre sus autores más destacados. Así que aunque sea muy USAcéntrico el impacto y alcance -sobre todo las relaciones entre literatura de terror en ascenso y cine, y los superéxitos de este- facilita que podamos atacar cabos y comprender explotaciones y consecuencias. De modo que al final tenemos no sólo un catálogo de portadas de libros, también de modas y, por supuesto, de todo lo que significó el horror durante dos de sus décadas de mayor actividad. A poco que os guste el género y su historia -y que sepáis inglés, claro- os interesa leer este libro. ¡Ojalá alguna editorial española pudiera publicarlo!

Sark de No-Oro

– Sobre lo azul de William H. Gass, ed. La Navaja Suiza

Un ensayo sobre el color parecería el terreno perfecto para un libro sobre arte, pero aquí se trata más de intentar comprender el lenguaje, o la sensaciones asociadas. Las múltiples variedades de tipos de azul llevan a Gass no solo a demostrar su dominio del idioma y sus conocimientos literarios, también a reflexionar sobre los mismos significados del idioma.

Sark de Plata

– Una dirección equivocada de Elizabeth Daly, ed. Siruela

Un ejemplo perfecto de ese buen momento de la recuperación del mystery clásico inglés -incluso aunque en este caso sea estadounidense- que estamos viviendo. Una historia en apariencia sencilla que se muestra como una entrada más en una historia con una serie de personajes que ya se suponen conocidos para el lector. Un investigador y algunos secundarios a su alrededor, figuras sin duda familiares para los lectores (Al fin y al cabo es el séptimo libro de este detective) pero que aquí quedan extrañas -quizá incluso desdibujadas- contra la fuerza de la historia que están contando. El detective se acerca bajo pretexto a una casa, quiere descubrir qué pasa en esa familia tras un anónimo. A partir de ahí una historia de suspense que funciona -a la perfección- mediante los resortes más clásicos del género. Lo que parece una situación extraña revela serlo incluso más, la cotidianidad se va volviendo extraña y mortal. Un ejemplo perfecto de ese tipo de novela convirtiéndola en una elección clara para este puesto.

Sark de Oro

– Experimental film de Gemma Files, ed. La Biblioteca de Carfax

Mi libro favorito reúne en sí el buen momento del terror y las pequeñas editoriales -el magnífico trabajo de La Biblioteca de Carfax es una de las cosas más notables del año- pero, sobre todo, una gran historia. Con un punto de partida que recuerda y recupera, además, uno de los motivos que hicieron grande el terror en el pasado: Protagonistas cuya vida actual explica que se tenga que mantener en la senda de algo potencialmente terrible porque su alternativa vital a no hacerlo realmente no es mucho mejor. Una mujer casada y con un hijo que ha visto cómo la crisis destruía sus expectativas laborales en el campo del estudio y la enseñanza del cine se encuentra con un material fílmico raro. Podría ser el centro de su carrera, podría ser también potencialmente peligroso. Teniendo en cuenta el estado de la ‘industria’ -en Canadá en el caso de este libro- seguir investigando no parecía tan mala idea. Hasta el punto de que casi podríamos hablar de dos partes en el libro. La segunda más centrada en ese elementos folclórico y sobrenatural, la primera en los vericuetos y burocracias de algo que querría ser una mezcla de industria y academia y acaba siendo poco menos que una trampa en la que ninguna de las dos cosas acaban de funcionar. Es cierto que tiene algunos tics y tropos muy propios de Stephen King -para lo bueno y para lo desesperante- pero puedo pasarlo por alto porque lo bueno que ofrece es mucho y muy interesante. ¡Ojala sigamos con la racha de este tipo de obras en el futuro!

Ahora sí, ya hemos acabado. Muchas gracias por vuestra atención y hasta los próximos premios.

ENTREVISTA “Fronte á imaxe gris que moitas veces se impón sobre o pasado recente en Galiza, onde non acontece case nada, eu percibo violencia e intensidade”. Iso di Carlos Lixó, gañador do último Pérez Parallé. E esa percepción súa reflíctese no seu libro, que se publicará co nome As casas.

Hace algo más de un año, días después de la desaparición de Diana Quer, diversas asociaciones vecinales y ayuntamientos de la Ría de Arousa amenazaron con querellarse contra algunas televisiones por la imagen que estaban presentando de la zona. "Diana Quer ha desaparecido en el peor lugar posible, un entorno natural abrupto, una zona con una tasa de criminalidad disparada y acostumbrada a vivir con el crimen, a ver, oír y callar. De verdad, nadie sabe nada. ¿Dónde está Diana Quer?". Se lo preguntaba un programa televisivo nacional con siniestra música de fondo. Hablaba de A Pobra do Caramiñal, calificada por otro programa como “capital gallega del narcotráfico”. El propio ayuntamiento de A Pobra mostró su indignación entonces. Los vecinos no daban crédito.

Seguir leyendo.

Despedimos 2017 con mucha energía. Una selección de chicas de rocknroll nos acompaña en el último episodio del año. Girls got rhythm!!

Playlist;

NIKKI AND THE CORVETTES “Let’s go”

SUPERSNAZZ “Baby love”

SPAZZYS “The sunshine drive”

THE DONNAS “Hey, I’m gonna be your girl”

THE DOWNBEAT 5 “I’m not waiting”

THE PANDORAS “Stop pretending”

THE BEARDS “This girl”

UNDERSHAKERS “Stupid girl”

THEE HEADCOATEES “Teenage kicks”

HOLLY AND THE ITALIANS “Tell that girl to shut up”

SHONEN KNIFE “(Love is like a) Heatwave”

THE BANANA ERECTORS “You got that uh uh”

5678’S “Bomb the twist”

THE BARBARELLAS “Giant godzilla”

THE EYELINERS “Sealed with a kiss”

HELEN LOVE “Shifty disco girl”

THE EXCESSORIES “Summer”

CUB “Surfer girl”

THE BABY SHAKES “On a Friday”

THE NEW PORNOGRAPHERS “All for swinging you around”

No todo van a ser flores: 2017 también ha tenido abundantes tropiezos en términos de cultura pop. Entrasacamos algunos de los principales desastritos del año, de tendencias que se podían haber ahorrado a productos específicos que apestan. Aquí está el estercolero del año que se va.

Nuestros mejores del año (hasta hoy)

Las microtransacciones

Estimado lector: imagínese que vd. adquiere una película, en cualquier formato (físico o virtual), y se encuentra con que ciertos momentos han sido suprimidos. Estas omisiones incluyen, atento, el final, personajes enteros y casi el nudo de la trama. Pensaría, quizá, que el autor está en un tipo de forma experimental de cine, a lo Godard en los setenta… para darse cuenta al acabar el filme que le ofrecen pagando OTRA VEZ desbloquear lo que falta.

En efecto, este es el panorama generalizado en el mundo de los videojuegos, donde las compañías están empezando a vender títulos por secciones, a plazos. La polémica con Star Wars Battlefront II es definitiva: aplicaron un sistema de pago por logros más sencillo que desbloquear los personajes por pericia. Fue la gota que colmó el vaso, vaya, y la comunidad reaccionó con furia ante la miseria de Electronic Arts en obtener crédito de jugadores despistados o ansiosos. Principalmente, que no se olvide, niños…

Este modelo, inventado por las aplicaciones de móviles (tan dependientes de Internet), es la altura de 2017 una tradición común en el sector: Final Fantasy XV, casi todos los Assassin’s Creed e incluso los recientes Street Fighter de Capcom. Un jugador, así, paga sesenta euros por un título…para descubrir que tiene que pagar por otros sesenta, los llamados pases de temporada, para tener lo que era un producto completo hace diez años.

Una tentativa penosa de comercialización, totalmente fenicia, y que ya ha costado caro a Electronic Arts. Esperemos que esto sea, en fin, aviso para otras compañías. Julio Tovar

El secreto de Marrowbone

Pocas veces le cojo yo manía a un estilo de cine per se, pero si hay algo que me saca de mis casillas es el “terror” hecho por viejóvenes. Yo admiro mucho la capacidad visual del señor Juan Antonio Bayona, y me cae bastante bien, pero cada vez que aparece alguna película que lleva su sello me echo a temblar. Prestigio, suntuosidad, fotografía, música de cámara, actores de renombre y acabado elegantón, como si quisiera ser un gótico británico. En realidad, lo que esconden son telefilmes de sobremesa rancietes y anacrónicos, como forjados para Grandes Relatos de los noventa, que apelan a elementos oscuros y de drama adulto cuando lo que hacen es echar un poco de sustos de primero de estudiante de terror para poder vender la película como tal. En realidad tienes romances plastosos, niños monos poniendo caras y sorpresas de efecto Scooby. Luego lo venden en Telecinco para convencer al marujeo de que tiene que ir al cine y se encarama a la taquilla. Para más inri, en este último atentado plagan el tercer acto de los giros más tramposos e idiotas que se hayan esgrimido nunca, con la misma brújula que sigue apuntando a Los otros (2001) como modelo de éxito cuando algún productor planea una producción de género con presupuesto en España. No puede caber más naftalina en el armario. Jorge Loser

Song to Song

Imaginaros a un modernete hipster muy pijo escribiendo poemas de desamor de tres al cuarto. Pues he aquí su equivalente cinematográfico. Song to Song es un anuncio de perfume de Calvin Klein hecho cine, y con cine me refiero simplemente a que en lugar de treinta segundos dura dos horas. Terrence Malick monta una colección de escenas inconexa que encajaría perfectamente en cualquier videoclip del pop comercial más ñoño y le coloca encima unas parrafadas pseudofilosóficas que parecen sacadas del diario de un adolescente. Es el colmo de la nadería con ínfulas. Blanca Rego

Juego de Tronos (la serie, los libros… ¿todo?)

Seguramente quien lea esto piense: “ya está aquí el gafapasta que tiene que ir en contra de lo que le gusta a todo el mundo”. Y puede que no esté del todo equivocado pero mi evolución con los libros-serie ha sido diferente de la habitual. Hace ya varios años que comencé a leer la famosa Canción de hielo y fuego cuando todavía no era una serie de HBO, y reconozco que los tres primeros volúmenes, hasta Tormenta de espadas, fueron impactantes, recuerdo con verdadero terror la famosa Boda Roja y sentir que el género avanzaba, que ningún personaje estaba a salvo de las garras de Martin. Llegó el “esperado” quinto volumen y la decepción fue máxima, lo conté en este artículo. Como todos saben, se sigue esperando el sexto… y en medio de esta espera, HBO ha conseguido hacer siete temporadas de la serie con un éxito brutal. Ha llegado el momento en que me importa poco si llegan los libros… el “qué” me lo dará la serie. El “cómo” no me lo van a dar ni la serie ni los libros, hasta tal punto ha descuidado HBO la serie, que solamente se ha preocupado en montar un conjunto de fuegos artificiales vacuos que ya no siguen ningún tipo de lógica interna, parece que lo único importante ya es dar espectáculo sin otro fin. De hecho, ni el “qué” importa demasiado porque a principio de temporada se filtraron todas las tramas. Perdidos se mantuvo firme hasta el final precisamente por jugar con los fans y su final (más agridulce que conseguido, para algunos) al menos no se filtró con anterioridad. Posiblemente el año que viene vuelvan a filtrarse todas las tramas… y solo habrá que esperar a ver cuánto dinero se han gastado en cada episodio y si los dragones está bien hechos. Si este es el camino que lleva HBO, me bajo en el camino. Por ahora me quedo con Westworld que, por lo menos no lo da tan mascado. Mariano Hortal

Fandom de mierda

Hay una parte de ser aficionado que está profundamente relacionada con la conformidad: te gusta un determinado producto porque esperas la misma sensación placentera que sentiste las otras veces que lo consumiste. Luego ya depende de la resiliencia de cada uno, pero cualquier deriva de esa norma se puede tomar bien, mal o de forma penosa.

Es que mira, esto es pasarse. Los grititos por decisiones de casting. Las pataditas por alterar el canon. Las peticiones en línea que normalmente dejaríamos para causas perdidas de más empaque. El odio visceral, pegajoso, repugnante, que hace de las redes sociales un limo negro. Y ahí está el problema: tener un altavoz no significa que sea obligatorio usarlo ni que nadie (menos aún, los creadores que sí han dedicado un tiempo enorme en generar contenido) tenga que escuchar tus sandeces sobre la nueva Cazafantasmas.

Para colmo, detrás de este fandom tóxico están agazapadas ideas nocivas aún peores. Hablo de machismo, de egoísmo, de racismo. De que, si el GamerGate fue el canario en la mina para el ascenso del Pato Donald Trump, ¿qué nos dice el canario que están matando a gritos los más enajenados con Star Wars, por ejemplo? Me temo que la cosa irá a peor, porque cualquier lloriqueo de alguna de las recuas que andan sueltas por ahí se gana algo de atención: esa gente come de lo que trabaja, pero vive de lo que vomita. Así que repitamos en 2018, con sentimiento: no alimentes al troll y no enlaces mierda. A ver si esta vez lo conseguimos. Adrián Álvarez

Justice League

Sé que a estas alturas cebarse con la pobre Justice League es hasta un poco de villano de Mortadelo. Nunca ha tenido gracia reírse de las películas abiertamente defectuosas, tan obviamente renqueantes y fallidas, y mucho menos cuando a lo mejor tampoco es para tanto: Justice League tiene momentos afortunados, algo de humor muy bienvenido en el Universo DC cinematográfico y presenta con relativa soltura, siempre que no nos pongamos especialitos, a algunos de sus héroes. De acuerdo, el último tercio es un desastre (como lo era el de Wonder Woman, ojo) y la película tiene mucha más ambición de la que puede gestionar en hora y media apresuradísima. Pero como divertimento intrascendente, lo cierto es que es un alivio después de los engolados excesos de todas las películas de Superman previas. Es decir, que visto lo visto ni tan mal, y antes nos apetece másrevisar esta que una película abiertamente superior pero infinitamente más plomo como la de la Amazona de DC.

El problema de Justice League, lo que nos hace ubicarla en esta lista, es todo lo que conlleva: la corroboración de que o Warner da un golpe de timón o DC se le desmorona como un castillo de naipes, o la constatación de que no hay nada más agradecido que un fan desesperado por unas migajas (¡esos que hacen vídeos -literalmente- llorando de la felicidad por lo buena que es Justice League!). Esta película, aparatosa como un choque de trenes, aún (¡aún!) obsesionada con replicar los logros de los Batman de Nolan demuestra que, con todos los peros que queramos buscarles (en mi caso, unos cuantos), las películas de los Vengadores no se hacen solas, y hay detrás una labor de apretar tuercas y afinar piezas considerable. Algo que ha faltado, aquí, en términos de horas y más horas de trabajo. ¡Ojalá cambios de rumbo en un futuro próximo! John Tones

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