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13 Sep 21:26

Sword Guys Are a Thing and I've Had Sex With All of Them

by coolname
Hana Michels breaks down a subspecies of That Guy

From the article:
I genuinely think there's no better demonstration of sexism in our society than the fact that we talk about cat ladies but not sword guys (and I do not mean to disparage either). This is despite the fact that the transition into the sword-guy lifestyle is swifter: A woman has to have, let's say, more than three cats before her cat ownership becomes a lifestyle statement and people deem her a "cat lady." But if a guy just mounts a single katana on his wall he is saying, "That's it, this is me now." Yet we never talk about sword guys?
13 Sep 10:29

Guía de iniciación al manga (II) – Cómo ‘Shonen Jump’ y ‘Dragon Ball’ definieron el manga para las masas

by Álvaro Arbonés

Nuestra segunda entrega de la serie de artículos dedicados a conocer mejor el mundo del manga está dedicado a la revista de manga con mayor tirada del mundo: la Shōnen Jump. Pero no sólo hablaremos de shōnen. Además de la revista donde salen todos los mangas de los que has oído hablar, hablaremos del manga y posterior anime más exitoso de la historia: Dragon Ball.

Tras asomarnos a los orígenes del manga personificados en Osamu Tezuka, hacemos una pregunta hipotética al común de los mortales: qué define al manga. Posiblemente, la respuesta no variaría demasiado. Aventuras, hostias como panes, violencia desmedida. Seguramente también dirían que algo de erotismo, pero sin llegar a lo pornográfico. Algo muy adolescente. Muy poco serio. Y si bien esa imagen está muy lejos de ser capaz de retratar cómo es la totalidad del manga, no es menos cierto que, en su vertiente más popular, hay bastante de eso. O de eso hay bastante en la Shōnen Jump.

Con una tirada de alrededor de dos millones de ejemplares semanales, ésta es, con diferencia abismal, la revista de manga más vendida de Japón. El lugar donde se publican algunas de las series más populares del mundo, la revista que marca tendencias tanto en estética como en narrativa, y, además, la culpable de que el mundo considere que el manga es algo exclusivamente apto para los espíritus todavía enamorados de la hostia seca, la aventura y el goce que ello implica. Porque el férreo dominio de la Shōnen Jump sobre la cultura japonesa no es algo nuevo. Es algo que llevamos sufriendo, si es que no disfrutando, desde hace ya casi medio siglo.




Al final, lo que sabe de manga el que no sabe nada de manga procede de la Shōnen Jump. Desde Mazinger Z hasta One Piece, muchos de los más grandes han pasado por sus páginas. Y entre los grandes, el que mejor ha definido el espíritu de la revista y su imagen, es también el más conocido entre el público occidental: Akira Toriyama.

Shōnen Jump, Dragon Ball y el éxito medido en cifras

Creada por Sueisha en 1968 buscando imitar el éxito de otras revistas enfocadas a una demografía shōnen -es decir, personas de sexo masculino entre los 12 y los 16 años-, ya hacia la mitad de los setenta la Shōnen Jump consiguió desbancar a la Weekly Shōnen Magazine y la Weekly Shōnen Sunday como la revista de referencia ya no sólo del shōnen, sino del manga en general. Algo que sólo puede explicarse a través de una proverbial buena suerte y un olfato único para saber definir su personalidad sin distinguir entre artistas nuevos o consagrados, haciendo sus inmisericordes políticas de cancelación de series igual de estrictas para todo. Porque si algo sabe hacer la Shōnen Jump además de dar cobijo a mangas que nos hagan decir “ésto es muy Shōnen Jump” es cancelarlos tras un puñado de números si no cumplen las expectativas de sus lectores.

Pero el pelotazo aún estaba por llegar. Para la Shōnen Jump su gran momento llegaría dieciséis años después, en forma de la obra de un joven mangaka que ya había alimentado a la revista con innumerables one-shoots de calidad más bien cuestionable y una serie humorística que fue un éxito notable, incluso si sólo puede ser leído como menor por comparación. Porque el verdadero éxito de Shōnen Jump fue tener entre sus páginas Dragon Ball.

Dragon Ball (1984-1995) comenzó su serialización en las páginas de la revista en 1984, continuando ininterrumpidamente hasta 1995, dando un total de 519 capítulos, 42 tomos y 156 millones de ejemplares vendidos sólo en Japón. Cifras absolutamente mareantes, sólo superadas por los más de 200 millones de ejemplares de Golgo 13 (que lleva publicándose ininterrumpidamente desde 1968 con 185 tomos a sus espaldas) y los 350 millones de ejemplares de One Piece (que lleva 86 tomos desde el comienzo de su publicación en 1997). Dadas las cifras, no extrañará a nadie si decimos que el éxito de Dragon Ball fue inmediato, fulgurante y aún hoy inexplicable.

O no del todo inexplicable. Si quisiéramos encontrar la razón detrás de su éxito tendríamos que acudir al núcleo duro de lo que es Shōnen Jump. Comprender cuáles son sus valores mismos porque, desde su creación, la revista ha sido fiel a una serie de directrices que ha atesorado no sólo como definitorios de gran parte de las series de la revista, sino que ha conseguido consolidarlos como los elementos básicos del paradigma shōnen: la estructura en forma de torneo, la exaltación de la amistad, el erotismo de baja intensidad, el humor rayano la imbecilidad y el tono amable dentro de lo épico-trágico.

Partiendo de esa plantilla, que exploraremos en mayor profundidad después, es fácil ver cómo Dragon Ball cumple punto por punto todas las claves de lo que es considerado una serie canónica de la Shōnen Jump. Tenemos por un lado la estructura de torneo, ya que en su viaje a por las bolas de dragón Goku tendrá que ir derrotando a rivales cada vez más fuertes -para, según avanzan los arcos, hacer de esa estructura el propio conflicto en sí: dentro de la estructura de más fuerte todavía, se acaban introduciendo torneos, como el de artes marciales o el de Célula, para hacer literal lo que hasta entonces era metafórico-. Por otro, la exaltación de la amistad, especialmente en el hecho de que buena parte de los villanos menores acaban cambiándose de bando dada la bondad de los personajes protagonistas; el erotismo de baja intensidad, que si bien fue desapareciendo con el tiempo es la propia razón de la existencia de Bulma; el humor estúpido, que también se fue perdiendo para retomar de forma adorable con la saga de Magin Boo, la imbecilidad congénita de Mr. Satan o Son Gohan, pasando de ser la gran esperanza saiyan a ser el ridículo personificado en forma de Saiyaman; y el tono amable dentro de lo épico-trágico, que hacía que ni tras la derrota ni la muerte hubiera nada que pudiera perturbar las mentes más pueriles.

¿Dónde reside entonces el éxito de Dragon Ball? En ser un manga simple, sin dobleces ni complicación, donde todo apunta a un crecimiento constante de la tensión vía un potencial aumento infinito del poder involucrado. En suma, en ser el paradigma de lo que es la Shōnen Jump. Pero no nos quedemos ahí, porque eso sería suponer que el público es idiota, que no es el caso. También influye el dibujo de Toriyama, excepcional en su capacidad para los diseños memorables a la par que muy reconocibles, además de ciertos factores externos imposibles de atribuir ni a la revista ni al propio manga.

Porque Toriyama no existe sólo por el éxito de Dragon Ball. Tanto antes como especialmente durante la serialización de la misma tuvo más de un golpe de suerte que le puso en el candelero.

Toriyama ante el éxito de Dragon Ball: una comedia en cinco actos

Akira Toriyama

Aunque está en la revista desde 1977, no sería hasta 1980 que Toriyama conseguiría su primera serialización tras una serie de one-shot, mangas auto-conclusivos, de escasa repercusión y calidad más bien pobre. Dr. Slump (1980-1984), su primer manga de largo recorrido, era una historia de humor que transcurría en Villa Pingüino, un pueblo donde coexistían humanos, animales antropomórficos y la protagonista, Arale Norimaki, una chica robot naïf y adorable, que ejercía de catalizador de todos los conflictos del pueblo. Todo en mor de la parodia de la cultura popular del momento, los chistes de caca-culo-pedo-pis y los juegos de palabras intraducibles, llevados no pocas veces a las referencias visuales absurdas por sí mismas y que tanto gustan en el país nipón. Tanto gustan que de hecho fue todo un éxito. Tras 236 capítulos y dieciocho tomos recopilatorios logró vender 35 millones de copias en Japón a fecha de 2008, además de ganar el prestigioso Shogakukan Manga Award, un importante premio para series en publicación.

Con Dr. Slump todavía en publicación Toriyama no perdió el hábito de seguir publicando one shots, sin generar gran conmoción a su paso, pero creando un constante runrún entre el público. Y cuando finalmente concluyó Dr. Slump, en 1984, comenzó Dragon Ball.

Esto es un detalle importante por lo obvio: no permitió que los fans se olvidaran de él. Inundando el mercado de sus productos, siendo japonés y lector de la Shōnen Jump en los noventa, podías acabar harto de la ubicuidad de Toriyama, entre el éxito masivo de Dr. Slump y su miríada de one shots, pero en ningún caso podías pasarlo por alto. Porque incluso si no siempre mantuvo el nivel, siempre produjo material suficiente como para tener un lugar destacado en la mente de los lectores. Algo que debieron tener muy presente en Enix cuando le contrataron para hacer el diseño de personajes para una nueva saga de RPG’s, Dragon Quest. Esa misma saga que de su primer título vendió dos millones de ejemplares sólo en Japón y, hoy en día, cada nueva entrega en Japón es lanzado en día festivo para evitar un absentismo escolar y laboral masivo.

Dr. Slump, de Akira Toriyama

En cierto modo el éxito de Dragon Ball reside tanto en ser el paradigma de la Shōnen Jump como en el hecho de la excepcional labor como ilustrador (que no como mangaka) de Toriyama. Eso sin contar que la primera parte del manga no deja de ser una versión con continuidad narrativa del estilo ya cultivado en Dr. Slump. De ahí que su éxito se pueda explicar en dos pinceladas: encontró un estilo que conectaba con el público y supo cómo explotarlo de forma eficiente.

Por desgracia para sus fans y para la revista, Dragon Ball no duró eternamente. Acabó su andadura tras once años y con Shōnen Jump con las mayores tiradas de su historia, rozando los seis millones de ejemplares por número. Lo que vino después fue el abismo: aunque Dragon Ball personifique el espíritu de la revista, la mayor parte de los lectores de aquella época eran lectores de Dragon Ball, no de la Shōnen Jump. Y con la serie también se marcharon ellos.

Eso dejó a la revista en una situación delicada. Pero nos permite también comprender un aspecto importante: Dragon Ball es una excepción. Un accidente. Porque igual que Toriyama es algo más que Dragon Ball, la Shōnen Jump es algo más que Toriyama.

Creando el estilo Shonen Jump (con denuncias de las asociaciones de padres)

Harenchi Gakuen, de Gō Nagai

Si bien la Shōnen Jump consiguió ganarse el favor del público gracias a la concatenación de grandes series en los setenta, en sus primeros números podemos encontrar cierta inconsistencia en lo que respecta a su tono. Si bien todas eran shōnen, cada serie tenía su propio estilo, primando más el hecho del interés en sí y el valor particular de cada artista que un determinado tono específico que efectuara el papel de argamasa de todo cuanto se publicaba en la revista. Al menos hasta que llegó a sus páginas uno de los discípulos de Osamu Tezuka, Gō Nagai.

Aunque ya había publicado historias cortas con anterioridad, la oportunidad de sacar su primer manga serializado le llegaría de la mano de la Shōnen Jump. De ese modo dio el salto con la revista y se sacó de la manga Harenchi Gakuen (1968-1972). Considerada como el origen del ecchi, o manga erótico, la serie narra las tribulaciones de un protagonista violento, pero de buen corazón, cuya mayor aspiración en la vida era ver a sus compañeras de instituto en sus momentos menos decorosos. Aunque hoy puede parecernos una premisa trillada, además de muy naïf en su representación, en el momento fue toda una revolución: ni siquiera cabía imaginar que en el manga fuera posible contar esa clase de historias. De ese modo la Shōnen Jump pasó de ser una revista más de shōnen como otra cualquiera a vender más de un millón de ejemplares en menos de un año, Gō Nagai empezó a ser invitado a tertulias televisivas para hablar sobre la relación de los japoneses con el erotismo -ya que, según sus declaraciones, a él no le interesaba enseñar pechos: le interesaba analizar la delicada relación del país con el erotismo; temática, por lo demás, en boga en los sesenta- y tanto revista como autor iniciaron una larga y prolífica carrera de colaboraciones de la que ambos salieron ampliamente favorecidos.

Eso no quita para que también les trajeran un buen puñado de problemas. Aunque el manga no tardo ni dos años en tener su propia adaptación a la televisión, ésta fue cancelada debido a la presión de las asociaciones de padres que llegaron a denominar a Nagai “enemigo de la sociedad”. Algo que si bien no perturbó en lo más mínimo al autor, considerando que ha cimentado toda su carrera sobre el triunvirato consistente en la violencia, el erotismo y la literatura clásica, sí causó cierta conmoción que aún hoy está muy presente en la Shonen Jump: para evitarse problemas, es mejor mantener ciertos temas al mínimo.

Kochira Katsushika-ku Kameari Kōen-mae Hashutsujo, de Osamu Akimoto.

De ese modo, casi por accidente, Gō Nagai acabaría siendo quien definiera el espíritu de la Shōnen Jump. Con Harenchi Gakuen y con Mazinger Z después, la revista fue en sus inicios el campo donde Nagai conoció las mieles del éxito. Pero dada su prolijidad, trabajando para varias revistas de manga a la vez, y teniendo en cuenta que había otros autores cociéndose a fuego lento en las páginas de la revista, la segunda mitad de los setenta también vio la consagración de otro par de nombres propios: Osamu Akimoto y Masami Kurumada.

Si algo aprendieron en la Jump en sus primeros años de vida es que hay un axioma básico en lo que respecta al shōnen: los mangas de acción copan las listas de más vendidos, pero triunfan a lo grande o se estrellan rápidamente; en tanto, los mangas de humor son justo lo contrario, pues conseguir un hit masivo es casi imposible, pero suelen mantener unas ventas estables a lo largo del tiempo. Algo que podemos ver personificado en dos series que empezaron con poco más de tres meses de diferencia: Kochira Katsushika-ku Kameari Kōen-mae Hashutsujo y Ring ni Kakero.

Kochira Katsushika-ku Kameari Kōen-mae Hashutsujo (1976-2016), más conocida como Kochikame, es una comedia de Osamu Akimoto sobre el día a día de un policía llamado Kankichi Ryotsu que siempre está buscando planes para hacerse rico, generalmente con poco o ningún fundamento. Con historias por lo general autoconclusivas, poniendo todo el peso de la comedia en la combinación de personajes relativamente normales con otros completamente desquiciados, no llegó a su conclusión hasta septiembre del 2016, tras cuarenta años de publicación, habiendo acumulado 1960 capítulos, 200 tomos y el honor de ser, por el momento, el manga más largo de la historia. Algo que acompañó con unas sólidas ventas de más de 160 millones de copias vendidas que demuestran que, en ocasiones, el mejor modo de hacer historia es llegar a viejo.

Ring ni Kakero, de Masami Kurumada

En el lado completamente opuesto tendríamos Ring ni Kakero (1977-1981). Creada por Masami Kurumada, más conocido en occidente por ser el autor de Los Caballeros del Zodiaco (1986-1990), toda la historia gira en torno a Ryuuji Takane y su hermana Kiku, boxeador y manager respectivamente, que, tras heredar el talento para el boxeo de su difunto padre, deciden triunfar en el mundo del mamporro acolchado para poder ayudar económicamente a su madre.

Siguiendo el patrón de torneo, haciendo que los Takane deban pelear contra enemigos cada vez más poderosos con tal de defender su cinturón de campeón nacional, no es el primero, pero si tal vez el más significativo de los ejemplos de mangas de peleas de los inicios de la Shōnen Jump. Especialmente si consideramos que, además del “y ahora alguien todavía más fuerte”, todo acaba girando alrededor de un rival recurrente, Jun Kenzaki, que es también el mejor amigo amigo de los hermanos, cimentando ahí el principio esencial de la revista: el tono ligero, el esfuerzo y la amistad por encima de cualquier forma de demostración de poder. Algo que explotaría más tarde en Los Caballeros del Zodiaco.

Cabezas estallando y campos de fútbol infinitos. La reinvención de la revista en los ochenta

Captain Tsubasa, de Yōichi Takahashi

Hasta aquí tendríamos los patrones básicos. Las semillas. Pero ni tenemos aún los brotes más verdes ni lo que hoy todo el mundo (fuera de Japón) reconoce como el estilo Jump. Para eso tendremos que adelantarnos un poco más. Tendremos que ver cómo afectó la entrada en los años ochenta a la evolución de la revista. Porque además, fue en aquel entonces cuando por fin aparecieron dos series que revolucionaron nuestra manera de concebir el shōnen en general y la Shōnen Jump en particular.

Más allá de las hostias, el otro gran género dentro del shōnen es el spokon. El manga de deportes. Y dentro del mismo Captain Tsubasa (1981-1988), más conocido por estos lares como Oliver y Benji o Campeones, no sólo fue un tremendo éxito, sino el más definitorio de la época. Llevando la lógica estilizada y absolutamente alucinada del canon shōnen al campo futbolístico, Captain Tsubasa fue el ejemplo perfecto de que lo mismo que se hacía con las peleas era perfectamente extrapolable a los encuentros deportivos: rivales cada vez más fuertes, énfasis en la amistad, movimientos y diseños estilizados además de habilidades con nombres propios con efectos completamente desquiciados, haciendo más énfasis en una apreciación subjetiva del combate/partido que un intento de resumen realista del mismo. Tan efectivo fue que acabó atesoran 37 volúmenes, cinco secuelas, nueve animes y ochenta y dos millones de ejemplares vendidos en todo el mundo.

Pero también la hostia seca sufrió un cambio definitorio durante los ochenta. Porque aunque Dragon Ball todavía no había llegado para ocupar su puesto como serie más laureada de la revista, ya había artistas buscando el modo de darle una vuelta de tuerca al género. Y, en ese sentido, quien es aún hoy la vara de medir al respecto es Hokuto no Ken (1983-1988).

Hokuto no Ken, de Buronson y Tetsuo Hara

Creado por el guionista Buronson -de nombre real Yoshiyuki Okamura, cuyo apodo viene de una adaptación sui generis del nombre de Charles Bronson– y el dibujante Tetsuo Hara, Hokuto no Ken, o El Puño de la estrella del norte, nos cuenta la historia de Kenshiro, el poseedor del estilo de lucha asesino El puño de la estrella del norte, vagando por un mundo apocalíptico en busca de su prometida tras una catástrofe nuclear que ha convertido el mundo en un desierto donde punks hiper violentos se dedican a arrasar con todo. Y es que esta versión hipertrofiada de Mad Max con señores con biceps como cabezas de bebes y hostias capaces de hacer estallar desde dentro cuerpos humanos de personas que aprecian más sus crestas que sus propias vidas fue extremadamente popular, tanto en Japón como en Europa, abriendo además el camino a otras series shōnen similares que abogaron por la hiper-violencia, el tufo a testosterona y el macarrismo ilustrado de cuerazo, cadena y bujía de moto por cerebro como su principal rasgo definitorio.

De hecho, Dragón Ball aparte, podríamos decir que las dos corrientes, la de la hostia y tentetieso y la del spokon, han corrido paralelas a los avances que definieron estas dos series. Desde su versión de aires más shōjo en Saint Seiya, su versión hiperbólica en JoJo’s Bizarre Adventure (1987~) y su herencia tal vez más directa en Bastard!!! (1988~), durante los ochenta la mayoría de historias de hostias, a excepción de Dragon Ball, parecían cortadas por un patrón que pasaba por ser una versión más suave, tal vez más fantasiosa y menos de película de serie B, de Hokuto no Ken. Algo que acabaría contagiándose a clásicos del shōnen de otras revistas, como fue el caso de Berserk (1989€).

Una influencia que se iría desvaneciendo a principio de los noventa donde series como Ruroni Kenshin (1994-1999), Yū☆Gi☆Ō (1996-2004) o Yū☆Yū☆Hakushō (1990-1994) conocerían de gran éxito asumiendo de nuevo una versión relativamente menos macarra, más Shōnen Jump, del estilo de la lógica de combates de la revista.

¿Y Dragon Ball? ¿Es que nadie va a heredar el trono de Dragon Ball?

One Piece, de Eiichirō Oda

Como es obvio también Dragon Ball tuvo una gran influencia sobre la revista. Muchos artistas jóvenes se vieron influenciados por la serie, pero dado que eran jóvenes, les costó un puñado de años llegar hasta el punto donde convertirse en profesionales. Algo que se hizo notar con el desembarco de la serie que tomaría el relevo de Dragon Ball como apisonadora de límites y salvadora de la revista: One Piece (1997~). Con 86 tomos publicados hasta el momento y sin atisbo alguno de acabar a corto plazo, la serie de Eiichirō Oda lideró todo un dream team de lo que hoy se considera el shōnen genérico de los 00’s, conformado por títulos como Shaman King (1998-2004), Naruto (1999-2014), Bleach (2001-2016) o, ya dentro del spokon, Eyeshield 21 (2002-2009). Todos herederos de Toriyama, todos siguiendo tal vez demasiado de cerca las claves básicas de lo que debía ser una serie de éxito para cualquiera cuyo gusto vaya más allá de la plantilla y las líneas tiradas con regla. Algo que al menos en el caso de Yusuke Murata, artista detrás de Eyeshield 21, solventaría al unir fuerzas con el guionista ONE para firmar el remake de One-Punch Man.

Eso no significa que no hubiera excepciones. Entre esa hornada de herederos también encontramos gratos intentos de ir más allá de la norma, como es el caso de Hunter × Hunter (1999~,) la opera magna de Yoshihiro Togashi tras Yū☆Yū☆Hakushō, y que ha influido en igual medida en toda la generación actual de autores de la revista como en toda una generación de autores seinen ya sin complejos a la hora de abrazar la acción como mecanismo legítimo para historias consideradas adultas. O Gintama (2004~,) serie que rescata el humor referencial de Dr. Slump llevándolo hacia terrenos más japoneses que occidentales y elevando el absurdo hasta extremos absolutamente inconcebibles para el bueno de Toriyama.

De igual modo, en el spokon se siguió el camino marcado por Takahashi, basado en la fijación por la competición y los torneos, en contraposición al enfoque que demarcaría Mitsuru Adachi en la Weekly Shōnen Sunday, haciendo del spokon casi una excusa para desarrollar un exquisito gusto por el arte, la composición y la elipsis, además de una pasión desaforada por el romance y el drama, en series como Touch (1981-1986).

Slam Dunk, de Takehiko Inoue

De ese modo desde el (con razón) venerado clásico de Takehiko Inoue conocido como Slam Dunk (1990-1996) pasando por The Prince of Tennis (1999-2008) hasta llegar actualmente a Haikyuu!! (2012~), el spokon de éxito de la Shōnen Jump ha basado el grueso de su interés en una versión espectacular y completamente desquiciada de lo que son los deportes, convirtiendo las relaciones interpersonales entre personajes en poco más que una excusa para justificar los tiempos muertos entre torneo y torneo. O para añadir tensión ralentizando la acción de los encuentros. Algo que podemos comprobar en que las otras series de baloncesto de Inoue no han encontrado su espacio en una Shōnen Jump no demasiado interesada en enfoques (aún) más dramáticos (Real) o con un peculiar énfasis en lo deportivo (Buzzer Beater).

¿Y ha tenido éxito en la revista algo que no se ajustara exactamente a ese canon shōnen? Por supuesto que sí.

Ya sea el proverbial éxito de Death Note (2004-2006), que llevó meses de lucha por parte de su editor para que dieran una oportunidad a Tsugumi Ōba y Takeshi Obata para publicarlo o, ya actualmente, el caso de The Promised Neverland (2016~), todo un prodigio del thriller y la fantasía que está logrando un excepcional éxito de crítica y público a pesar de lo oscuro de su premisa, en la revista siempre ha habido sitio para experimentos. Para pequeñas rarezas. Excepciones que, si bien podrían haber recalado en alguna de sus revistas hermanas como la Weekly Young Jump, la Ultra Jump o la Jump Square, por la relativa autonomía de sus editores lograron abrirse un hueco dentro de la revista de manga más conocida y competitiva del mundo.

Shonen Jump como epítome: aunque existe manga de muchas clases, sin ella no se entiende nada

Stop! Hibari-kun, de Hisashi Eguchi

Con esto hemos querido demostrar hasta que punto no es posible comprender el manga contemporáneo sin la Shōnen Jump. Aun existiendo decenas de otras revistas con tanta o más importancia histórica, en términos de difusión, tanto dentro del propio Japón como cara al exterior, ninguna puede competir contra la Jump. Porque sin ella es imposible entender nada. Ni la evolución del spokon ni cómo se ha definido el shōnen tal y como lo conocemos hoy o ni siquiera entender el auge del j-pop, algo en lo que contribuyó enormemente Hisashi Eguchi con su trabajo como ilustrador y con series como la prematuramente concluida (y vergonzosamente inédita en nuestro país) Stop!! Hibari-kun! (1981-1983). Porque la Shōnen Jump, en muchos sentidos, es al primer lugar al cual hay que acudir para comprender la evolución estética y cultural de Japón.

Eso no significa que todo acabe en Shōnen Jump. Como sabe cualquiera con más prejuicios que conocimientos, el manga también son romances y ojos grandes. Aquello que tenemos a bien llamar shōjo y que, como está enfocado a un público femenino y adolescente, es automáticamente despreciado por los señores incapaces de soportar nada que no transmita automática virilidad y ausencia de cualquier rasgo infantil. Algo que difícilmente puede encontrarse en Shōnen Jump, de todos modos, con sus marcadas influencias del shōjo y del dios del manga Osamu Tezuka, por lo cual no es difícil extrapolar los prejuicios con los que comenzamos: nada en la Jump exuda testosterona por todos sus poros. Ni siquiera la muy Machote McMacho Hokuto no Ken. Porque el manga no es serio, no es digno de estudio o atención según el común de los mortales (occidental), en ese tan particular manera de entender lo serio que tenemos en occidente donde por serio entendemos “grave, difícil, realista, intelectual y masculino”.

Ahora bien, tampoco nos llevemos a engaño. Esto no es más que la punta del iceberg. Y también llegaremos a autores serios para señores de ceño fruncido. Porque ni siquiera lo shōnen acaba con Shōnen Jump. No hemos hablado de Space Pirate Captain Harlock, Tetsujin 28-go, Detective Konan o GeGeGe no Kitaro, por nombrar sólo cuatro obras o bien muy conocidas o bien consideradas clásicas. Porque esto es una introducción. Y como tal, no es más que una pequeña muestra de un todo más vasto e infinito.

Breve guía de lectura para despistados

I. Orígenes de Shonen Jump

Harenchi Gakue, de Gō Nagai
Mazinger Z, de Gō Nagai
Kochira Katsushika-ku Kameari Kōen-mae Hashutsujo, de Osamu Akimoto
Ring ni Kakero, de Masami Kurumada.

II. Shonen Jump durante los años ochenta

Dr. Slump , de Akira Toriyama
Captain Tsubasa, de Yōichi Takahashi
Stop!! Hibari-kun! , de Hisashi Eguchi
Hokuto no Ken, de Buronson y Tetsuo Hara
JoJo’s Bizarre Adventure, de Hirohiko Araki

III. Dragon Ball y otros shonen inspirados por su éxito

Dragon Ball, de Akira Toriyama
Saint Seiya, de Masami Kurumada
One Piece, de Eiichiro Oda
Naruto, de Masashi Kishimoto
Bleach, de Tite Kubo
Eyeshield 21, de Riichiro Inagaki y Yusuke Murata.

IV. Aquellos locos 90’s/00’s que no fueron de Dragon Ball

Yū☆Yū☆Hakushō , de Yoshihiro Togashi
Hunter x Hunter, de Yoshihiro Togashi
Slam Dunk, de Takehiko Inoue
Rurouni Kenshin, de Nobuhiro Watsuki
Death Note, de Tsugumi Ohba y Takeshi Obata
Gintama, de Hideaki Sorachi.

V. Shonen Jump a día de hoy

Haikyū!! , de Haruichi Furudate
Shokugeki no Soma , de Yūto Tsukuda, Shun Saeki y Yuki Morisaki
The Promised Neverland, de Kaiu Shirai y Posuka Demizu
Dr Stone, de Riichiro Inagaki y Boichi.

VI. Shonen más allá de la Shonen Jump

GeGeGe no Kitarō, de Shigeru Mizuki
Touch, de Mitsuru Adachi
Space Pirate Captain Harlock, de Leiji Matsumoto
Fullmetal Alchemist, de Hiromu Arakawa.

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13 Sep 10:26

Un adolescente con 100K en Instagram me ayudó a ganar seguidores

by Ana Iris Simón

Pertenezco a esa generación que se hacía selfies cuando todavía no se llamaban selfies. A la que tenía móviles sin cámara delantera y subía imágenes a Tuenti con más grano que el Episodio IV de Star Wars. A la que lloró cuando chapó Fotolog aunque no miraba Fotolog desde 2009. A la que habla del espacio de MSN y de los zumbidos como un abuelo que recuerda la posguerra y abusó del filtro Valencia cuando descubrió Instagram.

Somos lo suficientemente jóvenes como para haber conocido el 3310 o el Siemens C45 y lo bastante viejos como para recordar una infancia sin más pantalla que la tele. Nos reímos de que los nacidos antes de los 80 abusan de los emoticonos en WhatsApp pero ignoramos que los que llegaron al mundo a partir del 2000 empiezan ya a mofarse de nosotros.

Mi cuenta es un totum revolutum de capturas de pantallas de cosas que me hacen gracia y fotos de viajes en los que me veo obligada a fardar de dónde estoy porque es lo que hace la gente

Una de las razones es que no tenemos ni puta idea de usar Instagram. Y con usar Instagram no me refiero a compartir fotos de la barbacoa del domingo con tus colegas: me refiero a USAR INSTAGRAM. Usarlo como herramienta de creación de marca personal y como potencial negocio.

La red social de la Polaroid no es el punto fuerte de los millennials. Lo descubro el día que me doy cuenta de que mi hermano, con sus 16 años y sus 650 seguidores, tiene el doble de likes en cada foto que yo con 26 y con los 1000 followers de los que tanto presumo. El engagement, esa palabra. El día que me llama "spameadora" por colgar más de 10 stories, decido ponerle fin a esa brecha generacional que me hace darme cuenta de lo mayor que soy: contacto con un adolescente que lo peta en Instagram y le pido que analice mi cuenta para saber qué estoy haciendo mal. Elijo a Ayoub Hachimi a.k.a @sonofchanel.

Ayoub tiene 19 años y una cuenta que parece un editorial de Vogue por fascículos que siguen casi 100.000 personas. Me dice que empezó a usar Instagram en 2014, con 16 años, y que se inspira en las revistas de moda para hacer sus fotos pero luego trata de darles un toque personal. "Tú deberías inspirarte en cuentas que tengan tu mismo rollo pero más seguidores", me recomienda.

Si supiera cuál es mi rollo todo sería más fácil, supongo. Mi cuenta es un totum revolutum de capturas de pantallas de cosas que me hacen gracia y fotos de viajes en los que me veo obligada a fardar de dónde estoy porque es lo que hace la gente. Rara vez subo selfies, y Ayoub lo ve como una de las causas que me impiden ganar seguidores.

VICE: ¿Qué estoy haciendo mal para no tener tantos seguidores como tú?
Ayoub: Quizá el público potencial al que van dedicadas tus fotos es muy limitado.

¿Quieres decir que debería hacerme más mainstream?
Por lo general, a las nuevas generaciones le importan muy poco las ideas independientes de una persona y es algo que tienes que tener en cuenta. Suelen seguir a las masas, y eso hay que aprovecharlo. Al fin y al cabo, un seguidor de 15 años es igual de válido que uno de 25, sólo que el de 15 interactuará más contigo que el de 25. Los nacidos en los 80 y principios de los 90 no le dais tanta importancia a Instagram como la generación Z.

"Los nacidos en los 80 y principios de los 90 utilizáis Instagram como si fuese Tuenti cuando los móviles no tenían ni cámara delantera por lo general"

¿Nos estás llamando viejos? Fuimos los pioneros de las redes sociales, deberíamos saber más que vosotros porque tenemos más experiencia
No estoy llamando nada a nadie. Simplemente digo que la gente más joven está 24/7 con el móvil, se está convirtiendo en algo bastante adictivo. Yo muchas veces cojo el teléfono para mirar la hora y acabo en Instagram o Twitter. Por lo general, vosotros utilizáis Instagram como si fuese Tuenti cuando los móviles no tenían ni cámara delantera, ¿sabes?

Sí, supongo... ¿cuáles son mis peores fotos?
Las peores con diferencia son las capturas de pantalla que subes. Quiero decir, un influencer nunca subiría una captura de algo, a menos que sea en la historia. Y veo que tienes casi 700 fotos subidas pero, sin ánimo de ofender, muchas de ellas sobran.

Vale, me olvido de las capturas, aunque realmente me representan. Esa por ejemplo me la mandó mi amiga Patricia un día borracha y me parece digna de compartir, pero todo sea por los likes. ¿Qué imágenes tendría que subir para petarlo?
Cualquier foto estaría bien siempre que fuera destinada al público que te sigue. Pero yo creo que deberías hacerte más fotos a ti misma, porque es tu Instagram personal, y lo que buscan tus seguidores es verte.

"Por lo general, a las nuevas generaciones le importan muy poco las ideas independientes de una persona y es algo que tienes que tener en cuenta. Suelen seguir a las masas, y eso hay que aprovecharlo"

El problema es que no me gusta mucho hacerme fotos que no parezcan un meme de algo, incluida de mí misma. ¿Cómo puedo entonces encontrar el equilibrio entre conservar mi personalidad y hacer un contenido de interés para potenciales followers?
Por muy superficial que suene, mucha gente le da más importancia a lo comercial que a lo personal. Lo ideal sería que sacaras tu lado más comercial, porque básicamente estás vendiendo tu "marca". Creo que tienes demasiadas fotos que sobran para una cuenta comercial.

¿Qué problema tiene esta foto, por ejemplo? Salgo yo
¿En serio una foto con un montón de bolsas de basura y los ojos cerrados fue la única que se te ocurrió sacarte en Roma, donde está geolocalizada?

Sí. Me pareció muy original en ese momento. Muy posmoderna. ¿Crees entonces que las selfies son la clave del éxito de Instagram?
Los selfies ya no son lo que eran, ahora la gente quiere ver algo más allá de una cara.

"Trabajar en una revista como VICE y vivir en Malasaña son dos factores de los que podrías sacar más partido"

¿Cómo que más allá de una cara?
El boom de los selfies se ha relajado, se nota sobre todo cuando abres el explorador de Instagram y ves que de las 10 fotos que hay, solo 1 o 2 son selfies. Esto es porque últimamente la gente da más importancia a la ropa, los complementos... que a las caras. Pero está bien subir alguno de vez en cuando.

¿Qué crees que podría explotar más en mi Instagram?
Trabajar en una revista como VICE y vivir en Malasaña son dos factores de los que podrías sacar más partido. Las paredes de tu barrio cambian prácticamente cada mes, con una foto en un muro bonito con un look bonito te subirían los likes.

En esta foto, por ejemplo, geolocalicé Malasaña. ¿No vale con eso?
¿Qué es esto? Esto se sube a las stories los días de sofá y palomitas, pero no como una foto normal...

Vale, entendido. Los costumbrismos, al Stories. Hablemos de periodicidad. Subo más o menos una foto cada dos semanas... ¿es demasiado poco?
Es muy poco. La gente necesita novedades. Yo muchas veces cuando no tengo fotos que subir me voy a una cafetería o una tienda y busco algún objeto o lo que sea, le hago una foto, la edito y la subo. Hay que mantener la constancia.

Pero eso es un poco mentira, ¿no? Quiero decir, es vivir algo sólo para contarlo, no contarlo porque lo estás viviendo
Claro que es mentira, porque por mucho que nos cueste admitirlo, a nadie le importa que te hayas pasado la semana enfermo en la cama. La gente necesita novedades tuyas, por muy irreales que sean. Como último recurso, puedes coger una foto de algo que te guste, un personaje, un libro o una película y subirla. Así los seguidores sabrán que sigues vivo y subirás contenido a tu Instagram.

"A nadie le importa que te hayas pasado la semana enfermo en la cama. La gente necesita novedades tuyas, por muy irreales que sean"

Si subes una foto que no alcanza el número de likes que te gustaría, ¿la borras?
Sí. Si no supera los 2000 likes, la borro.

Y yo con mis tristes 1000 seguidores, ¿con cuántos likes debería borrarlas?
Para saber cuando hay que borrar una foto debes saber más o menos la media de likes que reciben las publicaciones similares que has subido. Si la cifra es menor que la media, se borra.

"Las Stories se han convertido en algo súper importante, es como la gente ve tu día a día, te siente más cerca, más humana... e interaccionan más"

Hablemos de las Stories. Me encanta verlas, pero nunca se me ocurre hacerlas y si las hago, hago muchas seguidas
Las Stories se han convertido en algo súper importante, es como la gente ve tu día a día, te siente más cerca, más humana... e interaccionan más.

¿También tienen que tener una "línea editorial"?
Creo que no demasiado. Yo al menos en mis Stories soy muy yo. Quiero decir, lo mismo subo un vídeo cantando Lady Gaga en mi cama semi desnudo que yendo de fiesta a la embajada italiana. Lo único que te recomiendo es control. Haz que la gente vea sólo que lo que tú quieres enseñar.

¿Tienes un horario predeterminado para subir las fotos? ¿Hay que tener esto en cuenta?
Al tener una cantidad importante de seguidores fieles, da igual la hora en la subas una foto. Pero es mejor subirlas o a la hora de comer o la hora de cenar, que es cuando la gente está relajada y usa el móvil.

Sé sincero. Nunca podré ser una instagramer, ¿verdad?
Tienes potencial, pero no con esas fotos.

Puedes seguir a @sonofchanel en Instagram y en su blog

11 Sep 10:22

"A glutinous mass, endowed with a malignant will"

by Cash4Lead
11 Sep 10:21

The boondock saints is bad, but the scathing documentary...

by Pyrogenesis
09 Sep 12:55

Por que os Reis de Galicia son nomeados como Reyes de León e non de Galicia?

by Redacción

Galicia conta co seu particular Panteón Real como reino independente que foi. Pero nel hai reis e raíñas que gobernaron tamén en León. Un...

Por Redacción

31 Aug 01:02

Eye colour of European Heads of State

by Alex E
Eye colour of European Heads of State
Reddit user: Juggertrout

Blue seems to still be in the minority for the average European citizen, but it seems that about half of heads of state have blue eyes. Maybe because we attribute some kind of mysticism or natural ability to lead to blue eyes as they're unique. I don't know, just a thought. Source for eye color in Western Europe turns out this correlates decently well with the majority.


Distribution of blue or brown eyes in Europe


Despite immigration from extra-European countries in the last decades, where most eyes would be brown, leaders in Europe are still largely descended from European stock, and mostly ethnically representative of their country (except monarchs, funnily enough, considering nobles from different countries around Europe intermarried).


Related post:
- Light hair and light eyes in Europe
30 Aug 10:33

The Spice Flows

by kliuless
How Mushrooms Became Magic - "Psilocybin affects us humans because it fits into receptor molecules that typically respond to serotonin—a brain-signaling chemical. Those receptors are ancient ones that insects also share, so it's likely that psilocybin interferes with their nervous system, too. 'We don't have a way to know the subjective experience of an insect', says Slot, and it's hard to say if they trip. But one thing is clear from past experiments: Psilocybin reduces insect appetites. By evolving the ability to make this chemical, which prevents the munchies in insects, perhaps some fungi triumphed over their competitors, and dominated the delicious worlds of dung and rotting wood." (via)
And perhaps other species gained the same powers by taking up the genes for those hallucinogens. It's not clear how they did so. Some scientists think that fungi can occasionally fuse together, giving them a chance to share their DNA, while Slot prefers the idea that in times of stress, fungi can soak up DNA from their environment. Either way, thegenes for psilocybin have spread.
also btw...
Scientists Cook Up Magic Mushrooms' Psychedelic Recipe - "Researchers at Friedrich Schiller University Jena in Germany sequenced the genomes of two psychedelic mushroom species and used the information to identify four key enzymes involved in the process of creating psilocybin. Knowing how the mushrooms make the compound opens the door to large-scale bioengineering of the chemical that has increasingly been shown to benefit people suffering from depression, alcoholism and other disorders." (via)
30 Aug 08:37

Will Eating Instant Noodles Every Single Day Give Me Cancer?

by Katyusha Methanisa

The Scenario: It's the end of the month. Your days of ordering poké bowls are long gone. You roll around on the mattress in your kost, wondering what to have for dinner. You don't feel like buying Indonesian food at the warteg, but you're also broke as fuck.

You rummage through the cabinet of the small kitchen you share with your kost-mates. To your delight, it's filled with tiny plastic bricks of instant noodles. You take one, start boiling the water, and dump the seasoning packets into a bowl. You cook the noodles. Ten minutes later, you're done. Turns out you didn't need to buy anything for dinner after all.

The scenario repeats itself the rest of the week. But for how long? After all, you've heard all kinds of horror stories about instant noodles—that they make you stupid, they cause appendicitis, or even worse: cancer. Is any of it true?

The Facts: There's one main reason that people think instant noodles are so bad for your health: ingredient number E621, otherwise known as monosodium glutamate (MSG)—the main "flavor enhancer" of all processed food in Asia. But others also believe that the noodles themselves are dangerous because of an alleged wax coating that can damage your digestive tract.

So is MSG bad for your health? Not at all. The US Food and Drug Administration said that MSG was safe for consumption—and this is in a country that is so afraid of MSG that Chinese takeouts routinely advertise "NO MSG" on their menus. In the 1960s, when Chinese food was first spreading across the United States, diners started to complain that all the MSG was causing numbness and headaches. The press quickly dubbed the phenomenon "Chinese Restaurant Syndrome" but, in reality, there was no such thing.

And MSG itself isn't always an additive. It's naturally found in cheese and tomatoes. MSG is a chemical in the same way that water and oxygens are chemicals, according to an expert quoted by the Guardian. Today, MSG is often used as a "supersalt"—an additive that gives food umami instead of just saltiness.

So where did the cancer myth come from in the first place? I called up Della Rachmadia Annur, a nutritionist at the Prawijaya Women and Children's Hospital, to try to figure out why people think instant noodles cause cancer.

"Instant noodles can trigger cancer cells to be active, but so does all processed food—stuff like corned beef and chicken nuggets," Della told me. "Both the noodles and the packets of flavoring contain preservatives, which means that they contain a large amount of sodium. Instant noodles can be dangerous for people who already have diabetes or high blood pressure, but it definitely does not directly cause cancer, especially on its own."

The same thing can be said about the "wax coating." Instant noodle companies say they don't coat their noodles with wax and numerous nutritionists agree, although even if they did, it wouldn't really cause a problem. Plenty of fruits and vegetables contain wax on their skin too and no one argues that apples give you cancer.

The worst that will happen: Well, instant noodles might not give you cancer, but that doesn't mean they're healthy either. One study found that the regular consumption of instant noodles can cause high blood pressure, high blood sugar, excess body far, and abnormally high levels of cholesterol. The same is true for all foods that are high in sodium and saturated fats.

In 2009, a young boy made headlines when his intestines started to leak after eating too much instant noodles. The boy was "addicted," his parents said, and the press quickly blamed his poor health on the over-consumption of instant noodles.

But doctors later explained that it wasn't the noodles that really caused the problems. It was the fact that the boy wasn't eating anything else. He had replaced fruits, vegetables, and proteins with instant noodles (processed carbs) and his digestive system went haywire.

"Instant noodles take longer to digest than other sources of carbohydrates, like rice and potatoes," Della told VICE. "When you feel bloated after eating instant noodles, it's because your system is working hard to digest it. Worst case scenario, all the carbohydrates from instant noodles can cause a buildup of sugar in your body, causing diabetes."

What will probably happen: I found Adit, an instant noodle enthusiast who has eaten pre-packaged noodles every single day for years. So what happens to your body when you're eating a steady diet of instant mie goreng? Constipation, mostly, he said. Well that and stomach pains. One time a doctor told Adit that he had inflamed his intestines. But despite feeling ill, Adit continued to eat instant noodles. Although he is trying to cut back, limiting himself to a bowl or two a week.

"Usually when I would get a stomach ache, I would stop eating for a day or two," he told VICE. "I normally stop for a week at most, eat a lot of bananas, and then continue eating instant noodles."

So stomach aches are pretty bad. But that's still a far way from cancer.

What to do: If you can afford it, then don't eat instant noodles every day. Eating instant noodles every single day might not cause cancer, but it can still eventually lead to something that necessitates a trip to the hospital. And then you're just blowing more money than you would've spent on healthier foods in the first place.

But what if you love just noodles? Make your own at home. The key to staying healthy isn't always eating salads all the time. It can also be as simple as cooking with fresh ingredients like chicken and vegetables.

If it sounds like too much hassle, then go ahead and continue to eat instant noodles, but balance it out with other more nutritious foods like lean meats and fresh veggies. That way you don't have to feel bad about the occasional bowl of Indomie because you're not eating garbage all the time.

But you know, we're not the food police. You want to keep downing bowl after bowl of instant soto mie, then be our guest. Just proceed with caution.

30 Aug 08:27

Netflix Released 'Arrested Development' and 'BoJack Horseman' Weed Strains

by River Donaghey

To celebrate the release of its new Cheers-but-with-weed sitcom Disjointed, Netflix made a move into the cannabis industry and released ten different strains of weed inspired by some of its hit shows, Variety reports.

The streaming service partnered with West Hollywood–based dispensary Alternative Herbal Health Services to sell each of the strains—based on Orange Is the New Black, Arrested Development, BoJack Horseman, and more—to medical marijuana users at a pop-up shop last weekend. The signature strains all shared some choice characteristics with their namesakes, too.

According to the press release, the Arrested Development strain—called "Banana Stand Kush"—is reportedly ideal for a "big yellow joint"; "Poussey Riot," the strain named after a character from Orange Is the New Black, is said to be best smoked when "kicking it with somebody, talking, making mad stupid jokes"; and the BoJack strain, "Prickly Muffin," claims to make things "a little easier. But you gotta do it every day."

There were also strains for Netflix shows like Wet Hot American Summer, Grace and Frankie, Chelsea, Santa Clarita Diet, Lady Dynamite, and the MST3K reboot, Mystery Science Theater 3000: The Return. Netflix also released a trio of strains inspired by Disjointed, which premiered last Friday.

"Each strain was cultivated with the specific shows in mind, designed to complement each title based on their tone," Netflix said in a press release. "For example, sillier shows may be more indica dominant, while dramedies will be more sativa dominant to help the more powerful scenes resonate."

The weed strains were only for sale over the weekend and—because weed still isn't, like, chill to buy according to federal law—aren't available for purchase through the mail. So if you want to indulge in "the Netflix collection" at this point, you'll have to track down some Grace and Frankie superfans in LA who stockpiled the stuff or something. Godspeed!

30 Aug 08:23

WATCH: How to Use Weed as Safely as Possible

by VICE Staff

In the UK, it can seem that the "harm reduction" resources on offer mainly consist of scaremongering tactics: government campaigns showing images of drug users freaking out as the word PARANOIA flashes across the screen. This is the remedy.

As part of a new VICE harm reduction campaign, Safe Sesh, we are launching a series of short films which offer realistic and practical advice for the taking of all of the UK's favourite drugs, delivered by a scientist from drug testing non-profit organisation The Loop. In this episode, we look at how to smoke weed in the safest possible way.

More on VICE:

Inside the UK's Secret Cannabis Coffee Shops

Paul Flynn MP: We Must Legalise Medicinal Cannabis

We Asked Dealers If They Care About Their Customers' Safety

30 Aug 08:13

Color Models

What if what *I* see as blue, *you* see as a slightly different blue because you're using Chrome instead of Firefox and despite a decade of messing with profiles we STILL can't get this right somehow.
29 Aug 23:51

La crock pot y las legumbres

by Marta Miranda

Alubias de Tolosa al estilo de El Frontón. Receta para crock pot

Soñar despierta con legumbres es uno de los efectos secundarios que produce el uso de slow cooker. Irving Naxon, su inventor, se inspiró en un guiso judío característico del Shabatt a la hora de idear el proptotipo del slow cooker. Este guiso era el cholent, que su abuela cocinaba durante horas en el horno a baja temperatura. El cholent lleva, entre otros ingredientes, legumbres, que quedan así íntimamente ligadas a la historia de la crock pot.

Si las carnes agradecen la cocción lenta, las legumbres alcanzan lo sublime. En mi casa hay un antes y un después para las lentejas de los viernes, que antes hacía en olla rápida y ahora se mecen en el slow cooker durante seis horas.

¿Diferencias? La textura, el sabor y la manera en que los ingredientes cárnicos, las especias o las verduras se empastan con la legumbre. La mantecosidad de los granos, que se mantienen enteros mientras su interior es pura mantequilla.

La toxina PHA en las legumbres

Al cocinar legumbres en slow cooker hay que tener en cuenta una precaución. Las alubias rojas deben hervir durante un tiempo corto para eliminar una toxina llamada fitohemaglutinina o PHA, que solo se elimina cocinándolas a temperatura alta. Estas fitohemaglutininas se desnaturalizan al calentarlas, pudiendo eliminarlas en un 99% al cocinarlas correctamente. Las alubias rojas contienen una cantidad elevada de estas toxinas, mientras que las alubias blancas son menos tóxicas, ya que contienen un tercio menos de toxinas que las rojas.

Por tanto, es recomendable hervir a máxima temperatura las alubias pintas, rojas o negras, mientras que en la blancas (judiones, fabes, etc.) el hervido no es necesario. Si consideramos que los slow cookers modernos alcanzan los 100º de temperatura final en cocciones largas, hervir previamente las alubias rojas, negras o pintas es una buena medida de precaución que quizá no sea tan necesaria si hablamos de alubias blancas o habas (que tienen menos de un 10% de fitohemaglutininas).

Atendiendo a estas circunstancias, si vas a cocinar judías rojas en olla de cocción lenta, es recomendable que les des un hervor de aproximadamente 10 minutos en una olla al fuego. Al terminar el hervor, puedes eliminar el agua, renovándola, o aprovecharla y cocinar las judías en tu crock pot. La lógica me dice que el agua de cocción es perfectamente reutilizable, algo muy aconsejable, ya que en ella va parte de la sustancia de las legumbres. El remojo previo ya ha eliminado impurezas y los antinutrientes, y ese agua del primer hervido equivale al agua de cocción que en un proceso realizado en una olla normal (no lenta) nunca sería reemplazada.

Remojo y tiempos de cocción de las legumbres

Las legumbres necesitan el mismo tiempo de remojo que se aplica en una cocción convencional. En las lentejas es optativo, pudiendo cocinarse sin necesidad de remojo. En ese caso, procede según tu costumbre, pero ten en cuenta que si remojas las lentejas, acortarás su tiempo de cocinado.

Los tiempos para cocinar legumbres en crock pot son siempre largos: unas seis horas para las lentejas castellanas, entre siete y ocho para las alubias, y diez horas en agua templada con sal para los garbanzos. Aunque la mejor guía es el tiempo que utilizas para cocinar legumbres en una olla convencional: si las tienes preparadas en 30 minutos deberás cocinarlas entre 3 y 4 horas en temperatura baja. Si tardas 90 minutos, programa unas 8 horas en temperatura baja en tu slow cooker.

Contenido relacionado

 

La entrada La crock pot y las legumbres es un contenido original de Crockpotting escrito por Marta Miranda.

29 Aug 23:48

HABLEMOS SOBRE TURISMO, OTRA VEZ (II)

by Jorge Guitián
En la primera parte de este texto me preguntaba si un incremento exponencial de los visitantes supone un incremento proporcional de los ingresos (mi conclusión es que no), una mejora de la calidad de la oferta (por lo general tampoco) y si este crecimiento, por beneficioso que resulte, puede ser infinito (de nuevo mi respuesta es no). 

En este segunda parte me gustaría pasar a lo específico, a un caso que conozco bien, el de Galicia (y en concreto el de Santiago), cuyo sector gastronómico conozco razonablemente bien desde hace una quincena de años y en cuyo sector turístico, en concreto en relación con la gastronomía, desarrollo parte de mi trabajo desde hace cuatro años. 



En Galicia y en Santiago el turismo no hace más que crecer, según las cifras oficiales. Sin embargo, el paro no desciende en proporción, los sueldos no crecen en relación con ese crecimiento de la oferta, estamos estancados en una semi-ocupación hotelera muy peligrosa (y además muy estacional), muchos locales de zonas turísticas siguen con el cartel de "Se alquila" colgado y la sensación es de que viene más gente pero esto no está repercutiendo tanto como debería en la zona. 

Por supuesto que los propietarios y trabajadores de zonas turísticas están encantados, lo raro sería que no lo estuvieran. Pero eso no es un indicativo fiable. Claro que quien está ganando dinero ahora mismo no quiere que la cosa cambie. La cuestión es: ¿Se está ganando (en general) un dinero que compense el deterioro del ambiente y el coste de los servicios que genera una afluencia creciente? ¿a medio plazo esa afluencia creciente comenzará a ser un problema?

Vale la pena pararse a leer con calma las noticias que se publicaron estos meses en prensa local al hilo de la tan traída y llevada turismofobia. Los titulares son triunfalistas ¿Cuándo no lo son? Aquí no tenemos esos problemas, vienen más que el año pasado y estamos mejor que nunca, la imagen es buena, el turista está contento, el hostelero también. Todo es fantástico. 



Sin embargo, si bajamos al cuerpo del texto no hacemos más que ver, incluso en redacciones tan sesgadas, quejas de que esto ya no es lo mismo, de que ha cambiado de unos años a esta parte, de que hay colas, incomodidades, de que el ambiente ya no es igual de agradable. Pero como una página web de dudosa relevancia nos declaró (hace dos veranos) uno de los mejores destinos gastronómicos nos ponemos la medalla, salimos a la calle con el pecho hinchado y nos olvidamos de todos esos reproches. Porque al final siguen viniendo. 

Supongo que en destinos de sol y playa que en los 60 y 70 crecían sin parecer tener un límite pensaron algo parecido en su momento. Es posible que tal vez hoy, cuando la mayoría del público los asocia con cutrerío, incomodidad y desarrollismo salvaje ya no piensen así. Ahora que el gasto medio en esos destinos ha bajado a un porcentaje ridículo de lo que fue quizás piensen que deberían haber hecho algunas cosas de manera diferente. Pero aquí no aprendemos a base de bastonazos en lomo ajeno. Aquí vamos a seguir creciendo, porque somos especiales, por lo visto. 


Un año más he vuelto a encontrarme este verano con terrazas que recortan tapa de cortesía (pero mantienen precios, según una política económica que se me escapa), han vuelto a salir los carteles de paellas congeladas a la calle y el periódico local anuncia que uno de los modelos de negocio que demuestran el crecimiento del turismo son los tour gratuitos ¿En serio? ¿De verdad alguien cree que se puede vivir de eso, pagar impuestos, dar una oferta de calidad? ¿Ese es el modelo?

Este año hemos notado como se acentuaba una tendencia que ya veíamos venir en temporadas anteriores. Nuestro trabajo con turismo crece de marzo a junio, desaparece en julio y agosto y vuelve a aparecer con más fuerza en septiembre y hasta final de octubre. Paradójicamente trabajamos menos cuando hay más turistas. Y hablando con gente del sector hostelero de la ciudad parece que, según el tipo de negocio y el público objetivo, no somos los únicos. A más turistas menos trabajo en el sector turístico, a poco que tu oferta no esté enfocada al gasto más básico. 

Te acercas a turismo a hablarles de tu producto y de tu oferta y te dicen que es caro, que no va a vender. Y es cierto, a través de ellos no se vende. Ni uno sólo de nuestros clientes llega por ahí. Sin embargo llega trabajo, la gente está dispuesta a pagar lo que se les pide, lo consideran justo, muchos dejan propina, buenas críticas, nos mandan a amigos o conocidos, escriben cartas de agradecimiento.  Es curioso. Para los de aquí somos caros. Para la prensa local el futuro es la visita gratuita. Dos formas de ver el mundo. 


Y esto me lleva a ver cómo este incremento de los visitantes (y del dinero que llega, aunque no sea proporcional) repercute en la gastronomía. Santiago, que es la ciudad que más turistas recibe, tiene hoy menos estrellas Michelin que hace una década. Galicia, en líneas generales y si consideramos que dos de los que hoy la ostentan han cerrado en estos meses, no tiene más estrellas Michelin que hace 5 años. Hay muchos más sitios donde comer fritanga, especialmente en zonas turísticas, pero uno se pregunta si tanto esfuerzo, tanto visitante, tanta campaña en el exterior, tanto llevar a cocineros a hacer demostraciones por el mundo tiene su retorno. 

Porque al final las cifras en la gastronomía de calidad se estancan, muchos de los gastronómicos sobreviven a base de menús del día, efímeros, menús especiales y ofertas. O de servir banquetes y eventos. Esto es así, no es un ataque a nadie. Es una realidad. Puedes tener un menú de 40, de 50 o de 60€, pero si de lo que vives es del de 24, o de bocadillos, o te salvan las bodas que das en verano, o el gastrobar que tienes dos manzanas más allá, o la barra de vinos y tapas de la entrada eso no es un ataque, es una realidad. Vives donde vives y en el momento que te ha tocado. Es lo que hay. Bastante mérito tiene ir tirando. Pero no está de más no perderlo de vista, porque igual el turismo, y nuestra imagen como destino gastronómico, no están dando los frutos que se esperaba. 

Lo triste es que esa falta de una base de clientela sólida es algo sobre lo que ya escribí en 2006. 12 años después, millones de turistas más tarde, muchos cientos de miles de euros gastados en campañas, eventos, demostraciones y embajadas comerciales eso sigue ahí. La única diferencia es que el ticket medio de los restaurantes estrellados se ha duplicado (o más) en muchos casos, en disonancia absoluta con el crecimiento de los salarios de los locales (que no crecen) y con el gasto medio de los turistas (que tampoco es para lanzar cohetes). Cada vez es más un fenómeno de élite. Tampoco en eso hemos avanzado. 

Tenemos más turistas, pero sigue habiendo esas barreras psicológicas que existían hace 10 años. los 30 y los 50€ marcas límites muy marcados. Por encima de 30 para mucha gente eres caro, si te vas por encima de 50 eres un restaurante para pijos. O aún peor: para foodies. Es decir, sigue habiendo una desconexión con el grueso de la población. Y de los visitantes. 

Estamos en la última semana de agosto. Ya me han dicho en un par de sitios que empieza a notarse el bajón ¿Eso es lo que ha durado la campaña? Falta mucho hasta el próximo mes de julio ¿Qué va a pasar ahora con todas esas plazas hoteleras? ¿Quién va a mantener esos trabajos? ¿Qué hacemos con todos esos espacios, infraestructuras y personal que hemos creado para asumir la oleada? ¿Los cerramos 10 meses? ¿Despedimos a todo el mundo?

Es complicado. No existe una fórmula maestra para gestionarlo, pero mientras el turismo sea sólo un montón de gente que viene y entorpece en el mercado, que dificulta andar por la calle, que tiende los calzoncillos a secar en los arbustos de una rotonda o hace picnic en la acera no avanzaremos en el sentido correcto. Me temo que en otros 12 años volveré a hablar de los mismos problemas. Y lo terrible es que, mientras recibimos con los brazos abiertos estas oleadas estacionales de turismo low cost y nos conformamos con las migajas que nos dejan, tal vez estamos dificultando el crecimiento de otro turismo, más consciente, más responsable, con más ganas de gastar dinero, seguramente no masivo, pero con un gasto por visitante más amplio (en resumen: a un destino le conviene más un turista que gaste 200 que dos que gasten 100, porque los ingresos son los mismo, pero las molestias, las infraestructuras y los gastos precisos para atenderlos serán la mitad. Y esto sin entrar en más consideraciones). 

Seremos una potencia gastronómica y todo lo que queráis. Pero esto no se refleja en las guías. Ni en lo que la mayoría de los visitantes demanda. Lo que te encuentras, cuando vas a las zonas turísticas, son carteles de mariscadas a 18€, fotos de turistas comiendo mariscos que están en veda (es decir, foráneos o congelados), packs de tres botellas de albariño (no necesariamente con D.O. ) a 7€, tartas de Santiago (o similares) a precios ridículos. Seguimos apostando, aquí, donde presumimos de producto local, por langostinos y zamburiñas congeladas. En cuanto te alejas un poco de la cúspide de la pirámide desaparece el bonito (local) y aparece el atún rojo (el precio, la mayor parte de las veces, nos indica la calidad) ¿Cuántos restaurantes, aquí, donde se nos llena la boca de orgullo al hablar de nuestro pan, sirven un buen pan local? ¿Cuántos sirven un auténtico pimiento de Herbón? ¿Cuántos prefieren vender un mal calamar del Índico que un buen jurel? ¿Cuántos te ofrecen una buena bica, una rosca casera o unas papas dulces de millo en lugar de un mal coulant congelado?

¿Esa es la gastronomía que queremos vender? ¿Ese es el modelo de negocio? ¿Esa es nuestra convicción en cuanto al producto local? ¿Para eso nos sirven tantas demostraciones con producto del mar, de las lonjas, de los mercados, carteles con el valor de lo nuestro, a favor de los productores de leche...? Si es así, apaga y vámonos; casi mejor nos ahorramos las próximas campañas. Si en los últimos 15 años esto es lo que hemos conseguido a lo mejor es mejor convencerse de una vez de que este es el modelo que queremos, que nos gusta, de que no queremos más, de que nuestra ambición como potencia gastronómica llegaba hasta aquí. 

Contenido publicado originalmente en http://gourmetymerlin.blogspot.com. Si lo encuentras publicado sin acreditar autoría estás ante un sitio pirata
29 Aug 19:45

Percentage who agree with the statement "Success in life is determent by forces outside our control"

by Alex E
Percentage who agree with the statement "Success in life is determent by forces outside our control"

Reddit user: trinitronbx
29 Aug 19:44

National Geographic Map of Africa (1909)

by Alex E
National Geographic Map of Africa (1909)

29 Aug 19:13

BSDM Can Provide Profound Healing Experiences

by Sofia Barrett-Ibarria

Cupcake Sinclair likes to be punished. As a professional submissive and fetish porn producer in Los Angeles, being tied up, spanked, and flogged is part of the job description. It's also what she does for fun. Last year, she became a somewhat of a FetLife celebrity when she produced and starred in a fetish video that depicts a man nailing her breasts to a wooden board as a punishment, aptly titled "Nailed."

"Yes, it's painful," she says. "Yes, there's screaming." The video is very real and undeniably unsettling for those not accustomed to watching a self-described "pain slut" have body parts nailed to a boar. But it's the product of Sinclair's literal "blood, sweat, and tears," she tells me, and she continues to recreate this scene for live audiences at local LA fetish clubs for fun—and as a form of therapy. Sinclair explains that extreme submission provides a release from the banality of boring, everyday vanilla living while also helping her preserve her mental health.

"So many of us shy away from pain. Being able to embrace it allows me personally to feel the catharsis I need, as well as to remind myself I'm stronger than any problems I might be going through. I've been in the lifestyle for about six years now and for me, it's therapeutic," Sinclair says. "I tend to develop a bit of a disconnect with my emotions, [and] by submitting and going through levels of pain and pleasure, I feel more honed in to reality. When submitting to someone I trust, I'm able to let go of my anxieties."

BDSM (which stands for bondage, dominance, submission, and masochism and involves bringing power, pain, and release into a sexual experience) can be therapeutic even if you're not in the porn industry. As S. Nicole Lane wrote in an essay for HelloGiggles, some individuals such as herself, who've experienced sexual assault, discover BDSM as an essential part of the healing process—a means to reclaim their bodily autonomy, rebuild trust, and treat their PTSD in a controlled environment that's "similar to yogic or meditation based sessions."

For some kinksters like Instagram user @mommyineedthis, who runs a popular ABDL (adult baby diaper lover) account, fetish role play can create a controlled environment where it's safe to revisit, recreate, or rewrite memories of trauma. "Growing up surrounded by nothing but abuse, I was very closed off [as a child.] I can only speak on behalf of myself, but this lifestyle allows me to heal," she tells me. Alyssa, (who prefers to use just her first name) an LA-based stand up comedian in her 20s, goes a step further, explaining how she's able to reclaim her sense of strength and power through submissive role play, something she calls a "sacred process."

"To be able to sit down and discuss 'this is exactly what I want, and this is exactly what I am unwilling to allow,' and have that be held sacred, opened my eyes to the realization that I am worthy of having my consent treated like the number one most important thing in the world—because it is," she tells me. "Having my comfort level, my consent, and my body treated with such deep reverence and respect was the gateway to giving myself permission to feel sexual pleasure again. This was something I had truly shut down after my traumas."

As described in a 2015 article for The Atlantic, some psychotherapists like Leslie Rogers and Tani Thole, founders of the Light and Dark Institute, are now harnessing the power of kink therapy to help treat patients with a variety of traumatic experiences. "BDSM is like war," Rogers says in the article, "but in re-creating war, I'm ending it. I'm going to a place where I shouldn't go, and we'll meet there, and in the end we'll realize that we are still capable of being loved."


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San Francisco-based sex therapist Vanessa Marin says that the positioning of consent within these practices can make them helpful coping mechanisms. "I have worked with clients who had profound healing experiences through kink," Marin says. "Speaking in very broad brushstrokes, the kinky community tends to heavily prioritize consent. There are discussions of boundaries, safe words, and contracts. Sometimes scenes are entirely planned out before two people even touch."

Marin says that it's the topic of consent, in particular, that tends to be healing to sexual abuse victims. Any type of sexual assault sends the message that your wants, needs, and even safety, are not important to your abuser. Being able to reclaim your autonomy and have thoughtful conversations about the specific activities that you do and don't want to engage in with a partner who listens to and respects those boundaries, she says, can be transformative.

Kink and BDSM role play also may be beneficial to some people who've experienced trauma when used as a formalized therapy technique or a personal form of expression, explains Kristen P. Mark, associate professor of health promotion and director of the Sexual Health Promotion Lab at the University of Kentucky. "[But] It is untrue to assume all of those who engage in kink and BDSM have experienced abuse," she adds. "That is a common misconception."

Sinclair agrees that it's important to debunk the myth that people are kinky because of abuse. Some people like to smoke weed and watch Game of Thrones to unwind after a long day and some people like to get slapped and thrown in a cage. Any of these are fine and normal ways to have fun and cheer yourself up when you've had a bad day—or a lot of really bad days.

Countering the idea that kinky people must be damaged in some way, a 2013 study published in the Journal of Sexual Medicine found that self-identified kinky people actually "scored better on many indicators of mental health" than non-kinky people. According to the research, kinksters "were found to be less neurotic, more open, more aware of and sensitive to rejection, more secure in their relationships and have better overall well-being."

Like "anything else in life," Marin concludes, kink as therapy "doesn't work for everyone." Anyone interested in trying out a BDSM practice, whether for help coping from a traumatic event or just for fun, should proceed with caution. "Anything can be either helpful or hurtful (or both in some cases) to survivors of sexual assault or any type of violence," writes sex educator Shanna Katz for Outfront Magazine. "Sometimes, the survivor won't even realize that something might trigger them until they are in the middle of a situation," she said.

Katz writes that in these types of partnered scenes, communication, and flexibility are key, as BDSM play can often bring up a range of memories and emotions for anyone, whether or not they've experienced trauma. "Be aware that intimacy and sexual activities always can result in unexpected emotional reactions, regardless of experiences of sexual assault or other trauma, so just be open about what is going on."

When approached with care, respect, and in tandem with more traditional methods like talk therapy, Alyssa says her journey into kink has been transformative. "BDSM has been nothing but a positive addition to my life and my healing. I've experienced many sexual traumas in my life and before I got involved with the kink scene, I had no concept of healthy boundaries, sexual empowerment, or even my own worthiness for pleasure and consent." Leaning into physical pain on her own terms and under her own control, she's come out on the other side feeling strong, sexual, and seen.

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Cómo lesionar a alguien brutalmente

by Mike Pearl

Si eres como yo, cuando eras niño le diste una oportunidad a las clases de defensa personal, pero dar golpes al aire durante una hora un par de veces por semana parece algo bastante inútil, razonamiento que impidió que llegaras a ser cinturón amarillo. Otros niños sí se ganaron varios cinturones de diferentes colores ⎯tal vez hasta el preciado color negro⎯, y genial por ellos.

Aprendieron una habilidad muy valiosa y seguramente podrían hacer algunos movimientos a lo Jackie Chan si algún maniático homicida los llega a atacar. Su atacante se arrepentirá del día en que decidió meterse con ellos, pero el mío simplemente me matará, y es una lástima.

El instructor de defensa personal Tim Larkin tiene otro punto de vista cuando se trata de pelear con personas que te quieren hacer daño.


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Él promociona en internet su estilo como algo fácil de aprender y te dice cuáles son los lugares en los que puedes golpear a una persona para herirla de manera catastrófica. Por consiguiente, el nuevo libro de Larkin, When Violence Is the Answer: Learning How to Do What It Takes When Your Life Is at Stake (Cuando la violencia es la respuesta: aprendiendo a hacer lo necesario cuando tu vida está en juego), es una extensión de esta idea. No te enseñará equilibrio, ni respiración, ni a ser un atleta; el libro es más bien un manual de violencia directa y espantosa.

Si alguien te ataca y es hora de usar la violencia de verdad, Larkin recomienda que "des un golpe que le impida funcionar". La idea se resume en este pasaje inspirador:

¿Es más fuerte que tú? No si le pegas en la garganta. ¿Es más rápido que tú? No si le destruyes la rodilla. ¿Es más peligroso que tú y tiene experiencia en golpear, o tiene una pistola y una voluntad inquebrantable? No si le rompes el cuello.

Si estás pensando en que esto suena un poco mal, felicidades: eres una persona razonable. Afortunadamente, When Violence Is the Answer tiene un lado filosófico. Larkin ama los deportes de combate tanto como al oponente, pero ya lo había dejado muy claro, no estamos hablando de enfrentarnos contra oponentes en peleas honorables.

"Tomas una parte fuerte de tu cuerpo y la pones sobre una parte débil del cuerpo de la otra persona que no pueda aguantar ese tipo de poder. Es un concepto muy simple"

En el libro, Larkin plantea el caso de que a veces alguien es atacado sin razón, y en estas situaciones, dispararle al atacante con una arma de fuego estaría justificado jurídicamente. Las armas de fuego pueden dañar la vida, o incluso ocasionar lesiones letales, y si entendemos algunos de los principios básicos, tu cuerpo o mejor dicho cualquier cuerpo también puede causar esas lesiones.

Así que después de leer el libro, hablé con Larkin para que me enseñara un poco cómo puedo, si realmente no tengo otra opción, dejar hecho un trapo a un agresor.

Nuestra conversación fue editada y condensada para mayor claridad.

VICE: En términos generales, ¿cómo das un golpe que mande al hospital a alguien?
Tim Larkin: No es tan complicado. Lo único que necesitas es entender los fundamentos de la anatomía. Se trata de combinar un poco de física con un poco de fisiología. Tomas una parte fuerte de tu cuerpo y la pones sobre una parte débil del cuerpo de la otra persona que no pueda aguantar ese tipo de poder. Es un concepto muy simple.

¿Usaste alguna metodología para perfeccionar estos principios?
Buscamos en datos de lesiones deportivas. Cada lesión en los deportes es el resultado de una persona chocando contra otra, o personas que chocan contra el planeta. Esas son fuerzas que tú y yo podemos replicar.

"Cuando golpeas un lado del cuello, o se desmayan o pueden sufrir una conmoción"

¿Me podrías dar un ejemplo de una sola lesión que suele funcionar cuando atacan a alguno de tus alumnos y se ve obligado a usar la violencia?
No. No sabes cuáles van a ser los componentes, pero debes entender los principios. Es como si me dijeras, "Oye, Tim, quiero aprender a multiplicar, así que dime cuál es la ecuación que siempre sale", Y yo te contestara, "Vale, es 42 por 45", y te la aprendes de memoria y te sientes muy bien por eso. Y cuando realmente tienes que hacer una multiplicación te sale 27 por 32, y no tienes ni idea porque nunca antes la habías visto. He tenido a muchas personas que han sido capaces de atacar al cuello por algún lado.

La razón por la que tienen tanto éxito golpeando un lateral del cuello es porque hay una vena a los lados del cuello, una arteria, y dos nervios, así que cuando golpeas un lado del cuello, o se desmayan o pueden sufrir una conmoción. Si no me importara nada, te podría decir: "A ver, trata de golpearle a alguien en un lado del cuello". Pero si te dijera eso sería muy deshonesto.

¿Cómo reaccionas cuando alguien te dice que estás incitando a la gente a que "pelee sucio"?
No tengo nada en contra de ese término. El problema es que si uso términos como ese, pierdo a mi público. Piensan, "Yo no soy un criminal. No soy una mala persona, no me interesa aprender eso".

Cuando hablo de violencia, la veo como una herramienta. La manera en que la usas determinará si es una violencia justificada o criminal. Yo enseño a las personas a usarla con justificación.

"Yo enseño a la gente el cuerpo humano, tumbado en el suelo, y les enseño cómo pisotear alguna parte"

¿No te preocupa que esa "herramienta" que estás enseñando sea mal utilizada?
La triste verdad de la que nadie se da cuenta es que las personas a las que mejor se les da usar la violencia –ya sea con las manos o con armas improvisadas– no tienen experiencia en los deportes de combate o en las artes marciales. Todos pertenecen al sistema penitenciario y ven la violencia de una manera muy práctica. No tienen dinero para ver la violencia como una fantasía. Se tienen que orientar a los resultados. A lo que funciona. Cuando lo ves desde esa perspectiva, lo ves como un trabajo mecánico.

Cuando la gente toma una clase de defensa personal, creo que muchas veces quieren que alguien les enseñe a ser Bruce Lee, y tú definitivamente no haces eso. ¿Eso es un problema en tus clases?
Yo enseño a la gente el cuerpo humano, tumbado en el suelo, y les enseño cómo pisotear alguna parte, y la gente hace versiones raras de un pisotón. Y ahí es cuando les paro y les digo, "Enseñadme cómo pisaríais una lata de cola para que el contenido saliera disparado por todos lados". Y así, de manera mecánica, lo hacen perfectamente, porque si se ponen a pensar que son "artes marciales", hacen cosas raras. Cuando piensan que un trabajo mecánico, de manera natural lo hacen bien y en el lugar correcto, y saben cómo distribuir su peso corporal. Son movimientos naturales.

"Un tipo entra en un bar y me empuja y me dice que estoy sentado en su sitio, entonces me pongo de pie, lo cojo del pelo y le saco un ojo"

Muchos pasajes de tu libro, sin contexto, suenan como un manual para un completo psicópata. Es decir, de cierta manera lo eres. A fin de cuentas, lo que le estás diciendo a la gente es que le saque los ojos a otra persona.
Te explicaré como le das la vuelta a eso. Prueba con estos tres escenarios: el primero, un tipo entra en un bar y me empuja y me dice que estoy sentado en su sitio, entonces me pongo de pie, lo cojo del pelo y le saco un ojo. El segundo, entro en el estacionamiento del supermercado, llevo esperando dos minutos para conseguir una plaza. Llega un tipo con un Mercedes y se mete en el sitio en el que iba a aparcar yo. Bajo del coche, lo saco a él del suyo, lo sacudo y le saco un ojo".

Bueno, todavía no me convences. Todas esas justificaciones son muy malas.
Sí, aquí va el tercer escenario: llega a mi oficina un tipo que acaba de disparar a dos personas. Lo veo distraerse para cargar más balas. Entonces le hago un placaje y lo tiro al suelo. Lo primero que veo es su ojo, y se lo saco, para evitar que siga matando. A nadie le hace gracia eso.

"Lo único que funciona es ser tú quien provoque una lesión, porque eso es lo único que puede superar la máxima de 'más grande, más rápido y más fuerte'"

Ese es mejor ejemplo. ¿Existen reglas para cuando debes y no debes hacer estas cosas?
Cuando no tienes otra opción. Esa es la regla número uno. La número dos es que en esa situación en particular, si tuvieras un arma de fuego, creerías que usarla contra esa persona estaría justificado. Ese es el tipo de situaciones de las que estamos hablando.

De inmediato, todas las cosas sociales estúpidas quedan descartadas; las peleas en un bar, por ejemplo, porque no cumplen con ese límite. Otra cosa es que, si no reaccionas, básicamente acabarás muerto.

Cuando llegas al extremo de que corres el riesgo de sufrir un daño corporal grave y tengas una opción, por defecto, lo único que funciona es ser tú quien provoque una lesión, porque eso es lo único que puede superar la máxima de "más grande, más rápido y más fuerte".

Tal vez los niños no deberían saber esto, ¿Hay niños que toman tus clases?
Tengo un hijo de 22 años y otro de seis. Y unas gemelas de cuatro años. Mi hijo de 22 años pasó la secundaria sin exponerse a mi entrenamiento ⎯aunque sabía que existía⎯. Su primer curso lo tuvo a los 17 años y medio. A los chicos les cuesta mucho trabajo pasar sus años de secundaria sin este tipo de formación. No son lo suficientemente maduros en mi experiencia para entender que pueden causar daños irreparables a la gente. Tal vez lo podrían probar. ¿Mis hijas? Cuando tengan once harán el curso.

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¿Qué come la gente cuando curra en un sitio de comida rápida?

by Pol Rodellar

A la hora de generar contenido para internet muchas veces opto por elaborar aportaciones basadas en innecesarios experimentos culinarios —comer noodles durante una semana; comer por un euro, no comer…— en los que puede parecer que esté destruyendo mi vida (o al menos mi salud).

No sufráis, pues la propia limitación temporal de los artículos hace que, de alguna forma, no llegue nunca a sufrir DE VERDAD.


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Aun así, sí que llego a un estado mental en el que no puedo evitar empatizar con todos esos seres que se ven obligados a comer SIEMPRE lo mismo, y aún más importante, comer siempre un tipo de comida que la gran mayoría de la sociedad considera que es basura. Estoy hablando de todos esos héroes que trabajan en franquicias alimenticias de comida rápida: McDonald's, Telepizza, Domino's, Taco Bell, todo esto.

Muchas veces, cuando yo mismo voy a comer a estos sitios (que es algo que me apasiona hacer, sobre todo en soledad y sobre todo después de que una relación sentimental de tres años termine con un mail que dice "Pol, no te lo había dicho pero estos tres años he tenido un amante y ese has sido tú, creo que prefiero quedarme con mi novio de siempre, el de verdad") y veo a algún trabajador sentado en una mesa consumiendo el mismo producto que cocina y vende, en una especie de espiral infinita digna de Escher, no puedo evitar preguntarme si esta gente estará comiendo SIEMPRE la comida que se sirve en este tipo de locales. ¿Es posible vivir ingiriendo este tipo de manjares sin que te reviente la cabeza?

Entrevisté a varios trabajadores de varias franquicias para que me aclararan el asunto.

RAFAEL RUBIALES, 33 AÑOS. LLEVA 11 TRABAJANDO EN MCDONALD'S

VICE: Joder, ¿llevas más de 10 años trabajando en el McDonals?
Rafael Rubiales: Bueno, primero estuve trabajando durante tres años, luego lo dejé y lo retomé en 2009, y hasta ahora.

¿Cómo va el asunto? ¿Puedes pillarte lo que quieras?
Tienes media hora para comer y depende de las horas que hagas tienes una cantidad u otra de productos para coger. Si haces siete u ocho horas puedes coger cinco productos; si haces seis tienes cuatro; si haces tres horas puedes cogerte tres. Que a ver, puedes coger más productos y tampoco te dicen nada.

¿Es gratis?
En la nómina te cobran una parte de dietas. Te la lleves o no, eso se te cobra. No es mucho, son como diez o quince euros al mes, más o menos.

"Me traigo comida de casa pero me pillo el postre ahí, además siempre caen unos McNuggets o algo"

¿Durante todo este tiempo has estado comiendo menús de McDonald's o te traes tuppers?
Yo al principio siempre comía comida del McDonald's, nunca me traía comida de casa, pero ahora tengo que seguir una dieta y llevo dos años a base de tuppers.

¿Una dieta?
Bueno, tengo un problema en el estómago —una enfermedad hereditaria— y debo seguir una dieta especial. Hace un año y medio empecé a adelgazar mucho y me lo miré, y tuve que dejar de comer del McDonald's, pero ya te digo, no es nada que surgiera por culpa de los McMenú. De hecho, me traigo comida de casa pero me pillo el postre ahí, además siempre caen unos McNuggets o algo.

"Me preparaba una hamburguesa con mayonesa, salsa barbacoa, lechuga, cebolla tomate, queso y un par de carnes. Luego lo acompañaba siempre con unos nuggets con salsa barbacoa y unas patatas. Y de postre una manzana o un Petit Suisse"

¿Y antes de esto —esos primeros 9 años en los que comías siempre ahí—, qué te preparabas?
Me preparaba mis hamburguesas, como ya me conozco todos los productos, me hacía mis mezclas.

¿Te hacías tú McRubiales?
Siempre hacía lo mismo. Me preparaba una hamburguesa con mayonesa, salsa barbacoa, lechuga, cebolla tomate, queso y un par de carnes. Luego lo acompañaba siempre con unos nuggets con salsa barbacoa y unas patatas. Y de postre una manzana o un Petit Suisse.

¿Y comías esto CADA día?
Sí.

¿No variabas? ¿Te gustaba esto y tirabas siempre con lo mismo?
A veces lo cambiaba por pollo o en vez de meter todo esto en pan de hamburguesa me lo metía en una wrap. Otras veces pillaba de base (y de hecho a veces me sigo pillando) la Grand McExtrem Barbacoa y luego le iba añadiendo mis cambios (pongo beicon, cambio salsas…).

"Llega un momento en el que te cansas. Ves una hamburguesa y ya no te apetece, por eso hay que ir inventando recetas y cambiando un poco para que no se haga muy tedioso"

¿Y no te cansaba comer siempre lo mismo?
Sí, llega un momento en el que te cansas. Ves una hamburguesa y ya no te apetece, por eso hay que ir inventando recetas y cambiando un poco para que no se haga muy tedioso. Pero, en verdad, la comida es muy apetecible y aunque me lleve comida de casa, siempre me cojo algo de allí.

Ya, es que ese olor es como que es un infierno pero a la vez atrae mucho. Es una droga extraña.
Sí, yo por la mañana como mi bocadillo que me compro en una panadería pero a la que llevo un rato trabajando con ese olor ya me entra hambre.

"Alguna compañera sí que me comenta que si come ahí engorda un poco pero nada más. Nadie tiene problemas graves"

¿Y tus compañeros, por lo general, qué hacen?
En general, muchos comen de McDonald's, hay gente que se trae la comida de casa pero es muy poca gente.

¿Y los que comen siempre ahí no se quedan jodidos?
No. Alguna compañera sí que me comenta que si come ahí engorda un poco pero nada más. Nadie tiene problemas graves.

ELISA VICTORIA, 32 AÑOS. ESTUVO TRABAJANDO UN AÑO EN EL TELEPIZZA

VICE: Buenas Elisa, ¿cómo funciona lo de comer en el Telepizza? ¿Te dan comida gratis por ser empleada?
Elisa Victoria: La verdad es que procuraban que nadie tuviera un turno tan largo y el hambre se trabajara antes de llegar, al salir o durante las horas muertas de un turno partido. Te podía corresponder un ratito de descanso pero el comer siempre era cosa tuya. Si llevabas un bocata bien, si te querías comprar algo allí, pues lo que tú quisieras a mitad de precio, pero nadie se preocupaba de eso.

¿Tú comías ahí?
Normalmente me iba a comer a mi casa o llevaba un bocata, pero algunas noches si luego iba a salir de fiesta me compraba algo pequeño y caliente que me diera sensación de lujo. Casi siempre me pedía un Spiro Dog, la opción barata que me más me ambientaba y me quitaba bien el hambre

¿Spiro Dog?
Esto. Un perrito en pan de pizza.

"No me gustaba la idea de comer pizza muy a menudo porque claro que te hartabas, pero no me hubiera importado comer un poco más si me hubieran invitado"

¿Y no comías ahí porque en el fondo te gastabas pasta y les estabas dando dinero a los empleadores o porque ya estabas harta del olor a pizza y de estar rodeada de pizzas?
No me gustaba la idea de comer pizza muy a menudo porque claro que te hartabas, pero no me hubiera importado comer un poco más si me hubieran invitado. El motivo principal era sentirme tonta invirtiendo allí el poco dinero que ganaba.

"La ventaja era poder pedir una sola pizza a mitad de precio, algo inusual para los clientes"

Es que claro, tenías que pagar la pizza a mitad de precio, y eso es mucho. Porque a ver, ahí tengo una duda. La gracia de Telepizza es eso del 2x1, porque sino comprar una pizza resulta caro. ¿El 50 por ciento de descuento que se os aplicaba por ser empleados se hacía sobre el excesivo precio real de las pizzas o sobre ese supuesto precio de una pizza que se encuentra bajo las coordenadas de ese 2x1? O sea, ¿era un 50 por ciento del precio de la pizza real o un 25 por ciento (la mitas de la mitad por ese 2x1 ficticio)? No sé si me explico.
Te explicas, sí. Ahí está el tema, no era un 25 por ciento sino un 50 por ciento, un descuento normal sobre el precio fijo de la pizza. La ventaja era poder pedir una sola pizza a mitad de precio, algo inusual para los clientes, pero al final como cualquier "martes loco". Nada para fliparlo. [Los martes locos todo está al 50 por ciento]

¿No había ninguna forma de comer algo de gratis?
La única cortesía era con los del cierre, que tenían derecho a repartirse las sobras del día.

"A veces había sido un día de fiesta con mucho lío y había cuatro pizzas para repartirse. A veces no había nada y era una pena"

¿Sobras? ¿Te refieras a sobras de los clientes?
Me refiero a las pizzas que hubieran sobrado a lo largo de la jornada por haberse roto, haber habido errores en su elaboración o no haber sido finalmente reclamadas por el cliente. Pero ahora que lo dices, era frecuente ver a los repartidores dando una vueltecita por la sala en busca de una porción intacta con buena pinta para echarse algo al estómago. Esto estaba totalmente prohibido pero muchas veces iban muertos de hambre y cansancio.

¿Y a ti te tocaba cerrar AKA podías pillar pizzas gratis?
Sí. A veces había sido un día de fiesta con mucho lío y había cuatro pizzas para repartirse. A veces no había nada y era una pena.

"Tú no podías hacerte tu propia pizza, pero te la preparaba una compañera que la hacía con todo el amor del mundo, saltándose ciertas normas por lo bajini (mezclar salsas, petarla de queso, echar algún que otro ingrediente gratis) y el resultado era algo personalizado y especial"

¿Sobraban muchas pizzas normalmente?
En días locos como el de Año Nuevo, Reyes Magos, Semana Santa y, en general, todos los "martes locos", había abundancia de sobras. Otros días podía haber una triste mediana.

¿Cómo se decidía la repartición de las pizzas sobrantes?
El cierre se llevaba a cabo entre un repartidor y una pizzera y lo correcto era dividir el botín a medias una vez terminado el trabajo.

¿Los demás compañeros se compraban pizzas a mitad de precio para comer?
Era muy frecuente que consumieran en la propia tienda, algunos casi todos los días que trabajaban. Yo les tenía mucho cariño pero este comportamiento no podía entenderlo.

"Las pizzeras cuando estábamos muertas de hambre empezábamos a pillar lonchas de pepperoni, masticando así como si nada"

¿No se cansaban? ¿Se hacían sus propias pizzas, sus propias recetas?
Al parecer no se cansaban porque había pequeños detalles que embellecían la experiencia. Tú no podías hacerte tu propia pizza, pero te la preparaba una compañera que la hacía con todo el amor del mundo, saltándose ciertas normas por lo bajini (mezclar salsas, petarla de queso, echar algún que otro ingrediente gratis) y el resultado era algo personalizado y especial. Aun así yo no veía que compensara.

Y otra cosa, ¿la gente robaba o algo?
¿Nosotros? Había poquito que robar. Las pizzeras cuando estábamos muertas de hambre empezábamos a pillar lonchas de pepperoni, masticando así como si nada, o podíamos coger alguna chuche o juguete de los cumpleaños infantiles que se celebran.

Ahora que dices esto, ¿los repartidores siempre son chicos y las pizzeras siempre chicas?
Me pregunto si eso habrá cambiado (yo trabajé allí hace 10 años), entonces era así. Los repartidores, como salían de la tienda todo el tiempo y estaban muy expuestos, a veces sufrían robos, por eso no deben llevar mucho cambio encima.

¿Cuál era el top 3 de pizzas de éxito?
Yo diría que el top 3 de especialidades eran: barbacoa, carbonara y cuatro quesos, seguidas de la especial de la casa.

Coincido con las dos últimas, las dos primeras me parecen horripilantes.
Pues se pedían a saco, estábamos bizcas de hacer barbacoas.

Eduard tenía una foto con su mítico traje del Pans pero su madre no la ha encontrado, os pongo esta foto sacado de la página oficial de Pans & Company.

EDUARD SIMONNEAU, 39 AÑOS. TRABAJÓ EN EL PANS & COMPANY DURANTE MEDIO AÑO

VICE: ¿Cómo fue tu experiencia en el Pans & Company?
Eduard: Yo hacía el cierre cinco veces a la semana y cinco veces a la semana cenaba allí. Por aquel entonces tenía 20 años y lo aguantaba todo. Pero bueno, lo que vendíamos era bastante sano, ¿no?

Está claro. ¿Qué comías?
Yo me construía mi bocata, lo hacía de frankfurt con cosas. A veces me hacía el Bretón con extra de ingredientes o uno de pechuga de pollo en plan sano pero luego terminaba metiéndolo cualquier guarrada.

¿El Bretón cuál era?
El de jamón serrano con queso brie. ¿No se llamaba Bretón? ¿O Normando? Ya no recuerdo los putos nombres.

"Yo hacía el cierre cinco veces a la semana y cinco veces a la semana cenaba allí. Por aquel entonces tenía 20 años y lo aguantaba todo"

¿Tenías que pagar algo?
No, no. Me lo metía de gratis. Algún día robábamos vino —las botellitas pequeñas— y nos lo bebíamos de un trago en los ratos muertos.

¿Y tuvo alguna consecuencia jodida el comer cada día ahí durante seis meses?
No sé decirte, por el tema de la alimentación no, no me daba asco. Yo llegaba ahí a las cuatro de la tarde y me metía un bocadillo de fuet —me flipaba el Vic—, lo hacía incluso con ilusión, era un tipo feliz, me daba bastante igual todo. Yo es que merendaba y cenaba ahí, me metía mínimo dos bocatas o tres al día.

El tema era otro, lo jodido era que me quedaba la piel grasienta de currar ahí. Cuando salía tenía la piel pegajosa, de todo el día con la grasa en el ambiente. Y claro, yo esto lo he estado pensando durante mucho tiempo, ¿toda esa grasa que se me depositaba en la piel también me impregnaba los pulmones?

"Algún día robábamos vino —las botellitas pequeñas— y nos lo bebíamos de un trago en los ratos muertos"

Yo creo que estuve trabajando ahí esnifando grasa cada día. Por mucho que sea el Pans & Company, al final es grasa pura. Eso es lo que más asco me daba y no he vuelto a ningún Pans ni nada similar.

No sé si esa grasa puede llegarte a los pulmones, quizás se te queda en la nariz. No tengo ni idea.
También es verdad que durante esos seis meses nunca limpié mi uniforme.

POL PARÉS, 25 AÑOS. PASÓ UN AÑO TRABAJANDO EN EL MCDONALD'S

VICE: Hola Pol, cuéntame tus hábitos alimenticios durante tu época currando en el McDonald's.
Pol PS: Bueno, pues yo me pasé ese año prácticamente comiendo y cenando McDonald's. Al final me hacía recetas únicas con los productos que había allí. Conseguí hacer unas piadinas con la pita del wrap y la ponía en la plancha del pan de hamburguesa.

¿Cuántas cosas podías coger?
Solo nos dejaban coger cuatro productos pero me pillaba la bandeja donde se ponen los desayunos ( pancakes, cruasanes…) y ahí dentro ponía más cosas y decía que solo había un cruasán. Lo llenaba con otras hamburguesas, nuggets o patatas, por ejemplo. También en las cajas de las hamburguesas Extreme (las más tochas) cabían como cuatro hamburguesas de un euro.

"Me pasé ese año prácticamente comiendo y cenando McDonald's. Al final me hacía recetas únicas con los productos que había allí"

¿Te lo cocinabas tú?
Cuando empecé no, porque teníamos de quince a veinte minutos para comer, entonces cogía lo primero que veía en el bin (la rampa esa donde se acumulan las hamburguesas detrás de los cajeros), para no perder tiempo.

Pero cuando ya llevaba un tiempo me pasaba la mitad del descanso preparándome bocadillos a mi gusto —como las piadinas esas que te he comentado— y luego devorándolas durante los cinco minutos que me quedaban.

En los últimos días el sabor de las hamburguesas y, sobre todo, el del pollo frito, lo tenía completamente aborrecido"

¿Y no se te hacía un infierno comer siempre eso?
En los últimos días el sabor de las hamburguesas y, sobre todo, el del pollo frito, lo tenía completamente aborrecido.

¿Y entonces qué comías?
Me hacía bocadillos enormes solo con los productos vegetales que había, acompañándolos de distintas salsas.

29 Aug 09:51

He descubierto el origen del logo de Podemos y me ha explotado la cabeza

by Modesto García

¡Teníamos la respuesta delante de nuestras narices!

Si no acabas de despertar de un coma, seguramente conozcas a Podemos, un partido político español de izquierdas que surgió en 2014 tras los movimientos indignados del 15M, bajo el liderazgo de Pablo Iglesias y su característica cola de caballo.

Si no acabas de despertar de un coma, seguramente conozcas a Podemos, un partido político español de izquierdas que surgió en 2014 tras los movimientos indignados del 15M, bajo el liderazgo de Pablo Iglesias y su característica cola de caballo.

REUTERS/Juan Medina

Pues bien, el logo de este partido fue creado por Sarah Bienzobas, miembro del Consejo Ciudadano y responsable de Diseño de Podemos.

Pues bien, el logo de este partido fue creado por Sarah Bienzobas, miembro del Consejo Ciudadano y responsable de Diseño de Podemos.

Según ella misma contaba en ABC hace unos años, «Círculos era el nombre que tomaron los grupos que daban apoyo desde los distintos lugares. Que este nombre se viera reflejado en el logo es una forma de reconocimiento a la gente que hace posible Podemos». Pero esa no era la verdad.

Podemos

Hace unas semanas me topé con esta fotografía y descubrí algo realmente inquietante.

Hace unas semanas me topé con esta fotografía y descubrí algo realmente inquietante.

Reuters / Paul Hanna

¿No lo veis? Hagamos zoom

¿No lo veis? Hagamos zoom

Reuters / Paul Hanna / Modesto García


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29 Aug 09:48

“Wir Erben” – Julia Friedrichs

by Carlos Jenal
Radiografía de Alemania antes de sus elecciones: ni Karl Marx ni Adam Smith, la que vio como iba a ser el siglo XXI fue Jane Austen
27 Aug 12:23

Meirás, el baluarte del descaro franquista

by Sonia Vizoso

Los fantasmas de la dictadura franquista suelen elegir agosto para pasearse por el pazo de Meirás. Fue justo en ese mes de 2008 cuando la Xunta dirigida por PSOE y BNG abrió el primer agujero en el abultado patrimonio del que disfrutan los Franco desde la llegada de la democracia iniciando los trámites para declarar Bien de Interés Cultural (BIC) su fortaleza de verano en Sada (A Coruña). La histórica medida, que llegó tras un litigio de año y medio que los Franco aún prolongaron después, obligaba a los herederos del dictador a mostrar la finca al público durante cuatro días al mes. La familia recibió el mandato a regañadientes, torpedeó durante años su cumplimiento y ahora pretende darle la vuelta a su favor, utilizándolo para mayor gloria del régimen franquista.

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27 Aug 12:18

Lazarus, tomos 1 al 4

by Igor Álvarez Muñiz

El mito de Lázaro es uno de los más conocidos del Nuevo Testamento, a saber, el del amigo de Jesucristo que resucita al ir este a visitar su tumba días después de su entierro. Esta historia ha tenido mucha repercusión en la iconografía artística a lo largo de la historia en un gran número de medios, desde los más clásicos como la pintura (“La resurrección de Lázaro” de Caravaggio por ejemplo) o la poesía (de hecho la conocida frase “levántate y anda” se la debemos en realidad asociada a este mito por Gustavo Adolfo Becker) hasta los más recientes como el cine (como Proyecto Lázaro), títulos de capítulos de series (Lazarus Rising de Supernatural que me venga a la mente), un gran número de canciones (David Bowie) o capítulos de cómics (incluso de Lobezno), es decir, Lázaro es un referente habitual en el arte y su significado es el de la resurrección.

Está claro que al encontrarnos frente a una serie llamada Lazarus algo de resurrección va a haber, pero los autores son engañosos con el tema ya que su importancia va menguando y creciendo según el enfoque que le da el autor a cada uno de los arcos argumentales, eso sí, de religioso tiene poco, es más ciencia-ficción, y la mitología que utiliza es en realidad una exageración del camino que está tomando el mundo en las últimas décadas, un “futuro posible” basado en el avance de las empresas, la globalización y mezclándolo con una especie de sistema monárquico sin ataduras a un pedazo de tierra concreto pero con una fuerte vinculación familiar que también recuerda a la mafia en cierta medida. Eso sí, los autores no se meten en profundidad a explicar lo que ha pasado en el mundo, al menos no aun.

El lanzamiento de Lazarus se ha de enmarcar dentro de el alzamiento de una nueva etapa en la editorial Image que en cierta manera viene a sustituir lo que el famoso sello de DC llamado Vertigo nos trajo en años anteriores, esto es obras de autor con una calidad inmensa. Si bien el éxito de Image viene a suplir una carencia en el mercado estadounidense no podemos ser ingenuos y analizar esto solo como un hecho puntual, The Walking Dead marcó un punto de inflexión importante que otorgó poder a esta editorial especial e independiente, su visibilidad actual supone para muchos autores un refugio para sacar sus propias ideas a la luz, lejos del cruel mundo del mainstream, pero no seamos ingenuos también con este tema, el triunfo de la serie de televisión y del cómic supone una fuente de ingresos importante para los autores que no se da en ninguna de las grandes, lo que hace que quien ya tiene un renombre busque obtener lo mismo que Robert Kirkman tiene a día de hoy, es natural.

En este caso es necesario hablar de la televisión ya que muchos autores que se fueron a Image intentaban precisamente eso, que sus series acabaran en la pequeña pantalla engrosando la lista de adaptaciones aun más, es decir, que siendo un autor independiente te compren los derechos es hoy en día algo viable, o por lo menos lo parece más que antes. Esto viene a cuento porque la intención de Lazarus era la de ser una serie de cómics y de televisión, así lo manifestó siempre su creador y prueba de ello es que los propios Greg Rucka y Michael Lark vendieron los derechos para realizarla a Legendary Entertaiment apareciendo ellos como productores ejecutivos y Rucka además participa en el guión de su episodio piloto, si bien es cierto que últimamente poco se ha sabido de este tema, Rucka, que ya tiene experiencia en esto de las adaptaciones, afirmaba en su día estar muy contento con el camino que seguía el proyecto. Mal no irá cuando se han anunciado una serie de productos sobre la serie así como un spin off de la misma, X+66, limitada a seis números que pretenden explorar diversos aspectos del mundo de Lazarus. De todo ello nos hablaban Sergio Aguirre y Pedro de Mercader aquí

Aunque a priori podamos pensar que este boom de Image genera una visibilidad a sus series lo cierto es que encontramos otro ligero problema que a mi parecer a afectado un poco a Lazarus, es la coincidencia en el tiempo con otras series independientes de gran calidad. En Estados Unidos Lazarus salió a la venta a la par que estrenos de autores que estaban llamando la atención en las grandes editoriales como el East of West de Jonathan Hickman, Sex Criminals de Matt Fraction o Ciencia Oscura de Rick Remender, si a esto le sumamos las que ya estaban como Saga o Revival y las que se habían anunciado como Bitch Planet, Trees o Southern Bastards por citar algunas, lo que se puede concluir es que Rucka y Lark se metían en un mercado muy competitivo que les dificultó un poco alcanzar esa llamada de atención que toda serie pide. En España pasó algo parecido, si bien las series llegan aquí a diferente ritmo la coincidencia y las limitaciones económicas de los compradores siguen siendo un problema, yo mismo recuerdo que me costó elegir qué tomos compraba esos meses, pero la diferencia con otras series, incluso algunas de las citadas (y eso que son de las mejores) es que mientras el resto ofrecen unos primeros números espectaculares había suerte si lograban mantener la calidad y con Lazarus pasa al contrario, cuanto más avanza mejor es.

Greg Rucka no es nuevo en esto de contar historias y no pretende llamar la atención con un primer arco de fuegos artificiales, hay mucho que construir y las cosas se deben hacer poco a poco para que el castillo no se desmorones al primer año, de ahí que cuando nos hacemos con la situación es cuando de verdad la serie muestra su potencial. Lazarus tiene es sello Rucka desde las primeras páginas, ese tono noir con conspiraciones pero que va más allá del género con una protagonista femenina fuerte tanto física como mentalmente, con una presencia arrolladora sin ser estática, es decir que investiga y cuestiona lo que le rodea. Esto ya lo vimos en otras obras suyas como su famosa y premiada con un Eisner Queen and Country o la que fuera adaptada al cine Whiteout (por la que también gano un Eisner). Su trabajo en Marvel y DC ha sido muy bien aceptado y tira mucho al género negro con personajes como Daredevil, Batman o Punisher, aunque le a dado a muchos palos está claro que sus obras personales tienen unas características determinadas que no se ven tanto en las obras para las dos grandes como por ejemplo su manera de cuestionar los sistemas y los gobiernos instaurados, de hecho el movimiento Occupy fue una de sus influencias a la hora de escribir este Lazarus.

Por su parte Michael Lark es un dibujante con un estilo muy característico que se ha paseado por las diferentes editoriales firmando trabajos de mucha calidad como Daredevil en Marvel o Gotham Central en DC, precisamente en esta última es donde comienza a trabajar con Greg Rucka. Aunque su trabajo pasado es muy bueno, en Lazarus parece soltarse la melena con una narrativa digna de los mejores elogios para una serie en la que la acción es muy importante, una acción que pasa del combate armado al combate físico en menos de una página. Pero no solo en la lucha es tremendo, Lark narra perfectamente la quietud en los diálogos de la parte política y de la parte científica, desde beber de una copa hasta coger unas gafas el dibujante tiene una facilidad increíble para hacernos ver el movimiento.

Aunque a veces en las reseñas nos los solemos dejar de lado en este caso hemos de dar mucha importancia a la labor de Santi Arcas como colorista, a parte de embellecer en trabajo de Lark, los cambios en las tonalidades conllevan cambios de escenario y nos hace diferenciar solo con un primer vistazo dónde se está situando la acción en cada momento ya sea en distintos exteriores como distintos interiores, esto es muy importante si tenemos en cuenta que la base argumental del cómic es precisamente la descentralización territorial de las diferentes familias, es decir, hay territorios propiedad de una misma familia que están comunicados de forma digital pero lejos, en distintos puntos del planeta. El trabajo de Arcas le da un toque muy especial al conjunto de la obra sin el que no sería la misma.

A fecha de hoy Norma Editorial ha sacado en España cuatro tomos de la serie que llegan hasta su número veintiuno, en este texto analizaremos esos cuatro tomos, con lo que no habrá spoilers sobre lo que sucede en la colección en su país de origen. Empecemos.

LAZARUS UNO: FAMILIA

 

Edición original: Lazarus #1-4 USA
Edición nacional/ España: Norma Editorial
Guión: Greg Rucka
Dibujo y entintado: Michael Lark, Stefano Gaudiano y Brian Level
Color: Santi Arcas
Formato: Rústica, 104 págs.
Precio: 14€

 

No deja de ser curioso que en un mundo como el de hoy donde muchos autores tratan de alcanzar al publico mediante conceptos y maniobras complejas que atraigan su atención Greg Rucka decida dar un primer número a Lazarus donde lo que prima es la acción, aunque claro teniendo a Michael Lark como dibujante lo difícil es no quedarse anonadado viendo sus dibujos. Los autores nos introducen en este complejo mundo mediante algo simple: el supuesto asesinato de una mujer, un asesinato que no es tal ya que, como dicta el nombre de la obra, la mujer resucita, se levanta y mata a los tres hombres de los cuales solo sabemos que están buscando comida. Hasta aquí todo muy característico del autor, sobretodo cuando la protagonista se cuestiona sus actos debido precisamente a que “solo querían algo para comer”, es decir, una vez más Rucka se aleja de estereotipos de Femme Fatale. Entonces solo cabe preguntarnos ¿quién es esta joven?.

Forever Carlyle es la Lazarus de la familia Carlyle, esto es una especie de arma y a la vez la cara visible de la parte militar de la familia, es una mujer de la propia familia que ha accedido a que su cuerpo sea modificado por una tecnología futurista a base de implantes diversos y que ha pasado gran parte de su vida entrenando para ser la mejor, para mostrar la fortaleza de su familia frente a las otras. Resumiendo, es una mujer fuerte física y mentalmente, que sigue órdenes de su familia, pues cada uno tendrá su papel, y las da a sus siervos, es su comandante, pero que duda, lo que es importante pues, aunque haya muchos elementos (que los hay) y muchos personajes (que también los hay) no debemos olvidar que esta es la historia de Forever.

Empezamos a saber del mundo poco a poco según pasamos páginas, la población se divide en tres tipos: familia, siervos y sobrantes, la clasificación habla por si sola, y todos ellos se distribuyen en diferentes zonas, esto es precisamente de lo que hablaba en la introducción, Rucka siempre ha mostrado en sus obras y en sus redes sociales una gran preocupación por la sociopolítica, el movimiento Occupy demuestra la fuerza de su influencia en la hora en la que el autor crea el mundo, la clasificación piramidal está clara y aunque su base sea económica, de hecho en una parte de este número se clasifica a los siervos como “ciudadanos documentados del dominio”, sus similitudes a las antiguas y no tan antiguas dictaduras son claras. Precisamente este mundo no deja de ser un tipo de extremo contrario al que el famoso movimiento se opone y al que en ocasiones parece que el mundo avanza.

Lo siguiente que toca es ir presentando a los que le rodean, principalmente su familia. Primero tenemos a James, un siervo de alto rango que trabaja directamente por la familia cuya función es la de cuidar en un sentido médico y científico que hace las veces de confidente, un falso confidente en realidad pues cada vez que Forever duda él se lo comunica a sus familiares. El primer familiar en aparecer es su hermano Jonah, su papel es el de dirigir los intereses de la familia en sus diferentes localizaciones y lo hace con mano de hierro, también parece bastante paranoico cosa que no es de extrañar, en toda buena familia monarquica cualquiera te puede acuchillar y más aun cuando tienes enemigos en el exterior porque sí, los Carlyle no son la única familia y las luchas de poder tanto dentro como fuera serán uno de los puntos fuertes de la serie.

Después llega Beth, esta hermana de Forever quizás sea la más amable con ella, es una experta científica, dirige esa parte de los negocios familiares, y la salud del Lazarus es una de sus preocupaciones. Luego está Stephen, la mano derecha de Malcom, el padre de la familia, y Johanna, de la que poco sabemos en el principio más allá de que tiene muy buena relación con Jonah y no es buena acatando las ordenes de su padre.

Los misterios se plantan en el segundo número y son básicamente dos (obviando todo el mundo que nos rodea claro) primero que Jonah y Johanna traman algo, por algún motivo les interesa entrar en guerra con la familia Morray, aunque sus intenciones son difusas, y el segundo es una insinuación que Jonah hace a Beth, la de que Forever no es en realidad de la familia, afirmación ante la que Beth reacciona de forma muy agresiva diciendo que de eso no se puede hablar. Con estas escenas se ve que este arco llamado “Familia” no es más que eso, una presentación de la familia Carlyle.

La trama familiar realmente empieza cuando Jonah insta a los demás a creer que los atacantes iniciales eran en realidad unos rebeldes alentados por la familia Morray, uno de sus competidores que quieren la tecnología de sus semillas. Jonah (y Johanna) quiere forzar una guerra con ellos pero su padre Malcom es más listo y tiene de su parte a Forever que es enviada a los Morray para solucionarlo todo. Estos la reciben de forma más agradable de lo que cabría pensar y Joacquim, el Lazarus de la familia Morray, la trata como una invitada porque sí, Rucka y Lark nos engañan muy bien con el primer número haciéndonos pensar que estamos ante una serie de acción cuando en realidad estamos ante algo con demasiados elementos como para definirlo de manera tan fácil.

Rucka crea cierta química entre ambos Lazarus pero deja claro que eso da igual, ambos son las armas de su familia y eso está por encima de todo. Joacquim en su caso es el sobrino del líder de la familia Morray, Edgar. La trama se complica pero se soluciona rápido, Malcom sabe que su hijo Jonah se ha aliado con los Morray, pero son hombres de negocios así que mediante su Lazarus hace un trato de comida por armas, así los Carlyle y los Morray reanudan su comercio después de años, pero hay una facción que no está interesada en ello, esa es la de Jonah y Johanna que envían a sus hombres a matar a los dos Lazarus para que el trato no llegue a buen puerto.

Llega aquí la parte más maquiavélica en el sentido original del término, el que se refiere a la obra original del filósofo en la que decía cómo debe ser un “buen” príncipe para mantener su poder, cuando el plan de los hermanos falla, Johanna pide a su guardaespaldas que le de una paliza y convence a su familia que todo fue idea de Jonah, que él la obligaba haciendo que a este no le quede más remedio que huir. Una obra maestra del cómic actual.

La edición de norma tiene un añadido al final, un preludio que había sido publicado en el catalogo de Previews muy ilustrador a la hora de saber lo que piensa Malcom de su hija Forever que se puede resumir en estas palabras: “no se puede querer un objeto como se quiere a una persona”, Forever ha sido construida bajo sus órdenes, ¿cómo?, aun nos queda algo para saberlo.

Quizás el fallo que se le puede sacar a este tomo es un fallo meramente comercial, a pesar de que hay acción la trama avanza lenta, se cuenta poco y eso hace que cierto tipo de público pueda cometer el error de alejarse de la obra frente a otras que utilizan más artificios. Rucka y Lark son aquí la definición de “lento pero seguro”, pero esta tranquilidad se verá rota según avancen los tomos.

LAZARUS DOS: ELEVACIÓN

 

Edición original: Lazarus #5-9 USA
Edición nacional/ España: Norma Editorial
Guión: Greg Rucka
Dibujo y entintado: Michael Lark y Brian Level
Color: Santi Arcas
Formato: Rústica, 128 págs.
Precio: 15€

 

Con el segundo volumen de la serie los autores optan por cambiar ligeramente de tercio, se deja de lado la parte fuerte de la intriga familiar, aunque algo hay, para explorar el mundo creado así como el pasado de Forever. No esperéis una explicación de cómo se llega a esto, tampoco es que haga mucha falta si nos lo tomamos como una evolución natural (y esperemos que exagerada) del capitalismo globalizador actual, realmente es más interesante que nos expliquen el funcionamiento de esta sociedad y cómo se producen los saltos entre sus clases sociales. De eso va “Elevación” de como un sobrante pasa a ser siervo, pero también de la forma en que Forever llega a ser el Lazarus de la familia.

Empezamos pocos días después de la huida de Jonah y nos centramos en tres escenarios, en el presente Forever sigue el rastro de su desaparecido hermano en el territorio de Johanna la cual a su vez está realizando un nuevo complejo para volver a ganarse el favor de su padre, por otro lado tenemos a un grupo de personas formado por una familia más algún agregado que quieren llegar desde Montana a Denver para ser siervos de la familia Carlyle. En el pasado vamos asistiendo al cruel entrenamiento de una niña llamada Forever de camino a convertirse en una máquina de matar. El mundo de Lazarus se expande así en el tiempo y en el espacio, este tomo nos demuestra la capacidad de creación que tiene Rucka, también veremos que hay rivalidades que no se solucionan con un simple tratado pero que todos tiene reglas que cumplir, es impactante ver, en el sentido de demostración de poder, como un hombre dispara de motu proprio a Forever desde la frontera de una familia no aliada, ella dice que ha sido una afrenta que solo se soluciona con la muerte del que disparó o la guerra, así, los sirvientes de la familia rival matan a su compañero a sangre fría. Es un poco lo que vimos en el tomo anterior, la jerarquía está formada de tal manera que un siervo está por debajo incluso de un miembro de la familia contraria pero también nos muestra lo frágil que es la paz entre familias.

Lo mejor de este arco es ver como todas las historias separadas se van desarrollando en su línea para acabar convergiendo en una única historia con muchos matices. El grupo de sobrantes de Montana pierde parte de su cosecha y terrenos por una inundación, no tiene forma de pagar los altos impuestos de la familia Carlyle con lo que responden a la llamada de ascensión de Johanna a ver si alguno de ellos llega a siervo y soluciona los muchos problemas de su familia, el viaje es duro y la competencia al llegar aun más. Pero esta no es la única forma de conocer el mundo, no todas las personas son iguales y Rucka no es tonto, hay otros sobrantes que se las ingenian para entrar en el complejo de Johanna de vez en cuando e ir robando cosas para el mercado negro, por desgracia tienen la mala suerte de que Forever esté por ahí y les descubre, aunque solo captura a una que hace de señuelo ofreciendo servicios sexuales a los guardias, la intención de nuestra Lazarus es descubrir toda la trama de robos que hay detrás y por eso deja al resto escapar. Con ello también dejamos escapar un poco el tema de la huida de su hermano pero, como hemos visto, no hay prisa.

Mientras vemos como Forever se desenvuelve con otras personas en este entorno Rucka y Lark nos enseñan cómo ha sido entrenada para llegar a ser así, un entrenamiento en diversas disciplinas que en muchas ocasiones incluyen tanto la tortura física, como se puede ver en las imágenes de arriba, como psicológica reflejada en frases como “no le digas que he llorado” o cuando la pequeña le pregunta a su instructora, como una madre para ella, “Si padre te ordena que me mates ¿lo harás?” a lo que esta contesta “”.

En cierta manera este tomo es casi opuesto al anterior, el primero comenzaba con mucha acción para ir relajándose, con Forever como una de las preferidas de la familia, poniendo por delante el diálogo y la presentación de los personajes hacia el final del mismo. Por otro lado, este comienza con calma, presenta el mundo, pues los personajes nuevos que aparecen no tendrán relevancia por lo menos a corto plazo y nos habla de la maldad de la familia con Forever cuando esta era pequeña, pero según avanza crece el ritmo y la violencia.

Los dos últimos números que componen el tomo nos llevan a la elevación de Forever a Lazarus, aun de niña ya cumplía misiones en la que mataba a muchos agentes enemigos, tras una de ellas Malcom decide que esta preparada para enfrentase a su entrenadora, es su última oportunidad pues ya había fallado en el pasado, pero como ya sabíamos, Forever gana y como premio se lleva la espada de la familia Carlyle y la posición que ahora ostenta. Eso sí, decide no matar a su instructora lo cual casa con lo que vemos en el presente, esto es, sus dudas y su caridad (relativa, teniendo en cuenta la crueldad de la familia a la que pertenece).

Todo esto se va hilando con las dos tramas del presente, Forever hace su trabajo y lo hace muy bien, descubre que detrás de esos robos de sobrantes hay una trama para realizar un posible atentado contra la familia el día de la elevación, aunque logra dar con la célula responsable no consigue la información suficiente para saber quién lleva la bomba, aquí es donde encontramos la línea que une presente y pasado, en el miedo que tiene Forever a fallar a su padre, Malcom, el cual la presiona igual que hacía cuando la pequeña se entrenaba, pero aun con los avisos y el aumento de la seguridad no es sencillo controlar a las miles de personas que van a la elevación.

Vamos viendo como viven los sobrantes esperando la elevación, hacinados en coches o caravanas con los útiles justos, desesperados y cuya única atención sanitaria es la de un pequeño grupo de monjas que trabajan bajo el permiso de la familia Carlyle. El grupo que seguimos llega a Denver y llegan mal, habiendo perdido a una hija por el camino se las intentan arreglar como pueden, uno de ellos tiene conocimientos médicos y ayuda a las monjas, esto le lleva a él y al resto de su familia al principio de la fila, lo que Rucka hace aquí es fácilmente interpretable como una queja a lo que las empresas mediante los avances tecnológicos pueden hacer si permitimos que se compartan nuestros datos, un ejercicio de reflexión bioética en la que una de las del grupo es rechazada por tener unos marcadores genéticos que quizás puedan derivar en un cáncer de mama. Su novio no, él sí es escogido.

Pero la sorpresa argumental final la dan cuando se descubre que la rechazada conoce al terrorista. La unión de las dos historias se produce en las últimas páginas de forma inesperada y magistral, el padre del grupo lleva la bomba atada al pecho y acuchilla a la novia de su hijo, la que fuera rechazada, para que no le impida ir al centro de la elevación. La guinda del pastel la ponen Rucka y Lark en la última escena, Forever aguantando el detonador de la bomba para que el terrorista no haga saltar todo por los aires mientras este le saca un ojo y el resto se alejan, pero la chica, la apuñalada, la rechazada, la novia del aceptado, le ataca por la espalda y salva la situación. Por supuesto que la familia Carlyle la eleva por lo hecho. Todo bien, bueno, depende del punto de vista.

Podemos sacar muchas conclusiones de “Elevación”, es una historia muy reivindicativa, si nos fijamos las personas que son elevadas todo se reduce al amiguismo, primero una mujer que colabora con los Carlyle para traicionar a sus amigos que habían robado materiales, luego el que colabora con las hermanas que llevan a su familia a primera fila y por último a la novia de este por matar al terrorista. No es un mundo donde triunfan los más capacitados, es un mundo donde triunfan los que sirven a la familia según sus intereses, una idea que casa dentro de la forma de pensar del movimiento Occupy (o en nuestro país del 15M).

También podemos verlo de otra forma, por muy irreal que todo esto parezca no es más que una versión hi-tech de lo que pasa en algunos países del llamado “tercer mundo”, o lo que es lo mismo, se trata de traer los sucesos de las partes pobres de nuestro planeta a los países ricos de occidente, sucesos a los que muchas veces hacemos oídos sordos. En este sentido recuerda también a otro tipo de obras, la que primero me viene a la mente es DMZ de Brian Wood.

La calidad de este tomo es igual al anterior aun cambiando el enfoque, ¿qué nos queda por ver?, mucho, pues la cosa mejora aunque parezca increíble.

LAZARUS TRES: CÓNCLAVE

 

Edición original: Lazarus #10-15 USA
Edición nacional/ España: Norma Editorial
Guión: Greg Rucka
Dibujo y entintado: Michael Lark y Tyler Boss
Color: Santi Arcas
Formato: Rústica, 152 págs.
Precio: 17’5€

 

Si esto fuese una casa los dos primeros tomos serían los cimientos, ahora empieza a verse lo que realmente los autores van a hacer y va a ser una casa con muchas habitaciones, no en vano en sus dos primeras páginas encontramos una guía bajo el título “Dramatis Personae” donde se nos presentan los líderes y/o Lazarus de las doce familias que dominan el mundo detallando sus dominios, sus alianzas y sus conflictos. Será una guía que necesitaremos consultar en diversas ocasiones dada la inmensa cantidad de personajes que salen en esta historia, pero cuidado, debemos recordar que las alianzas de este tipo de familias empresariales están llenas de intereses y son muy frágiles.

El primer número del tomo no forma parte del arco llamado “cónclave” pero es de vital importancia para este, es el destino de Jonah y lo que ocurre con él mientras sucedían los acontecimientos del anterior tomo. En este interludio vemos como Jonah estrella su vehículo en la frontera de sus principales enemigos, la familia Hock, pidiendo asilo pero estos lo tratan como un prisionero primero, como un invitado después y como un experimento al final, los Hock quieren la tecnología biológica de la familia Carlyle, ¿qué mejor forma de conseguirla que sacándola de uno de los miembros principales de la misma?. Al final seguimos con la idea del anterior tomo, tu cuerpo vale lo que es capaz de producir y, aunque Jonah se creía superior por pertenecer a una familia en realidad solo lo es por lo que esta le da, su mayor valor reside en la tecnología que hace a los Carlyle ser más longevos y tener mejor salud que el resto, así que es lógico que sus enemigos lo utilicen como consideren según su propio beneficio. Este número sirve de presentación de los principales enemigos de los protagonistas, utilizar la palabra “villanos” aquí es difícil, pero sí que los autores muestran a los Hock como una familia con un cierto grado mayor de desprecio hacia los habitantes y menos valor aun por la vida en general, pero con ello todo se reduce a intereses. El hecho de que los Hock tengan como prisionero a Jonah les sirve para convocar al Cónclave con la idea de unir a las familias contra los Carlyle y acabar con Malcom para siempre.

En la Grecia Clásica se hizo una distinción de espacios físicos que fue muy importante para la sociedad y que perdura con algún añadido, esta es lo público y lo privado. Con lo privado los griegos se referían a lo que sucede a la familia, lo que ocurre dentro y nadie más debe inmiscuirse, eso sería “Familia”, por otro lado lo público era lo que sucede en la polis, en la ciudad-estado, aquí esto se puede extrapolar a esa nueva concepción de estados geográficamente no centralizados que muestran los autores y, por tanto, lo público en sentido clásico sería lo narrado en el segundo tomo, el modo en que manejan su estado. Lo curioso de este tipo de análisis es que parece que Rucka y Lark van construyendo el mundo de Lazarus de misma manera que avanzan estas ideas a lo largo de la historia, es decir, los griegos veían lo que sucedía fuera de las murallas de sus pequeños estados como “guerra”, no existía para ellos una idea como la de la “política exterior”, eso sucede en Roma y “Conclave” es Roma, bueno, Roma con una pizca de medievo.

Seguimos con esa idea de tomar las cosas con calma, así que hay que olvidarse de encontrar grandes discusiones o acción desde el primer minuto. Como era de suponer, aquí hay una serie de tratados y unas tradiciones que seguir, es curioso, a la vez que deja un regusto clásico, que el cónclave no se convoque mediante una llamada o cualquier dispositivo de comunicación moderno, no, es la Lazarus de la familia Bittner (Sonya Bittner), quien está en alianza con la familia Hock contra los Carlyle, la que aparece en una de las fronteras de la familia con una serie de exigencias para devolver a Jonah, es todo apariencia y Malcom Carlyle lo sabe por eso envía a Forever con instrucciones, esto es el principio de la partida de ajedrez que cuidadosamente se irá jugando durante los cinco números del arco argumental. Aunque hay un pelín de acción y bastante tema familiar que sigue la vida de Forever, este primer número solo establece las reglas del cónclave: qué familia será la anfitriona, cuántos miembros de cada una pueden ir y poco más, todo ello enmascarado como si fuese una negociación.

La localización elegida es en una antigua estación petrolífera en el Mar del Norte propiedad de la familia Armitage (sí, lo malo de esta parte es que habrá que tirar de ese índice de personajes y familias inicial, pero es un mal menor), un lugar aparentemente neutral donde se realizarán las negociaciones para devolver a Jonah a su familia, mentira, aquí lo que se intenta es forjar nuevas alianzas que inclinen la balanza hacia los Hock o hacia los Carlyle, de ahí lo que mencionaba antes, la estructura es totalmente romana, donde ya la apariencia era un punto muy importante mientras una gran parte de la política real se realizaba entre bambalinas, pero, si cambiamos los recursos económicos por emplazamientos geográficos, el parecido con los reyes de la Edad Media y las diferentes familias que ostentaban tronos es muy grande, cualquiera que haya ojeado El Príncipe de Maquiavelo sabe de lo que hablo.

Tampoco es que estemos hablando aquí de una disertación sobre política, más bien se parece a una historia de suspense sobre dónde y cómo se quedarán las diferentes alianzas y quién saldrá victorioso en la que los autores dejan un gran espacio para seguir desarrollando la historia de Forever, de ahí que nos choque, de forma muy favorable, las páginas dedicadas al encuentro entre los diferentes Lazarus. Al igual que viéramos en el primer tomo, los Lazarus empatizan unos con otros, son capaces de hablar entre ellos, se conocen, incluso entrenan juntos, se ve que los autores pretenden mostrarnos a los Lazarus como armas, una parte inocente y cruel ya que son ellos los que luchan y llevan el peso de la familia a nivel físico pero no toman las decisiones que los llevan a la batalla, un poco haciendo referencia a la idea de que los líderes de los diferentes países se lanzan al cuello unos de otros desde sus despachos mientras que son los soldados o los ciudadanos de a pie los que reciben el daño real. El mono naranja estilo Guantánamo que lleva Jonah al llegar a la plataforma es una referencia bastante más obvia.

El cónclave no es solo una reunión, hay diferentes eventos como la cena de gala con baile que parece una tontería puesta de adorno, nada más lejos, el momento en que el anciano líder Hock pide un baile con Forever y se levanta mostrando una fuerza vital que nadie imaginaba es en realidad una demostración al resto de familias de que se ha hecho con parte de la biotecnología Carlyle, una demostración de poder que le puede hacer atraer a otros a su lado.

Rucka y Lark hacen aquí una maniobra arriesgada pero funcional cuando dejan que todo el tema de las alianzas de las familias pasen a un segundo plano para centrarse en Forever, su vida y una misión. Su vida en tanto que se ve, amorosamente hablando, más ligada a Joacquim Morray, el Lazarus que aparecía en el primer tomo, así como el hecho de ir conociendo a los diferentes Lazarus en una partida de cartas, y la misión que le encarga su padre, la de ir a por su hermano, con ello entramos en unas páginas de acción y sigilo que parecen insulsas hasta que nos entramos que la misión real es la de matar a Jonah, esto es importante porque los autores usan a Jonah para contar la verdad a Forever: fue creada en un laboratorio. Jonah salva así su vida o eso creemos pues Forever lo lanza de la estación al mar con un traje protector a ver si con suerte sobrevive. Todo ello desencadena la ya tensa relación entre familias al quedar los Hock expuestos por no ser capaces de mantener a Jonah prisionero, Malcom acusa al líder de los Hock de espionaje industrial, algo que está penado y lo resuelven todo con una lucha entre Lazarus, pero como los Hock no tienen Lazarus será Sonya quien luche contra Forever. Vale, sí, esta parte era predecible pero todos lo pedíamos a gritos.

Rucka ha creado en Sonya un personaje que a todos puede gustar, es dura pero tiene un fondo muy bueno y una inocencia que la hacen atractiva, de ahí que la lucha tenga más interés que la típica del bueno contra el malo. Está claro que gana Forever pero mientras todos pensamos que Sonya va a morir el tema da una vuelta y Forever le perdona la vida a petición de la madre de Sonya y con el permiso de Malcom, por supuesto. Las alianzas cambian en este último número del tercer tomo que es una autentica delicia visual, y los Bittner pasan al bando de los Carlyle mientras que los Hock no aceptan la autoridad del cónclave, el líder de los Hock escupe a la cara a Malcom y este cae envenenado. La política ha fallado, ¿qué es lo que queda ahora? La guerra.

LAZARUS CUATRO: VENENO

 

Edición original: Lazarus #16-21 USA
Edición nacional/ España: Norma Editorial
Guión: Greg Rucka
Dibujo y entintado: Michael Lark, Tyler Boss, Owen Freeman y Eric Trautmann
Color: Santi Arcas
Formato: Rústica, 164 págs.
Precio: 18€

 

Hasta aquí Michael Lark y Santi Arcas están haciendo un trabajo estupendo y Greg Rucka muestra una versatilidad tremenda pero lejos de quedarse ahí el equipo creativo gira una vez más la manivela y nos ofrece un nuevo arco argumental que difiere en muchos aspectos de los tres anteriores para meterse en una historia bélica con muchas páginas dedicadas a la acción.

Antes de que comience el arco llamado “Veneno” tenemos un pequeño interludio, al igual que ocurría con el anterior tomo, con alguna página por Owen Freeman y Eric Trautmann. En este, por medio de los escritos de una monja, una preregrina de las que se dedican ayudar a la gente como vimos en el tomo segundo, conocemos un poco más del mundo, nada que no se pudiese intuir pero que está bien que quede explicado, es decir, qué es la ciudadanía y los sobrantes. En el caso de familias como los Carlyle los sobrantes son la parte de la población que no cuentan como tal pero que tienen potencial para ser “algo mejor”, mediante esta definición los autores pretenden establecer las diferencias sociopolíticas que se dan en las familias, no todo el mundo es igual ni todos gestionan sus territorios de la misma forma y en cuanto a crueldad los Hock se llevan la palma. Para ellos solo hay dos tipos: los ciudadanos que trabajan duro y el resto, que no son considerados personas. Es una sociedad totalmente partida y en la que no se puede escalar de una clase a otra, su régimen se puede equiparar en cierta manera al de Corea del Norte en tanto que se exige a los ciudadanos un amor incondicional hacia su líder que los controla con mano de hierro en un estado mucho más militarizado que los demás. La historia que aquí se trata es precisamente la de la hermana Bernard que, debido a su forma de pensar, se acaba metiendo en un lío con los Hock al declararse la guerra con el bando de los Carlyle pero que es salvada por el Lazarus de los Morray.

En el siguiente número, el 20 americano, ya nos mete de pleno en la acción desde el punto de vista de unos soldados Carlyle en plena batalla con los Hock. El tipo de narración (excelente, con unos efectos de nieve que da gusto verlos) denota un intento de trasladar el tipo de conflictos bélicos de épocas actuales que se viven en Oriente Medio a territorios más familiares para nosotros. La historia puede parecer que peca de típica pero la capacidad de el equipo creativo para que empaticemos con los personajes es lo que le da ese toque único.

La acción en el campo de batalla se va intercalando con la situación de la familia Carlyle en su casa con su padre enfermo envenenado por los Hock, sus hijos buscando una cura mientras tratan de mantener la compostura en una batalla que están perdiendo. Nos trasladamos a Duluth, un emplazamiento de la familia Carlyle que está siendo atacada por los Hock, es un sitio estratégicamente muy importante para la familia de Forever y sus enemigos están a punto de conquistarla, entramos así en unos números de acción donde la Lazarus coge a un pequeño grupo de soldados para acabar con sus rivales, entre los cuales se encuentra la sobrante que había protagonizado gran parte del segundo tomo ahora ascendida a cabo. Precisamente ella tendrá bastante importancia pues Forever “muere” de un tiro en la cabeza, pero tranquilos ella es la Lazarus de los Carlyle, no tiene problemas para resucitar aunque sus compañeros piensan que de esa no se va a recuperar y deciden continuar la misión sin ella.

En casa vemos a los hermanos que quedan a cargo de las diferentes secciones, como van realizando sus habituales conspiraciones y la ganadora en este ámbito es Johanna, en la cual se puede ver un personaje bien construido con un nivel de villanía inmenso que no duda en utilizar a la gente para sus propósitos, propósitos ocultos todo sea dicho, que en ningún momento quedan claros ya que hacia el final parece que se decanta por ayudar a su familia no sin antes haber alcanzado un puesto de responsabilidad dentro de la misma, mucho más que el que antes tenía que se limitaba solo a su territorio. También hay una parte médica, que es la más vinculada a la ciencia-ficción, y trata sobre el otro sobrante del segundo tomo que había mostrado unas buenas dotes en esta ciencia al ayudar a los Carlyle a encontrar un posible remedio para la cura de Malcom.

Con respecto a la Lazarus que habíamos dejado colgada en el anterior arco argumental, los autores continúan la historia de Sonya Bittner, ahora de parte de los Carlyle, que está siendo cuidada por ellos y que protagoniza ese cliffhanger final del que no hablaré mucho, eso irá en la reseña del siguiente tomo, ya que avanza en el tema de la “creación” de Forever.

Este es un tomo repleto de acción, es muy rápido lo que hace que la reseña sea algo más corta, se cuenta menos que en los anteriores, pero su lectura es tan satisfactoria como la de Cónclave sin lugar a dudas. Con él los autores muestran un equilibrio en la serie que dista mucho de aburrir al lector así como unas capacidades narrativas dignas de los mejores elogios, sus cambios de una página a otra, de un despacho al campo de batalla, mantienen al lector en tensión de forma constante y con un final dividido en tres partes (la sorpresa de Sonya, el resultado en el campo de batalla positivo para los Carlyle pero con muchas bajas y la ascensión de Johanna en la familia) que no nos hace más que desear que Norma saque el quinto tomo cuanto antes.

No me cansaré de repetir que Lazarus es una lectura imprescindible dentro del cómic independiente, una obra que resulta ser una delicia tanto visual como argumental que todo lector debería tener en su biblioteca.

27 Aug 12:14

Los cuatro de Netflix, el desenlace

by EmeA

Como durante el mes de agosto estamos muy vagos el Tiemporriva® nos puede no os hemos contado en este blog en qué quedó lo del anuncio del martes. Aquí tenéis el vídeo completo del concurso más adliano desde que cancelaron Smonka!

(Por otra parte, si tenéis prisa y queréis libraros rápido de esta movida el mejor momento está en el minuto 25:20. De nada)

27 Aug 12:05

Muere Tobe Hooper, director de 'Poltergeist' y 'La matanza de Texas'

by EC

Tobe Hooper, director de películas como 'Poltergeist' y 'La matanza de Texas' ha fallecido este sábado a los 74 años en California. El departamento Forense del Condado de los Ángeles ha confirmado la noticia al periódico 'The Independent', fallecimiento que adelantó 'Variety'. De momento no se han desvelado las causas del fallecimiento.

La carrera de Hooper despegó en los años setenta, cuando dirigió con un presupuesto propio del cine independiente (menos de 300.000 dólares) uno de los mayores éxitos de 1974, 'La matanza de Texas'. Convertida en un icono del cine de terror, el enfrentamiento entre un grupo de jóvenes y la familia de caníbales del malvado Leatherface catapultó a Hooper dentro de la industria cinematográfica.

Solo ocho años después, en 1982, asumió la dirección de 'Poltergeist', escrita y producida por Steven Spielberg, que a la larga se convertiría también en un clásico del género. La historia de una familia que afronta los percances de vivir en una casa encantada fue la octava película más taquillera de aquel año y, con el tiempo, un filme de culto.

Tras Poltergeist, Hooper no volvería alcanzar los mismos niveles de éxito, pero continuó dirigiendo, entre otras, la secuela de 'La matanza de Texas' (1986), así como 'Lifeforce' (1985) o 'Invasores de Marte' (1986). También destacan sus trabajos para la televisión, en concreto su adaptación de 'El misterio de Salem's Lot', para muchos fans la mejor de la obra de Stephen King.

Continuó con su trabajo a lo largo de la década de los noventa y en el nuevo milenio, siendo su última película 'Djinn' (2013), una producción realizada en los Emiratos Árabes Unidos y que no tuvo mayor repercusión. Sin embargo, el nombre de Hooper quedará ligado para la historia al terror que transmitieron muchas de sus criaturas.

25 Aug 22:17

11 personajes de "Juego de Tronos" cuyo aspecto ahora es muy distinto porque han cambiado sus actores

by Andy Golder
Snob

Que cutre todo, non?

En el juego de tronos o ganas o te cambian el actor.

Daario Naharis

Daario Naharis

El amante de Daenerys fue interpretado por el actor británico Ed Skrein en la 3ª temporada. Sin embargo, fue sustituido por la estrella holandesa Michiel Huisman para las temporadas 4ª a 6ª. No está muy claro el motivo de que se fuera Skrein (se ha insinuado que abandonó la serie para hacer la película Transporter, pero Skrein mantiene que la razón fue "mucho más política").

HBO

El Rey de la Noche

El Rey de la Noche

Para las temporadas 4 y 5, el Rey de la Noche fue representado por Richard Brake. A partir de la 6ª temporada, sin embargo, ha sido interpretado por el actor/especialista eslovaco Vladimír Furdík, a quien hemos visto también en su forma "humana" cuando los Hijos del Bosque le transformaron.

HBO

Beric Dondarrion

Beric Dondarrion

El actor australiano David Michael Scott en realidad interpretó a Beric en una escena que si parpadeas te la pierdes de la 1ª temporada. Más tarde fue reemplazado por Richard Dormer, que ha interpretado el papel desde la 3ª temporada.

HBO

Dickon Tarly

Dickon Tarly

Freddie Stroma interpretó a Dickon Tarly en la 6ª temporada, pero fue seleccionado para el reparto de la serie de la ABC Time After Time y tuvo que abandonar los Tronos, de modo que Tom Hopper y sus abdominales se quedaron con el papel. Por cierto, puede que reconozcas a Stroma como Cormac McLaggen de Harry Potter y el misterio del príncipe.

HBO


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25 Aug 22:05

Decrease of Catholicism in Brazil according to the censuses of 2000 & 2010

by Alex E
Brazil has the largest Catholic population in the world, but in the last decades, this predominance of Catholicism has been decreasing. The Catholic Church has been losing followers mainly to Neo-charismatic movements and to Spiritism/Kardecism.

Decrease of Catholicism in Brazil according to the censuses of 2000 & 2010
Reddit user: phtsx, Data: ibge.gov.br


Spiritism is a spiritualistic philosophy codified in the 19th century by the French educator Hippolyte Léon Denizard Rivail, under the code name Allan Kardec; it proposed the study of "the nature, origin, and destiny of spirits, and their relation with the corporeal world". Spiritism soon spread to other countries, having today 35 countries represented in the International Spiritist Council.

Spiritism postulates that humans are essentially immortal spirits that temporarily inhabit physical bodies for several necessary incarnations to attain moral and intellectual improvement. It also asserts that spirits, through passive or active mediumship, may have beneficent or maleficent influence on the physical world.

The term first appeared in Kardec's book, The Spirits Book, which sought to distinguish Spiritism from spiritualism.

Wikipedia
25 Aug 18:05

'Reigns: Her Majesty', the Heir to App Store Classic 'Reigns', Set to Launch Later This Year

by Mikhail Madnani

After numerous hints and teases, Reigns: Her Majesty has finally been officially announced as the sequel to 2016's excellent Reigns. Devolver and Nerial announced that they are working on a sequel to Reigns back in January, although details were relatively scarce. Today, we now have a full trailer, screens, plot details, and more for this intriguing sequel to one of last year's best releases. Reigns: Her Majesty lets you control your kingdom as the mighty Queen. Complex scenarios, betrayals, relationship issues, and more await you in the sequel to the much loved Reigns. Watch the trailer below:

Set to release in 2017 on iOS, Android, and Steam with no specific date announced as of yet, Reigns: Her Majesty already has a nice official website that you can check out for more information. If you aren't familiar with Reigns [$2.99], you absolutely need to play it. We couldn't say enough nice things in our review last year, and the game has received loads of great updates since its release. I can't wait for Reigns: Her Majesty, and if you're similarly excited, join in the discussion on our forum thread and Discord server.