Snob

Sharing a home-cooked meal can be a great way to spend time with the guy you’re dating. When he offers to cook, you might be thrilled! But beware: Along with a delish meal comes a valid fear that the man making you a meal is actually not a skilled chef and is instead being coached by a talented French rodent with impeccable taste hiding in his floppy white hat. Take this quiz to find out if he’s a good chef or if a charismatic little rat is underneath his hat controlling his every move!

 

Does he wince in pain when he adds ingredients?

a.) No. He seems totally fine and I usually stand in the kitchen next to him while he’s cooking.

b.) Yes! He seems out of control. He’s moving as if a small grey idealistic rat with a dream climbed into his hat and is pulling his hair to control his movements like a marionette.

 

Does he talk about how he learned to cook?

a.) Yes! He loves telling stories about cooking with his mom growing up. Food seems to have been a really big part of his upbringing.

b.) No. In fact, he appears to have recently acquired these advanced cooking skills. Perhaps there is an animated rat named Remy with an impressive sense of smell who, before this, used his incredible nose to protect his rat family in the Parisian sewers?

 

If you ask him a question about the food, does he answer right away?

a.) Yes. He’s super knowledgeable about the ingredients and the dishes he creates. He even showed me several of the cookbooks that taught him what he knows.

b.) No, there’s always a small pause between when I ask and when he answers, as if he’s waiting for the prodigal rat chef with Patton Oswalt’s voice to whisper wise words he learned from working in the late French chef Auguste Gusteau’s restaurant.

 

Does he ever cook without a hat?

a.) Yes. He usually just cooks in whatever he wore that day.

b.) No. He insists on wearing a suspiciously tall chef’s hat under which one could conceivably fit a lil’ cutie rat who just wants to make good stew!

 

RESULTS:

 

Mostly As: He’s a good chef! Sounds like he’s one of the lucky few that has a passion and has worked hard to be good at it. No red flags here!

Mostly Bs: He is definitely being controlled by a small rat with a simple dream of serving people perfectly salted French food. You can still let him cook for you, but be sure he gives the credit to our favorite Pixar rat!

En un desierto del Medio Oriente se han descubierto restos de lo que podría ser el pan más antiguo jamás horneado. Las migas carbonizadas de 14.400 años halladas en Jordania demuestran que la elaboración de pan era anterior a la llegada de la agricultura en al menos 4.000 años.

Anteriormente, la evidencia más antigua de fabricación de pan provenía de un sitio neolítico de 9.000 años de antigüedad en Catalhoyuk en Turquía.

Invento del pan

El descubrimiento, publicado en la revista Proceedings Of The National Academy of Sciences, se realizó en un sitio arqueológico conocido como Shubayqa 1 en el Desierto Negro del noreste de Jordania. En promedio, las 24 migajas analizadas tenían 5.7 mm de largo por 4.4 mm de ancho y 2.5 mm de grosor.

Los arqueólogos creen que el pan fue hecho por cazadores-recolectores utilizando versiones salvajes de trigo, cebada y avena. Con el tiempo, la fabricación temprana de pan pudo haber fomentado el cultivo de cereales y ayudado a sembrar las semillas de la revolución agrícola.

Según explica Dorian Fuller, miembro del equipo internacional de University College London, a propósito de este hallazgo:

El pan implica un procesamiento intensivo de mano de obra que incluye descascarillar, moler los cereales, amasar y hornear. Que se haya producido antes de los métodos de cultivo sugiere que se lo consideró especial, y el deseo de obtener más cantidad de este alimento especial probablemente contribuyó a la decisión de comenzar a cultivar cereales"

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La trágica muerte de Robin Williams el 11 de agosto de 2014 nos pilló a todos por sorpresa. Tenía apenas 63 años y dábamos por sentado que iba seguir haciéndonos pasar buenos ratos durante mucho tiempo, pero ya solamente nos queda todo los que nos regaló a lo largo de su carrera.

Hoy HBO estrena ‘Robin Williams: Come Inside My Mind’, un documental dirigido por Marina Zenovich que indaga en la figura de este maestro de la comedia que además también demostró sus habilidades para el drama en repetidas ocasiones. Sin embargo, todos nos acordamos más de él por las risas que nos arrancaba con una gran facilidad. Eso y mucho más refleja esta notable obra que hace justicia al protagonista de ‘Jumanji’.

El genio de la comedia

Uno de los requisitos obligatorios para un documental sobre Robin Williams es que sepa reflejar qué es lo que le convirtió en un genio único de la comedia. Sería muy sencillo limitarse a mostrar algunos de sus mejores momentos e intercalar entrevistas a amigos y familiares suyos alabándole, y obviamente algo de eso hay en ‘Robin Williams: Come Inside My Mind’, pero también una intención detrás de todo ello que es lo que le eleva por encima de otras obras similares.

Zenovich opta por un acercamiento en orden mayormente cronológico que se para lo suficiente en las diferentes etapas que marcaron su vida, empezando por su infancia, sus inicios como cómico, su ascenso al estrellato y sus años de esplendor. Lo hace además alternando muy bien esos recursos que mencionaba antes -muy bien escogidos los entrevistados, aportando cada uno su granito de arena- incluyendo grabaciones poco difundidas hasta ahora, y diversas fotografías para mostrar un mosaico completo de su talento cómico.

En ese punto, el documental puede que no sea una maravilla definitiva ni que indague hasta límites obsesivos, pero sí que logra transmitir esa magia especial que tenía para la comedia a partir de diferentes retazos de su dilatada carrera, esa necesidad de hacer reír a los demás, tanto cuando estaba trabajando para ello como incluso cuando simplemente tenía que hacerlo. Un buen recordatorio de los motivos por los que le echamos tanto de menos.

La persona detrás de las risas

Sin embargo, Zenovich tampoco se olvida de la persona detrás de ese genio de la comedia y en todo momento hay cierta amargura en el recorrido a lo largo de su vida. Durante la mayor parte del tiempo es quizá inevitable porque sabemos que ya no está, pero cada poco tiempo surge algo para incidir en ello, sea lo referente a la muerte de John Belushi o diversos detalles sobre su vida personal que van ganando importancia a medida que se acerca el fatal desenlace.

Eso sí, ‘Robin Williams: Come Inside My Mind’ no comete el error de querer caer en lo lacrimógeno o en el exceso de manipulación emocional para conquistar así al espectador. Aborda todo eso desde el respeto con el objetivo de ofrecer una visión completa del protagonista de ‘Good Morning, Vietnam’. Están sus numerosos éxitos, pero también sus fracasos y del mismo modo que nos muestra su talento también tiene que entrar en su lado más frágil.

En definitiva, ‘Robin Williams: Come Inside My Mind’ es un recomendable documental que quizá podría haber ahondado algo más en determinados aspectos, pero para eso seguramente habría sido necesario optar por una serie documental y no tengo yo muy claro que eso fuera una buena idea. Tal y como es ya es un recorrido estimulante por la vida y obra de su protagonista.

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Enrique Jardiel Poncela tenía en mente la preparación de su autobiografía, de título provisional Sinfonía en mí, cuando le sobrevino la enfermedad. Murió de forma temprana, a los cincuenta y un años, en la ruina económica y el ostracismo de una generación que se había nutrido de él pero le negaba el saludo. Para ese libro, el escritor estaba recopilando el extenso material que poseía, correspondencia, diarios, material gráfico… con el objeto de conformar lo que sería su «Automoribundia», pero a la jardeliana.

A falta de esa sinfonía, existen multitud de publicaciones sobre la vida y la obra de Jardiel, entre estudios, tesis doctorales y monografías, señal inequívoca de su importancia dentro de la literatura post-generación del 98 y pre-generación del 27; mejor dicho, de la «otra» generación del 27, la de los literatos «no serios». Entre las obras más conocidas, las espléndidas biografías que firmaron dos amigos del autor, Miguel Martín (El hombre que mató a Jardiel Poncela, Planeta, 1997) y Rafael Flórez (Mío Jardiel, Biblioteca Nueva, 1966). Otras han sido escritas por sus familiares. Por ejemplo, tenemos el libro de su hija mayor, Evangelina (Mi padre, Biblioteca Nueva, 1999), donde se incluye mucha de la correspondencia que iba a ir en aquel proyecto malogrado. Su nieto, el también escritor Enrique Gallud Jardiel, ha publicado, además de la reedición de un par de volúmenes con textos poco conocidos (El amor es un microbio, Azimut, y El plano astral y otras novelas cortas, CSIC/Ediciones Ulises, 2017), tres libros sobre don Enrique: La ajetreada vida de un maestro del humor (Espasa, 2001) y dos estudios sobre su obra, El humor inverosímil (Fundamentos, 2011) y La risa inteligente (Doce Robles, 2014).

El personaje de Jardiel ha sido sometido a una batería interminable de juicios gratuitos. En su abundantísima colección de textos se encuentran, paso a paso, las huellas de su biografía, pero ambas, obra y vida, han sido sistemáticamente malentendidas o vilipendiadas, sin tener, además, en la mayoría de las ocasiones, demasiado conocimiento sobre ellas. Ya en vida, el autor tuvo sus más y sus menos con la crítica y algunos compañeros de generación. Es cierto que fue muy popular, cosechó grandes éxitos en el teatro y la prensa, pero, por decirlo de una forma diplomática, no recibió el aprecio del mundo literario ni tuvo de su lado a casi nadie en la academia. Mucho menos en la política. Como si estuviesen apuntando ideas para una comedia suya, el reestreno de 1996 en el Teatro Español de Carlo Monte en Montecarlo provocó un debate en el Parlamento de la Comunidad de Madrid sobre si «era o no pertinente» traer de nuevo a Jardiel a la capital. Su vida, que comenzó de forma plácida, se fue complicando poco a poco, convirtiendo al joven ciclotímico, que combinaba episodios de euforia con momentos de depresión, en un hombre taciturno y lleno de amargura. Su personalidad ambivalente se proyecta en lo que escribió, páginas deslumbrantes de genialidad y desafortunadas declaraciones en los momentos más bajos.

La obra de Jardiel es gigantesca para una vida tan breve (cuatro novelas, casi cincuenta comedias y un número inabarcable de textos periodísticos, piezas breves, guiones y dibujos). Pero lo es más por su imaginación, su arrollador dominio del lenguaje y el carácter audaz que abrió en cine y, sobre todo, en el teatro. Por esa fecundidad y la existencia agitada (aunque no tan corta, eso sí), el personaje de Jardiel ha sido comparado algunas veces con el también madrileño Félix Lope de Vega y sus cuitas personales con empresarios, escritores rivales y líos amorosos con actrices. Una obra producto del talento, pero, sobre todo, de la dura y constante disciplina de trabajo, a la que él atribuía el 98% del resultado. Jardiel trabajaba sin descanso en los cafés de Madrid, pertrechado de un equipo más propio de diseñador gráfico que de escritor: varias libretas y cuadernos, papeles de diferentes tamaños y color, plumas y lápices, reglas, tijeras, pegamento, secantes, sellos, recortes de periódicos… Su querencia por el café no era esnobismo, sino refugio en la calefacción y el aire fresco de las noches de Madrid, cosas de las que carecía su casa, el altillo de la calle Infantas. Luego se convirtió en una costumbre, y hasta en los estudios de Fox Film le tuvieron que apañar un pequeño escritorio pegado a la cafetería.

Pese a las numerosas adaptaciones de sus comedias para cine y televisión, la obra, especialmente la narrativa, es «rara» y no muy leída. Los textos de Jardiel están guardados en el cajón del «humorismo», como un género de segunda. Algo que puede hacer cualquiera. Efectivamente, cualquiera puede practicar humor, pero eso no lo convierte en un humorista. Como mucho, diría el maestro, siguiendo la lógica absurda, pero implacable, de su lenguaje, en un cualquiera. El humor era muy importante para Jardiel, un asunto que había que tomarse en serio. Por eso, su primera novela (larga) sostuvo la tesis de que, como todos los conceptos claves de la vida, el humor se escribía con hache. No así el amor, que era una cosa mucho más difícil de creer y de escribir sobre ella sin aguantarse la risa.

Estos son unos breves apuntes acerca de la obra de Enrique Jardiel Poncela, que gira casi exclusivamente en torno a dos temas, el amor y el humor. Adivinen cuál es el que sale peor parado.

El humor, según Jardiel

En literatura, como en política, no existe ningún otro mecanismo que desarme y provoque más hilaridad que expresar la realidad de forma obvia, sin adornos, aunque la intención y los resultados no sean los mismos. Por ejemplo, cuando el vicesecretario general de comunicación del Partido Popular, después de ser preguntado por la trama de corrupción conocida como Gürtel (todo esto, el cargo y la trama, ya serían objeto de chiste en el universo jardeliano), dijo que él, cuando aquello, «estaba en COU, creo», pues causa primero desconcierto y después, carcajada. Contar las cosas así es el recurso más infalible del humor, porque, en palabras del escritor, «resulta increíble, y lo increíble produce un regocijo contaminante». Jardiel escribía verdades tan pasmosas que la gente, asombrada, se partía de risa cuando las escuchaba en boca de sus personajes, o del propio autor, cuando este leía sus conferencias:

Hace dos días recibí una invitación que dice: el presidente del Ateneo de Madrid tiene el gusto de invitarle a la conferencia que pronunciará don Enrique Jardiel Poncela… Por eso estoy aquí.

Pero Jardiel no estaba en un cargo político para hacer reír. Desmarcado de la idea del humor como simple entretenimiento, Jardiel abraza el género como una postura existencial. Actitud rebelde frente a la vida que carece de sentido: un arte absurdo, conformado por una serie de viñetas descabaladas sobre la gente y las situaciones de la actualidad. Jardiel es heredero de las vanguardias y del grupo dadá, furioso con la política. A diferencia de los poetas y dramaturgos «comprometidos» en la palabra, Jardiel se zambulle en un lenguaje nuevo para manifestar su feroz individualismo y su desprecio de cualquier tipo de seriedad formal. El humor será su arma y nunca habrá salido tan cara a quien la usa en la literatura española. Bueno, sí, a Pedro Muñoz Seca, que le asesinaron por ser humorista y católico. A Jardiel también le dieron el paseíllo por haber manifestado su simpatía por las derechas, pero se libró del fusilamiento, aunque le dolió más que le confiscaran el Packard, su posesión más preciada. Después, en la posguerra, sufrió un duro boicot de la prensa y la censura revisó las páginas de sus comedias, prohibiendo la publicación de alguna. Grupos de matones acudían a los estrenos para reventarlos y el público se enzarzaba en peleas en el patio de butacas. En 1944, y con gran esfuerzo por reflotar su maltrecha economía, viajó a Argentina con una compañía financiada por él mismo, ayudado en el papeleo por Ramón Gómez de la Serna. Empezó muy bien, pero a los pocos días el público dejó de acudir. Los intelectuales republicanos que se habían refugiado de la contienda le difamaron y boicotearon las funciones. Grupos antifascistas en Uruguay lanzaron bombas de alquitrán contra el escenario. Le llamaban «la embajada franquista». Cuando don Enrique volvió a España, traía una depresión y el principio de un cáncer de laringe que le llevaron a la tumba pocos años después.

Para Jardiel, el humorista debe mantener un respeto escrupuloso por el público, no tratarlo como si fuese tonto, pero al mismo tiempo olvidarse de las concesiones en aras de la popularidad. Rechaza el casticismo y las figuras recurrentes del humorismo nacional, salvo si es para hacer chanza de los clichés tradicionales del sainete. Este diálogo al comienzo de Eloísa está debajo de un almendro es muy revelador:

ESPECTADOR 4.° —¡Vaya mujeres! (Al otro.) ¿Has visto?

ESPECTADOR 5.° —¡Ya, ya! ¡Qué mujeres!

ESPECTADOR 6.° —¡Vaya mujeres!

ESPECTADOR 1.° —¡Menudas mujeres!

ESPECTADOR 2.° —(Al 1°) ¿Has visto qué dos mujeres?

ESPECTADOR 1.°—Eso te iba a decir, que qué dos mujeres…

ESPECTADORES 1.° y 2.°—¿Te has fijado qué dos mujeres?

ESPECTADOR 3.°—Me lo habéis quitado de la boca. ¡Qué dos mujeres!

MARIDO —(Aparte, al Amigo, hablándole al oído.) ¿Se da usted cuenta de qué dos mujeres?

AMIGO —¡Ya, ya! ¡Vaya dos mujeres!

ACOMODADOR —(Mirando a las Muchachas.) ¡Mi madre, qué dos mujeres!

ESPECTADOR 7.° —(Pasando ante las Muchachas.) ¡Vaya mujeres! (Se va por el foro.)

MUCHACHA 1.ª —(A la 2.ª, con orgullo y satisfacción.) Digan lo que quieran, la verdad es que la gracia que hay en Madrid para el piropo no la hay en ningún lado…

MUCHACHA 2.ª —En ningún lado, chica, en ningún lado.

Madrid es el centro del universo jardielano, pero es un lugar idealizado, solo existe en la imaginación y la curiosa forma de ver el mundo de su autor. Los escenarios de las comedias y las novelas pasan por países exóticos, hoteles de cinco estrellas, safaris o viajes al Polo Norte, castillos medievales y laboratorios con retortas y diseños de mecanismos increíbles… Los argumentos van un paso más allá del simple juguete cómico o la farsa: dentro de la simplicidad del contenido, mantienen niveles de intriga y tensión sobre trasfondos muy poéticos y, en los últimos años, una más que negra visión social y humana. Jardiel usa el humor para volcar sus opiniones, cada vez más pesimistas, sobre las relaciones personales, la política y la filosofía, pero siempre desde una óptica muy elegante a la par que estrafalaria. Aborrece los chistes gruesos y la sátira, porque son ejercicios sangrantes y no sirven como divertimento ni como ejemplo didáctico.

Es fácil expresar estas premisas, lo complicado es desarrollar argumentos sorprendentes y hacer hablar a sus personajes como no se había hecho hasta entonces en el teatro cómico. El humor de Jardiel no es esperpento ni astracán, recursos decimonónicos, es una pirueta más moderna y airada. El resultado es muy similar a lo que hacían los Hermanos Marx y, especialmente, la screwball comedy de Hollywood. La situación anímica del escritor y las circunstancias socioeconómicas se daban en paralelo en ambos países: los vaivenes de la política española y la Depresión en Estados Unidos coincidían con los fracasos amorosos y el enfrentamiento de Jardiel con censores y críticos. El autor, además, bebe de las mismas fuentes que este género cinematográfico: las farsas del teatro clásico y la obra de Oscar Wilde, uno de sus máximos referentes.  

Las comedias de Jardiel hablan casi únicamente de sexo, pero sin decirlo ni mostrarlo. Como en una película de Leo McCarey, los protagonistas masculinos son tipos excéntricos (siempre son trasuntos de su autor, siempre deseoso de encontrar un ideal de amor imposible) que se meten en constantes problemas con personajes femeninos mucho más fuertes y desenvueltos que ellos, estableciendo una lucha por el poder a través de frases cortantes, rápidas, llenas de dobles y triples sentidos y una situación apurada tras otra. Todo ello lleva a desenlaces inesperados o, incluso, incomprensibles. Jardiel fue un maestro en planificar situaciones absurdas que se solventaban de forma aún más rara. Por ejemplo, el protagonista de Espérame en Siberia, vida mía se pasa la novela huyendo de una muy peculiar organización de asesinos que él mismo ha contratado para liquidarlo. Al final, cuando consigue librarse de su perseguidor, va y se mata cayéndose por las escaleras.  Las mujeres de la obra de Jardiel son parodias de la vampiresa de la época, donjuanes femeninas que destrozan las ilusiones del hombre, y en ellas vuelca el autor su inquina, siempre reflejando una experiencia personal que le marcó duramente. Más que misoginia, lo de Jardiel era misantropía galopante, pero, por si queda alguna duda, se puede echar un vistazo a textos como «El sexo débil ha hecho gimnasia».

En Hollywood

En 1932, Jardiel ya había publicado su trilogía sobre el donjuanismo, Amor se escribe sin hache (1928), Espérame en Siberia, vida mía (1929) y Pero… ¿Hubo alguna vez once mil vírgenes? (1930), burla —muy amarga— de las novelas eróticas que aparecían en publicaciones como El Cuento Semanal. La reacción del público fue entusiasta (igual en la posguerra, aunque incomprensiblemente se publicaran censuradas «por inmorales», mientras que las versiones sin tachar se vendían bajo cuerda). Sus colaboraciones en prensa (el semanario Buen Humor) gozaban de gran popularidad y estas novelas fueron recibidas con agrado. La combinación de personajes y situaciones descabelladas, esa abundancia de personajes secundarios que daban un contrapunto divertidísimo a los principales, los dibujos y rótulos ultraístas que salpicaban el texto (obra del propio Jardiel, caricaturista de nivel, además de escenógrafo y figurinista), las inéditas apelaciones al lector que rompían la narración y las notas cómicas a pie de página… las han convertido hoy en un clásico de la literatura del siglo XX. Pero, acuciado por la necesidad económica, el autor había dirigido sus esfuerzos al teatro y tenía estrenadas tres comedias, a punto de llevar a las tablas la versión de su tercera novela, titulada Usted tiene ojos de mujer fatal. José López Rubio lo llamó desde Los Ángeles, ofreciéndole en nombre de la productora Fox un sustancioso contrato para adaptar versiones sonoras y latinas de éxitos de Hollywood, con posibilidad de dirigir las películas. Jardiel hace dos viajes, en 1932 y en 1934, y trabaja con denuedo escribiendo guiones, planificando escenas y decorados. Los medios del cine americano le deslumbran y avivan su imaginación para aplicar estos recursos al teatro español: escenarios polivalentes, móviles, plataformas para iluminación y un sinfín de ideas que él mismo desarrolla en un proyecto, con primorosa maqueta incluida, al que nadie hará caso. Además de la idea de los celuloides rancios, encargo de la Fox de incorporar comentarios hablados a una serie de películas mudas que él decide interpretar con chistes, escribe y dirige Angelina o el honor de un brigadier, opereta ¡en verso! que es recibida con asombro por figuras del mundillo, como Charlie Chaplin, una de las estrellas cautivada por el talento de estos españoles estrafalarios. Otro autor que quedó encantado con el genio de Jardiel fue el dramaturgo Noël Coward. Tanto que su comedia de 1941 Un espíritu burlón era un plagio bochornoso de Un marido de ida y vuelta, que el madrileño le había enviado en 1939 para que el prestigioso autor la tradujese al inglés. Jardiel le escribió pidiendo explicaciones, pero el inglés se hizo el sueco.

Jardiel y el elemento fantástico.

Y en todas las comedias que he producido hasta el presente (…) se encuentra la fantasía —la imaginación, la inverosimilitud— presidiendo el tema, la acción, los tipos y el diálogo, conducta, fin y objeto que pienso guardar asimismo fielmente en el futuro. Pues, ¿valdría la pena sentarse ante una mesa, dispuesto a producir una fábula teatral, sin haber contado previamente con edificarla elevándola hacia lo fantástico?

Además de novelista, Jardiel quiso ser un escritor «serio». Lo fue siempre, pues su humor procedía de un profundo desgarro personal. Pero sobre estas comedias, especialmente las más brillantes, y gran parte de su narrativa, planearon elementos del género fantástico y el suspense. Fantasmas, espíritus y misterios llenaron la obra de Jardiel, no como simples elementos decorativos, sino como poéticos y potentes símbolos del desamparo y la soledad. Más aún, de la penosa situación de la sociedad española tras la Guerra Civil (Eloísa está debajo de un almendro, Los habitantes de la casa deshabitada, Blanca por fuera, rosa por dentro, Las siete vidas del gato…). Su primera nouvelle, El plano astral, se fijaba en las inquietudes del espiritismo y la teosofía. Dedicó varios relatos a convertirse en ayudante de Sherlock Holmes y se atrevió a sugerir una tesis para la identidad de Jack el Destripador. Siguiendo la tradición del teatro clásico, convirtió al demonio en protagonista de una comedia (Las cinco advertencias de Satanás) y desafió al tiempo en una de sus más bellas creaciones (Cuatro corazones con freno y marcha atrás). La tournée de Dios (1932), su cuarta novela, sigue causando asombro. Solo a Jardiel se le podía ocurrir que Dios (un Dios pero que muy particular, por otra parte) quisiera venir a la tierra, eligiendo como lugar de «aterrizaje» el cerro de los Ángeles, en Getafe, y tras unas semanas de visita consiguiera hacer enfadar a todo el mundo, volviéndose a casa completamente solo. Obviamente, fue prohibida por la República (por meapilas). Después, por el franquismo (por anticlerical). Ni don Pío Baroja, que detestaba a unos y a otros, consiguió una cosa semejante.

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Una famosa discoteca del centro de Madrid fue el cine Durruti, uno de los enclaves del anarquismo madrileño. En sus bellas instalaciones te enseñaban a cargar un arma, veías una película comercial o escuchabas a Cipriano Mera

Se había convertido en un símbolo, la imagen del antifascismo, la entrega y la heroicidad en medio de las peores circunstancias. En noviembre de 1936, tras su asesinato en Madrid y los homenajes y funerales que siguieron, como el famoso y multitudinario celebrado por las calles de Barcelona, Buenaventura Durruti se transformó en más que un nombre y, sobre todo, un rostro. Un año más tarde, con la conmemoración de su muerte, el periódico anarquista Umbral —uno de los mejor editados y con sus portadas convertidas en muestras del fotomontaje antifascista hecho en España le dedicó un número especial, pero para entonces en Madrid ya existía uno de sus más rotundos tributos: el cine San Carlos, situado en la calle Atocha (entonces en el número 131 y hoy el 125, donde hoy está la discoteca Kapital), cambió su nombre y se llamó Cine Durruti.

Varios cines madrileños colectivizados. Arriba, a la derecha, imagen de un abarrotado cine Durruti (Umbral, marzo de 1937)

«La programación, en el caso de los cines bajo control comunista, estaba centrada en documentales sobre la guerra o la defensa de Madrid y producciones casi todas soviéticas, como Iván el Terrible o La línea general»

No fue un fenómeno único. La lucha contra el totalitarismo y la construcción de un país nuevo, la Revolución Social, también se expresó en colectivizaciones como los cines, que cambiaron de nombres y acogieron, hasta el final de la guerra, los nombres de héroes y heroínas de aquellos días, con Durruti como uno de los más poderosos e inmortales. En Madrid cada cine estaba controlado por una organización antifascista, como los cines Callao (Juventud de la Izquierda Republicana), Goya, Monumental y Salamanca (Altavoz del Frente), Carretas (Batallón Margarita Nelken), Capitol y Doré (Partido Comunista), etc. Los anarquistas (CNT, a través del Sindicato Único de la Industria Cinematográfica y Espectáculos Públicos) controlaba muchos, los de Avenida, Progreso, Fígaro, Calatrava, Chamberí, Olympia, Encomienda y Durruti. En Barcelona pasó algo similar y podías ir al cine Ascaso, también fallecido durante la defensa de Barcelona. La programación, en el caso de los cines bajo control comunista, estaba centrada en documentales sobre la guerra o la defensa de Madrid y producciones casi todas soviéticas, como Iván el Terrible o La línea general. En el caso de los cines libertarios no era así y se combinaba propaganda política con éxitos comerciales, además de la abundante producción propia de la CNT, que estrenó numerosas películas.

El cine San Carlos a comienzos de los años treinta

Una entrada para el cine San Carlos

El cine Durruti, arriba a la izquierda (Mi Revista, enero de 1938)

«Ante un abarrotado cine, habló Cipriano Mera, uno de los rostros más célebres del anarquismo español. También acogió jornadas de las Juventudes Libertarias»

El Cine San Carlos abrió sus puertas en 1926. Aún pueden verse algunas señales de lo que fue. La fachada, a pesar de cambiar de nombre y sufrir toda clase de sucesos, sigue igual a la de los días en que tenía nombre anarquista. Incluso en lo alto de su fachada aún hoy pueden verse paneles con ilustraciones, en concreto ocho, que son un recordatorio de las originales, ya desaparecidas. Fue obra del escultor y pintor portugués José Almada Negreiros y presentaban escenas célebres sobre el cine, el espectáculo y las variedades, como un salón del Salvaje Oeste, la imagen de Chaplin o escenas circenses, entre otras, quizás para recordar que desde hacía años, en lo que no era más que un solar, se habían ido instalando sucesivos puestos ambulantes de cines y atracciones de feria. Es una joya arquitectónica obra de Eduardo Lozano Lardet (una mezcla de art decó y la arquitectura racionalista frecuente en el Madrid de la época), que había planeado un cine en su parte alta y, en los sótanos, como sucede por ejemplo en el Palacio de la Prensa, una discoteca.

El cine San Carlos a comienzos de los años treinta, antes de ser el cine Durruti. Pueden verse los ochos paneles con ilustraciones

Noticia del mitin de Cipriano Mera en el cine Durruti (Solidaridad Obrera, 24 de marzo de 1937)

En el cine Durruti también se celebraron mítines históricos, como el de marzo de 1937 (el local había cambiado de nombre en enero de ese mismo año). Ante un abarrotado cine, habló Cipriano Mera, uno de los rostros más célebres del anarquismo español como delegado del Comité de Defensa Confederal, junto a otros libertarios como Ricardo Sanz, de la Columna Durruti. También acogió jornadas de las Juventudes Libertarias. Desapareció entre marzo y septiembre de 1939, cuando la ciudad cayó en manos fascistas, y se eliminó cualquier vestigio de lo que fue, de aquel Durruti presidiendo un cine.

Esta era la alineación de Croacia en la final del Mundial: Subasic; Vrsaljko, Lovren, Vida, Strinic; Brozovic, Rakitic, Rebic, Modric, Perisic; Mandzukic. El apellido de ocho de los 11 jugadores acaba en “ic”. Este sufijo significa “hijo de”, al igual que el “ez” de Nacho Fernández, Saúl Ñíguez y Lucas Vázquez en la selección española.

El historiador y vicepresidente de la Asociación de Diplomados en Genealogía, Heráldica y Nobiliaria, José Luis Sampedro Escolar, explica a Verne por teléfono que los apellidos que incluyen estas fórmulas se llaman patronímicos. “Están muy extendidos por Europa”, dice. Estos son algunos de los patronímicos más importantes, según este experto. Algunos significan “hijo de” y otros “descendiente de”.

• “Ez” en España. Ejemplos: González, Martínez, Ramírez…
• “Es” en Portugal. Ejemplos: Gomes, Peres, Lopes…
• “Ic”, “ich”, “ov” y “ova” en países eslavos o de influencia eslava (como Rusia, Serbia o Croacia): Kalinic, Rebic, Kovacic, Petrov, Romanov…
• “Son” o “sen” en países bálticos y anglosajones (como Reino Unido, Suecia o Noruega): Johnson, Carlson, Rasmussen...
• “Mc”, "Mac" y "O'" en Irlanda. Ejemplos: McDonald, McLaren, O’Donnell, O’Ryan...

Hay otros patronímicos en Europa, como “escu” en rumano -Popescu-, “opoulos” en Grecia -Papadopoulos- u “oglu” en Turquía -Calhanoglu-. “Hay que destacar los patronímicos de los musulmanes y también utilizados por los judíos. El más extendido es Ben”, indica Sampedro. Ben Hassan, Bensoussan o Ben Mohamed son algunos ejemplos. “Benicassim (Castellón de la Plana) significa hijos de Casim”, añade Sampedro. Según este experto, en países como China y Japón también utilizan patronímicos.

En Francia también utilizan patronímicos, pero no se identifican con un prefijo o sufijo concreto. Martín, el apellido más extendido en este país, significa "hijo de Martín". En Alemania, los patronímicos más populares son los de procedencia escandinava (terminados en "sen", como Hansen). La mayoría de los apellidos en este país hacen referencia a profesiones, como el más popular, Müller (que significa "molinero"). El patronímico más utilizado en Italia es la preposición "Di" o "De" -Di Carlo, Di Giovanni, De Rossi...-.

Este mapa del lingüista y matemático Jakub Marian muestra los apellidos más populares en cada país europeo en 2016. En los países en azul, el más extendido es un patronímico. Algunos de los verdes también son patronímicos, pero relacionados con un empleo. "Popovic", en Montenegro, significa "hijo del cura".

El origen de “ez” no está claro. “Posiblemente proceda del vasco”, indica Sampredro. Coincide el presidente de la Asociación de Genealogía Hispana, Antonio Alfaro. “Los patronímicos más extendidos son los acabados en ez, pero Muñoz también lo es (hijo de Muño), al igual que Ortiz (hijo de Ortún) o Sanchís (hijo de Sancho)”, comenta Alfaro.

Los dos expertos aseguran que los patronímicos se empezaron a utilizar en la península ibérica en torno al siglo XI. “Servían para diferenciar a las personas a la hora de recaudar impuestos”, indica Alfaro. Por entonces, el hijo adoptaba el patronímico del padre, de manera que iba cambiando de generación en generación, a no ser que padre e hijo compartiesen nombre. Este sistema, como explicamos en este artículo, se sigue utilizando en Islandia: los hijos adoptan el nombre de los padres como apellidos con el sufijo "son".

“En el siglo XIV se empieza adoptar un mismo patronímico que no cambia de generación en generación. Se elegía el de algún miembro destacado de la familia”, añade Sampedro. Podía ser de hombre o de mujer, según conviniese. Hasta el Concilio de Trento, en el siglo XVI, las parroquias no estaban obligadas a registrar el apellido de las personas que nacían, se casaban y morían. Fue entonces cuando en los países católicos se estableció la obligatoriedad de que el mismo apellido pasara de padres a hijos.

A uno de enero de 2017, últimos datos recogidos por el Instituto Nacional de Estadística (INE), entre los diez apellidos más extendidos en España había ocho terminados en “ez”. Y los otros dos, García y Martín, también son patronímicos según los expertos consultados por Verne: hijo de Garci y de Martín.

Llegados a este punto, parece que todos los apellidos en español son patronímicos, pero no. “Hay otras formas por las que se crean los apellidos. Las más extendidas son por un lugar (Gallego, Medina o Catalán) o un apodo (Rubio, Bravo o Calvo)”, comenta Alfaro.

The Socialist Network - "At the heart of the split between liberals and socialists, at least in theory, is the question of what to do about capitalism. Liberals tend to see it as something that needs to be fixed. Socialists see it as something to be defeated. They say they do, anyway. As we've seen, the Millennial socialist intellectuals aren't really calling for government takeover of industry. Still, their stated opposition to capitalism-as-such has consequences for how we address the problems of the modern economy." (via)

Of course, the relative merits of socialism—and Marxism, Maoism, anarcho-syndicalism, you name it—have been debated in lefty journals and academic circles for a century or more. Members of this new generation, however, aren't just talking among themselves; they're trying to take socialism mainstream. And unlike their predecessors, they have reason to think Americans will take their ideas seriously.

They've got a double challenge. The first is to convince skeptical Americans that, despite what they may have learned in high school, socialism doesn't have to mean Stalinism, and it doesn't lead inexorably to the gulags of Soviet Russia or the starvation of Nicolas Maduro's Venezuela. The second may be even trickier. They must explain how their version of socialism fits, or doesn't, into the American political system while showing how, specifically, it is distinct from traditional Democratic Party liberalism. In other words, they must not only defend socialism in the twenty-first century; they must define it.

An Interview With Cynthia Nixon - "Never in my lifetime have I seen such a hunger for progressive change, both for our people here on the ground and as a way of combating the Trump agenda nationally. The good news is we have the ability to do it here in New York State because we're such a progressive, Democratic bastion. But we haven't. We're going to miss this moment if we don't have a governor who's a progressive leader who will seize this moment and galvanize this appetite for change."

Are You Ready To Consider That Capitalism Is The Real Problem? - "Why do people feel this way? Probably not because they deny the abundant material benefits of modern life that many are able to enjoy. Or because they want to travel back in time and live in the U.S.S.R. It's because they realize—either consciously or at some gut level—that there's something fundamentally flawed about a system that has a prime directive to churn nature and humans into capital, and do it more and more each year, regardless of the costs to human well-being and to the environment we depend on."

What might a better world look like? There are a million ideas out there. We can start by changing how we understand and measure progress. As Robert Kennedy famously said, GDP "does not allow for the health of our children, the quality of their education, or the joy of their play . . . it measures everything, in short, except that which makes life worthwhile."

We can change that. People want health care and education to be social goods, not market commodities, so we can choose to put public goods back in public hands. People want the fruits of production and the yields of our generous planet to benefit everyone, rather than being siphoned up by the super-rich, so we can change tax laws and introduce potentially transformative measures [that] could dethrone capitalism's prime directive and replace it with a more balanced logic, that recognizes the many factors required for a healthy and thriving civilization. If done systematically enough, they could consign one-dimensional capitalism to the dustbin of history.

None of this is actually radical. Our leaders will tell us that these ideas are not feasible, but what is not feasible is the assumption that we can carry on with the status quo. If we keep pounding on the wedge of inequality and chewing through our living planet, the whole thing is going to implode. The choice is stark, and it seems people are waking up to it in large numbers: Either we evolve into a future beyond capitalism, or we won't have a future at all.

If democratic socialism is so bad, why is Norway so great? - "Norway is not some destitute hellscape."

Purposes of a Social Wealth Fund:

1. Redistribute income/wealth from capital (including land) owners to regular folks
2. Automatically insure society against the "rise of the robots" scenario
3. Manage citizens' wealth in a non-predatory way

Guns and Ice Cream - "I've gotten some pushback on the line from my decarbonization piece that 'wartime mobilization did not crowd out civilian production'. More than one person has told me they agree with the broader argument but don't find that claim believable."

I think people are attracted to the idea of wartime austerity because we've all been steeped in the idea of scarcity – that economic problems consist of the allocation of scarce means among alternative ends, in Lionel Robbins' famous phrase. Aggregate demand is, in that sense, a profoundly subversive idea – it suggests that's what's really scarce isn't our means but our wants. Most people are doing far less than they could be, given the basic constraints of the material world, to meet real human needs. And markets are a weak and unreliable tool for redirecting our energies to something better. World War II is the biggest experiment to date on the limits of boosting output through a combination of increased market demand and central planning. And it suggests that, altho supply constraints are real — wartime controls on rubber and steel were there for a reason – in general we are much, much farther from those constraints than we normally think.

Democracy Against Capitalism: Capital in a Fiat Money World - "Beyond the factual reality of a world awash in capital, we don't live in a world of limited money. Money is a commodity created by the state. It isn't pieces of metal, and it isn't limited by how much of the metal there is in government vaults. Government can create all it wants and needs."

World After Capital: Limits of Capitalism (Self-Conservation) - "Toward the end of the Agrarian Age, when land was scarce, the political elites came from land ownership. Their influence really wasn't substantially diminished until after World War II. Now we are at the end of the scarcity of capital, but the political elites largely represent the interests of capital. In some countries, such as China, this is the case outright. Senior political leaders and their families own large parts of industry. In other countries, such as the United States, politicians are influenced by the owners of capital because of the constant need to fundraise."

Individual and corporate lobbying results in policies favorable to owners of capital, such as low capital gains tax rates (or in the case of venture capital and buyout funds the taxation of General Partner profits as capital gains instead of income). Low corporate tax rates with lots of loopholes, including the accumulation of corporate cash in low tax countries is also favorable to owners of capital. So in 2018 we are finding ourselves with some of the lowest corporate tax rates, the highest stock prices and the highest share of profits in national income... The existing political and economic system thus acts to conserve the scarcity of capital past its expiration date.

What determines value? - "I'd argue that the most peoples intuitive sense of 'economic value' still comes back to their sense of which inputs were used. Much like Marx, most people will attribute value to output based on the perceived labor effort that went into producing it. Like the Physiocrats, production that involves extracting or processing raw materials is considered to have value... when people argue for a minimum wage, or a 'living wage', they often appeal to the idea that a hard days work (e.g. the input) grants the work value different from and beyond the dollar value that work earns on the open market. Support for family farms has a similar language of value based on fact that it employs physical labor and - Physiocratic-style - land. It is seen as unfair if this labor and land does not generate a large monetary value, because we assign inherent value to those inputs."

If You Love Capitalism, Worry About Small Business - "Is modern financialized, 'superstar' capitalism destroying capitalism's core support group?"

For centuries, small business has been a route to the middle class and the upper-middle class for the enterprising and the self-reliant. Merchants and craftspeople made up much of the urban middle class in pre-industrial Britain and France — the people Karl Marx labeled the "bourgeoisie."

... What happens when this class shrinks? What happens when business ownership stops being something anyone can do because access to capital isn't something normal people have, but something that only huge mega-corporations control? A possible answer is that capitalism will probably lose some of its broad appeal. Smart, self-reliant young people will be forced to dream not of starting their own business, but of securing a good job at Alphabet (Google) or Wal-Mart or Exxon or JPMorgan Chase. And once in the mindset of relying on a large organization for their future, what's to stop them from turning to an even mightier patron -- the government?

In other words, declining business opportunity may be pushing Americans toward socialism.

Of course, that might not be a bad thing; socialism, of the democratic kind practiced in Western Europe, has much to recommend it. But anyone who wants to preserve capitalism needs to grapple with the issue of big business dominance.

Why Did Hayek Support a Basic Income? - "What makes the coercion of the slavemaster, or the monopolist, so worrisome for Hayek is that it involves the arbitrary imposition of one person's will on another. By contrast, a tax system that is clearly and publicly defined in advance, that imposes only reasonable rates for genuinely public purposes, that is imposed equally upon all, and that is constrained by democratic procedures and the rule of law, might still be constitute interference, but not arbitrary interference."

-An anti-MMT thread.
-Universal Basic Income Is Not the Solution to Poverty
-'Give People Money' and 'The War on Normal People' Review: The Cure for Poverty?

Why Marx's Capital Still Matters - "Capitalists start the day with a certain amount of money, take the money into the marketplace and buy some commodities like means of production and labor power, and put them to work in a labor process that produces a new commodity. That new commodity is sold for money, plus a profit. Then the profit is redistributed in various ways, in the form of rents and interest, and then it circulates back into that money, which starts the production cycle again. It's a circulation process. And the three volumes of Capital deal with different aspects of that process."

The Left should be working on a politics in which we say, "we welcome artificial intelligence and automation, but they should give us much more free time." One of the big things Marx does suggest is that free time is one of the most emancipatory things we can have. He has a nice phrase: the realm of freedom begins when the realm of necessity is left behind. Imagine a world in which necessities could be taken care of. One or two days a week working, and the rest of the time is free time.

Now, we've got all of these labor-saving innovations in the labor process, and also in the household. But if you ask people, do you have more free time than you once had? The answer is, "no, I have less free time." We've got to organize all of this so that we actually have as much free time as possible, so that if it's Wednesday at five o'clock, you can go do whatever you want. This is the kind of imagination of a society that Marx has in mind. And it's an obvious idea.

Consider the Lichen - "Biological scalability is the ability to support a larger, denser, and/or wealthier population in a given ecosystem."

Recuperamos desta volta unha cartografía promovida á altura de 1047 pola raíña Sancha I para a educación dos seus fillos. Recóllese o Iberus (actual río Ebro) como fronteira divisoria entre Gallecia, denominación do reino cristián peninsular, e...

The Handmaid’s Tale, Game of Thrones, SNL, and Westworld lead the pack.

The 2018 Emmy nominations have arrived. On Thursday, July 12, the nominees for the 70th annual Primetime Emmy Awards were announced by The Handmaid’s Tale actress Samira Wiley and actor Ryan Eggold.

The Emmys focus their recognition exclusively on television, with the major awards divided into separate categories for comedy and drama.

As expected, in the drama categories, the 2018 nominations included several nods for 2017’s big winner, The Handmaid’s Tale. As a freshman series, the grim, dystopian adaptation of Margaret Atwood’s novel took home several awards last year, including Outstanding Drama Series, Outstanding Writing in a Drama series, and Outstanding Lead Actress in a Drama Series for Elisabeth Moss, who won an Emmy for the first time after seven previous nominations.

The show, which just finished its second season on Hulu, easily made the cut for 2018, nabbing 20 nominations overall. Once again, it’s in the running for Outstanding Drama Series, alongside other popular and critically acclaimed hits like Game of Thrones, This Is Us, and The Americans.

Overall, the most-nominated dramas are Game of Thrones and Westworld, which each have 22 nominations when you include the awards’ technical categories. Game of Thrones is newly returned to the Emmys race; after winning Outstanding Drama in 2016 for its sixth season, the HBO powerhouse drama was not eligible for the 2017 Emmys because season seven didn’t air within the eligibility period. Now that it’s back in the running, some of its other nods for 2018 include Lena Headey for Supporting Actress, Nikolaj Coster-Waldau and Peter Dinklage for Supporting Actor, and Diana Rigg for Guest Actress.

The Emmy voters also looked kindly upon the second seasons of Stranger Things and This Is Us, nominating both series for Outstanding Drama Series. And while acclaimed new series Killing Eve was overlooked in several categories, its star Sandra Oh, who was beloved as Grey’s Anatomy’s Cristina Yang, made history by becoming the first Asian woman to be nominated for Lead Actress in a Drama Series.

On the comedy side, the nominations field was a crowded one, with eight series vying for the main prize. For the first time in years, the reigning champ Veep is missing, because the show’s final season has been delayed while its star, Julia Louis-Dreyfus, was undergoing treatment for cancer (filming is expected to resume next month). Veep has won Outstanding Comedy Series three years in a row, while Dreyfus has swept Lead Actress in a Comedy Series since 2012.

Among new contenders for the Outstanding Comedy Series throne is the Golden Globe-winning The Marvelous Mrs. Maisel. The acclaimed Amazon series from Gilmore Girls creator Amy Sherman-Palladino has been praised for its style and joy. Its star Rachel Brosnahan, who earlier this year won the Golden Globe for Best Actress – Television Series Musical or Comedy and the Critics’ Choice award for Best Actress in a Television Comedy. Brosnahan picked up an Emmy nod for Best Actress in a Comedy, and the show snagged another three supporting and guest acting nominations.

Maisel is up against the second season of Donald Glover’s Atlanta, which Vox critic at large Todd VanDerWerff has already deemed one of the best shows of this year. The first season of the FX series was nominated for Outstanding Comedy Series last year, and while it lost the crown to Veep, Glover — who both created the series and stars in it — won the Emmy for Lead Actor in a Comedy Series. This year Atlanta earned repeat nominations in both categories, as well as three other nods in acting categories. The 2018 comedy field also includes HBO’s buzzy upstart Barry and the second season of the Netflix wrestling comedy Glow.

The 2018 Emmy Awards show will air live on Monday, September 17, on NBC. Saturday Night Live’s Colin Jost and Michael Che will host the broadcast.

Here are the nominees in all the awards’ major categories. For the complete list, visit the Emmys’ website.

Outstanding Comedy Series

Atlanta

Barry

Black-ish

Curb Your Enthusiasm

Glow

The Marvelous Mrs. Maisel

Silicon Valley

Unbreakable Kimmy Schmidt

Outstanding Drama Series

The Americans

The Crown

Game of Thrones

The Handmaid’s Tale

Stranger Things

This Is Us

Westworld

Lead Actor in a Limited Series or Movie

Antonio Banderas, Genius: Picasso

Darren Criss, The Assassination of Gianni Versace: American Crime Story

Benedict Cumberbatch, Patrick Melrose

Jeff Daniels, The Looming Tower

John Legend, Jesus Christ Superstar

Jesse Plemons, Black Mirror: USS Callister

Lead Actress in a Limited Series or Movie

Jessica Biel, The Sinner

Laura Dern, The Tale

Michelle Dockery, Godless

Edie Falco, Law and Order True Crime: The Menendez Murders

Regina King, Seven Seconds

Sarah Paulson, America Horror Story: Cult

Lead Actor in a Comedy Series

Anthony Anderson, Black-ish

Ted Danson, The Good Place

Larry David, Curb Your Enthusiasm

Donald Glover, Atlanta

Bill Hader, Barry

William H. Macy, Shameless

Supporting Actor in a Comedy Series

Brian Tyree Henry, Atlanta

Henry Winkler, Barry

Louie Anderson, Baskets

Alec Baldwin, Saturday Night Live

Kenan Thompson, Saturday Night Live

Tony Shalhoub, The Marvelous Mrs. Maisel

Tituss Burgess, Unbreakable Kimmy Schmidt

Lead Actress in a Comedy Series

Pamala Adlon, Better Things

Rachel Brosnahan, The Marvelous Ms, Maisel

Allison Janney, Mom

Issa Rae, Insecure

Tracee Ellis Ross, Black-ish

Lily Tomlin, Grace and Frankie

Supporting Actress in a Comedy Series

Zazie Beetz, Atlanta

Laurie Metcalf, Roseanne

Betty Gilpin, Glow

Aidy Bryant, Saturday Night Live

Leslie Jones, Saturday Night Live

Kate McKinnon, Saturday Night Live

Alex Borstein, The Marvelous Mrs. Maisel

Megan Mullally, Will & Grace

Lead Actor in a Drama Series

Jason Bateman, Ozark

Matthew Rhys, The Americans

Sterling K. Brown, This Is Us

Milo Ventimiglia, This Is Us

Ed Harris, Westworld

Jeffrey Wright, Westworld

Supporting Actor in a Drama Series

Nikolaj Coster-Waldau, Game of Thrones

Peter Dinklage, Game of Thrones

Mandy Patinkin, Homeland

David Harbour, Stranger Things

Matt Smith, The Crown

Joseph Fiennes, The Handmaid’s Tale

Lead Actress in a Drama Series

Sandra Oh, Killing Eve

Tatiana Maslany, Orphan Black

Keri Russell, The Americans

Claire Foy, The Crown

Elisabeth Moss, The Handmaid’s Tale

Evan Rachel Wood, Westworld

Supporting Actress in a Drama Series

Lena Headey, Game of Thrones

Millie Bobby Brown, Stranger Things

Vanessa Kirby, The Crown

Ann Dowd, The Handmaid’s Tale

Yvonne Strahovski, The Handmaid’s Tale

Alexis Bledel, The Handmaid’s Tale

Thandie Newton, Westworld

Outstanding Reality Competition Series

The Amazing Race

American Ninja Warrior

Project Runway

RuPaul’s Drag Race

Top Chef

The Voice

Outstanding Variety Sketch Series

At Home with Amy Sedaris

Drunk History

I Love You America with Sarah Silverman

Portlandia

Saturday Night Live

Tracey Ullman’s Show

Outstanding Variety Talk Series

The Daily Show with Trevor Noah

Full Frontal with Samantha Bee

Jimmy Kimmel Live

Last Week Tonight with John Oliver

The Late Late Show with James Corden

The Late Show with Stephen Colbert

Outstanding Limited Series

The Alienist

The Assassination of Gianni Versace: American Crime Story

Genius: Picasso

Godless

Patrick Melrose

Fortnite is the most important video game on the planet. Fortnite is successful like no other game before it for a few reasons. This is interesting even to non-gamers. The NYMag article explains the technical and social reasons for the game's popularity.

Technical reasons:
* It is cheap and free on some platforms.
* It is entirely portable and transferable between devices (kids can start the day playing on their console then play on a mobile device at school).
* Players can interact with players on different consoles and platforms as well.
* Fortnite is built by Epic on Epic's Unreal Engine, which is code licensed to a variety of developers. Fortnite thus has a sort of home court advantage in leveraging the code.
* Fortnite took the best of gameplay of other games but gave it a friendly cartoon-ish look, not unlike Ingress and PokemonGo.
* The gameplay is a combination of harvesting a la Minecraft and a traditional first person shooter with the excitement of team play.
* The game is, surprisingly, inconsistent. Epic changes aspects of the game environment in real time, which a big enough space that the game is not disrupted.

Social reasons:
* Fortnite is a lot like social media. The social world of Fortnite is constantly going on, creating a sense of FOMO in players, not unlike social media.
* Young people love to talk about Fortnite and bring aspects of the game, especially the dances, into their "real life."
* It is quantified - for young people raised on likes and , racking up numbers on Fortnite is a logical extension.
* Its popularity rose with the growth of streaming sites like Switch and game streaming on YouTube that has created Fortnite celebrities who are "regular people" which appeals to young players.
* "Real" celebrities like this game too, adding to its popularity.

Fortnite on the blue previously [1] [2] [3] [4]

Last week, the internet excitedly rallied around a Twitter thread documenting what seemed like a perfect airplane meet-cute: after Rosey Blair switched seats with a woman in order to sit next to her boyfriend, the woman struck up conversation with the man who was then sat next to her. The two appeared to hit it off. They had a lot in common, both appeared to be single and attractive, etc. etc. Blair and her boyfriend eavesdropped on their conversation, and shared snippets and images of the two secretly taken from behind for the duration of the flight.

The thread went viral. The man, a former soccer player, went on talk shows and capitalized on the attention with Instagram posts as well as vague tweets about the two of them. Blair similarly continued tweeting about #PlaneBae, shared her interest in a job at Buzzfeed, and more. The woman at the center of this, who attempted to stay private (Blair had hid their faces in her post, but people were quick to find them), had her name, social media, private information outed and had to close down all her accounts because of harassment and doxxing. Based on one of Blair’s tweets, which suggested the two had gone to the bathroom together, the woman’s Instagram comments were filled with accusations, crude insinuations, and derogatory words.

The story was no longer cute or fun. It was not cute or fun in the first place. After intense backlash, fueled even more by a video where Blair and her boyfriend tease the fact that the internet is “sneaky” although they didn’t get the woman’s “permish”, Blair finally deleted the posts and apologized for the ordeal.

Now, the #PlaneBae woman has spoken out for the first time. “#PlaneBae is not a romance”, she writes, “it is a digital-age cautionary tale about privacy, identity, ethics and consent.” Her statement in full at Business Insider reads:

“I am a young professional woman. On July 2, I took a commercial flight from New York to Dallas. Without my knowledge or consent, other passengers photographed me and recorded my conversation with a seatmate. They posted images and recordings to social media, and speculated unfairly about my private conduct.

Since then, my personal information has been widely distributed online. Strangers publicly discussed my private life based on patently false information. I have been doxxed, shamed, insulted and harassed. Voyeurs have come looking for me online and in the real world.

I did not ask for and do not seek attention. #PlaneBae is not a romance – it is a digital-age cautionary tale about privacy, identity, ethics and consent.

Please continue to respect my privacy, and my desire to remain anonymous.”

#PlaneBae reveals the privacy violations that can happen when online media is more focused on virality and content than actual people. Several voices have since weighed in, including Monica Lewinsky who shared the original story. Lewinsky has since apologized for amplifying it, saying she “know[s] better than anyone” how a sudden, overwhelming amount of attention and scrutiny can feel. It’s terrifying and awful, and it’s a reminder not only for those of us in media (I know I have made my mistakes)—but also for those of us who consume it—to consider the impact that a seemingly innocent “share” can have.

(via Business Insider, image: Jason O’Halloran on Flickr)

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Solo un día después de que el Gobierno del socialista Pedro Sánchez haya anunciado que asumirá los trabajos para recuperar los cadáveres de los asesinados por el fascismo, voluntarios de la Asociación por la Recuperación de los Desaparecidos en el Franquismo (ARDF) han hallado en la mayor fosa común de Galicia los primeros restos de represaliados de la Guerra Civil. Los huesos desenterrados en el municipio coruñés de Aranga este jueves, con signos evidentes de ejecución, son el fruto de siete años de investigación y el ejemplo de las dificultades que han padecido los colectivos de recuperación de la memoria histórica durante los gobiernos del PP.

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En 1917, cento e un anos van alá, a Asociación de Hostaleiros e Fondistas de Galicia editou a que, seguramente, é a primeira guía para o turista que visita o noso país. A Asociación, creada en xaneiro dese ano de 1917, viña funcionando, de...

Este deporte por equipos creado y practicado por mujeres, se caracteriza por el asamblearismo, la autogestión, por promover la diversidad corporal y ser transinclusivo. Conocemos a las jugadoras del Barcelona Roller Derby, un equipo de referencia que no cuenta con apoyo institucional ni lo espera: “No somos lo que ellos quieren, somos mujeres fuertes, tatuadas que se dan de hostias”.

We've partnered with Ajinomoto Co. Inc. to celebrate our favorite taste—umami—with a series that digs into its history, its complexity, and its many, many culinary applications. Here, we’re exploring the umami-rich seasoning MSG.

Whether you realize it or not, odds are you've probably tried MSG—or at the very least you've heard the acronym, which stands for monosodium glutamate. The savory flavor enhancer is in all sorts of foods, from ones you could find at the bodega, like Doritos and Goldfish (yup!) to fancy restaurant dishes. It's a pantry staple for home cooks around the world and star chefs alike, and yet it's a subject of skepticism as brands and restaurants promote "no MSG." Demonized by some, it's gained a cult-like adoration among others.

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Many of our social media networks are bullshit. Sure, we can use them to maintain relationships with those we care about and might not interact with as easily otherwise. But often we just accumulate contacts, then never engage them. One study showed, for instance, that university students could only recognize, on average, 72 percent of their Facebook friends. Yet for some, losing a contact, even if it is only an acquaintance with whom they never really interact, can feel like a serious emotional blow. This may seem irrational, given how shallow these networks are. But it turns out there strong reasons why losing followers can, in some cases, sting so badly.

Social media friends and followers are not entirely frivolous, explains Wesleyan University social psychologist Kip Williams. They are just one of many ways that we build our sense of inclusion in wider social systems, and through that, often a sense of our self-worth. Losing followers or friends online, Williams says, “affects people much like any form of rejection, ostracism, or exclusion.” That is to say, it has the potential to cause us pain, challenge our self-esteem, and sense of control. All of us, Williams adds, may feel some negative effects if we notice that we are losing social media connections. But the valence of that reaction varies by personal and social context.

Unsurprisingly, the limited research that exists on social media psychology suggests people most often feel upset when someone they have, or recently had, a close real-world bond with unfollows or unfriends them. This is especially true when that close unfollower did not give the unfollowed party a heads up, or try to talk through any interpersonal tension before doing so. Such a sudden digital severance often reads as a profound act of passive aggression or conflict aversion. But even if the unfollowed party does get prior notice, that unfollow can be a sad reminder of a fractured bond.

These unfriending dynamics actually seems to be fairly rare, though. Christopher Sibona, a University of North Carolina at Wilmington professor who studies social networks and the dynamics of Facebook unfriending put out a study in 2014 which was based on survey of 1,077 Facebook users. He found that people are mostly likely to chop their old high school friends on social media, followed by casual acquaintances, friends of friends, and work friends—people with whom they likely do not have strong real-life bonds.

That study also found that when people were unfriended on Facebook, their most common reaction was surprise; their third-most-common reaction was amusement. This and subsequent research leads Sibona to the (unsurprising) conclusion that, for the average social media user, “if you are unfriended by someone you don’t know, then you tend not to be negatively affected.”

But that just describes the average social media user. Some people have a higher need for signs of social belonging than others, notes Williams. Some of us also depend more than others on their social media networks for their sense of social value and belonging, adds Larry Rosen, an expert on the psychology of the digital world at California State University. These people may be hypersensitive to friend or follower count fluctuations.

This general profile seemingly accords with research conducted on 547 Facebook users in 2011 by Jennifer Bevan, a social media expert at Chapman University, that showed that more active and engaged Facebook users took unfriendings harder. Bevan also found that those who know who unfriended them were more likely to react negatively. Sibona’s research suggests, he says, that the people most likely to know that detail are those who keep a close watch on their friend counts and (using simple social media tools) identify every lost follower.

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More from Tonic:

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For these people, losing any follower, even an acquaintance, may mean losing what they perceive as quantifiable social status that they use to validate themselves. If they share personal aspects of their lives online and take great care to curate their ideal image of themselves, any unfriending may feel like a critique of or a slight to their personal identity as well.

We might characterize these types, as the business psychologist Tomas Chamorro-Premuzic recently did in a conversation with me, as “insecure people with unstable self-esteem.” But they may have some valid reason to feel hurt by any unfriending or unfollowing. In real life, when we don’t want to be connected to someone in our peripheral orbit, we can just avoid them, or drift away painlessly. Disconnecting on social media by unfollowing or unfriending involves a clear and public act of rejection. That rejection may be especially noteworthy now that sites allow us to mute people we don’t want to see on our feeds. If one chooses to unfriend rather than mute someone in their digital sphere, that can read as a rare, blunt act of personal rejection.

People also appear, based on the few existing studies on the subject, to unfriend those who initiated a digital connection with them. And they tend to disconnect with people they don’t have direct personal conflicts with, according to Sibona’s findings, because they believe their posts are too mundane or offensive. Tales of people losing followers due to controversial or dull posts are so common that social media obsessives have reason to take an unfollow as an indictment of the digital identity they’ve so meticulously constructed and presented to the wider world.

This may explain why muting a social media contact seems to be more popular than unfriending or unfollowing. It accomplishes the goal of removing an individual from one’s digital life without sending a harsh, deliberate, public message that could bruise a fragile ego. That could risk, Rosen notes, a negative response like—in the extreme—digital trolling or physical stalking.

There are still many reasons to unfriend someone, though. Sibona notes that work policies may require it, for instance. In that case, experts recommend reaching out to the soon-to-be-defriended party to let them know why a tie is being severed to blunt any possible collateral emotional hit. In instances where someone is threatening one’s mental health or sense of safety in a way that muting would not solve, though, this courtesy need not apply; we all need to take care of ourselves.

It's unclear how many people are so sensitive about their digital social capital that unfriending them would hurt. As Bevan notes, research on this topic is surprisingly anemic: Most of the studies cited in this piece are based on at least five-year-old data—so it predates the muting option on most sites and thus may underestimate the impact of an unfollowing or unfriending. No one I spoke to was aware of studies that have compared reactions to different forms of digital disconnection across social media platforms, or on one platform over time, either. So we don’t know if any elements of sites exacerbate this sensitivity or not.

But we do know there are valid reasons why people may feel hurt by losing even a peripheral follower or friend. That may seem odd or irksome to those who want to prune our friend or follower lists with impunity and without the fear of hearing that someone they cut from their rolls is offended. And it may be wise for these people to build up a little more resilience against this sensitivity; Williams encourages friend or follower watchers to try to focus more on their close friendships rather than numbers.

However, it is likely inevitable that so long as people crave social connection and self-worth, they will channel those desires into social media conduits, and react with predictable sensitivities. So we might as well accept this reality, and the all too human forces that underscore it, and approach our social media friend and follower lists with as much, if not more, consideration and kindness as we do our real-life networks.

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expedientes desclasificados | incluido en agente provocador nº7

Furia, ardor y violencia. Así fueron las sorprendentes mujeres futuristas, una generación de artistas radicales y librepensadoras que levantó la bandera de la demolición absoluta

Furia, ardor, violencia, movimiento y acción fulminantes. El futurismo de los inicios tenía un impulso utópico hacia una nueva forma de vivir y de entender la vida. «El arte, efectivamente, no puede ser más que violencia, crueldad e injusticia», sentenciaba el italiano Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944), poeta, dramaturgo y fundador del futurismo. La poética marinettiana se basaba en el valor, la audacia y la rebeldía, en los deseos de destruir lo establecido y lo anacrónico. Sus postulados, piedras arrojadas por tirachinas, fueron saltando de país en país hasta convertirse en un movimiento internacional que transcendió el espacio poético y literario, impregnando la pintura, la escultura, la fotografía, el teatro, la música, la arquitectura, las artes tipográficas y, cómo no, la política.

A partir de 1909, en varias ciudades italianas se comenzaron a organizar las veladas futuristas, en las que se creaba música experimental noise, se daba lectura a manifiestos, versos libres y, más tarde, a las palabras en libertad (parole in libertà): poemas onomatopéyicos desinhibidos, liberados de la sintaxis y la puntuación, y con una tipografía que rompía con el orden compositivo clásico. Era un auténtico asalto al lenguaje, como puede comprobarse al leer el Manifiesto técnico de la literatura futurista (1912) de Marinetti. No obstante, Rimbaud, Novalis, Rosalía de Castro o Walt Whitman, por ejemplo, ya practicaban el verso libre antes de que lo hiciese el futurismo.

«Las seratas o veladas acababan en peleas violentas. “¡Vuestro servilismo es repulsivo!, gritaban los futuristas a la multitud espectadora mientras se lanzaban contra un público cabreado»

Las seratas o veladas acababan en peleas violentas. «¡Vuestro servilismo es repulsivo!», gritaban los futuristas a la multitud espectadora mientras se lanzaban contra un público cabreado. Era una escena usual ver a Marinetti en compañía de Carrà, Boccioni, Russolo, Balla y el poeta Armando Mazza (corpulento y boxeador) en plena refriega antiburguesa, proponiendo a anarquistas y sindicalistas socialistas revolucionarios una alianza subversiva. Casi siempre acababan detenidos. El óleo de Carlo Carrà El funeral del anarquista Galli, de 1911, obra cumbre de la pintura futurista, plasma el ambiente encendido que se vivía.

Marinetti visitó muchas ciudades europeas y varios países de América Latina. En cada velada, organizada en los teatros, las universidades y las calles, exaltaba la vida frente a la monotonía y el aburrimiento, no dejaba de atacar a la Iglesia para reclamar todas las libertades, desde el amor libre hasta la abolición de la familia y del Gobierno democrático burgués, y, por supuesto, haciendo apología del combate y de la guerra de clases contra el orden imperante.

Leda Rafanelli

«¡Enarbolando la bandera negra de la rebelión, convocamos a todos los seres humanos vivos que no han sido entumecidos por el aliento venenoso de la civilización! ¡¡Muerte a la civilización mundial!»

Manifiesto anarcofuturista ruso, Colectivo Kharkov, 14 de marzo de 1919

Hubo una fuerte confluencia entre el anarquismo y el futurismo de la primera etapa, en Italia y en otros países, aunque posteriormente sus caminos se separaron por ser antagónicos. Marinetti y la mayor parte del staff futurista italiano dejaron el anarquismo atrás y se convirtieron en la avanzadilla teórica del Duce, propagaron la participación de Italia en la Primera Guerra Mundial y marcharon al frente de batalla, como hicieron también Gabriele D’Annunzio y Benito Mussolini.

En Anarchia e Futurismo, el parmense Renzo Provinciali (1895-1981), reconocido artista y abogado anarquista, se preguntaba:

«¿Es posible que, de manera coherente, pueda promoverse una guerra mortal a toda clase de autoridad política, civil, religiosa y militar, a cuanto sea convencionalismo, prejuicio, explotación o injusticia, cuando se quiere fomentar un arte y un pasado que no sea la exaltación, la apoteosis de todo lo que quieres destruir en tu vida?

¿Es posible que los anarquistas conserven en el arte todo cuanto quieren destruir en la vida, y es posible que perturben, destruyan un mundo nuevo, libre y purificado, a costa de un arte antiguo maloliente y ahorcador?

¡Sería un anacronismo absurdo e injustificado!...

¿Y es posible, por último, que los anarquistas no sean futuristas? ¡O, nunca! ¡Lo creo, lo espero!» (La Barricata, 1912). 

Otro prestigioso anarcofuturista, Gian Pietro Lucini (1867-1914), el poeta antimilitarista y anticlerical milanés, uno de los grandes innovadores de la poesía italiana, arremetía contra la mediocridad social en «Delli imbecilli» (en su obra Revolverate de 1909 prologada por Marinetti). «[…] He visto a los Imbéciles literatos, desinhibidos por sus tonterías. He visto al Imbécil en el Finimondo, a los Imbéciles políticos, estadistas y arenga-pueblos, descarados e imprudentes, tontos y paralizados. […] Es la nueva balada en honor de los Imbéciles de todos los países».

Por su parte, Renzo Novatore (1890-1922), que fue asesinado por los carabinieri, postulaba, con sus actos, la expropiación, la deserción de la guerra y el rechazo al trabajo asalariado. Desde el inicio se implicó en el colectivo anarco-futurista en La Spezia para actuar con el grupo antifascista militante Arditi del Popolo. En el famoso opúsculo nilihista, Verso il nulla creatore (1921) afirma: «La revolución es el fuego de nuestra voluntad y la necesidad de nuestras mentes solitarias; es una obligación de la aristocracia libertaria: crear nuevos valores éticos, crear nuevos valores estéticos […] comprendemos y sabemos que la revolución es una necesidad de la tristeza silenciosa que se sufre en la base y una necesidad de los espíritus libres que sufren en las cumbres». (1)

Valentine de Saint-Point (1914). Agence Meurisse / Bibliothèque Nationale de France

En el resto de los países europeos y latinoamericanos, fascismo y futurismo nada tuvieron que ver, al contrario, fueron antagónicos. La explosión del futurismo ruso emergió y se desvaneció iluminada por la estela revolucionaria, con Vladimir Mayakovski «revolviendo / la mierda / petrificada / de ayer». En España, el futurismo tenía en su nómina incipiente a Ramón Gómez de la Serna y el movimiento basculaba hacia la radicalidad del ultraísmo, pero uno de sus máximos adalides siguió el ejemplo de Italia: el madrileño Ernesto Giménez Caballero (1899-1988). Él fue el teórico del fascismo y de la Falange española, aunque durante la posmodernidad (Transición) se esforzaran sobremanera en lavarle la imagen. 

El Manifiesto Futurista de Marinetti era incendiario. Los futuristas estaban deslumbrados por la tecnología moderna, por la velocidad, las máquinas y la guerra, «queremos glorificar la guerra —la única higiene del mundo—, el militarismo, el patriotismo, el gesto destructor de los anarquistas, las bellas Ideas por las cuales se lucha y se muere». También animaban a destruir los templos de la cultura, los museos y las bibliotecas. Creían en el progreso «porque es movimiento, vida, lucha, esperanza» pero desestimaban a las mujeres: «queremos glorificar... el desprecio a la mujer», (Marinetti, «Le Futurisme», Le Figaro, París, 20 de febrero de 1909).

LA OTRA MITAD DEL FUTURISMO

El futurismo fue uno de los movimientos artísticos, políticos y vitales que iniciaron el siglo XX (cronológicamente, el primero) con una mayor pertenencia de mujeres creadoras, aunque a día de hoy sigamos leyendo en investigaciones aparentemente rigurosas que era un movimiento netamente masculino. Evidentemente, no todas las artistas tuvieron la misma visibilidad y notoriedad, destacando las futuristas rusas que irrumpieron con una fuerza espectacular.

Las creadoras futuristas y constructivistas rusas (luego, soviéticas) fueron muchas e irrumpieron en el hervidero creador revolucionario con exhuberancia y con multiplicidad, sobre todo en la pintura, el grafismo y el arte textil. Olga Rozanova, pintora, grabadora, diseñadora y poeta, fue una de las pioneras; Malevich llegó a manifestar, provocando una gran polémica, que, entre todos, ella era «la única verdadera suprematista»; abundó en la poética de la anarquía en el arte, publicando sus teorías en el periódico Anarchy. A Natalia Goncharova se debe la puesta en escena y el diseño de vestuario de los Ballets Rusos de Serguei Diaghilev. Varvara Stepanova, dando carpetazo a la rancia tradición pictórica, declaraba que «el museo como lugar de conservación de ese objeto único [el cuadro] se convierte en un depósito de archivos». Alexandra Exter (Ekster) destacó como pintora, escenógrafa y diseñadora de moda. A Liubov Popova la llamaban la «artista-constructora» por sus innovaciones respecto a la forma, el espacio y los materiales. Nadezhda Udaltsova es otra gran pintora olvidada.

Olga Rozanova (1900)

«La puesta en escena de los futuristas italianos, imbuida de militarismo y misoginia, fue respondida dentro de sus filas por las propias mujeres que lo componían»

Por el contrario, las futuristas italianas, pese a ser más de una treintena, quedaron eclipsadas por el falocentrismo de sus colegas, a excepción de unos pocos nombres: la poeta Ada Negri, Rosetta Amadori (pintora que influyó en la pintura pop), Benedetta Cappa (pintora y escenógrafa), Růžena Zátková, quien vivió en Italia aunque tenía origen checo e hizo su incursión en la pintura polimatérica y la escultura cinética, Tina Cordero, directora de Velocidad (1930), una obra maestra del cine futurista…

La puesta en escena de los futuristas italianos, imbuida de militarismo y misoginia, fue respondida dentro de sus filas por las propias mujeres que lo componían.

Primero, por la artista multifacética francesa Valentine de Saint-Point (1875-1953), que escribió en 1912 el Manifiesto de la Mujer Futurista como respuesta al Manifiesto Futurista de Marinetti. Valentine, sobrina-nieta del poeta Alphonse de Lamartine, fue coreógrafa, periodista, pintora, modelo de muchos de cuadros de Alphonse Mucha y Auguste Rodin, y ponía en escena sus propios poemas con danzas geométricas desinhibidas y diseños de vestuario griegos. Creía en la fusión total de todas las artes. En Nueva York y otras ciudades la aclamaban a rabiar. Estuvo viviendo en España en 1916, huyendo de la Primera Guerra Mundial, en una comunidad artística barcelonesa, donde estaba Picabia. Interesada por la cultura egipcia y árabe vivió en Líbano y El Cairo, donde murió.

El Manifiesto de la Mujer Futurista de Saint-Point sorprende por su olvido (inédito en castellano hasta publicarlo La Linterna Sorda, Mina Loy. Futurismo Dadá Surrealismo). Al leerlo se percibe la libertad visionaria ante un mundo en guerra que se desploma y el protagonismo de la mujer en la ruptura con el orden social caduco. En el Manifiesto, Saint-Point afirma: «La humanidad es mediocre. La mayoría de las mujeres no son ni superiores ni inferiores a la mayoría de los hombres. Somos iguales. Todos merecemos el mismo desprecio»; reivindica el ideal de mujer guerrera, las Amazonas y las Furias, modelado por el principio de la naturaleza andrógina que funde lo femenino y lo masculino; rechaza el feminismo como movimiento político (entonces, entendido por muchos sectores radicales como un movimiento reformista que solo pedía el voto de la mujer y no la emancipación total femenina) al considerarlo «simplista» e incapaz de producir el desorden y la destrucción del sistema parlamentario europeo deseados por el futurismo, desde la óptica anarquista que impregnaba su ideario inicial.

El machismo (Marinetti reiteraba en 1910 «el desprecio a la mujer», «concebida como un juguete trágico», «la mujer es un animal maravilloso») y el belicismo acabaron por borrar de las filas futuristas a otra de las creadoras que brillaban con luz propia, Mina Loy. 

Valentine de Saint-Point (1914). Agence Meurisse / Bibliothèque Nationale de France

«No puede haber medias tintas—rascar la superficie de la basura de la tradición, NO lo logrará la Reforma, el único método es la Demolición Absoluta»

No, no es Myrna Loy, sino Mina. Es tan desconocida hoy día que se confunde su nombre con el de la famosa actriz de Hollywood de 1930. Mina, considerada como una de las artistas más originales de su generación, nació con el nombre de Mina Gertrude Lowy, en 1882 y en Londres; murió en 1966 en Aspen, Colorado. Se convirtió en ciudadana norteamericana en 1946. La desaparición del poeta y boxeador anarquista, Arthur Cravan, su amado compañero, la sumió en una profunda depresión que arrastró durante toda su vida. De una belleza sorprendente, que mantuvo hasta su muerte, fue pintora, creadora de obras conceptuales con objets trouvés, dramaturga, inventora, diseñadora, agente de artistas (Dalí, de Chirico, Braque, Ernst, Gris, Magritte) y, sobre todo, autora de poemas «asombrosos», que cautivaron a T. S. Eliot, Ezra Pound, James Joyce, o a sus amigas Gertrude Stein e Isadora Duncan.

Como poeta introdujo en sus textos los versos libres, los epigramas, los poemas en prosa y el lenguaje «liberado» sin signos de puntuación. Escribía sobre el cuerpo y la sexualidad femenina con un estilo abierto, franco, eludiendo el sentimentalismo; por este motivo fue etiquetado como obsceno por el puritanismo de la época, sufriendo censura por ello. Su poema sobre el acto físico del parto es casi único en el mundo; al parecer, solo una poeta japonesa ha escrito otro poema sobre el alumbramiento de una nueva vida.

La escritora descubre el futurismo durante su estancia en Florencia en 1913. A los pocos meses de escribir su entusiasta Aforismos sobre el Futurismo, redacta uno de sus escritos emblemáticos, el Manifiesto Feminista (1914), a modo de desahogo y ruptura con dicho movimiento, haciendo constar que, como mujer, no había futuro en el futurismo italiano. La guerra europea y la «guerra de sexos» son elementos decisivos para que la escritora les abandone, alegando que Marinetti y sus colegas eran poco coherentes con lo que pensaban y cómo luego actuaban. Mina Loy era amiga de Carrà y acabó enredada en un triángulo amoroso que resultó destructivo. Estuvo con Marinetti —Loy reconocía lo estimulante que le resultaba la relación con él— pero, al mismo tiempo, se enamoró de Papini y este último rompió pronto el idilio con ella. En la revista Others (1915) Loy publicó Love Songs, poema donde alude a estas relaciones eróticas, ampliado posteriormente en Songs to Joannes, y tratado después de forma caricaturizada en Lion’s Jaws y Giovanni Franchi.

Mina Loy escribió el Manifiesto Feminista en Florencia, el 15 de noviembre de 1914. Envió el manuscrito por carta a su amiga Mabel Dodge Luhan. En vida de Loy este texto no llegó a publicarse y, en castellano, ha permanecido inédito hasta ahora, que ha sido traducido y publicado en el libro Mina Loy. Futurismo Dadá Surrealismo. El ideario de Emma Goldman, su admirada amiga, inspiró buena parte del enfoque del Manifiesto. Así arranca:

«Mujeres si queréis realizaros—os encontráis en víspera de una convulsión psicológica devastadora—todos vuestros complacientes engaños han de ser desenmascarados—¿estáis preparadas para el Esfuerzo—?

No puede haber medias tintas—rascar la superficie de la basura de la tradición, NO lo logrará la Reforma, el único método es la Demolición Absoluta».

Mina Loy

También sugiere destruir la virginidad por medios quirúrgicos para hacer desaparecer una de las razones del sometimiento femenino, la noción del concepto «Mujer» en función de su sexualidad y de su pureza virginal. Esta idea fue retomada posteriormente por el filósofo francés Michel Foucault en sus estudios sobre la sexualidad.

Leda Rafanelli (1880-1971) fue otra contestataria del futurismo italiano. En relación con la guerra, el compromiso antimilitarista de Leda era constante y, aunado a su feminismo libertario, criticaba el papel social y económico de la mujer italiana, afirmando: «a medida en que al cabeza de la casa, el hombre joven, fuerte [...], lo van matando, la mujer, emancipadísima, ha invadido los talleres, producidos por y para la guerra. ¡Qué progreso!...».

Leda, conocida como «la gitana anarquista», resultó ser una de las figuras más destacadas del movimiento anarquista italiano de las primeras décadas del siglo XX. Perteneciente a la Primera Internacional obrera, escritora autodidacta pero muy reconocida, impresora y tipógrafa, sin embargo, a Leda Rafanelli se la conoce vagamente no por sus méritos, sino por haber sido «amante» de Benito Mussolini, cuando, en 1913, este era el joven director de Avanti, un periódico socialista revolucionario (Anteriormente, en 1904, Mussolini comenzó a colaborar con la activista socialista-comunista Angélica Balabánova). Leda, a diferencia de Mussolini, no afirmará ni negará en rotundo esa relación sentimental, aunque, en esa época fueron amigos. Era partidaria del amor libre, estuvo con el pintor Carlo Carrà, entonces anarquista y locamente enamorado de ella. Carrà diseñó el emblema —un rostro demoníaco asomando delante del lema «Que solo el amor y la luz tiene por confín»— de la Librería Editrice Sociale, fundada en Milán por Leda y su compañero, Giuseppe Monanni, en 1910, convirtiéndose en la más importante editorial libertaria italiana, hasta que el fascismo la clausuró. 

Leda, al inicio del siglo XX, emigra con su familia a Alejandría (Egipto), toma contacto con la importante colonia anarquista que vive allí y se convierte al sufismo, la corriente sunita del islam, mística y tolerante, algo esotérica (ella era espiritista y se ganó la vida como vidente por algún tiempo). Rafanelli interpreta su fe como una alternativa al mundo occidental industrializado, deshumanizado y esclavo del dinero. Piensa que el anarquismo coincide con las filosofías sufíes: «Vive sin poseer nada y no estar poseído por nada».

Valentine de Saint-Point, Métachorie (1914)

Valentine de Saint-Point, Futurist dance (1914)

Nella Giacomelli (1873 –1949) es otra famosa disidente del futurismo italiano. Giacomelli, además de maestra, fundó los periódicos La Protesta Umana e Il Grido della Folla, donde se vertía una mezcla de futurismo, irredentismo, nihilismo y vitalismo. Se apartó del futurismo en cuanto vio el cariz que tomaban sus teorías y sus prácticas. Nella, junto a Leda Rafanelli y otras anarquistas que orillaron el futurismo como Zelmira Binazzi, Maria Rygier, Amelia Legati, Adele Darvisi, Irma Guidaloni, Emma Pagliai y Ersilia Mazzoni, antes y durante la Primera Guerra Mundial, animaron las campaña antimilitaristas, y lanzaron un manifiesto a todas las mujeres italianas contra la guerra, en el que, también, se pronunciaban a favor de la revolución de los soviets en Rusia.

En 1928 es detenida por estar relacionada con Camillo Berneri, acusado, a su vez, de ser el organizador del atentado de Gino Lucetti contra Mussolini en 1926. Meses después fue liberada junto a sus compañeros gracias a la intervención de su amiga, la poeta futurista Ada Negri.

La intensidad creativa y vital de todas estas mujeres futuristas arrasó con el pasado de sumisión que arrastraban de siglos atrás, triturando el tiempo cronológico y el tiempo histórico que les tocó vivir. Tuvieron la audacia de buscar nuevos modelos de expresión para abordar, como temática creativa, los problemas que les preocupaban como mujeres. A base de bofetadas e intuición entendieron que el cuerpo femenino era un espacio de resistencia y lo mostraron liberado, erótico, con una sexualidad de expresión libre, exenta de género… libertad y autodeterminación mental y física de las mujeres. ¡Adelante! ¡Destruid! ¡Aniquilad! ¡Solo la muerte no admite cambios! Un buen número de las creadoras futuristas se pasaron al otro gran movimiento, surgido en momentos críticos de la historia (Primera Guerra Mundial y la Revolución Rusa), la subversión Dadá. ¡Sin ley ni autoridad! Como expresa Mina Loy: ¡Lo domesticado carece de inmensidad!

NOTA

(1) Todos los textos de los anarcofuturistas son inéditos en castellano hasta la fecha, traducidos del italiano por Ana Muiña.

The Lost Lunar Baedeker, poemas manuscritos de Mina Loy

La carrera de Jim Jarmusch está repleta de títulos aclamados por la crítica, por lo que destacar 'Sólo los amantes sobreviven' como uno de sus mejores trabajos seguramente sea disputado por algunos amantes de su obra. Donde no creo que haya problema es en señalarla como una de las películas de vampiros más importantes del siglo XXI y Jarmusch ahora ha decidido probar suerte con el cine de zombis.

Por ahora no se ha realizado el anuncio oficial, pero lo cierto es que Jarmusch ya ha sido visto rodando escenas en Nueva York contando con la presencia de los actores Adam Driver, que ya colaboró con el director en la estupenda 'Paterson', Bill Murray, el protagonista de 'Flores rotas', Selena Gomez, Chloë Sevigny y Austin Butler. Fue Murray quien anunció el proyecto en una entrevista concedida a Philly hace unos meses:

Tengo algo bueno en camino. Preparaos: una película de zombis. Jim Jarmusch ha escrito un guion divertidísimo y tiene un gran reparto: Rosie Perez y Daniel Craig. Se titula "Los muertos no mueren' y se rueda este verano. Pero no, no voy a interpretar a un zombi.

Parece que el proyecto ha cambiado lo suyo desde esas declaraciones de Murray, ya que no había rastro alguno de Perez y Craig en el rodaje y además el título con el que se está rodando la película es 'Matar la cabeza' ('Kill the Head'). De todas formas, ambas cosas podrían cambiar perfectamente, que Jarmusch se ha especializado últimamente en dar muy pocos detalles sobre sus cintas hasta que la fecha de estreno está ya próxima.

Ahora la duda está en saber cómo será el acercamiento de Jarmusch a las historias de muertos vivientes. En diciembre de 2016 comentó que sopesó la posibilidad de que los personajes interpretados por Driver y Golshifteh Farahani en 'Paterson' fuesen a ver una película de zombis de los 70 antes de decantarse por otra, así que quizá puedan ir por ahí los tiros.

Vía | The Film Stage

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La noticia Jim Jarmusch cambia vampiros por zombis en una película protagonizada por Adam Driver, Bill Murray y Selena Gomez fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

M.C. | Jueves 19 julio 2018 | 13:21

El regidor fenés, Gumersindo Galego, ha desatado la polémica este miércoles con sus declaraciones acerca del concierto que la artista Ses celebrará en el municipio el viernes en el marco de los festejos del Día de Galicia.

Galego aseguró en Hoy por Hoy Ferrol, de Radio Ferrol Cadena SER, que la cantante no contaba con el respaldo del gran público, sino que se trataba de una propuesta para minorías que no estaba a la altura de la cita cultural.

Además, el primer edil incidió en que le ha costado a las arcas municipales “miles de euros”, explicando asimismo que incluso se han adelantado los festejos para contar con la actuación de la coruñesa, contratada por la anterior corporación del BNG.

El audio cedido por la SER, que se emitía poco antes de la una de la tarde de este miércoles en una entrevista realizada por la periodista y compañera también de Ferrol360, Rebeca Collado, no tiene desperdicio:

Críticas del BNG y movilización en redes sociales

Como no podía ser de otra manera, los nacionalistas se han sentido señalados por las declaraciones de Galego y replican que el regidor no tiene “respecto pola creación artística”. Añaden, además, que “queremos transmitirlle ás artistas contratadas o noso público recoñecemento polo seu labor creativo ao tempo que instamos ao alcalde de Fene a rectificar as súas declaracións, pedíndolle desculpas públicas a todas elas”.

El Bloque ha querido agradecer a los vecinos que hayan acudido a los espectáculos de estos días “malia a pésima publicidade” e instan al público a “abarrotar o vindeiro venres, 13 de xullo, o parque lineal do Río Cádavo, na lectura da declaración institucional, e a Praza Ramón Souto González no concerto de Ses”.

Este mismo llamamiento se empezaba a gestar también en las redes sociales, donde seguidores de la cantante se mostraban indignados con las declaraciones de Galego y animaban a todos sus contactos a acudir “en masa” a su concierto en Fene. De momento, lo que sí se espera de la actuación es que la reivindicativa cantante coruñesa le lance algún que otro zasca a la Corporación.

“Hay una mafia gay dentro de la Iglesia”, asegura el sacerdote polaco Dariusz Oko, que en 2012 publicó un vídeo denuncia contra la ‘homoherejía’, en declaraciones a la web Church Militant.

Los últimos escándalos de pedofilia que siguen asolando la Iglesia, desde la connivencia de obispos chilenos con los cómplices del Padre Karadima hasta la posesión de pornografía infantil del diplomático vaticano Carlo Capella, tienen un denominador común: son todos ellos de carácter homosexual.

Más escandaloso resulta el caso del Cardenal McCarrick, el poderoso Arzobispo Emérito de Washington, que ha sido recientemente retirado de las funciones sacerdotales por un abuso cometido hace muchas décadas.

El caso de McCarrick, en una alocución en la Vilanova University en 2013 reveló que se la había pedido que presionara para la elección de Bergoglio como Papa, es paradigmático, ya que todos los observadores se preguntan cómo se pudo seguir promocionando dentro de la jerarquía un hombre del que, por fuerza, muchos debían conocer sus inclinaciones.

De McCarrick podía decirse cualquier cosa menos que fuera una figura marginal, o que estuviera mal visto por quienes hoy cortan el bacalao en Roma. En 2016, el Cardenal Blaise Cupich, Arzobispo de Chicago y uno de los obispos americanos más entusiastas de la ‘revolución francisquista’, fue el encargado de entregar a McCarrick el premio ‘Espíritu de Francisco’, ocasión que Cupich aprovechó para elogiar al emérito por su “propia forma exclusiva de dejar una marca en la Iglesia”.

Quién sabía y quién calló son las preguntas que se hacen muchos periodistas cercanos al caso, pero hay otra que nos parece aún más oportuna: ¿por qué? Y responderla nos lleva de vuelta a las palabras del Padre Dariusz Oko en entrevista concedida a Church Militant.

“[Los homosexuales] crean estas uniones informales y se infiltran en la Iglesia”, sostiene Oko, para quien esta infiltración alcanza los puestos más elevados de la jerarquía. “Definitivamente, hay un problema con los obispos homosexuales en la Iglesia Universal. El Papa Benedicto depuso a setenta de estos obispos que, o bien taparon escándalos de pedofilia o ellos mismos mantenían una activa vida homosexual.”

¿Es posible que existan tantos sin una estructura que los encubra e incluso les promocione? La web Catholic Culture da algunos nombres, solo de obispos americanos: Dan Ryan de Springfield, Ilinois; Tom Dupre de Springfield, Massachussetts; Patrick Ziemann de Santa Rosa; Kendrick Williams de Lexington; Keith Symons de Palm Beach; Lawrence Soens de Sioux City; Joseph Hart de Cheyenne; Anthony O’Connell de Palm Beach; Robert Lynch de St. Petersburg; y Rembert Weakland de Milwaukee. En ninguno de estos casos el depredador homosexual fue denunciado por la jerarquía eclesiástica que, sin embargo, era la que estaba en mejor posición para conocerlos.

Oko explica el mecanismo. “Exactamente igual que en el Ejército, en la policía o en el mundo del arte, una vez que alguien con tendencias homosexuales llega al poder, normalmente sus subordinados son también homosexuales, y así van creando una pirámide. Lo mismo está sucediendo con estos obispos que deliberadamente nombran a personas con las mismas tendencias”.

Esto, a su vez, tiene un efecto inmediato sobre la pastoral y, en ocasiones, sobre la predicación de la doctrina. “Tratan de orientar la Iglesia hacia un planteamiento más emocional, de ‘diálogo’ con todo el mundo, convirtiendo la Iglesia en un ‘espacio seguro’. No les gusta el enfrentamiento”

Las palabras de Oko explicarían, ciertamente, muchas de las cosas que vemos hoy en la Iglesia, desde la prominencia que está obteniendo el jesuita Padre James Martin, seleccionado por Roma como ponente en el próximo Encuentro Mundial de las Familias en Irlanda, o las vigilias de oración “contra la homofobia” organizadas en Italia y España con el beneplácito de los ordinarios.

También por eso muchos temen que el Sínodo de la Juventud el próximo octubre, cuyos documentos preparatorios ya son indicio de una atroz manipulación de las ‘voces de los jóvenes’, se utilice para consagrar un ‘cambio revolucionario’ de la doctrina católica con respecto a la homosexualidad.

La entrada Padre Oko: “Hay una mafia gay dentro de la Iglesia” se publicó primero en InfoVaticana.

Os netos do ditador responden no xulgado á demanda do consistorio compostelán cun escrito no que defenden que os seus avós mercaron as pezas a través "dun anticuario" e reducen a mentiras a documentación que acredita a propiedade pública das obras do Mestre Mateo

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Foi o primeiro presidente da Xunta elixido polo Parlamento galego, ocupando o cargo ata a moción de censura de 1987. Médico de profesión, na súa longa traxectoria, chegou a ser piloto da Luftwaffe alemá nos anos trinta e a integrar nos setenta o grupo de galeguistas históricos. O pasado ano recibiu unha homenaxe polo 35 aniversario da súa investidura.

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On Salvador Dali's Wife, Gala.

FERROL360 | Martes 10 julio 2018 | 18:35

El programa de visitas guiadas al Castillo de la Palma en Mugardos arranca este viernes con el cupo ya completo. Y es que recorrer por dentro esta fortaleza del siglo XVI, que además fue cárcel militar y proyecto de hotel de lujo, que finalmente no salió adelante, es casi un privilegio.

La primera vez que el castillo abrió sus puertas para acoger las visitas guiadas fue en verano de 2015 y en 2016 se repitió experiencia. Ahora se retoman de nuevo los miércores, jueves, viernes y sábado de julio, agosto y la primera quincena de septiembre.

Cada día habrá tres oportunidades para conocer las instalaciones, a las 11.00, 12.00 y 13.00 horas. En cada uno de los tres recorridos podrán participar un máximo de 20 personas, que recibirán información detallada sobre la historia de esta emblemática fortificación.

Y si hay una historia y una estancia que despierta la curiosidad de los visitantes del Castillo esa es la de Antonio Tejero, que cumplió dos años de su condena en la fortaleza tras el intento del golpe de Estado del 23-F.

La actividad es gratuita y para inscribirse en las próximas visitas es necesario llamar a la Oficina de Turismo de Mugardos, a los números de teléfono 881 953 251 o 630 885 761 o enviar un correo electrónico a la dirección: oit.mugardos@gmail.com.

Eso sí, este sábado la fortaleza no abrirá con motivo de la Festa do Polbo.

Según una nueva investigación dirigida por Harvard T.H Chan School of Public Health, estudiantes que vivían en habitaciones sin aire acondicionado durante una ola de calor tuvieron peores resultados en una serie de pruebas cognitivas en comparación con los estudiantes que vivían en habitaicones con aire acondicionado.

El estudio de campo, el primero en demostrar los efectos cognitivos perjudiciales de las temperaturas interiores durante una ola de calor en un grupo de individuos jóvenes y sanos, destaca la necesidad de soluciones de diseño sostenible para mitigar los impactos del calor extremo en la salud.

Rendimiento cognitivo

Según explica José Guillermo Cedeño-Laurent, investigador de Harvard Chan School y autor principal del estudio:

La mayor parte de la investigación sobre los efectos del calor sobre la salud se ha realizado en poblaciones vulnerables, como las personas mayores, creando la percepción de que la población en general no está en riesgo por las olas de calor.

Para llevar a cabo este estudio, los investigadores rastrearon a 44 estudiantes adolescentes y de 20 años que vivían en habitaciones. Veinticuatro de los estudiantes vivían en edificios adyacentes de seis pisos que se construyeron a principios de la década de 1990 y tenían aire acondicionado central. Los 20 estudiantes restantes vivían en edificios de poca altura construidos entre 1930 y 1950 que no tenían aire acondicionado.

Los investigadores equiparon la habitación de cada alumno con un dispositivo que midió la temperatura, los niveles de dióxido de carbono, la humedad y los niveles de ruido, y rastrearon su actividad física y patrones de sueño con dispositivos portátiles.

Los resultados mostraron que, durante una ola de calor, los estudiantes en los edificios sin aire acondicionado obtuvieron peores resultados en las pruebas que los estudiantes en los dormitorios con aire acondicionado y experimentaron disminuciones en cinco medidas de función cognitiva, incluidos los tiempos de reacción y la memoria de trabajo.

Combinados los datos, se evidencia que los estudiantes en las habitaciones con aire acondicionado no solo fueron más rápidos en sus respuestas, sino también más precisos.

El calor extremo puede tener graves consecuencias para la salud pública y es la principal causa de muerte de todos los fenómenos meteorológicos en Estados Unidos.

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Si buceas mucho en la piscina y abres los ojos, al final se te pondrán un poco rojos y te escocerán ligeramente. La razón popular que se aduce a este hecho es la concentración de cloro del agua.

Sin embargo, el origen de ello no es el cloro, sino la orina de todas las personas que pasan por la pisicina.

Orina y otras cosas

El verdadero origen del escozor y el rojo de nuestros ojos, además de la orina, son otras sustancias desagradables, como restos fecales, restos de sudor y suciedad en general del cuerpo de los usuarios de la piscina.

En realidad, el cloro es un responsable indirecto. Cuando la orina y el cloro se mezclan, la combinación convierte el cloro en un derivado del amoníaco llamado cloramina, que tiene un olor distintivo, y reputación de causar problemas respiratorios y un efecto revelador en los ojos.

Con todo, lo peor de todo son los restos fecales. Las personas con diarrea pueden propagar Cryptosporidium, un parásito resistente al cloro que es la principal causa de enfermedades transmitidas por el agua.

Para evitar estos males hay que obligar a los usuarios a pasar por la ducha antes de introducirse en la piscina. Y a no orinar en ella, naturalmente.

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En el debate sobre la exhumación de los restos de Franco del Valle de los Caídos, nuestra jerarquía guarda silencio ante la principal razón para oponerse a semejante acto arbitrario de impiedad: Franco detuvo con su levantamiento el exterminio del clero católico, y así lo reconoció el de la época.

Decir que la Iglesia española se ha mostrado tímida ante el anuncio del Gobierno de exhumar los restos de Francisco Franco del Valle de los Caídos es quedarse muy corto. Las leves objeciones de la jerarquía apuntan -no sin razón- a lo ilegítimo de desenterrar así un cadáver, sin permiso o consentimiento de sus familiares. Pero debería tener razones más profundas para alzar la voz contra esta nueva y absurda arbitrariedad del Gobierno, y no es otra que el hecho de que los creyentes, y muy especialmente el clero, tiene una deuda de gratitud con Franco.

Un católico puede adscribirse a muchas líneas ideológicas y banderías en política -no a todas-, y así puede perfectamente ver el levantamiento militar del 18 de julio como un ilegítimo golpe de Estado contra la autoridad de la República. Pero la Iglesia no puede verlo igual, como no lo veían igual los católicos del 36, sencillamente porque su misma condición de creyente era causa suficiente para ser represaliado, encarcelado o asesinado. Un liberal, digamos, podía elegir un bando; al católico, no digamos al cura, al fraile o a la monja, se lo elegían sus feroces enemigos.

Para la Iglesia no fue cuestión de opiniones, sino de mera supervivencia, y la supervivencia es la ley suprema. Las víctimas eclesiásticas de la persecución religiosa de principio a fin de la guerra, incluyendo los sacerdotes, religiosos y seminaristas muertos durante la Revolución de Octubre de 1934, ascienden a una cifra cercana a las 6.800. De las cuales 4.184  pertenecían al clero secular, con doce obispos, un administrador apostólico y los seminaristas; 2.365 eran religiosos y 283 religiosas.

Pero la represión religiosa no empezó, ni mucho menos, con la Guerra Civil, sino con la misma República, y ya fue denunciada ante el mundo entero por el papa Pío XI y por el Episcopado Español, que presidía el cardenal Vidal y Barraquer.

Durante la contienda, la persecución fue abierta y a sangre y fuego, con voluntad de exterminio, confesada abiertamente por sus perpetradores en toda ocasión, obra de grupos revolucionarios socialistas, comunistas y anarquistas, que detentaban el poder real en distintas zonas, con mayor o menor complacencia de las autoridades. Y fue claramente persecución religiosa, porque no se persiguió nunca en el campo religioso por actuaciones concretas o por declaraciones políticas, sino para extirpar la Iglesia, consumando un plan que venía de tiempo atrás, desde la Semana Trágica y los tiempos de Ferrer.

La Iglesia universal se hizo eco de esta realidad cuando proclamó el levantamiento como Santa Cruzada de Liberación e incluso, mucho tiempo después, hasta nuestros días, ha seguido canonizando a sacerdotes, religiosos y laicos asesinados entonces como mártires de la fe.

Por ello el 1 de julio de 1937 los obispos firmaron una Carta Colectiva dirigida a sus colegas de la Iglesia universal en apoyo de las tropas nacionales, recordando que la Iglesia jerárquica no provocó la guerra, ni conspiró para ella, sino que recibieron la llegada de la República como régimen legítimo.

“La Iglesia -se afirma en la carta-, a pesar de su espíritu de paz, y de no haber querido la guerra ni haber colaborado en ella, no podía ser indiferente en la lucha: se lo impedía su doctrina y su espíritu el sentido de conservación y la experiencia de Rusia. De una parte se suprimía a Dios, cuya obra ha de realizar la Iglesia en el mundo, y se causaba a la misma un daño inmenso, en personas, cosas y derechos, como tal vez no la haya sufrido institución alguna en la historia; de la otra, cualesquiera que fuesen los humanos defectos, estaba el esfuerzo por la conservación del viejo espíritu, español y cristiano”.

Y: “Hoy, por hoy, no hay en España más esperanza para reconquistar la justicia y la paz y los bienes que de ellas deriva, que el triunfo del movimiento nacional. Tal vez hoy menos que en los comienzos de la guerra, porque el bando contrario, a pesar de todos los esfuerzos de sus hombres de gobierno, no ofrece garantías de estabilidad política y social”.

La entrada La Iglesia española tiene con Franco una deuda de gratitud se publicó primero en InfoVaticana.

El título es largo de narices, pero no me diréis que no deja las cosas claras. Sí, seres del averno, este verano comienza con menos calor del que cabría esperar (quicir, no me siento reptar porque mis miembros se están convirtiendo en gelatina), y me parece que es un buen momento para ir glosando, poco a poco y resumida, la historia de ese onvre de bien y músico de mejón que siempre ha sido