At first glance, this 1930 picture of a freak show act would be something you put down to trickery. But this trickery may give you the willies. Mortado was a body modification practitioner.
Mortado, The Human Fountain was born in Berlin and first exhibited himself there in 1929. He had holes bored through both his hands and feet, and, when seated in a specially constructed chair, copper tubes were fed through the wounds. Water flowed through them at a high pressure, making Mortado a “human fountain”.
When he was not performing, he plugged his wounds with corks to keep them from healing. He occasionally also performed in biblical Crucifixion reenactments, placing small “blood bags” in his wounds for realism, which his assistant would puncture when he nailed him.
The picture was taken at Coney Island’s Dreamland Circus.
Did you know that adding eye contact to certain actions can make them incredibly creepy? I had suspected as much, as I like to stare people in the eyes at weird times. An unbroken gaze can be really freaky as is, but add eating a banana into it and it takes it to a higher level than ever thought before.
CollegeHumor is pretty consistent with this kind of twisted (but awesome) humor, so go check out their YouTube page if you get five minutes. Oh yes, there will be laughs. Also, make sure you spend a minute or two today making eye contact with people at wickedly uncomfortably moments. It will be fun!
"Jean-Claude Duvalier, a former president of Haiti known as Baby Doc who ruled the country with a bloody brutality and then shocked the country anew with a sudden return from a 25-year exile in 2011, died on Saturday."
Seguro que más de una vez te habrás preguntado, ¿qué diferencias hay entre el atún y el bonito?. Puede que ya lo sepas, pero aún así, te recomiendo que sigas leyendo, puede que haya algunas cosas sobre el tema que todavía desconozcas.
Diferencias entre el atún y el bonito
La respuesta corta y rápida, es que el atún es un bonito de peor calidad, y esto coincide con lo que podemos intuir por los precios de cada producto. Sin embargo, la respuesta es algo más complicada que eso, y tampoco sería una respuesta justa.
El Bonito del Norte es una especie de túnido que vive en el Atlántico Norte, por la zona del Mar de los Sargazos y que en verano hace una migración hacia la zona próxima al Golfo de Vizcaya donde son capturados por las flotas de pescadores del cantábrico.
El bonito del norte, es uno de los nombres comunes por los que se conoce a la especie Thunnus alalunga, que también recibe los nombres de albacora, atún blanco, ojón, germón o zanja. El bonito del norte (ver foto de cabecera), puede llegar a pesar 60Kg, y medir unos 140 cm. Pero sin lugar a dudas, la parte más inconfundible para reconocerlo, es su gran aleta pectoral.
Por tanto, podemos afirmar que el bonito del norte es un atún. Ahora bien, entonces, ¿qué es el atún claro, blanco, etc...? Pues lo primero de todo, y algo que todavía puede llevar a más confusión es que al bonito del norte, también se le conoce como atún blanco. Precisamente, porque su carne tiende siempre a conservar este color blanco.
Pero también tenemos el atún claro. En este caso, ya estamos hablando de otra especie animal distinta. Se trata del Thunnus albacares, que como indica el nombre latino, es un atún de carne más clara, pero sin llegar al color blanquecino del bonito. Este tipo de atún, es más barato, y el que se suele comprar con más asiduidad para ensaladas, rellenos, etc...
El atún rojo
El atún rojo, es otra especie de túnido, cuyo nombre científico es Thunnus thynnus y es muy diferente al Bonito del Norte. En este caso, se trata de un túnido enorme, ya que puede llegar a los 450Kg y su aleta dorsal es mucho más pequeña.
Este atún es de una carne roja muy llamativa, y es muy apreciado en la gastronomía japonesa, como shushi y shashimi. Actualmente, se encuentra en peligro de extinción y sus capturas son controladas. Afortunadamente, parece que algunas de las medidas que se han tomado para evitar su extinción están funcionando.
El Bonito del Mediterráneo
Para complicar un poco más la historia también debéis saber que existe una especia de pez en el mediterráneo, el Sarda sarda, que también recibe el nombre de Bonito, pero que nada tiene que ver con los bonitos, bonitos, los del norte, y que ni siquiera está emparentado con los túnidos.
Por cierto, que los bonitos del norte, se alimentan de anchoas y sardinas, así que sí, habrá una próxima entrega de ¿por qué lo llaman anchoas cuando quieren decir boquerones/sardinas?
Una curiosidad para finalizar. El naturalista que clasificó el bonito del norte fue, Pierre-Joseph Bonnaterre, famoso también por ser quien primero estudió "el niño salvaje de Aveyron, cuya vida inspiró a François Truffaut, en su película El pequeño salvaje" (Fuente: wikipedia). Ya os dije que aunque supierais la diferencia, seguro que algo nuevo aprendíais ;)
Paul Revere, born Paul Revere Dick, the organist and leader of the Raiders, died Saturday, Oct. 4, 2014 at his home in Idaho.Compiled and annotated by Shindig!'s very own Andy Morten, Hungry For Kicks is the first compilation to exclusively concentrate on the Raiders at the absolute peak of their hit making powers. Before we go any further, here are some statistics worth pondering. During those all important years between 1965 and '69, the Raiders scored no less than 16 US hit singles, were the first rock act to be signed to Columbia – for whom they released eight albums – and, on the top of all this, had their own network TV show Where The Action Is. Built around the partnership of Paul Revere, Mark Lindsay and co-songwriter and producer Terry Melcher, the 27 tracks on Hungry For Kicks represent no less than the absolute golden age of Raiders pop, if not American mainstream ’60s pop in general. The band's habit of dressing themselves up in cheesy matching band outfits not to mention the notorious American Revolutionary garb may to a degree have compromised their credentials as a serious garage act but the real proof of the pudding lies in the quality and quantity of the selections showcased here. Sequenced in non-chronological order the track listing literally bounces its way around between the twin landmarks of the Raiders' ’65 breakthrough 'Steppin' Out' and their last single release of the decade, the soulful 'We Gotta All Get Together' from late '69 with original (and often markedly different) single versions rubbing shoulders with a selection of the Raiders' most happening album tracks and a rare radio promo from ’67. Whether its the out and out garage frenzy of 'Kicks', 'Hungry', 'Just Like Me', 'Steppin' Out', 'Louie, Go Home' or Boyce and Hart's 'I'm Not Your Stepping Stone' (which actually predated the Monkees’ hit version) or the more psych-tinged 'I Had A Dream', 'Peace Of Mind', 'The Great Airplane Strike', 'Why? Why? Why? (Is It So Hard)' and 'Tighter' you're well and truly spoilt for choice here whatever your bag. http://www.shindig-magazine.com/us1960s-13.html http://www.paulrevereandtheraiders.com/trax:
01 Kicks 02 Him or Me (What's It Gonna Be?) 03 Hungry 04 Let Me! [45 Version] 05 Just Like Me 06 Too Much Talk [45 Version] 07 Ups and Downs 08 (I'm Not Your) Steppin' Stone 09 Good Thing 10 I Had a Dream 11 Mr. Sun, Mr. Moon [Remix] 12 Steppin' Out 13 Peace of Mind [45 Version] 14 We Gotta All Get Together 15 The Great Airplane Strike [45 Version] 16 Louie, Go Home 17 Gone -- Movin' On 18 Cinderella Sunshine [45 Version] 19 Action 20 Don't Take It So Hard 21 Why? Why? Why? (Is It So Hard) 22 Ballad of a Useless Man 23 Tighter 24 Freeborn Man 25 Observation from Flight 285 (In 3/4 Time) 26 Louise 27 Theme from It's Happening [45 Version]
Es escuchar su nombre, o girar mi mirada unos pocos grados hacia la derecha (hasta encontrar el lugar donde reposan los nueve TPB estadounidenses), y un torrente de recuerdos se desparrama por mi memoria sin que pueda hacer nada para remediarlo. A fin de cuentas, ‘Predicador’ fue mi primer contacto con el sello Vertigo, con una forma de hacer cómics muy diferente a la que hasta entonces había conocido y supuso, en muchos sentidos, el paso definitivo que el coleccionista en ciernes que era allá por 1997 no se atrevía a dar. Ahora bien, que nadie se lleve a equívocos pensando que el considerar a la creación de Garth Ennis y Steve Dillon como uno de los cinco mejores títulos que ha parido la vertiente adulta de DC (y ya que preguntáis, los otros cuatro serían ‘Sandman’, ‘Y, el último hombre’, ‘American Vampire’ y ‘Scalped’) responde más a la singular relevancia que la serie tuvo en un momento clave de mi vida (así, en general, no sólo en mi vida de lector) que a su espectacular calidad, ya que estaríais errando en vuestra apreciación.
Que ‘Predicador’ sea una de esas cabeceras que siempre terminan citadas (como para no estarlo) en las ineludibles listas de los mejores cómics de la historia habla mucho y muy bien de lo que el guionista irlandés logró con 66 números que componen, posiblemente y entre otras muchas cosas, la mejor road movie que se haya confeccionado jamás. Ya, ya sé, esto es un cómic y no una película, pero creo que resulta incuestionable que lo que Ennis y Dillon desarrollaron a lo largo de los cinco años y medio sobre los que se prolongó la serie entronca tan de pleno en las producciones cinematográficas sobre dos personajes recorriendo parte del país y corriendo toda suerte de aventuras que negarle el derecho a ser reconocida como tal sería hacerle un flaco favor al magnífico trabajo de los dos artistas.
Es más, mientras que en términos narrativos generales, ‘Predicador’ puede tener la consideración de road movie, si hay algo que queda evidenciado por activa y por pasiva a lo largo y ancho de su desarrollo es que la intención clara de Ennis era plantear el relato de Jesse Custer, Tulip y Cassidy como un homenaje desaforado hacia el género cinematográfico estadounidense por excelencia: ya no sólo es que el espíritu de John Wayne se le aparezca a Jesse a lo largo de toda la serie (a mi, que soy amante del género, se me ponía —y se me sigue poniendo— la piel de gallina cada vez que la versión del mítico actor le espetaba a Custer ese “pilgrim” con el que siempre se refería a los “forasteros”), es que la estructura intrínseca de la misma, los ambientes donde se mueve y su ASOMBROSO final, llaman de forma indefectible a las puertas de aquello que nombres como John Ford, Howard Hawks o Sergio Leone convirtieron en un arte.
Fuertemente arraigado pues en una tradición tan yanqui, sorprende la capacidad de Ennis para apropiarse en formas tan brillantes de las claves que sirvieron a los grandes para definir el género de “cowboys”, máxime cuando éstas quedan entremezcladas con una de las cualidades que más y mejor caracterizan a cualquier cómic que lleve la firma del escritor irlandés, esto es, su incontenible verborrea, su mala baba (eufemismo como la copa de un pino) y unas características generales que, aisladas, nada tienen que ver con lo que uno asociaría al western estadounidense. Y ahí, entre otros muchos lugares, es donde radica la inmensa grandeza de ‘Predicador’, en saber como resultar un producto 100% Ennis y, de forma indeleble, oler, saber y dejar un claro regusto a cómic 100% U.S.A.
Como quiera que esta reseña no tiene como objetivo abarcar toda la colección, sino sólo los dos primeros volúmenes, dediquemos las siguientes líneas a poner en situación a aquellos insensatos que nunca hayan leído ‘Predicador’, una serie que, desde el principio, y con la superlativa presentación del trío protagonista, deja muy clara que no se va a cortar un pelo. No en vano, la premisa de arranque es que una entidad llamada Génesis, fruto del amor prohibido entre un ángel y una diablesa, se ha escapado del cielo y ha ido a refugiarse en el cuerpo de un párroco borrachuzo y mal hablado del sur de Estados Unidos, otorgándole el don de la “palabra”…vamos, el conseguir lo que sea de quien sea con sólo ordenárselo.
A partir de ahí, y de la intención de Custer de encontrar a un Dios que ha abandonado su trono celestial, ‘Predicador’ irá configurando toda una galería de secundarios a cada cual más genial y sórdido, brillando por su especial protagonismo tanto el Santo de los Asesinos como Herr Starr, dos figuras que, junto al resto de personajes, encuentran su precisa traslación en el reconocible trazo de un Steve Dillon que, con incorrecciones anatómicas incluídas, se posiciona desde la primera página como el artista idóneo para plasmar las ideas de Garth Ennis, por escatológicas, pervertidas, locas o, en definitiva, GENIALES, que éstas puedan ser.
Finalmente, tras postergar una fecha que sabíamos que debía llegar tarde o temprano, ya se sabe el día que acabará el manga de Naruto. Seguramente muchos del público al que escribimos no lo siga al día, pero es innegable que supuso un empujón al manga en España y en el resto del mundo occidental. Tanto que, considerada junto a ‘Bleach’ y ‘One Piece’, se podría decir que son la sagrada trinidad de la Jump.
Se acabará un manga con el que fue muy fácil empezar a seguir un ritmo de publicación japonés a principios de siglo y que a día de hoy sigue estando entre las series más populares, tanto en número de fans, como ventas y encuestas de la ‘Weekly Shonen Jump’. Nos guste o no, marcó un antes y un después y muchos, entre ellos un humilde servidor, sentirán un alivio y un dolor a la vez tras dejar de lado una serie que les ha acompañado durante tanto tiempo.
Penas aparte, la revista ha hecho oficial el día en que se publicará el capítulo final, el 10 de noviembre, en apenas cinco semanas. El número elegido para ello, el 699 del manga, que cerrará la trama principal del mismo. Mientras que llega, estaremos al tanto de noticias o rumores que apunten a una parte más u otra serie distinta bajo la autoría de Masashi Kishimoto.
"Una chica que tome la píldora no tiene una moral fuerte. Incluso aunque me gustara, rompería con ella". Este era el mensaje que en los 60 lanzaba la televisión de Alemania Occidental a los jóvenes.
En Cuba, aquellos eran unos años muy politizados, había surgido la confrontación con Estados Unidos y todo se comparaba con lo que había allí. Teníamos el edificio Focsa, que tenía que ser más alto que el Empire State, lo que no es verdad. Teníamos al boxeador Teófilo Stevenson, que tenía que ser mejor que Muhammad Alí. Lo hacíamos de forma inconsciente. Y en este caso, Los Zafiros eran los Platters cubanos. O más aún, los Beatles de Cuba. (Zoe Armenteros, periodista).
Mi parte favorita del retrato del Nueva York de los setenta que realiza Luc Sante en Mata a tus ídolos es cuando recuerda las noches de verano en las que los travestis que se prostituían bajo su ventana se juntaban a cantar doo-wop en una esquina. No era difícil imaginárselos, decía, veinte años atrás, con su esmoquin y su bigote finito en el catálogo de alguna discográfica de grupos vocales.
El doo-wop fue una música popular, de la calle. No hacían falta instrumentos, solo ganas. En un tiempo en Estados Unidos había un grupo de doo-wop en cada esquina. Quizá el fenómeno pueda ser equiparable al del rap o el hip-hop.
Tengo un amigo que ya, llegada cierta edad, esos años en los que ya no puedes engañarte a ti mismo y ni mucho menos te apetece engañar a los demás, ha tomado la decisión de solo comprar discos de negros. Lo más clarito, los mulatos brasileños. Sin embargo, en el género doo-wop, piensa como un servidor: mola más el de los blancos.
Frankie Lymon, ese chaval negro que apareció muerto de sobredosis de heroína en la bañera de su abuela, nos suena ratonero. Dicho con todo el respeto, pero los italianos, que todos tendrían en su casa a un tío Junior cantando los sábados por la mañana su «Core ‘ngrato», los Dion, los Johnny Maestro y sus Crests —donde, ojo, había dos negros—, los Four Seasons que está repopularizando Clint Eastwood —aunque son de la última hornada del género—, o los Del Satins, eran otra cosa.
De todas formas, el otro día, comentando esto mismo, le puntualicé a mi amigo algo que he aprendido fumando cartones y cartones de tabaco disfrutando el blog mallorquín White Doo-wopCollector’. Los blancos, bien. Si tienen apellidos italianos, mejor. Pero ojo, cuando se cuelan por ahí hispanos, —emigrantes mexicanos, dominicanos o puertorriqueños, o sus hijos—, la cosa sube enteros. Un ejemplo, Tony Valla and The Alamos, de Detroit. Dos de sus miembros se apellidan Maldonado y el resultado es que en su single de 1961 se les deslizó esta joyita en español, «María Christina», composición del gran cubano Ñico Saquito:
Y fue así , dándole vueltas a estas teorías por teléfono, como recordé que hace unos años me habían recomendado a Los Zafiros, doo-wop cubano y en español, por supuesto. Un grupo que hizo su carrera en la convulsa Cuba de la revolución, unos tíos que vendían un producto estadounidense en la Cuba de la crisis de los misiles. Del interés inicial que me despertaron, pronto pasaron a convertirse en una obsesión y es por ello que merecen su entrada en «Busco en la basura algo mejor».
Zoe Armenteros, periodista cubana afincada en Madrid, me explica que Los Zafiros fueron como una válvula de escape para mucha gente en los primeros años de la revolución. Era una época de cantos patrióticos, de consignas comunistas y también de incertidumbre. «El cubano necesitaba olvidarse de la presión política», comenta.
«Hay que contextualizarlos dentro del movimiento filin de los boleros, del ligue, del amor. Los Zafiros estaban vinculados a la vida nocturna de La Habana, los clubes, al cabaret, se convirtieron en un refugio del ambiente de lucha impuesto por la revolución que se vivía durante el día. La gente necesitaba respirar algo que no fuera solo heroísmo y patria, y el amor y el desamor siempre es bueno para eso».
Cuenta Zoe que venían de Cayo Hueso, un barrio marginal. El grupo surgió en la calle, no estaba cocinado, por eso toda la Habana les tenía un cariño especial. «Eran muy populares, pero todo lo que tenía que ver con el movimiento filin estaba asociado al capitalismo. Al principio, el régimen no acabó con ellos, pero tampoco podemos decir que los aupara. Se promovió la Nueva Trova, a los que hablaban de la revolución y le cantaban a la patria. Hay que mencionar que Los Zafiros nunca le dedicaron una canción a estos temas, algo que todos los artistas terminaban haciendo tarde o temprano».
Inicialmente iban a llamarse Los Fakires, pero en un ataque de lucidez se dieron cuenta de que era absurdo que en un país tropical cuatro mulatos aparecieran con turbantes. Uno des sus miembros, Miguel Cancio, «Miguelito» contó que el nombre tiene su origen, cómo no, en una noche de borrachera en 1957. Venía él de sus «andanzas nocturnas» después de actuar en el Hotel Riviera con el cuarteto de Facundo Rivero —ojo a las chaquetas— cuando en una esquina se le acercó un hombre completamente borracho que le ofreció su sortija por veinticinco pesos. Le pareció un precio tan barato que se la compró en el acto, era un zafiro y el azul era su color favorito. Mirándola, años más tarde se le ocurrió el nombre para su nuevo grupo: Los Zafiros. Échenles un vistazo y una oreja.
Doo-wop, ritmos afrocubanos y puesta en escena prototípica de Motown con esos bailes dando pasitos como los Temptations o los Miracles. Todo en La Habana de los sesenta, una ciudad de, en sus propias palabras, «noches de trasnochar y trasnochar sin límite».
Eran de orígenes dispares, uno venía de un taller mecánico, otro de una barbería, otro de tocar por los bares y pasar un plato. Se fueron a vivir juntos al mismo edificio y no tardó en empezar la leyenda. Aunque no eran, en absoluto, pioneros. En Cuba ya tenían desde los cincuenta combos rockeros, Los Armónicos, Los Llopis, Los Diablos Melódicos y hasta un teen idol a lo Ricky Nelson, Luis Bravo.
Una película soviética, Soy Cuba, da cuenta del ambiente rockero que había en La Habana aquellos años. La filmó el director georgiano MijalKalatozov. Así lo revive Rosa Marquetti en un artículo en Cuba Contemporánea:
Había un movimiento de rock muy fuerte encabezado por LuisitoBravo. En la noche rockanrolera en La Habana los que brillaban eran Luis Bravo —que tenía su cuartel general en el Cabaret Nacional en Prado y Neptuno—, Raúl Gómez y Los Astros y Los Diablos Melódicos, que capitalizaban la atención de su fanaticada en el Olokkú, principalmente. Los Diablos Melódicos hacían uno de los dos shows nocturnos cerca de las doce de la noche; recorrían después la corta distancia hasta Le Mans, y allí hacían el espectáculo de después de la medianoche, alternando con cantantes y bailarines.
En una de esas noches calurosas deben haberlos descubierto los hacedores de Soy Cuba. Hoy puedo imaginar lo que deben haber experimentado Mijail Kalatozov, Serguei Urusevski, EvgueniEvtushenko y el resto del equipo soviético de realización cuando llegaron por primera vez a La Habana de 1963, procedentes de aquel Moscú que, ya sabemos, no creía en lágrimas e intentaba a duras penas, en medio de un largo período posbélico, desembarazarse de los traumas mutilantes y devastadores legados por un pasado demasiado inmediato para haber transcurrido del todo.
Los imagino transitando de la incredulidad a la sorpresa, espectadores privilegiados de los primeros años de una revolución social, sí, pero en el Trópico —¡lo nunca visto!—; es decir, una revolución de himnos y marchas, pero también —¡qué suerte!— con mambo, rumba, chachachá, jazz y rock, como música de fondo.
Toda esta escena sirvió para impulsar a Los Zafiros, que sería el grupo definitivo de la época, el que llegó a lo más alto hasta convertirse en la competencia en la isla de los Beatles y los Rolling Stones. Sonaban en todas las radios y estuvieron ocho semanas en el número uno. Las placas de acetato desaparecieron del mercado por la demanda que tuvo su primer LP.
Y por supuesto, les gustaba la jarana igual que a las estrellas del mundo capitalista. Cuenta una de sus bailarinas: «Eran muy fiesteros, bebían mucho, eran muy mujeriegos, las bailarinas éramos muy amigas de sus mujeres y… de sus novias». Donde actuaban en la isla era siempre lleno total. Tenían que salir por las puertas traseras porque las fans les perseguían hasta el camerino con tijeras para cortarles mechones de pelo.
Llegaron a hacer una gira europea. Viajaban junto a otros artistas cubanos promocionando la cultura de la isla en el llamado Grand Music Hall de Cuba. En el Olympia de París, les pidieron bises hasta reventarlos y en el aplauso final de once minutos que les dedicaron, los miembros del grupo se echaron a llorar de la emoción. Unos meses antes, en ese mismo escenario habían tocado los Beatles. Era el mismo público el que ahora se desvivía por ellos.
En el hotel, sin embargo, les esperaba la tentación. Dicen que Berry Gordy les puso delante un cheque en blanco por escapar a Estados Unidos y firmar con Motown. No aceptaron. Su respuesta fue, cuentan: «Nosotros pertenecemos a Cuba».
Siguieron con su gira rumbo a Moscú, Polonia y Alemania del Este. En la capital soviética, le tocaban la garganta al solista Ignacio Elejalde a ver si es que tenía algo dentro, contó El Chino años después en TV en visible estado de embriaguez. Pasados cincuenta años, Manuel Galbán, en el documental Music from the Edge of time, todavía presume de haber salido noventa y tres veces de Cuba para representar la cultura de su país.
En este sentido, Zoe subraya: «En esos años posteriores al triunfo de Fidel Castro era habitual que los artistas “no elegidos” se fueran de Cuba a Estados Unidos. Los Zafiros se quedaron en Cuba. Solo se marchó Cancio muchos años después y porque tenía a sus hijos en Miami».
En consecuencia, permanecieron desconocidos en Estados Unidos. Y la barrera política sobrevivió al fin de la guerra fría. En 1998, cuando se estrenó en Miami la película Los Zafiros, Locura azul, el biopic del grupo filmado por Hugo Cancio, hijo de Miguelito, unas docenas de manifestantes insultaron en la puerta del cine a las setecientas personas que asistieron a la premiere.
Al final, el grupo se fue al garete como todos los buenos grupos de rock and roll, por indisciplina y autodestrucción, pero también por algo más. Gabán ha reconocido que no estaban preparados para el éxito, como suele ser habitual. Pero es que, además, desde su país se inició una campaña de desprestigio y les crearon una mala reputación que no se correspondía con la realidad. Perdieron todos los contratos y giras por el extranjero. Un grupo con un estilo genuinamente estadounidense ya no tenía cabida en la «nueva cultura nacional» que promovía el Gobierno cubano. Llegó el veto.
Cancio lo explicó años más tarde en televisión: «Llegaron a decir que Los Zafiros consumían droga. Jamás. Que bebían… ¡yo también! Yo he sido bebedor. Y me pongo una botella de whisky cada vez que puedo. Eso no es un delito ni está prohibido. ¿Alcohólicos? Está bien. Pero desgraciadamente. Y vamos a ver qué nos llevó a eso, porque todos somos personas y razonamos». No hace falta explicar las alusiones.
Desaparecieron de la televisión y de la radio. Cayeron en el ostracismo absoluto a pesar de seguir trabajando en nuevas canciones. Desde fuera se seguían solicitando sus actuaciones, en París, Italia, España… pero en su país no les hacían llegar las ofertas. La lenta decadencia llegó hasta 1975 que tiraron la toalla.
El primero en morir fue Ignacio, de una hermorragia cerebral cuando solo tenía treinta y siete años. Era 1981. Pese a haber sido silenciados, en su funeral, cuando trasladaban el cuerpo al cementerio en el coche, los trabajadores salían de las fábricas y se quitaban la gorra a su paso. Miguelito lo recuerda como una de las escenas más emocionantes de su vida.
Kike se fue en 1983 a causa de una cirrosis hepática. Murió en el salón de su casa viendo la televisión. Y el Chino murió en 1995 después de haber relanzado el grupo en 1987 como Los Nuevos Zafiros, una aventura que duró tres años. La del Chino fue la desaparición más trágica porque se produjo tras un profundo deterioro físico a causa del alcoholismo. Sus últimas apariciones en televisión fueron muy tristes. En una entrevista se inventó que coincidió con los Beatles en París. Fabulaba su encuentro con Lennon y luego, graciosamente, la anécdota fue reproducida en el New York Times, que se la tragó enterita.
«Odiaba verlos de la forma que eran al final. Yo pienso sobre ellos… las cosas que hicieron y dijeron; ellos nunca maduraron, eran como muchachos, pero tenían un buen corazón. Nacieron para cantar. Solo que no sabían cómo vivir», dijo Gabán años más tarde, antes de fallecer en La Habana con ochenta años en 2011. Aunque la prensa de todo el mundo dio la noticia haciendo mención a que era «el guitarrista de Buena Vista Social Club», pues trabajó con prácticamente todos sus artistas, y fue el elegido por Ry Cooder en 2003 para grabar Mambo Sinuendo.
A día de hoy, escuchar las canciones del LP de Los Zafiros Bossa Cubana, esas voces almibaradas, ese buen gusto, esa alegría, la fusión de estilos hasta entonces imposible, es una auténtica gozada. Pero, sobre todo, confirma la sensación de que de todos los géneros de la música popular del siglo XX, el doo-wop es el único que es irrepetible.
Yesterday Rolling Stone Magazine released a profile of Pendleton Ward, the series creator and former showrunner of Adventure Time. Yup, that’s right, former; according to the article, he stepped down in Season 5 because he could no longer handle the stress of running such a successful show. But it’s okay, we promise!
Ward explains his decision:
“To spend that extra energy and time you don’t have, to make something that’s worth making, to make it awesome, wears you out,” he says. [...] “It’s a beast of a show. And the more popular it gets, the more the ancillary things – like the merchandise and games and everything – keep getting bigger.”
And so, Ward confesses, one day during Season Five, unbeknownst to his fans, “I quit because it was driving me nuts.”
He says this not with sadness or frustration, but with relief. “For me, having quality of life outweighed the need to control this project and make it great all the time.”
Here, want to feel sadder? Because they also asked Ice King voice actor Tom Kenny about Ward, and he compares the situation to that of Simon becoming the Ice King. How dare you, sir.
“I would guess that the way the Ice King feels like he’s going mad and things are spinning out of his control, that must be what it’s like to run a show like this,” says Kenny, who is also the voice of SpongeBob. “I’m sure Pen has felt like he’s losing his grip on reality because he’s the arbiter of everything. Sometimes it’s burdensome and you yearn for simpler times.”
But don’t worry, friends: Ward isn’t stepping down from the show entirely. He’ll remain on as one of the show’s storyboard artists and writers, and has plans for a possible Adventure Time movie or video game—though he’ll probably never chose to create another TV show again so he won’t have to handle the stress anymore. “Whatever the next thing is, I just want my brain to be happy doing it,” he said.
Read the rest of the fascinating profile over here at Rolling Stone.
With so many activities being labeled as “nerdy,” it’s important to step back and recognize the appropriate times to let everyone know that you’re a nerd. Here are some scenarios…
1. If someone asks you to lift something really, really heavy.
Just because my desk is hand-crafted adamantium with stalrihm inlay doesn’t mean I got it up here myself. I’m a nerd. I have way too much on my hands with algorithms and Harry Potter. Get a musclehead to lift that.
2. If someone asks you to run for just, like, no reason.
Look, nerds don’t have time to run. First of all, is someone chasing me? I’m going to use my hard-earned nerd money to hire someone to beat them up for me. If I’m late, I’m going to walk briskly and remind myself to leave 5.4 minutes earlier next time.
3. Right before being punched in the face.
Common courtesy dictates that you should never hit someone with glasses. If you find yourself in a full-on brawl after calling someone “effervescent,” remember to yell “WAIT! I’M A NERD!” so they know to let you place your prescription glasses on a nearby table, where your other nerdy friend is hiding and live-tweeting how epic this all is.
4. When trying to explain an Internet-based job to your parents.
Nobody wins when it comes to explaining your fancy millennial career path to your parents. It’s better to say that you’re a nerd who makes money-pushing buttons in just the right order. Stress this activity’s nerdiness, lest they assume they too can learn to push those buttons for money. Remember, they were born in a time before being a nerd was cool.
5. When touring Willy Wonka’s Chocolate Factory.
Why you entered this establishment in the first place is questionable, but in the event you find yourself being turned into one of those hilarious people-based sweets, inform the nearest adult immediately—unless that adult is under four feet tall or is carrying a cane. The song will only give you time to transform into a more complete nerd, killing your chances of ever returning to your human body.
Nesta semana começamos as apresentaçons dalguns cursos e já temos novidades: Um novo curso de PILATES!!! Será 2ª feiras de 20h a 21h e 5ªfeiras de 18h a 19h com o mesmo professor e mesmo preço.
Também podemos dizer-vos que Dança iniciaçom de tarde, dança intermédio e Inglês estam completos mas ainda podedes apanhar praça em: Coro, Português avançado, pandeireta acompanhamento; Também ficam praças em horário de manhá em pilates, dança iniciaçom e gaita.
Nesta semana que entra, continuamos apresentando mais cursos onde ainda ficam praças!!! Se tedes interesse preincrevede-vos em gentalha@gentalha.org ou no 698142936
Obrigadas!!!
A manifestación, apoiada por 46 colectivos, coincide coa celebración da feira taurina na cidade, que este sábado rexistrou unha pobre asistencia no Coliseo.
14 trax grab bag of rare 60's worldwide sleaze, soul, and cool grooves galore compiled by DJs from an out-of-this-world Vegas-style supper club in Australia called Devilles Pad! Some of the stuff on here is astoundingly rare and each one a dance floor killer!
Lots of Hammond organ here, but also plenty of vocals too – served up over the kind of jerk and twist rhythms that can make a keyboard sound so great! Most numbers here appear to be of mid 60s vintage – and the set definitely lives up to the global sources promised in the title – as lyrics are in French and Spanish on some cuts, and in swinging English on others.
"Me EL CURACA Me Big Man Me CURACA Me Nice Man..."
Ramones -La Bronca de los Ramones articulo aparecido a finales de 1978 en Disco express firmado por Diego a Manrique. Siempre es bueno recuperar artículos que además de estar publicados en España estén firmados por redactores del país sin ser una mera traducción de artículos aparecidos en revistas inglesa o americanas.
Escaneos hechos por Spanish bombs blog
A partir de ahora usare el formato PDF para mejor lectura. Ha costado pero despues de unas cuantas horas se crear el Pdf a traves de los Scaneos hecho y lo mas interesante insertarlo dentro del Blog
Paul Revere Dick nació el 7 de enero de 1938 en Harvard, Nebraska y falleció el 4 de octubre de 2014 en Caldwell, Idaho. Formó el mítico grupo de “garage” de los sesenta, Paul Revere & The Raiders con el que tuvo éxitos como "Just like me", "Hungry", "Good thing", “Kicks” " o “Indian Reservation (The Lament of the Cherokee Reservation Indian) ". Empezó a tocar a finales de los cincuenta y siguió en activo con la banda hasta agosto de 2014 en que anunció su retirada.
El grupo se formó en Boise, Idaho, dirigidos por el organista Paul Revere quien a los 20 años ya poseía varios restaurantes en Caldwell (Idaho). El cantante Mark Lindsay se unió a la banda en 1958 cuando se llamaban The Downbeats. En 1960 cambiaron de nombre por el de Paul con los Raiders cuando estaban a punto de sacar su primer lanzamiento con Gardena records. Su primer éxito llevaría por título “Like, long hair”, un tema instrumental de 1961. Cuando llamaron a filas a Paul, este optó por la objeción de conciencia y trabajó de cocinero en una institución mental durante un año. En verano de 1962, Revere y Lindsay revivieron a los Raiders con el baterista Mike "Smitty" Smith. En abril de 1963, los Kingsmen y los Raiders grababan “Louie Louie” en los mismos estudios de Portland (Oregon). Acaban de formar la banda el guitarrista Drake Levin, más el bajista Mike "Doc" Holliday, que fue sustituido a principios de 1965 por Phil "Fang" Volk con su famoso bajo Vox Phantom IV de 1962.
En los Ángeles y el productor Terry Melcher empezaron a grabar a partir de 1965 algunos clásicos del “garage” norteamericano. Su primer éxito nacional fue “Just Like me” (1965). Por coincidencia con el nombre y apellido del que fue patriota de la guerra de independencia, vistieron de soldados e incluso inventaron una especie de danza que deslucía su enorme aportación al sonido “garage”. Inbcluso aparecieron en un capítulo de la serie televisiva de Batman en 1966. Ese año Levin dejó la banda para unirse a la Guardia Nacional y fue reemplazado por Jim Valley. En esa época sacan otros éxitos como "Kicks", "Hungry", "The Great Airplane Strike", "Good Thing" o "Him or Me - What's It Gonna Be?".
En pleno apogeo de popularidad, contaron con músicos de estudio y se fueron distanciando. Valley les dejó para seguir su carrera en solitario. Drake volvió a la banda para acabar la gira de 1967. Revere se enfadó con Levin al que acusaba de influenciar a los otros. Finalmente Volk y Smith con levin crearon los Brotherhood, y entraron en los Raiders, Charlie Coe al bajo quien había tocado con Revere en 1963 la guitarra, y Joe Correro Jr, a la batería. A finales de la década y con los gustos del público cambiando hacia la psicodelia aún tuvieron cierta repercusión con canciones como "Ups And Downs," "I Had A Dream," "Too Much Talk," "Don't Take it So Hard," "Cinderella Sunshine," "Mr. Sun, Mr. Moon," o "Let Me". En 1967 entró Freddie Weller a la guitarra y en 1968 sacaron su álbum más psicodélico “Something Happening” en el que Lindsay tuvo más control sobre la banda.
En los setenta acortaron el nombre a The Raiders y tuvieron un éxito con el tema “Indian Reservation” y en 1972 lo intentaron con un disco llamado “Country Wine” pero su discográfica Columbia estaba más pendiente de otros proyectos. En 1973 lo dejó Weller y en 1975 Lindsay abandonó para seguir en solitario. En 1976, Revere dio por finalizado el proyecto aunque volvió en 1978 con Blair Hill ("Louie Fontaine") como vocalista principal.
Versionados por grupos como los Sex Pistols, Flaming Groovies, Circle Jerks, Joan jett, David Bowie y muchos más, influenciaron al “garage” de los ochenta mientras ellos siguieron con una formación estable durante los ochenta y los noventa con Omar Martinez (batería desde 1972), Doug Heath (guitarrista desde 1973), Ron Foos (bajo desde 1975), y Carlo "Carl" Driggs que reemplazó a Michael Bradley en 1983 y que a su vez dejó su puesto en 2004 a Darren Dowler. En 2007 se hizo cargo de la batería Tommy Scheckel. En 2010 entraron a formar parte del Salón de la Fama y en agosto de 2014 Paul Revere anunció su retirada. Su hijo Jamie Revere se incorporó a la banda en 2014 y ya había tocado con los Raiders en los noventa.
Documentos sonoros: “Like, long hair”, primer éxito de Paul Revere con los Raiders (1961).
Interpretando en televisión su versión del "Louie Louie" de 1963.
“Just Like me”, fue su primer éxito nacional de 1965.
Otra vez en la televisión en 1967 con uno de sus mejores éxitos "Kicks".
Los Raiders en los setenta con el tema "Indian Reservation".
The advertising character we know as the Michelin Man has been used by the tire company off and on for 116 years now. His name is Bibendum, a moniker he gained from an appropriated artwork. It’s a Latin word for the act of drinking, which seems weird now, but his creators did not know Latin. And Bibendum was quite an odd character 100 years ago.
Many of the posters from the early 20th-century depict him as a somewhat sinister figure, large and bespectacled and chomping permanently on a cigar. Initially he was shown drinking champagne, which linked to the Latinate toast, and this was reinforced by a strangely worded tagline that had been first mentioned in 1893: "À Votre Santé Le Pneu Michelin Boit L’Obstacle!" (The Michelin tire drinks up obstacles!). The poster apparently led to the character being known for a while as the "road drunkard," an image that would be abhorrent to any car-related company today. But the Michelin Man learned to change with the times.
Not only did he sober up, he became less obviously wealthy. Notice the fat cat look in the 1914 poster above. Read about the evolution of the Michelin Man at Co.DESIGN. -via Digg
I've never dyed my armpit hair, so I was a bit surprised at the complexity of the task. There's more to it than just slathering on dye with a brush.
Roxie Hunt is a stylist at Vain, a salon in Seattle. She has a lot of experience with dyeing hair, but never armpit hair. Rain, one of her colleagues, volunteered to be her test subject. Hunt used a mixture of bleach, 30 volume developer, and two shades of blue dye. Rain had to hold her arms up while the dye dried. But the wait was worth it: for 2 weeks, she had armpits with a rich shade of blue.
In 2006, Germany did something radical: they decided to allow public colleges to charge tuition for the first time, with fees of up to €1,000 per year. Now they've done something equally radical: they've abolished tuition again. Public universities will be free for all students, as all the state governments that had implemented tuition fees have now reversed themselves.
As Times Higher Education, a British publication, writes, the idea of paying for college was repugnant enough to students and citizens that it forced a quick and major political change:
In Hesse, for instance, students protested en masse, a citizens' initiative collected 70,000 signatures, and the ruling Christian Democratic Union party, fighting for re-election in 2008, reversed course in order to retain power. Tuition fees then unravelled at almost the same speed as they had been stitched up. Those state governments that followed Hesse's lead in abolishing fees stayed in power; those that refused were removed from office at the next election. The U-turns involved were often spectacular. The conservative prime minister of Bavaria, threatened with a fee referendum, arm-twisted his liberal coalition partner into abolishing fees. He survived the election of September 2013 but his liberal partner, the Free Democratic Party, having announced it would return with a better idea on fees, lost power.
This is a remarkable turnaround, although the result isn't unusual in the European Union, where college is generally very low-cost. But not charging tuition actually isn't the most interesting thing Germany does to make college affordable — because tuition often isn't the biggest cost of college.
Free tuition doesn't make college entirely affordable
The US has the most expensive universities in the world, in part because of its relatively robust system of private higher education. About 16 percent of students attend private nonprofit colleges in the US; in Germany, fewer than 1 percent do. That means that individual German states' decision to abolish tuition at public institutions makes college tuition-free for nearly all students.
Even in the US, however, the majority of students attend public universities. And while tuition and fees are much higher here than they are elsewhere in the world, the lowest-income students at community colleges often have their tuition entirely paid for. That's because the maximum federal grant for low-income students tops out at $5,730, while the average annual cost of tuition at community colleges is less than $3,000.
But even so, financing college isn't easy, either here or in Germany. That's because the biggest cost of college often isn't attendance fees. It's living expenses, like room and board, that are harder to pay for when you're in school and can't work full-time. This is why Sweden, which has free higher education, also has a surprisingly high amount of student debt: about $19,000 in US dollars per graduate, and the vast majority of students take out loans. They use the money to live on while attending college.
Germany's student aid program — yes, there's a long German word for it, Bundesausbildungsförderungsgesetz — handles the question of living expenses in a very student-friendly manner. Even if students still take on debt, it's under more generous terms than the US. Students whose families are judged to need financial aid get it half as grants, half as loans. The loan has no interest, a 20-year repayment period, and repayment isn't required until students have been out of college for five years. Repayment is also capped at €10,000 — even if students borrow more than that, they're not required to pay it back.
Compare that to the US, where tuition is higher, federal loans for undergraduates have an interest rate of 4.5 percent, loans are typically paid back over 10 years (although that's changing), repayment starts six months after graduation, and the average student with debt has borrowed nearly $30,000. Free tuition might not actually be the biggest difference between the US and German systems.
Pss, pss, amigo. ¿Se siente usted el más moderno de su clase/oficina/familia? ¿Cree usted que Wilco, Arcade Fire y Radiohead son lo mejor que le ha pasado a la música en las últimas cuatro décadas? ¿Se toma las recomendaciones musicales de Rockdelux y Pitchfork como un dogma de fe? ¿Tiene fobia a la cultura politizada? ¿Se ríe usted a mandíbula batiente de los gustos musicales de chonis, perroflautas y bakaladeros? ¿Se cree usted, en definitiva, único y especial? Pues no se preocupe: tenemos la solución a su problema, la lectura del ensayo Indies, hipsters y gafapastas. Crónica de una dominación cultural (Capitán Swing, 2014), del periodista Víctor Lenore, que más que escribir un libro ha inventado la primera máquina de deshipsterizar personas. El ensayo se publica la semana que viene.
De lo hipster hay que huir como de la peste, viene a decir Lenore, y sabe de lo que habla: él ha sido el primero en deshipsterizarse, al pasar de periodista musical deslumbrado por el indie en los noventa a crítico cultural embarcado en una misión en el siglo XXI: desvelar la impostura indie/hipster y, al mismo tiempo, acercar al gran público estilos y grupos en la periferia del gusto dominante.
Lenore, periodista cultural de referencia y colaborador de este periódico, responde así a los que airean su contradictoria biografía personal y laboral para desarmar sus argumentaciones. “Damos demasiada importancia a la coherencia personal y muy poca a los debates colectivos”, espeta.
Y procede a explicar su caso para meterse en harina. O cómo Víctor Lenore escapó del infierno hipster y vivió para contarlo (y soltar unos cuantos mamporros a los indies): “En 1995 yo tenía 23 años y a esa edad la gente no suele ser muy fiable. Mi vestuario de entonces consistía en seis camisetas de Morrissey, seis de Sonic Youth y seis de Manic Street Preachers. Básicamente yo era una versión alienada y esnob de una belieber actual, con la desventaja de la carga de esnobismo que conlleva creerte ‘alternativo’ y superior a los demás. No sé si tengo razón en lo que escribo ahora, pero estoy seguro de que no la tenía entonces. Me conformo con que el lector se convenza de eso. En realidad, mi hipsterismo duró hasta pasados los treinta. Mitad por inclinación personal, mitad por imperativo laboral, me pasaba el día escribiendo alabanzas sobre Wilco, The Strokes, Animal Collective, Leonard Cohen, Los Planetas y otra serie de nombres ‘elegantes’, ‘exquisitos’ y ‘especiales’. Gran parte de mi vida era una burbuja estética ajena a la realidad, incluso a mis problemas vitales más inmediatos”, cuenta a El Confidencial.
Lenore, por tanto, sería la demostración en carne viva de que del indie, como de la droga, “también se sale”. Es duro renunciar a ser especial, sí, pero se puede: el hipsterismo tiene cura, amigos. “Del indie también se sale. Puedo certificarlo. Ayuda cumplir años: te relajas y vas tomando conciencia de que muchos de tus códigos culturales son fruto de la inercia, la inseguridad y la idiotez individualista”, espeta.
Todo esto suena un poco a la furia del converso, en efecto, como si Lenore hubiera decidido purgar sus pecados de juventud acabando a bombazos con el indie. Que el cantante Nacho Vegas prologue el libro, en un texto reflexivo y con mucho filo político, podría reforzar esa idea. Pero no. Lo que hace que Indies, hipsters y gafapastas sea muchísimo más que el desahogo de un crítico en dramática lucha freudiana contra sí mismo es la capacidad de Lenore para argumentar su tesis.
Estamos ante un ensayo con chicha -en la línea del traje que le hizo Thomas Frank a la mercantilización de la contracultura estadounidense en La cultura de lo cool- sobre un tema relevante, ya que refleja dinámicas sociales profundas; por ejemplo, la relación entre nuestros gustos culturales y el modo en que nos organizamos como sociedad. Por si todo esto no fuera suficiente, Indies, hipsters y gafapastas es también un libro beligerante que va a levantar ampollas: Lenore reparte mandobles a diestro y a siniestro (la lista de grupos, escritores, directores y medios de tendencias vapuleados en el ensayo es demasiado extensa como para comentarla con detalle). Toda una rara avis, por tanto, en el contexto del periodismo cultural cañí, más amigo de la reseña promocional y la obsesión con las tendencias que de los enfoques conflictivos.
Lenore ha tenido en los últimos años sonoros “desencuentros” con lo que él denomina “el ala dura del hipsterismo, la que “no soporta a Manu Chao por ser un artista que hace música popular latina”. Su explicación a esta fobia hipster no le ayudará precisamente a limar asperezas con sus enemigos modernos:
“Siempre me ha interesado América del sur: Víctor Jara, Rubén Blades, el reggaetón….Son artistas que la mayoría de hipsters españoles no soportan, seguramente por una mezcla de prejuicios racistas y clasistas", afirma.
Y procede a poner un par de ejemplos sangrantes:
"A muchos indies les repatea escuchar la misma música que disfruta una señora ecuatoriana que limpia casas. Todo lo que sean problemas ajenos les suena a panfleto. Esta escena cultural arrastra un enorme cargamento de prejuicios. Pero no hablamos solo de una cuestión de gustos: un hipster puede pasar tres días de fiesta en un festival como el Sónar y despreciar a la gente que baila los mismos discjockeys en un club de extrarradio donde acude público de clase obrera. No es solo lo qué bailas, sino con quién lo bailas. Parece que escuchar una sesión de techno rodeado de diseñadores gráficos fuera más valioso que hacerlo entre reponedores del Ahorra Más. La cultura hipster, en gran parte, funciona como legitimación del clasismo”, afirma con no poca dosis de vitriolo.
Para entendernos: lo hipster sería la actual degeneración de lo indie, y a todos ellos les podríamos agrupar bajo la etiqueta clásica de “los modernos”. Término que en otra época se asociaba más al underground, pero que actualmente, según Lenore, vendría a poner nombre a una élite cultural del buen gusto. La casta de la modernidad (ejem).
“Son élite porque están más atentos que nadie a los nuevos productos culturales. Unos dicen que los hipsters son jóvenes con gran curiosidad cultural, otros les vemos como los consumidores más inseguros y obedientes del mercado (por lo menos, yo lo era en mis años como hipster). El ‘buen gusto' es un concepto vacío, variable y cuestionable. Cuando nuestra abuela compra una figurita de Lladró suele hacerlo en nombre del buen gusto. No encuentro mucha diferencia entre eso y pagar cien euros para escuchar los gorgoritos de Bjork en el Liceo o de Antony & The Johnsons en el Teatro Real, acompañados de una escenografía posmoderna. No se trata de depurar nuestro ‘buen gusto’ para llegar a otro mejor, sino de examinar qué tipo de relaciones generan nuestras preferencias estéticas. Una escena cultural elitista y mitómana no es compatible con una sociedad igualitaria. Los hipsters solo son élite en el sentido de que han hecho suyos los valores de la clase alta, empezando por el consumismo, la meritocracia y el emprendizaje. En muchas ocasiones, se trata de un proceso inconsciente”, razona.
El libro de Lenore sería, por tanto, un intento por dinamitar la presunta neutralidad del gusto cultural. Apoyándose en los análisis del sociólogo francés Pierre Bourdieu, el ensayista trata de demostrar que los gustos no vienen determinados por la sensibilidad de cada cual, sino por factores tan poco bucólicos como la clase o el entorno social. El gusto cultural no es inocente.
“El mercado no es algo neutro: tiene una fuerte carga de imposición. Nos meten por los ojos ciertos productos como requisito para encajar en determinados ambientes sociales. Lo que marca ahora la pauta puede ser un Iphone, un disco de Kanye West o una exposición del fotógrafo porno punk Terry Richardson. Escoger esos consumos no es rebelarse frente a lo que propone Telecinco, sino ser obediente con lo que prescribe Radio 3 y las revistas de tendencias... Escoger entre los productos culturales que nos ofrece la industria es mucho más fácil que construir relaciones culturales propias. Por eso confundimos la cultura con la lista de la compra de la FNAC. Muchas pandillas indies no tienen más conexión que ser fans de Joy Division, Radiohead y Arcade Fire; son relaciones basadas en contraseñas estéticas. La mayoría de iconos hipster apuestan por un nihilismo cool: el mundo es un absurdo irreparable y lo único que merece la pena es acumular placer y refinar tu sensibilidad artística. Me parece una postura muy reaccionaria”, espeta Lenore.
El periodista, que abre muchos frentes argumentativos en el ensayo, analiza también por qué los medios de comunicación priman la cobertura de lo indie/hipster sobre el resto de movimientos culturales. Una de las explicaciones tendría que ver con su condición de producto de consumo que encaja como un guante en el mainstream económico; lo que, según Lenore, convierte en entrañables las ínfulas alternativas de los hipsters.
“Thomas Frank dice que ‘las élites adoran la revoluciones que se limitan a cambios estéticos’. Lo hipster es una estética de aire moderno que, al mismo tiempo, no crea conflictos políticos con los directivos, los anunciantes, ni los lectores de los grandes medios. Conceptos como ‘creatividad’, ‘innovación’, ‘genio’ y ‘emprendizaje' son los favoritos de la escena hipster y también de las grandes corporaciones. Por eso la mitad de las campañas publicitarias tienen banda sonora de estos grupos cool. Sonic Youth publican recopilatorio en Starbucks, los Pixies anuncian Apple y Russian Red se reparte entre Women's Secret y Trinaranjus. El lenguaje de los hipsters y el de los ejecutivos publicitarios es calcado: si compras este producto o escuchas este grupo dejarás de pertenecer a ‘la masa’ y te convertirás en ‘especial’. Es un truco simplón y transparente, pero también muy efectivo. A mí me tuvo engañado durante unos veinte años”, razona el periodista.
Resumiendo para acabar: Puede que los hipsters se consideren muy especiales por oír música experimental, en contraste con los merluzos que asisten al Viña Rock, pero lo que les define en realidad es algo tan ordinario y mainstream como sus gustos como consumidores. De ahí que, donde unos ven sofisticación individual, Lenore vea más bien “paletismo” borrego.
“La cultura indie, hipster y gafapasta se basa en comprar. Es verdad que los productos son distintos a los habituales: digamos comida orgánica, ediciones limitadas en vinilo y lámparas retro, pero al fin y al cabo lo que te define es el consumo. En realidad, lo hipster es una puesta al día de la mentalidad de los pijos de los ochenta. Por eso Alaska y Mario Vaquerizo hablan el mismo lenguaje que su amiga Carmen Lomana, aunque a unos les gusten los Ramones y a otra las rancheras. Lo que digo en el libro es que no eres superior a nadie por haber pasado un año en Berlín, leer a Foster Wallace y escuchar antifolk. Es cierto que hemos ganado en variedad de estilos de vida, pero no de posturas vitales, ya que sigue mandando el individualismo y el consumismo. Ser una persona culta, consciente y sofisticada requiere mucho más esfuerzo que el de usar tu tarjeta de crédito. En gran parte, los hipsters son una versión 2.0 de los yuppies, con mucho menos dinero pero igual de narcisistas”, zanja Lenore
Todos tenemos la percepción de que tener un buen físico no es tan importante para el éxito social y afectivo si eres hombre que si eres mujer. Lo que resulta de todo punto paradójico es que los hombres bajitos y con un cuerpo que dista de ser el de Adonis tienen más encuentros sexuales que los altos y delgados, lo que aún le resta mucha mayor importancia al físico masculino frente al femenino.
Es al menos lo que sugiere un estudio realizado por investigadores húngaros y publicado en la revista The Journal of Sexual Medicine.
Los voluntarios que participaron en el estudio (531 participantes heterosexuales con edades comprendidas entre los 20 y los 54 años) fueron medidos en cuanto a su altura, su peso, el índice de masa corporal (IMC) y la circunferencia de la cintura. Tras superar una encuesta acerca de sus relaciones sexuales, ingesta de medicamentos, hábitos de vida y demás, la estadística arrojó lo siguiente: en promedio, los hombres tenían relaciones sexuales dos veces y media por semana, siendo los de 25-29 años los que con más frecuencia las tenían, con tres veces por semana.
Los que tenían más encuentros sexuales eran los que medían menos de 1.75 m, pesar menos de 78 kilogramos y con una circunferencia de cintura normal.
La conclusión es que ninguna de las medidas del cuerpo fue asociada a la cantidad de actividad sexual entre los hombres. Esto parece ir en contra de todo lo que hemos (tal vez inconscientemente) aprendido acerca de la estatura y los hombres: que la altura es un indicador genético de la condición física y, por lo tanto, del atractivo. Aunque también podríamos concluir, entre nosotros, que quizá los hombres mienten más que hablan a la hora de reflejar el número de sus encuentros sexuales.
El estudio, sin embargo, los bajitos pueden intentar reafirmar su virilidad a través de diferentes medios, como la adquisición de ropa cara y coches llamativos, y otros rasgos que describan un estatus elevado.
After decades of making music that veered into roots music and low-key pop, Paul Collins‘ 2010’s King of Power Pop! was an invigorating return to form that proved he was still the master of the sort of upbeat, hooky rock & roll he played with the Nerves and the Beat. 2014’s Feel the Noise isn’t quite as strong, but it comes close enough to confirm Collins is back on track and still capable of writing, singing, and playing grade-A rock & roll that will sound great on the AM radio in your mind.
Like King of Power Pop!, Feel the Noise was recorded in Detroit with a handful of local notables helping out — Nikki Corvette contributes backing vocals on “Baby I Want You,” David Shettler of the Sights and SSM plays the drums, Sights leader Eddie Baranek also contributes some guitar leads,…
…and producer Jim Diamond handles the bass and some more guitar. The production recalls the tight, immediate sound of the classic debut album from the Beat, and Collins is writing songs that play to his strengths as a rock & roller while displaying the lyrical viewpoint of a grown man — “Walk Away” speaks of heartbreak from the perspective of someone who has dealt with it more than once, “Don’t Know How to Treat a Lady” offers some valuable advice on romance, and a tough rockin’ cover of the Four Tops’ “Reach Out I’ll Be There” speaks of the strength and determination that comes with experience. But if you’re just looking for a good time, don’t fret — “I Need My Rock ‘n’ Roll,” “Little Suzy,” and the title cut are full of fire and good energy, and show this man’s power pop credentials are absolutely up to date. Feel the Noise suggests Paul Collins is in the midst of an unexpected career renaissance, and folks who love smart pop and rock & roll with hooks and heart have been waiting for this, even if they don’t know it.
Compiled and annotated by Shindig!'s very own Andy Morten, Hungry For Kicks is the first compilation to exclusively concentrate on the Raiders at the absolute peak of their hit making powers.
trax:
Compiled and annotated by Shindig!'s very own Andy Morten, Hungry For Kicks is the first compilation to exclusively concentrate on the Raiders at the absolute peak of their hit making powers.
trax:
Goran Bregovic: «La primera vez que escuché flamenco en directo fue como sexo salvaje»
Canciones para comer helado derretido sobre carne humana al final del verano
Manolo García: «Un mecenazgo cultural institucional es intromisión y es manipulación»
El mejor guitarrista del que nunca has oído hablar
“¡Dad palmas, jodidos nazis!”; 1961, el año de los Beatles en Hamburgo
La historia de Iggy Pop en cincuenta canciones (y II)
Paul Revere Dick nació el 7 de enero de 1938 en Harvard, Nebraska y falleció el 4 de octubre de 2014 en Caldwell, Idaho. Formó el mítico grupo de “garage” de los sesenta, Paul Revere & The Raiders con el que tuvo éxitos como "Just like me", "Hungry", "Good thing", “Kicks” " o “Indian Reservation (The Lament of the Cherokee Reservation Indian) ". Empezó a tocar a finales de los cincuenta y siguió en activo con la banda hasta agosto de 2014 en que anunció su retirada. 
En los Ángeles y el productor Terry Melcher empezaron a grabar a partir de 1965 algunos clásicos del “garage” norteamericano. Su primer éxito nacional fue “Just Like me” (1965). Por coincidencia con el nombre y apellido del que fue patriota de la guerra de independencia, vistieron de soldados e incluso inventaron una especie de danza que deslucía su enorme aportación al sonido “garage”. Inbcluso aparecieron en un capítulo de la serie televisiva de Batman en 1966. Ese año Levin dejó la banda para unirse a la Guardia Nacional y fue reemplazado por Jim Valley. En esa época sacan otros éxitos como "Kicks", "Hungry", "The Great Airplane Strike", "Good Thing" o "Him or Me - What's It Gonna Be?".
En los setenta acortaron el nombre a The Raiders y tuvieron un éxito con el tema “Indian Reservation” y en 1972 lo intentaron con un disco llamado “Country Wine” pero su discográfica Columbia estaba más pendiente de otros proyectos. En 1973 lo dejó Weller y en 1975 Lindsay abandonó para seguir en solitario. En 1976, Revere dio por finalizado el proyecto aunque volvió en 1978 con Blair Hill ("Louie Fontaine") como vocalista principal.
Lenore, por tanto, sería la demostración en carne viva de que del indie, como de la droga, “también se sale”. Es duro renunciar a ser especial, sí, pero se puede: el hipsterismo tiene cura, amigos. “Del indie también se sale. Puedo certificarlo. Ayuda cumplir años: te relajas y vas tomando conciencia de que muchos de tus códigos culturales son fruto de la inercia, la inseguridad y la idiotez individualista”, espeta.
After decades of making music that veered into roots music and low-key pop, Paul Collins‘ 2010’s King of Power Pop! was an invigorating return to form that proved he was still the master of the sort of upbeat, hooky rock & roll he played with the Nerves and the Beat. 2014’s Feel the Noise isn’t quite as strong, but it comes close enough to confirm Collins is back on track and still capable of writing, singing, and playing grade-A rock & roll that will sound great on the AM radio in your mind.