Love, love, love this. Alyssa brings so much with today’s comic. We hope you like it!

Drop them a good good follow and tell them they’re awesome:

No real news this week. Erika’s been chemically and mentally struggling a bit, so we’re just trying to get through that. Portland’s been CRAZY hot too, so just trying to survive that summer!

O baile e a música tradicional som tesouros do nosso PCI transmitidos de geraçom em geraçom, onde cada umha foi mantendo o que considerava válido, descartando o que nom lhe servia e achegando aquelo que botava em falta. Assi foi ate a atualidade, amosando como o baile é parte da nossa cultura viva.

Parabenizamo-nos porque ha umha iniciativa que pretende declarar BIC o baile tradicional mas consideramos que o texto original esquece a parte fundamental do baile e que para nós o fai vivo, atual e garante o seu futuro como umha parte viva da nossa cultura: a sua espontaneidade. Desde a nossa opinom, o texto relega-o á escenificaçom e á reproduçom dumha foto fija e sesgada do passado.

Aliás no texto perpetuam-se os estereotipos sexistas que desde a Gentalha levamos tempo tentando desfazer. Defendemos que para que o baile tradicional siga vivo nom é necesário que um género prevaleza sobre o outro, e é a própria UNESCO quem determina que um bem patrimonial nom poderá ser declarado como tal se nom garante a igualdade entre as pessoas.

Por estes e mais motivos, somamo-nos às alegaçons que se estam a apresentar pois cremos que um bem colectivo deve salvagardar-se coletivamente, e é por isso que vos animamos a apresentar todas aquelas alegaçons que, consideredes, construam arredor do baile como elemento vivo, espontáneo, igualitario e de todas nós.

O praço remata nesta quinta feira 26 ás 14h. Se tedes interesse, podedes contactar-nos por privado e explicaremos-vos as nossas alegaçons

In the age of swiping, ghosting, and other bothersome dating complications, there’s nothing more comforting than escaping into the cozy world of romantic comedies. The characters are loveable, the drama is stress-free, and there’s almost always a dreamy kiss at the end.

But we can’t help but wonder, what happens after the cameras stop rolling? Where do these lovebirds end up ten years down the road, once the magic of the moment has faded away?

Broadly spoke to the writers of six iconic rom coms from the golden age of cinema—the late 90s and early aughts, of course—to find out where they think the couples that they wrote into existence would be today. The writers generously revealed what awkwardly uncool adult jobs their characters now have, whether or not their happy ending was actually ever-after, and what character traits have remained unwaveringly true.

She’s All That (1999)

Written by R. Lee Fleming Jr.

There have been a lot of teen movies about bets. But She’s All That was the one that started it all. The film follows Zack (Freddie Prinze Jr.), a high schooler who gets dumped by his popular girlfriend for Real World star Brock Hudson.

The downtrodden jock accepts a bet to transform an unpopular girl named Laney (Rachael Leigh Cook) into prom queen, which prompts a friendship, a makeover, and lots of sparks. Laney eventually figures out that the whole thing was a setup and—after some initial anger (shout-out to the classic “Am I a FUCKING bet?”)—she forgives Zack and the two have their first kiss.

Fast forward a few months after the movie’s ending, and Fleming tells Broadly he’s certain Laney and Zack shared a “torrid summer romance.” Then, they went their separate ways. Laney headed to art school in New York and Zack, having missed all the college deadlines, took a gap year and wound up doing Habitat for Humanity.

These days, Laney is an artist and teacher, while Zack teaches marine biology at a college somewhere in California. “I think they’re currently both very happy in their late thirties and follow each other on Instagram,” the screenwriter adds.

Oh, and Brock Hudson is still being Brock Hudson: “He hosts a weekly podcast about the 90s where he pretty much just talks about himself.”

Bring It On (2000)

Written by Jessica Bendinger

If pressed, a lot of 90’s teens can probably still recite most of the snarky one-liners from Bring It On (and maybe, at some point, danced along to those Hey Mickey end credits).

The iconic cheerleading film follows Torrance (Kirsten Dunst), a cheer captain who reinvents her team after finding out that their routines belonged to another squad. Along the way, she befriends an edgy transfer student named Missy (Eliza Dushku), makes things right with her cheer captain competitor, Isis (Gabrielle Union), and—at the very end—shares a kiss with her crush, Cliff (Jesse Bradford).

And after the credits? Like most hot and heavy teen romances, Torrance and Cliff’s relationship didn’t make it past graduation. “They went to different colleges and I’m sure they had their makeouts over holidays,” Bendinger tells Broadly. “I don’t think they stayed together, but when they bump into each other, they’re happy.”

(That tooth brushing moment, however, will live on in flirty infamy.)

The rest of the female leads have since ditched their pompoms and become social justice advocates. Missy works at the Innocence Project, helping wrongfully convicted people get out of jail. Isis works in the Attorney General’s office. “To me, she’s like Kamala Harris now,” Bendinger says.

And Torrance is at EMILY’s List, where she’s become a cheerleader for women who want to get into politics. “She takes that enthusiasm into her job and she brings that rah-rah into helping them get elected.”

Important side note: the women might have moved on from their cheerleading days, but Bendinger is pretty sure she can remember the words to every single cheer she wrote. Once a Toro, always a Toro.

Definitely, Maybe (2008)

Written by Adam Brooks

Definitely Maybe is the whodunit of romantic comedies. The film follows Will Hayes (Ryan Reynolds), a recently divorced dad who tells his daughter the story of how he met her mother. Only, he introduces her to three past loves along the way—Emily (Elizabeth Banks), April (Isla Fisher), and Summer (Rachel Weisz)—without revealing any of their identities. After several twists, turns, and one extremely tear-jerking scene at a zoo, Will ends up reuniting with April, long after their rocky romance/friendship has ended.

Ten years post-movie ending, and Brooks tells Broadly he’s sure the two have gotten married, had kids, and April is a great stepmother to 18-year-old Maya. The couple has had their share of issues, he notes, with plenty of “challenging and pushing and big fights.”

“I think they’re good for each other and they can test each other,” Brooks says. “I can imagine that there were many flare-ups and tensions and difficult times, but that’s what binds them as much as anything else; their commitment to each other and their belief that they’re both better together than apart.”

Re-watching the film now, it’s pretty clear that April and Will have the most chemistry (I was already sold on them by the rainy cigarette scene twenty minutes in)—but it took Brooks a little while to get there. When he first pitched the film, he told the studio that he didn’t know who his lead would end up with.

“I had written a fair amount of romantic comedy and I was trying to get outside the rules a little bit, reinvent it for myself. I had this idea that it would be great to write stuff without knowing what happens,” Brooks recalls. “It made it both more fun and more scary.”

Halfway through writing, he decided it would be April. “I really loved that character,” he says. “It just sort of felt like, if it was me, that’s who I would have wanted to be with.”

Amélie (2001)

Written by Guillaume Laurant

Amélie (Audrey Tautou) is a shy, big-hearted Parisian working at Two Windmills café. Nino has a day job at a porn store and collects stray pictures underneath a photobooth. They’ve never actually met, but Amélie is infatuated from afar, quietly pursuing him through a slew of elaborate schemes.

By the very end, Nino tracks down his admirer, they share a passionate embrace, and we leave behind a braver, happier Amélie.

Thankfully, that spark hasn’t faded. Laurant thinks Amélie and Nino are still a couple, and run the Two Windmills together. She’s close friends with Raymond, the painter from her building, and works alongside the same crew behind the counter. If there were ever to be a sequel, Laurant says it would revolve around everyone rallying to save the café, which would be on verge of closing.

And, most importantly, Amélie is still up to her (well-intentioned) meddling tricks. “The world has changed a lot in 20 years,” the screenwriter notes. “I could easily imagine her working on a much larger scale as a sort of Robin Hood hacker.”

The whimsical, romantic world of Amélie lives on in Laurant’s life, all these years later. He passes by the real Two Windmills café everyday when he leaves his apartment in Paris, and keeps his characters close.

“Sometimes when I don't dare to do something, I hear in me the deep voice of Raymond saying, ‘Go ahead, Guillaume...you can take life's knocks!’"

My Best Friend’s Wedding (1997)

Written by Ronald Bass

Julianne (Julia Roberts) fought dirty to break up her best friend Michael (Dermot Mulroney) and his fiancé Kimmy (Cameron Diaz). She forged emails, staged an embarrassing incident at a karaoke bar, and then pretended to be engaged to her gay pal George (Rupert Everett).

Despite her best efforts, Michael and Kimmy said “I do” and rode off into the Chicago sunset. Julianne managed to right most of her wrongs and spent the couple’s wedding on the dance floor with George, finally feeling content.

Bass tells Broadly that he hasn’t seen his film in the twenty-one years since it premiered, but he still has a clear picture of where Julianne ended up. She leads a much more drama-free life now, writes a very successful food column, and makes guest appearances on television shows. Bass isn’t completely convinced that Kimmy and Michael stayed together (they had their own share of obstacles), but thinks Julianne is still friends with them both.

She’s also happily married to someone who accepts her for who she is. “I think she was looking for her George—someone who appreciated the volatile personality she had, that she had a temper, she was emotional, she could cry, she could yell,” Bass says. “I think she’s got three kids and they mean the world to her and I think she lives a very quiet, unglamorous life.”

And, he adds, “She and George are best friends.”

27 Dresses (2008)

Written by Aline Brosh McKenna

If you’ve ever bemoaned some of the more irksome responsibilities of being a bridesmaid, you can check all those complaints at the door. Jane (Katherine Heigl) has been in a staggering twenty-seven weddings. She’s worn deeply unflattering dresses, been on bridal bathroom duty, and planned her sister’s nuptials to a guy she was secretly in love with.

Along the way, she learned to let loose, stand up for herself, and, by the end of the film, married a charming journalist named Kevin (James Marsden).

Ten years later, and McKenna tells Broadly she is certain the life lessons Jane learned stuck—even if her marriage to Kevin didn’t.

“I don’t think they’re still together. I think they learned a lot from each other, but at the end of the day he’s a little bit of a rogue and she’s a little bit of a rule follower,” McKenna says. “They were very young in the movie and at the beginning of their journey of finding out who they were going to be.”

It’s a pretty fitting conclusion, considering McKenna didn’t really want Jane to end up with anybody in the first place.

“I kept trying to push the film towards being more of a character exploration and [the producer] kept pushing it back towards being a conventional romantic comedy,” McKenna recalls. “I actually stepped off the project for a couple of years because he had such a clear vision for it and I really was tugging it in a less commercial way.”

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McKenna has no regrets about the way the film turned out—but she’s still not completely sold on happily ever-after endings.

“I think one of the reasons that romantic comedies ran out of gas is because we were selling stories to women that they knew instinctively weren’t true,” McKenna says. “We all know that it’s a long and complicated road to finding the right person.”

La causa célebre de este fin de semana (y lo que nos queda) no solo amenaza con hundir la carrera de un cineasta muy defendible, James Gunn. También es una victoria histórica para la ultraderecha en la industria del espectáculo.

Cuando cometemos un error, la vida nos ofrece dos opciones: o bien hacemos lo posible por ocultarlo, o lo asumimos y procuramos vivir con ello, dando la cara si alguien nos lo recuerda. Como ejemplos de lo primero tenemos a esos ministrables y carguizables próximos al PSOE que se dedicaron a borrar tuits como posesos en cuanto el dedo índice de Pedro Sánchez apuntó en su dirección, prevenidos por el descalabro anterior de Máxim Huerta. Como ejemplo de lo segundo, tenemos a James Gunn. El director de las dos entregas de Guardianes de la galaxia protagoniza desde el viernes una grotesca causa célebre que, por lo pronto, ya le ha costado su despido de Disney y la vergüenza pública.




Así pues, podemos decir desde ya que el muy español “si te he visto no me acuerdo” es más eficaz que una solución a priori más honesta y digna. Porque, si bien Andrés Gil y Ana Pardo de Vera no obtuvieron en su momento la presidencia de TVE, la respuesta a su frenética limpieza en redes sociales se quedó en unos cuantos artículos cachondos en webs de derechas y en los insultos de rigor. Gunn, por el contrario, lleva cuatro días arrastrando una cadena de voces que le llaman el nombre del puerco porque ni él ni sus representantes juzgaron oportuno eliminar unas cuantas barrabasadas escritas hace años.

El triunfo del demagogo

Como esto no va sobre cine, sino sobre la estupidez humana y sus consecuencias, empezaremos con los hechos básicos. A saber: que James Gunn publicó en Twitter, entre 2009 y 2012, una serie de chistes ‘políticamente incorrectos’ sobre pedofilia y violaciones, los cuales tenían la gracia en el orto. Una reliquia de sus años como guionista en la Troma o de las épocas en las que (según confiesa) consumía alcohol y drogas como para tumbar a un cachalote adulto. Dichos posts quedaron fosilizados hasta hace poco, cuando el bloguero ultraderechista Mike Cernovich los desenterró en venganza por otros mensajes de Gunn muy críticos con Donald Trump. Para controlar el daño a su imagen en plena compra de Fox, y a fin de no liarla durante la Comic-Con 2018, el estudio despidió al director y guionista: adiós a una Guardianes de la galaxia Vol. 3 firmada por el autor del serial, y probablemente también a su rumoreada adaptación de Berserk.

Hasta aquí, lo elemental. Y ahora vayamos a los detalles, porque en ellos está el demonio. El matiz más comentado por los defensores de Gunn es que este ya se había disculpado en 2012, cuando la ONG GLAAD le llamó la atención a resultas de unos textos en su blog. Aquí, lo importante no es solo que Gunn hiciese propósito de enmienda (“Prometo tener más cuidado con mis palabras desde ahora. Y haré lo posible por ser más gracioso, también”) sino que cumplió dicho propósito. Para empezar, aparcando el humor grueso o empleándolo para hablar de temas más procedentes. Para seguir, abogando por la sensatez cada vez que surgía una polémica idiota entre el fandom.

Ciertos voceros de dichas polémicas (y sí, hablamos de Star Wars: Los últimos Jedi y Liga de la Justicia) han aprovechado las novedades sobre James Gunn para arremeter contra él de formas muy capciosas. Durante la tormenta de mierda del viernes noche en Twitter, algunas cuentas de este signo propagaron el bulo de que al director se le había incautado pornografía infantil, lo cual viene a cuento para hablar de Mike Cernovich, el responsable de esta demencia. Nos referimos a un pájaro que participó señaladamente en el Gamergate (¿lo ven?) y al que una entidad tan respetable como el Southern Poverty Law Center señala en su base de datos como un propagandista ultra.

El perfil de Cernovich es grotesco: según el New Statesman y otros medios, una de sus especialidades es atacar a personalidades de izquierdas (o de derecha no trumpista) mediante acusaciones de pedofilia, un crimen que exige la repulsa de cualquiera. Con gracia o sin ella, las cafradas de James Gunn fueron interpretadas en su día como meros esparabanes del tío que había escrito Tromeo And Juliet, pero las campañas de acoso online instigadas o apoyadas por Cernovich sí han tenido víctimas en el mundo real. Y no solo las campañas. En 2003, este señor fue acusado de violación, quedándose el juicio en una condena por lesiones. Su respuesta no fue pedir perdón o tratar de hacer las paces con la víctima: fue escribir artículos en los que alardeaba de ello.

Así pues, el despido de James Gunn va más allá de una mera anécdota: es el triunfo de un demagogo peligroso. Los chistes del cineasta que han motivado el escándalo recurrían a la descripción hiperbólica de hechos repulsivos, una vieja herramienta del humor grueso que delataba su índole de ficción. Pero ¿qué hipérbole, o qué ficción, hay en frases de Mike Cernovich como “Diversidad’ es un código para hablar de genocidio contra los blancos” o “Después de abusar de una chica, mándale un mensaje de texto y guarda su respuesta”? 

Hollywood, ese avestruz

Una vez que Cernovich se salió con la suya, las reacciones ante la caída en desgracia de James Gunn fueron de muchos tipos. Algunos se alegraban, otras lo deploraban, otras pedían serenidad y un cuarto grupo achacaba el incidente a la dictadura de lo políticamente correcto y a los “ofendiditos”, esas bestias mitológicas. Incluso se ha mencionado a la “poscensura”, ese término tan difuso. Observemos este argumento, para lo bueno y para lo malo.

Para empezar, es cierto que el ‘caso Gunn’ no habría tenido lugar sin el #MeToo y otras campañas contra el abuso sexual. Pero también es cierto que, dejando de lado el perfil de Mike Cernovich, la derecha ha hecho suya aquí la estrategia del escándalo online después de haber protestado contra ella. Además, y a diferencia de Harvey Weinstein (y del propio Cernovich), Gunn ha cometido un crimen sin víctimas. Mientras que el magnate y otros abusadores fueron señalados por las mujeres a las que habían agredido, ninguna asociación de mujeres violadas o de víctimas de abusos ha señalado todavía a James Gunn. Les valgan o no las disculpas que el director emitió hace seis años, estos colectivos habrán preferido apretar los dientes y no secundar los intereses del enemigo.

Asimismo, se ha sacado a relucir el despido de Roseanne Barr por parte de ABC, una cadena de TV propiedad de Disney. Quienes mencionan esto olvidan que la comediante (partidaria de Donald Trump, y con la que James Gunn se había metido en Twitter) tenía ya un largo historial de salidas de tiesto cuando sus ataques a la política Valerie Jarrett le costaron su serie. Ataques, además, dirigidos a una persona concreta y empleando expresiones (“Es como si los Hermanos Musulmanes y el Planeta de los Simios hubiesen tenido un bebé”) que, en EE UU, significan el fin automático de una carrera. ¿Fue excesivo despedir a Barr? Posiblemente sí. Pero se puede estar de acuerdo con ello y sostener a la vez que la comediante había tenido tiempo de sobra para replantearse ciertas cosas.

Cuando una celebridad se ve en apuros por temas de género o raza, es fácil llevarse las manos a la cabeza y anunciar un Apocalipsis diseñado por Ned Flanders. Demasiado fácil, por dos razones. La primera, que por cada controversia imbécil hay otras totalmente justificadas: véase el caso reciente de Scarlett Johansson y recuérdese que, antes de renunciar a su papel de hombre transgénero en Rub and Tug, la actriz había respondido a las críticas (algunas muy razonadas, y provenientes de compañeras de oficio como Trace Lysette) mandando a paseo con muy poca elegancia a un colectivo entero.

La segunda razón tiene que ver con algo que mencionamos antes: el propósito de enmienda. Las disculpas de Gunn en 2012 no importarían tanto si solo obedecieran a la prudencia (su amigo Joss Whedon le acababa de enchufar en Marvel y no estaban las cosas como para tentar al destino) y si el director no se hubiera creado durante los seis años posteriores la reputación de persona  razonable, ganándose por ello el afecto de buena parte del público. Debido a ello, la inevitable campaña online exigiendo su rehabilitación ha cosechado decenas de miles de adhesiones en tiempo récord: aunque estas tengan todos los visos de quedarse en nada, al menos esta vez su objetivo ha sido apoyar a un autor, no difamarlo ni exigir su despido.

Y mientras tanto, en Hollywood… pues apenas pasa nada, porque los estudios y las estrellas están, o bien evitando cruzarse con Johnny Depp en San Diego, o bien escondiendo la cabeza bajo la arena. Joe Carnahan, Patton Oswalt, Dave Bautista y Selma Blair (quizás agradeciendo el apoyo de Gunn cuando denunció por violación al productor James Toback), Zoe Saldana o Chris Pratt han sido de las pocas voces que se han alzado en favor del cineasta, con distintos grados de intensidad. Y resulta destacable, además, que una mosca cojonera como la directora Lexi Alexander, poco amiga de quedar bien con nadie, haya pedido calma y reflexión, aunque dejando claro que no apoya al cineasta. Otro de los hechos que ha probado esta crisis es que el CEO de Disney Bob Iger y el jefazo de Marvel Kevin Feige son sujetos aún menos escrupulosos de lo que pensábamos, no doliéndoles prendas en dejar a cualquier miembro de su escudería a los pies de los caballos.

Pero lo más irónico de esto es cómo el propio James Gunn había manejado las ideas de masculinidad tóxica (esas mismas que han motivado su despido, de una forma u otra) en sus últimas películas. Porque a quien escribe esto le parece muy significativo el descuartizamiento del señor ególatra, autosatisfecho y misógino que representaba el personaje de Kurt Russell en Guardianes de la galaxia Vol. 2. Ese planeta viviente que prefería provocarle un cáncer a una mujer antes que asumir que se había enamorado de ella era una estupenda caricatura de la clase de edgelord que tanto abunda en internet, y que el propio James Gunn había encarnado en sus tiempos. Poniendo esto, y sumándole todo aquello de lo que hemos hablado, en un platillo de la balanza, y dejando en el otro las acusaciones de un troll ultramontano y unos cuántos chistes rancios, ¿qué pesa más?

Habrá que preguntárselo a Guillermo Zapata, amigo de esta casa: seguro que él tiene una opinión al respecto.

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La entrada El despido de James Gunn no es corrección política: es una victoria para Trump aparece primero en Canino.

Hace un par de semanas salió a la venta una edición monísima de la película ‘Elvira: reina de las tinieblas’ en Bluray, con una caja metálica muy cuca. Y esto me ha servido para verla de nuevo después de bastante tiempo, y me he dado cuenta que Elvira nos enseñó mucho sobre el acoso.

“La chica de vanguardia que tiene retaguardia”

La película de 1988, que en España distribuyó José Frade (productor de ‘La tonta del bote’ y pareja de Norma Duval entre otros hitos) cuenta cómo una presentadora de películas de terror de serie B recibe una herencia de una tía abuela que no conoció, y tiene que ir a cobrarla a un pueblecito de lo más recatado.

Elvira es una mujer sexy, que admite que con cinco años solía pelearse con las monjas porque no le dejaban maquillarse, y que le gusta ir luciendo sus turgentes pechos. Pero deja claro que las tetas son suyas, y que le guste presumir de canalillo no da derecho a nadie para cogérselas a la mínima ocasión.

Así, en la primera secuencia, Elvira conoce que la televisión en la que trabaja ha cambiado de dueño, y ahora está en manos de un viejo verde que le mete mano, pues da por sentado que si de él depende el jornal de ella tiene derecho a eso y más.

Elvira lo pone en su sitio y se defiende pegándole, hasta el punto de que lo tira a la mesa de un telediario en pleno directo; y el hombre, confundido, se justifica diciendo que le habían dicho que era ninfómana.

“Si no tienes pelo en el pecho tienes el escote muy grande”

Mientras Elvira viaja hasta el pueblo de Fallwell, Massachusetts, de buena fe recoge a un autoestopista, quien también intenta meterle mano, y ella no duda de nuevo en defenderse; no solo lo apea del carro, sino que le arroja el típico hacha que tiene toda mujer en el coche.

Elvira es recibida con buenas ganas en el pueblo por los jóvenes; los chicos porque la ven atractivas, y las chicas, porque ven en ella el empoderamiento, el vístete como te de la gana y haz lo que quieras y pasa de la gente que te juzgue.

No pasa lo mismo entre la gente más mayor; los ancianos la tildan literalmente de ramera y de puta barata, y las mujeres treintañeras ven en ella una competencia que hay que hundir.

En su primera noche en Fallwell, Elvira acude a una bolera a tomar una copa, pero no le dan ni gota de alcohol, pero pasa el tiempo suficiente en el local como para que dos macarras (uno de ellos Jeff Conaway, Kennickie de ‘Grease’) vuelven a acosarla, y se toman fatal un no por respuesta, y peor aún que ella le tire las cervezas en las pichas para bajarle el calentón.

Volviendo a la herencia, Elvira recibe una casa ruinosa que rehabilita gracias a los jóvenes del pueblo a cambio de limonada, y tiene como intención venderla. Y ahí es cuando aparece un agente inmobiliario que le dice que le encuentra comprador, pero a cambio de pasar por la cama, algo que enfurece a la pálida presentadora, que no está dispuesta a tolerar que los hombres quieran magrearla.

Cocinar un monstruo es fácil si sabes cómo

Curiosamente, en el pueblo hay un hombre que a Elvira le hace tilín, un joven recatado de vestir con camiseta interior y que respeta y mucho a la muchacha; vaya, que no la toca ni con un palo, posiblemente fruto del ambiente represivo sexual que hay en el pueblo.

Y es que en todo momento queremos que Elvira se salga con la suya. Que consiga el dinero que desea para hacer un show en Las Vegas en el que mueva las tetas como nadie, que venda la casa, que enamore al hombre que desea, que se salga con la suya cada vez que necesita ayuda haciendo uso de sus artimañas femeninas.

En la película hay muchas bromas a costa de Elvira y en relación al sexo o sus tetas, pero hay dos formas de hacer chistes: los que hace ella misma nos gustan, son picantes, ella sabe quién es, cuáles son sus atributos y se ríe de ellos si quiere.

Sin embargo, si lo hacen los paletos del pueblo son chistes mezquinos, que solo tratan de degradar a nuestra heroína, y eso sí que no podemos consentirlo. Y el que no es un reprimido, es un pervertido incapaz de controlar su sexualidad.

El único problema que tiene Elvira es que es un poco boba en muchas ocasiones. De tener la cabeza mejor amueblada, sería un emblema transgresor del feminismo. Sin embargo, desde el minuto uno nos queda claro que pese a tener hermosas tetas y curvas no es un objeto sexual, ella es una mujer que se busca las castañas, que ni es sumisa ni se conforma con lo que se va encontrando, que quiere un amor de verdad, que quiere que la gente vea con buenos ojos su peculiar gusto por la estética darks y los tacones de aguja, capaces de matar a un hombre si le da en la cabeza.

Si veías esta película en Antena 3 los sábados al mediodía. Si quieres recordar cómo convierte un hermoso perro en uno mucho más macarra. Si conociste la saga de Los Tomates asesinos por Elvira. Si tú también soñabas con romper cadenas con tus tetas.

O moverlas así.

No dudes en pillarte esta joya del séptimo arte.

En Santiago de Compostela hay enfermos que llevan medio siglo ingresados en el hospital. Son pacientes del sanatorio psiquiátrico de Conxo, un reducto de la vieja psiquiatría que enclaustraba de por vida en manicomios a quienes perdían la cordura y que España se propuso erradicar hace 30 años. Una inspección de oficio del Mecanismo Nacional de Prevención de la Tortura, dependiente del Defensor del Pueblo, ha detectado en el centro que gestiona la Xunta excesos en los tratamientos, irregularidades en los ingresos y falta de vigilancia y seguimiento de los internos, cerca de la mitad despojados de cualquier esperanza de rehabilitación. La fiscalía de A Coruña ha abierto una investigación tras una denuncia de la asociación El Defensor del Paciente.

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Whodunit? El “quién lo hizo” es un género que procede de la novela negra, popularizado por escritores como Agatha Christie, que nos ha dado un buen montón de películas. Aprovechando sus códigos, montamos un particular “juego de la sospecha” en el que investigamos nuestro propio crimen y de paso repasamos los films protagonizados por Hercules Poirot, parodias como Un cádaver a los postres o Cluedo o peliculones como Gosford Park o El nombre de la rosa. El whodunit también ha tenido “perversiones” con hombres lobo o films dirigidos por Quentin Tarantino o Luis Piedrahita (!).
Preparaos para uno de nuestros podcasts más misteriosos y juguetones.

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El gran éxito de las novelas de Agatha Christie o Dashiell Hammet no tardó en llamar la atención de los productores que incluyeron el whodunit tanto en seriales como en películas. Así los clásicos de Christie se fueron adaptando  y así sus detectives, Ms. Marple o Hércules Poirot se convirtieron en verdaderos iconos de la cultura pop.  Con estos referentes literarios, repasamos otros films más o menos canónicos

El whodunit también ha dado lugar a parodias. Dos grandes títulos son Un cadáver a los postres (Murder by death) y El juego de la sospecha (Cluedo). De la mano de Neil Simon o John Landis  y dos grandes repartos en los que cabían Peter Sellers y Peter Falk o Christopher Lloyd y Tim Curry. son dos clácicos que más allá del spoof hay un verdadero homenaje al género.

Finalizamos con las películas más locas, exóticas y que en general son versiones de 10 negritos.  Desde las incursiones de Javier Aguirre, Jesús Franco o Hsui Hark, pasando por el debut en la dirección de Luis Piedrahita, la visión de Tarantino o bizarradas que incluyen hasta a hombres lobo.

A nuestro misterioso viaje por la filmografía del “adivina quién es el asesino” se apunta el sabio Óscar Díaz .

El 5 de septiembre de 1987 tuvo lugar la madre de todas las fiestas en Ibiza. Acudieron más de 500 invitados, aterrizados de todas las partes del mundo en chárteres, para unos festejos que acabaron con el suministro de champán y cocaína de la isla.

El organizador era Freddie Mercury. Sus fiestas se habían convertido en un género para los tabloides británicos, siempre ávidos por una imagen con drogas, sexo o travestis a la que enganchar unas líneas insidiosas, y Mercury les daba los tres elementos casi todos los meses. Sin embargo, esta era distinta, maximizada: Mercury decidió tirar la casa por la ventana —pagó 20 millones de pesetas de la época— no solo porque celebraba su 41 cumpleaños, sino porque unos días antes se confirmó el peor de sus presagios: el VIH estaba avanzando y su final era solo cuestión de tiempo.

La mayoría de los eventos tuvieron lugar en el hotel Pike's, que todavía celebra cada 5 de septiembre el cumpleaños de Mercury, pero por la noche, después de liquidar 350 botellas de Moët Chandon y reventar 200 vasos contra las paredes del hotel, la fiesta se trasladó a la discoteca Ku, hoy Privilege, que por entonces presumía de ser la discoteca al aire libre más grande del mundo.

En una de las barras de Ku bailaban Xavier Font (Sant Boi de Llobregat, 1963) y quince de sus amigos. A Xavier, líder del grupo de gogós, le habían advertido que aquella noche iban Freddie Mercury y su troupe a celebrar un cumpleaños, pero la noticia le dejó frío: "Yo tenía 24 años y tampoco sabía muy bien quién era Freddie Mercury… esta es la primera vez en mi vida en la que lo admito", confiesa Font a este periódico desde La Habana, "así que nos limitamos a hacer un par de bailes a su lado, para las fotos, y, como no sabía qué regalarle, le di un par de zapatos de punta, de los que diseñaba yo". Font, apasionado de la moda desde niño, había montado una pequeña tienda en la isla y una peluquería con las que complementaba las noches del Ku.

"Al día siguiente, con toda la resaca, se presentó Freddie Mercury en la tienda", afirma el catalán, "y se llevó dos chaquetitas por valor de 2.200 dólares. Además, me dijo que le habían gustado mucho mis zapatos, que los iba a usar". Era verdad. Mercury lució los zapatos con punta en varias escenas de su vídeo 'I'm going slightly mad', aunque Font se enteró hace poco: "Lo vi por casualidad en YouTube hace poco. Si lo piensas, es increíble que un monstruo como Freddie Mercury llevase en su último videoclip un pedazo de Locomía, todo un honor".

Font había llegado a Ibiza cuatro años antes, huyendo de una Barcelona que no terminaba de entender esos diseños, barrocos y provocadores, de los que él era el singular modelo. En la isla, epicentro de la modernidad occidental a comienzos de los 80, aquellas hombreras, abanicos y zapatos de pico que paseaba por San Antonio a plena luz del día crearon sensación. Ku le echó rápido el lazo y Font fue colocando a sus amigos en la cuadrilla a medida que ganaba poder: "Vivíamos los dieciséis, todos juntos, en una masía en el campo. Éramos como una comuna 'hippie' pero sin ser 'hippies'", dice Font cómplice.

Los de la comuna se hacían llamar Locomía. Uno de ellos, el holandés Gard Passchier, fue el creador de una etiqueta que ha sobrevivido en el imaginario de los españoles tres décadas: "A Gard le preguntaron por qué llevábamos esos abanicos tan grandes y él quiso responder que era 'una locura mía', pero como no dominaba la gramática española, dijo que era una 'locomía'. A todos nos encantó el nombre", dice Font.

En 1987 Locomía se había convertido en la mayor atracción de la noche ibicenca. Su barra era la más animada, a la que más famosos iban, y sus apariciones por el paseo marítimo eran ya un clásico que vendía entradas de la discoteca como churros. Por supuesto, despertaron envidias profundas: "Una noche llegábamos todos de la discoteca y nos habían quemado la casa. Dentro teníamos el trabajo de cuatro años, los trajes con los que actuábamos, los que vendíamos… todo", explica Font. "Nunca supimos quién había sido, aunque todos sospecharemos siempre de los otros grupos que bailaban en Ku y a los que habíamos robado la atención de la gente".

Esa noche, mientras lamentaban las pérdidas, Font se subió sobre las cenizas de la casa y advirtió, a gritos, que para acabar con Locomía no era suficiente con quemar su casa; había que quemarle a él.

El episodio sirvió para alimentar aún más su fama, que comenzaba a desbordar la isla: ese mismo año, un empresario japonés le ofreció al grupo 100.000 dólares por inaugurar una galería comercial. Locomía encajaba perfectamente en lo que se esperaba del 'New Spain', un concepto de desinhibición y glamour creado en torno a Almodóvar que estaba arrasando en Japón.

Una noche de ese verano, casi por casualidad, el productor musical José Luis Gil (Madrid, 1950), conocido por llevar a Raffaella Carrá, a Perales o a Miguel Bosé, estaba tomando una copa en Ku y tuvo una aparición mariana. Así lo recuerda en sus memorias: "De repente comenzaron a aparecer de las sombras unos personajes ataviados con ropajes sorprendentes y zapatos de estilo renacentista, de manera cadenciosa y sugerente, como si se tratase de los celebrantes de una danza sufí, que me hipnotizó a mí y a los que me rodeaban. Según se sabían admirados, la aceleración rítmica de los movimientos y los requiebros fue en aumento. Poco a poco, todo el mundo que estaba bailando se paró y empezó a arremolinarse en un enorme corro para admirar a esos jóvenes juglares que con profusión de brocados, terciopelos y grandes hombreras, que daban un aspecto cubista a las proporciones de los cuerpos completamente fuera de época y estación, estaban dejando boquiabiertos a los más modernos del mundo".

Aquella noche Gil durmió poco y, a la mañana siguiente, ya estaba en la peluquería de Locomía lanzándoles propuestas. "Tenéis una imagen muy fuerte y un estilo provocativo. Si supierais cantar, se podría estudiar lanzaros como grupo musical". Ninguno sabía cantar y el productor no quería a los quince, sino que seleccionó a cuatro, "descartando a los bajitos y a los feos, menos a mí, que soy feo pero creé el grupo", según Font, para llevárselos a Madrid y grabar un single. Los elegidos fueron Xavier Font, su hermano Luis, Carlos Armas y Manolo Arjona, lo que a la postre se recordaría como el Locomía original.

Pocos lo saben, pero en Locomía hubo un quinto elemento, una mujer. Se trata de Lurdes Iríbar, una vasca que tuvo un flechazo artístico con Xavier Font en 1983: "Nos conocimos en una discoteca en Lérida, varios años antes de que se formase Locomía. Íbamos los dos con estilismos casi iguales, incluso con nuestro maletín para cambiarnos, y nos dimos cuenta de que aquello no podía ser normal" explica a este periódico. El estilismo, que después asociaríamos para siempre con Locomía, era una combinación psicodélica del 'glam' de Bowie con la moda más en boga de la Florencia del siglo XII. "Yo nunca había coincidido en forma de vestir con nadie, así que nos hicimos amigos", relata Iríbar.

En la masía de Ibiza, Lurdes hacía de madre del grupo. Además de diseñar y coser el vestuario de Locomía junto a Font, era la que cocinaba y se ocupaba de las tareas del hogar. No obstante, en las fiestas no daba un paso atrás: "¿Que si había droga? Había droga, sexo y todo lo que te puedas imaginar. Piensa que no solo éramos un grupo de gente joven pasando el verano en Ibiza, sino que éramos un grupo de jóvenes que trabajaban en la noche", afirma Lurdes. "Pero más que un grupo de fiesteros, éramos una familia", coinciden Font e Iríbar sin escucharse.

Los cinco de Madrid dejaron a los otros once en Ibiza, que tuvieron que regresar a sus localidades de origen. La tienda y la peluquería estaban de capa caída y la relación con Ku terminó de malas maneras. Así que Gil metió a los elegidos en un piso en Majadahonda y los puso a bailar por las noches en Joy Eslava mientras producía su primer tema. Mientras, consiguió colar al grupo como animadores en televisión, concretamente en actuaciones de Pet Shop Boys y Duran Duran, dos de los grupos más famosos del momento, ambos relacionados con la cultura gay.

Después, a partir de 1988, Gil no volvería a programar actuaciones que relacionasen al grupo con la homosexualidad. "La ambigüedad es comercial; lo definido, sea lo que fuere, limita y reduce el público", repetía machaconamente a los componentes del grupo, que se vieron obligados a esconder sus preferencias sexuales. "A mí me preguntaba un periodista que si tenía novia y yo le decía que sí, que tenía un novio guapísimo", dice Xavier, "y de golpe tuvimos que dejar de expresarnos con libertad, que escondernos, ser ambiguos todo el tiempo. Nos prohibió ser gais, igual que hizo con Miguel Bosé, al que Gil decía que 'Don Diablo' no era comercial". A Lurdes nada de aquello le parecía creíble: "Era una tontería ocultarlo, era muy obvio cuando íbamos con los abanicos por la calle que eran todos gais, pero Gil se lo tomó muy en serio, era una persona autoritaria".

Al tiempo que los chicos fingían heterosexualidad y recibían clases de canto con el 'crooner' francés Robert Jeantal, Gil producía los primeros temas de Locomía en la casa del productor Pedro Vidal, mezclando en el salón y grabando las voces en el baño. De ahí nacieron 'Locomía', 'Rumba, samba, tango' y 'Taiyo', la santísima trinidad de los 'locomaníacos'. Gil presume en sus memorias, además, de haber sido pionero incorporando letra al 'dance' español aunque, como se puede comprobar en el vídeo inferior, estas se parezcan más a lo que hoy conocemos como una nube de etiquetas.

"Disco Ibiza Locomía,Moda Ibiza Locomía,Loco Ibiza Locomía,Sexo Ibiza Locomía,Mar Ibiza Locomía,Sol Ibiza Locomía,Marcha Ibiza Locomía,Crazy Ibiza Locomía".

Los singles arrasaron en las discotecas durante la primavera de 1989, saltaron a las radios y en apenas un mes llegaron a las tiendas de discos. Locomía acababa de despegar, pero Xavier Font, el padre del concepto, decidió dar un paso a un lado. "Gil era uno de los mejores mánagers de España, de eso no cabe duda, pero a mí me quitó la ilusión. Perdí mi derecho a comportarme como lo que soy, una persona gay, dejé de poder llevar mis trajes por la calle, porque me paraban constantemente... y tampoco pude refugiarme en la creación de nuevos diseños, porque Gil nos impuso ir cada uno de un color y con el mismo traje todo un año", lamenta.

"En realidad a Xavier nunca le gustaron demasiado los escenarios, él prefería los estilismos, como yo", apunta Lurdes. Antes del lanzamiento de su primer disco, 'Taiyo', que salió en septiembre de 1989, el líder de Locomía dejó de viajar con el grupo para centrarse en el lanzamiento de 'Santuario Locomía', una boutique-coctelería situada en la Avenida de América de Madrid, cerca de Torres Blancas. La idea era poder probarse la ropa del grupo mientras un mojito te animaba a dar el paso de comprar. Fracasó. "Montar esa tienda fue cosa de Xavier, una decisión muy sabia", escribe irónicamente Gil.

"Empezamos a estar en todas las televisiones, en las radios, en las discotecas... aquello fue tremendo. Éramos todos jovencísimos y nos cayó encima una avalancha de fama y dinero", recuerda Iríbar, "fue muy importante la labor de José Luis (Gil), que ejercía de padre, no nos dejaba hacer muchas cosas... entre ellas la droga y salir por determinados lugares". "Y no era fácil resistirse, que en aquella época, en mitad de Joy Eslava, la gente te ponía rayas en la barra", remacha la vasca. Entraba tanto dinero que el mánager, según indican fuentes del sector, comenzó a dejarse ver por Madrid a bordo de un Mercedes blanco descapotable y un suntuoso abrigo de pieles.

Pero donde Locomía fue realmente grande fue en Latinoamérica, especialmente en Argentina, México, Perú, Colombia y Chile. Lurdes acompañó al grupo en una gira por Argentina de la que no tiene buen recuerdo: "Lo pasé mal. La gente nos esperaba en el aeropuerto, en la puerta del hotel, nos seguía en sus coches... y todos los teatros y salas donde actuábamos estaban abarrotados, era una locura", recuerda. "Mi problema es que eran casi todo chicas jóvenes y, en cuanto yo salía al escenario, me insultaban y me amenazaban, se creían que era la novia de alguno", dice divertida, "y no me extraña, porque eran todos tíos altos y guapos, pero claramente gais".

La imagen de Lurdes a comienzos de los 80 recuerda a la de Madonna a mediados de la década, algo que la sacaba de quicio: "Me confundían todo el tiempo con ella... de hecho en Japón llegué a firmar a gente como ella, no paraban", dice. "Pero es que yo no le copié el estilismo, yo siempre he ido así, es ella la que en ocasiones se ha vestido muy parecido a mí. Yo no digo que se fijase, pero eran muchas coincidencias". Al otro lado del planeta, Font defiende la misma versión: "Nos pasó en varias ocasiones ver que Madonna se vestía como la Lurdes", afirma. "Madonna celebraba sus cumpleaños en Ibiza y no es raro que alguna vez nos haya visto, aunque suene a leyenda urbana".

Era 1991, el grupo había sacado su segundo LP, 'Locovox', y seguían llenando estadios y plazas de toros en México y Argentina, mientras que en España se limitaban al circuito de pueblos, no siempre bien acogidos. "En algunos sitios, como en Zamora, tuvimos algún incidente de mal gusto con los machitos de la fiesta", narra Gil en su libro. En América, además, tenían todas las horas de televisión que querían. Sus fans, entregadísimas, cantaban incluso extravagancias como 'Gorbachov', un tema dedicado al exlíder soviético que seguían interpretando incluso después de la caída del Muro de Berlín. ¿Es este un guiño de Locomía al comunismo 'light'? "No. Locomía es y será ateo y apolítico. Es solo música de baile", confirma Font.

"Gorbachov es Perestroika,Gorbachov es desarmar,Gorvachov es convincente,sabe mandar.

Gorbachov es dulce 'raisa',Gorbachov es confiar.Gorbachov es una estrella, superstar".

A finales de 1991 Locomía se trasladó a Miami para preparar el asalto a Estados Unidos. Fue el comienzo del fin. Después de que cerrase 'Santuario Locomía', con Gil y Font culpándose del fracaso, el catalán regresó al frente del grupo para asegurar la expansión, pero también porque no se fiaba del mánager. Era un sentimiento mutuo: en sus memorias, Gil sostiene que "siempre dudé de la capacidad cerebral de Xavier, pero al menos amaba el producto", para poco después referirse al fundador de Locomía como "un loco y un tonto codicioso".

La situación saltó por los aires en 1992, cuando Xavier descubrió que Gil había cobrado un adelanto de 600.000 dólares por el disco que iban a grabar. Se enteró por Julio Sabala, famoso en España por imitar a Michael Jackson y Julio Iglesias: "No nos había dicho nada porque no lo quería repartir, me tuve que enterar por Sabala, que había cobrado lo mismo", dice Font. La separación fue traumática porque ambas partes se necesitaban: mientras la marca Locomía era propiedad de Font, quien tan solo se la había cedido cinco años a Gil, al productor le pertenecían las canciones, pero solo le quedaban dos años para seguir explotándolas antes de que caducase la cesión.

Font sostiene que, después de despedirle, descubrió que Gil le había "chuleado muchos millones": "Lo ha hecho con Perales, con Mari Trini... con todos los que ha representando. Es una de las peores personas que conozco, y desde luego la que más daño a hecho a Locomía". Durante seis meses, en 1993, coexistieron dos formaciones de Locomía: la original, que no podía interpretar sus canciones, y una nueva recreada por Gil, que no cayó bien entre las fans, a las que no se ofreció explicación alguna. Más allá, Font se aseguró de que todos supiesen que aquellos no eran realmente Locomía y Gil, de que ningún empresario de Latinoamérica contratase a la anterior formación bajo amenaza de demanda. En el cénit de su éxito y con solo tres años de recorrido, Locomía se partió en dos para devorarse a sí mismo.

Font y Gil nunca volvieron a cruzarse la palabra fuera de los tribunales. Desde que el catalán recuperase los derechos sobre la marca, su relación se ha limitado a encontrar formas para explotar su legado sin que el otro se entere. "Nos encanta darnos por el culo con la publicidad. Él cobra los anuncios en los que se usan las canciones y yo en los que se explota nuestra imagen y marca. El último que he hecho es el de Sprint, la empresa telefónica, cambiando la canción lo suficiente para que no vea un duro", dice Font.

Después de abandonar Locomía, Gil empezó a trabajar con una joven 'grouppie' de Locomía: Mónica Naranjo. "Mónica grabó con nosotros, pasaba mucho tiempo en el estudio y claramente tomó nuestras influencias. No hay más que verla en su primera época, lucía una estética arrogante como la nuestra y desde luego nuestra misma ambigüedad sexual", afirma Font, que ve la mano negra del mánager en distintos episodios posteriores a su separación.

El más importante sucedió en 2009, cuando Font fue condenado a tres años de cárcel en la que se llamó operación Abanico por vender 'popper', una sustancia recurrente en la comunidad gay, así como pastillas de éxtasis y viagras falsificadas por internet. "Eran de uso personal, para mí y mis amigos. No entiendo que tuviese que pasar unos meses en prisión por unas cantidades tan pequeñas... ¿sabes cuándo sucedió todo esto? Cuando estábamos relanzando Locomía", dice Font desde La Habana, donde puso tierra de por medio tras recuperar la libertad.

Nadie en la industria parece saber dónde se encuentra José Luis Gil. Harto de su evolución, en 2004 publicó un ajuste de cuentas al sector, firmado como "JL Green Snake", se hizo santero y se instaló en Brasil. Lo último que sabemos de él es que en 2008 era mánager de Estéfano, del popular dueto 'Donato y Estéfano', cuando uno de sus empleados disparó al cantante dos tiros, uno en el pecho y otro en la cabeza, aunque no fue capaz de matarlo. Según la investigación de la Policía de Miami, Estéfano descubrió al salir del hospital que Gil había transferido 2,4 millones de dólares de sus cuentas a la iglesia santera a la que pertenecía el español. Con Estéfano en el hospital, Gil transfirió otros 3.000 dólares a la mujer del hombre que le disparó.

"Te voy a confesar una cosa", dice Font, "de todas las formaciones que hemos probado, ninguna me ha producido sensaciones parecidas a cuando estábamos en la Ku, y eso que en muchas de ellas ha estado Manolo Arjona, que es más importante en Locomía que yo". "Pero el año pasado estuve viendo una actuación de los nuevos Locomía y, por primera vez desde los 80, sentí la magia, sentí que esta formación era capaz de llegarle a la gente". Por eso Font tiene dudas: "Y ahora que estábamos remontando el vuelo otra vez, mueren dos de los miembros del grupo, ambos con 46 años, en el mismo mes y por causas muy extrañas... es como si Locomía tuviese una maldición para que nunca se recupere".

A sus 55 años, el catalán no se rinde y planea regresar el año que viene a España para relanzar el grupo de una vez por todas: "Digo hoy lo mismo que dije hace treinta años en Ibiza: si quieren matar a Locomía, tendrán que matarme a mí", zanja Xavier.

Llevamos años escuchando su voz en boca de otras actrices, y ahora, a los 84 años, toca decirle adiós. 

Trolls from 4chan's /pol/ board launched a new hoax campaign encouraging "liberal men" to abstain from voting in the upcoming midterm elections.

Pasando en pocos días de “Deberías ver ‘Rick and Morty’” a “Sería una auténtica pena para ti que te perdieras Rick and Morty”, las recomendaciones de Rubén Gollén, un joven de 34 años de Barcelona, para que sus amigos vean su serie de animación favorita han empezado a sonar cada vez más y más amenazantes y peligrosas, según fuentes cercanas.

“No quiero volver a repetirlo pero la gente que sabe lo que le conviene ve ‘Rick and Morty’”, repitió ayer Gollén dejando a sus amigos mirando al suelo y sin saber qué decir.

“Yo solo quiero lo mejor para ti y opino que sería una tragedia que dejaras pasar la oportunidad de ver la serie que te estoy diciendo”, alertó a continuación, detallando que las consecuencias de hacer caso omiso a sus “recomendaciones” podrían ser “nefastas”.

“Hacedme caso, joder. No entiendo por qué no me hacéis caso. ¿Qué he hecho yo para que me faltéis al respeto de esta manera y no veáis ‘Rick and Morty’?”, dijo.

Según las fuentes, Gollén llegó a afirmar que, si pudiera, ataría a sus amigos a un radiador hasta que vieran “toda la puta serie entera”. “Al principio no os gustaría, pero luego estoy seguro de que os iba a volver tan locos como a mí y entonces podríamos hablar de ese tema durante horas y horas y nuestra amistad sería más pura”, concluyó.

ELIZAVILLE, NY—Speculating as to whether or not the social order could ever regain its stability, witnesses confirmed Thursday that the established interpersonal hierarchy at Camp Eagle Hill had been thrown into turmoil by the emergence of a second girl with practical knowledge of the French braid. “This is completely…

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Rosario Álvarez, presidenta do Consello da Cultura Galega e Afonso Eiré, presidente da Fundación A Nosa Terra, explican neste vídeo do Consello da Cultura Galega o recente proxecto de dixitalización dos fondos do emblemático semanario cuxo primeiro número chegou a finais do ano 1977.

• Hemeroteca: A NOSA TERRA

Un libro debulla unha das fugas máis épicas da España franquista. Case trinta persoas asaltaron un pesqueiro no porto de Ares disfrazados de membros da Garda Civil, falanxistas e presos. Chegaron a Francia tras ser rescatados no mar pero acabaron nun campo de concentración.

Dolmen Editorial se enorgullece de reimprimir Bajo el Aire, obra del maestro Osamu Tezuka que regresa a las librerías en una edición de tomo único en rústica con sobrecubierta y un tamaño de 133 x 185 mm. Este volumen de 320 páginas en blanco y negro saldrá a la venta al precio de 9,95€. La anterior edición data de 2008 y salió a un PVP de 8,95€ y que recopilaba los dos volúmenes originales del autor conocido como “Dios del manga”.

El padre de Astroboy recorrió durante su historia profesional en el sector del manga dos caminos distintos. Uno influenciado por Disney y otro mucho más oscuro y adulto. Bajo el Aire es una obra que se incluye en éste último grupo. Un compendio de relatos publicados por primera vez en dos volúmenes entre 1971 y 1972 por la ya extinta editorial japonesa Asahi Sonorama en las que Osamu Tezuka, desde una perspectiva cercana a la ciencia-ficción, nos abre los ojos ante las miserias humanas, desde los inefables crímenes nazis hasta un recorrido por la mendicidad personal. Con esta obra la editorial espera que los lectores de Bajo el Aire descubran la intensa crítica oculta tras las viñetas de estos relatos.

Voluminoso libro de relatos cortos que esconde tras una portada “blandit”, que parece adelantar historias más propias de figuritas de Lladró, una de las reflexiones más contundentes y despiadadas que recuerde sobre el ser humano. En la línea de las magistrales Ayako o MW, el autor se adentra en el lado más oscuro de la mente humana desde una perspectiva aparentemente moralizante, en las que el autor contrapone siempre opuestos, la maldad con la bondad, la honestidad con la corrupción, buscando un contraste del que uno podría esperar un mensaje conciliador, incluso humanista si se quiere.

Podéis echarle un vistazo a nuestra reseña pinchando en el siguiente enlace.

Fuente: Dolmen Editorial

La entrada Dolmen Editorial reimprime Bajo el Aire de Osamu Tezuka aparece primero en Ramen Para Dos.

On Monday, the winners of this year’s Spiel des Jahres (German game of the year) and Kennerspiel des Jahres (connoisseur’s game of the year) will be announced.  As you may or may not recall, I have predicted Azul and Heaven & Ale to be this year’s winners, so we’ll see how that goes – lately, I’ve been thinking the Kennerspiel will probably go to Die Quacksalber von Quedlinburg, but I’m already on record with Heaven & Ale.  And you also may or may not recall that Funkelschatz already won the Kinderspiel des Jahres (children’s game of the year – I predicted Panic Mansion would win).  Before we get there, however, I always like to run through the recommended lists.  These are the games that didn’t quite get a nomination for the top prize, but still warranted special mention.  I’m going to quickly run through the recommended lists for all three awards, and we’ll start with the five Kinderspiel recommendations.

Dino World (Flaminia Brasini/Virginio Gigli/Marco Pranzo, HABA) is a card flicking game with dinosaurs.  Basically, you put a card on top of the box, flick it off, and collect whatever animals it landed on (as long as they’re smaller than your dino).  The player who collected the most wins.  It looks fast and fun, and has some nice dino art.

The Legend of the Wendigo (Christian Lemay, Le Scorpion Masqué/IELLO) is a one vs. all social deduction game, which are two genres not normally aimed at kids.  Basically, there’s a bunch of scout tokens and the Wendigo player has taken the form of one of them.  The Wendigo will be taking scouts off the board at night, and the other players are trying to catch him at it.  Seems like a good game for kids to teach some observation skills, though that theme (disappearing scouts) might be a little dark.

Rhino Hero Super Battle (Scott Frisco/Steven Strumpf, HABA) is basically a supercharged version of the 2011 game Rhino Hero.  In this one, you’ll be stacking cards and trying to move your superhero up, but there are a number of different superheroes and possible levels of the building.  I thoroughly enjoyed the original when I played it, and this seems like it adds more, so it’s one I want to try.

SOS Dino (Ludovic Maublanc/Théo Rivière, LOKI) is a game about saving dinosaurs from advancing lava and meteors.  You’re playing tiles that will advance the lava (or cause a meteor strike), and you’ll be moving dinosaurs around to try to collect eggs and make it to the mountains located in the corners.  There’s a good deal of randomness in the game with the tile draws, but also some strategic thinking as you move around.  Also, cool looking bits.

Speed Colors (Erwan Morin, Lifestyle Boardgames) is a real time coloring game.  Each player gets a black and white card (with color on the flip side).  On the word go, you look at the colored side, memorize what’s there, then color the black and white side.  You’ll score points based on how well you do.  It seems like a silly game with not very much strategy (though you can switch marker tops if you have the low score or even draft cards if you want).  But it looks like a great game for kids.

Now, here are the six recommended titles on the Spiel des Jahres side.

5-Minute Dungeon (Connor Reid, KOSMOS) is a real-time card game in which heroes are attempting to escape the dungeon.  Each player gets a hero, and players have to defeat all monsters in a dungeon before the five minute timer runs out.  Each dungeon has a boss, and you’ll be playing several rounds in a game session, so it will take longer than just five minutes.  I tend to like real-time games, and this one looks good.

Facecards (Leo Colovini, Ravensburger) is all about matching faces.  Every player will have a hand of card from which they will choose two.  One will be played in front of them, and the other will go into a central pool from which others will try to guess the matches.  You want your faces to be matchable so you get points.  It’s a party game, and seems fun enough, though I’m sure I would tire of it quickly.

Majesty: For the Realm (Marc André, Hans im Glück/Z-Man Games) is a game from the designer of Splendor.  It’s basically a set collection game where you’re drafting different characters and using their abilities to gain points.  I’ve played this one, and while there’s nothing spectacularly new about the game, it is pretty good at what it does.

Memoarrr! (Carlo Bartolini, Edition Spielwiese/Stronghold Games) is a memory game where players are pirates.  Each round, you’ll be revealing locations to try to create connections, but if you reveal a location without a connection, you’re out of the round.  Locations do not shift, so each round, you’ll have more and more information.  It seems like a pretty good take on the memory game genre.

Santorini (Gordon Hamilton, Roxley Games) was originally published in 2004, but it’s the recent reprint by Roxley Games that has all the hype.  This is essentially an abstract game where you’re a) putting up buildings in Santorini and b) trying to get your dude to the third floor of one of these buildings.  The Roxley edition introduces special god powers, and is really a very fun game.  Glad to see it getting a recommendation.

Woodlands (Daniel Fehr, Ravensburger) is a simultaneous puzzle solving game where players are trying to lay tiles in order to make it to a goal.  Players are doing this in real-time, and once the round is over, players see how they did by laying a special transparency over their board.  It looks a little like Loony Quest with tiles instead of writing.  I wonder about the long-term replayability, but it does look like a good puzzle.

And now, here are the two recommended titles for the Kennerspiel.

Clank! (Paul Dennen, Renegade Games/Schwerkraft-Verlag) is a deck building dungeon crawl game.  Players are collecting cards as they play, trying to delve and collect artifacts, then get out before the dragon eats them or they get stuck in the depths forever.  It’s not the first deck building game with a board – I think Trains got that honor.  But it also doesn’t feel like a Dominion clone.  This is its own game, and I think it’s a blast.  It won the Spiel des Jesse as my favorite new-to-me game of 2017.

Pioneers (Emanuele Ornella, Queen Games) is a game of expansion across the US.  Players are moving a stagecoach from city to city, building roads and using pioneers based on the needs of the city.  The game looks a little bland to me, but it’s been getting some good buzz.

One final thing to talk about – a special award!

Pandemic Legacy Season 2 (Matt Leacock/Rob Daviau, Z-Man Games) is the inevitable sequel to the massively popular Season 1 that came out in 2015 (and promptly went to #1 on BGG, though it has since been dethroned by Gloomhaven).  These games take the basic system of Pandemic and run them through the Legacy wringer.  In other words, the game evolves through permanent changes to the board and cards from session to session.  The reason for this special award is that the Pandemic system has been nominated three times and has never won – in 2008 for the original Pandemic, in 2011 for Forbidden Island, and in 2016 for Pandemic Season One (that one was for the Kennerspiel).  With Season Two, the jury felt the system really needed a prize, and rather than nominate it again, they just gave it a special prize.  This is the first special prize awarded since 2010, the year before the Kennerspiel began.

And that wraps up my SdJ coverage for this year.  Thanks for reading!

Estos días se están sucediendo multitud de novedades con motivo de la celebración de una nueva edición de la Comic-Con de San Diego, en la cual este año destaca la ausencia de Marvel. Sin embargo, el estudio propiedad de Disney va a eclipsar al resto con una noticia totalmente inesperada: James Gunn ha sido sido despedido de 'Guardianes de la Galaxia Vol. 3' debido a una serie de polémicos tweets que publicó en el pasado hablando de violaciones o pedofilia.

Los que siguieran su cuenta de twitter eran sabedores de hechos como sus duras críticas hacia Donald Trump, pero no ha sido eso lo que ha llevado al estudio a prescindir de sus servicios. Alan Horn ha anunciado esta decisión a través del siguiente comunicado:

[[actualizacion: {"text":"Gunn ha lanzado un comunicado oficial pronunciándose sobre su despido. Lo tenéis traducido al final del artículo"}]]

Las actitudes y declaraciones ofensivas descubiertas en el twitter de James son indefendibles e inconsistentes con los valores del estudio y hemos cortado nuestra relación profesional con él.

Gunn estaba escribiendo actualmente el guion de la tercera entrega de 'Guardianes de la Galaxia, estando previsto que el rodaje arrancase este próximo otoño de cara a su estreno en 2020. Habrá que ver si Marvel mantiene el trabajo que ya haya realizado o decide empezar desde cero, pero obviamente Gunn no está precisamente feliz por su despido. Antes de borrar su cuenta de twitter, le dio tiempo a escribir lo siguiente:

Mucha gente que han seguido mi carrera saben cómo empecé, me veía a mi mismo como un provocador, haciendo películas y contando bromas que eran escandalosas y tabú. Como he discutido públicamente muchas veces, a medida que evolucionaba como persona también lo ha hecho mi trabajo y mi humor.

Recordemos que Gunn dio sus primeros pasos en el mundo del cine de la mano de Troma, la peculiar compañía detrás de títulos como 'El vengador tóxico' o 'Tromeo y Julieta', en cuyo guion participó Gunn. Posteriormente realizó un homenaje a dicho estudio con 'Slither: La plaga', su ópera prima.

El comunicado de James Gunn

Tras lo sucedido, Gunn ha lanzado un comunicado oficial pronunciándose sobre lo sucedido. Os la traduzco a continuación:

Mis palabras de hace casi una década fueron, en su momento, un fallido y desafortunado intento de ser provocador. Lo he lamentado durante muchos años desde entonces, no solamente por ser estúpidos, sino también sin gracia, salvajemente insensibles y ciertamente no provocativos de la forma que esperaba, pero también porque no reflejar la persona que soy hoy y he sido desde hace un tiempo.

A pesar de todo el tiempo que ha pasado, entiendo y acepto las decisiones de negocios tomadas hoy. Incluso todos estos años después, asumo toda la responsabilidad por la forma en la que me comporté entonces. Todo lo que puedo hacer, más allá de ofrecer mis más sinceras y sentidas disculpas, es ser el mejor ser humano que puedo ser: aceptar, comprender y comprometerme a la igualdad y ser mucho más considerado sobre mis declaraciones públicas y mis obligaciones en nuestro discurso público. A todo el mundo en la industria y más allá de ella, mis más sinceras disculpas. Amor a todos.

Imagen | Flickr

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La noticia Disney despide a James Gunn de 'Guardianes de la Galaxia 3' por unos viejos y polémicos tuits fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Bolo Tie, Bola Tie, String Tie, Gaucho Tie, Mono Loop Tie, Emblem Lariat, Neck Rope, Lariat Tie, Cowboy Tie, Western Tie, Thong Tie, Western Bolo Ties, Sport Tie, son casi tantos los nombres que se han utilizado para denominar este accesorio como los candidatos a su invención. Pero lo cierto es que el origen de este elegante complemento es del todo incierto y se difumina en la etérea sombra de las palabras.

Se desconoce el momento exacto en el que la bolo tie apareció como complemento de la historia de la moda masculina y femenina, un accesorio que por algún motivo nunca se elevó a la categoría de joya, un complemento de vestuario que si bien se expandió a lo largo de Estados Unidos nunca ha sido del todo popular, y que sin embargo, no deja de fascinar y sorprender a unos pocos elegidos.

Clint Eastwood luciendo Bolo Tie

Bolo Ties

Un complemento de frontera con espíritu antropológico

El origen de las bolo ties es del todo incierto. Se cuenta que existieron artesanos nativos que trabajaron este tipo de accesorio durante la década de los 40 en Phoenix, Arizona. Existe varias muestras en diferentes museos de Estados Unidos dedicadas exclusivamente a estas piezas, algún que otro libro y multitud de coleccionistas y amantes compulsivos.

Lo cierto es que las bolo ties viven en un continuo duelo a muerte entre lo hortera y lo elegante, una dialéctica de la que es responsable en gran medida el mal gusto del ciudadano medio norteamericano blanco. Aun así, las bolo ties continúan manteniendo un espíritu apache y de frontera que se mezcla con el estilo de vida cowboy, un accesorio que todavía perdura tanto como símbolo de forma de vida así como de tendencia de moda.

Se hace imposible determinar el origen de las bolo ties porque no existe documentación impresa hasta casi mediados de 1950, fecha en la que este accesorio comienza a popularizarse en Estados Unidos a través revistas de moda, periódicos y películas.

Anuncio publicitario en la revista Western Ranchman Outfitters, 1958

Como para otras prendas antropológicas la historia de la Bolo Tie responde a un periodo en el tiempo donde más de una se vieron las caras, y donde se sucedieron múltiples y diferentes episodios que propiciaron el cambio del salvaje oeste a la modernidad.

Ahora forman parte de la moda tanto femenina como masculina, y aunque como accesorio nunca ha sido una pieza mainstream, es constante su aparición e influencia en diferentes estilos como el western o el rockabilly, y en los últimos años se ha convertido también en un recurso recurrente de grandes firmas de moda como Gucci o Armani.

Estilo Teddy Girl Bolo Tie

Dos fábulas sobre el origen de las Bolo Ties

Manny Goodman, un propietario ilustre de una tienda de artesanía de Nuevo México, que tenía el nombre de The Covern Wagon, cuenta que cuando era joven existió alrededor de 1930 una serie de clanes, Los Navajo, Hopi y los Zuni, que usaban piezas para juntar sus pañuelos alrededor de su cuello. Estos utilizaban una pieza de plata que ajustaban a martillazos en forma de pasador para sus pañuelos, una técnica que posteriormente se aplicó a los cordones de cuero.

Bob Dylan con Bolo Tie

Por otro lado existe la versión de Bill Kramer, que dice que fue Victor E. Cedarstaff el inventor de la bolo tie, un trabajador de la plata que vivió en Arixzo durante la década de 1940. La historia narra que este y unos amigos perseguían a un grupo de caballos salvajes cuando al protagonista se le voló repentinamente la pieza que lucía en su sombrero pero seguidamente consiguió recuperarla al vuelo y la colocó alrededor de su cuello para no perderla de nuevo.

Entre la habilidad que había demostrado y la imagen que quedó tras la escena, él con la corbata que sin querer había improvisado colocada en el cuello, sus compañeros no pudieron sino que saltar en asombro y reconocer que aquello le sentaba francamente bien, aquella corbata era estéticamente bonita. Poco tiempo después su autor decidió crear una línea siguiendo el estilo y añadiendo unas puntas y una pieza de ajuste para dar forma a la bolo tie tal y como la conocemos en la actualidad.

Bolo Tie Unicorn Gallery

Atribuciones

Una vez llegamos a la modernidad ya es más sencilla de relatar la historia de este accesorio, por lo menos desde el momento que este elegante corbatín llegó a la gran pantalla de la mano de John Travolta, primero en los 80´s con la película “Urban Cowboy” y después en los 90´s con Pulp Fiction, sin olvidar el empujón que el estilo rockabilly le inyectó en Inglaterra.

De dónde proviene no se sabe, ni tampoco en qué momento pasó a formar parte de la moda masculina ni por qué, ni si su nacimiento fue progresivo o espontáneo. La historia de las bolo ties en la moda se bifurca en diferentes caminos: el de los indios navajos, el de los colonos americanos, vaqueros argentinos y el de los chicos malos del rock and roll, caminos que pretenden autoproclamarse inventores originarios.

John Travolta en Pulp Fiction

Se dice que las Bolo Ties provienen del sudoeste de Estados Unidos y que fueron los indios navajos quienes las inventaron. De ahí los motivos decorativos de su cultura, el uso de piedras de la zona y la plata.

También está quien defiende que las bolo ties son producto de la evolución del uso de scarf slides y corbatas victorianas por parte de las tradiciones pioneras estadounidenses de mediados a fines de 1800.

Otra atribución sostiene que, más allá del oeste americano, los vaqueros argentinos lucieron primero una versión similar del bolo actual. Un corbatín hecho de correas de cuero entrelazadas que llamaban lazo ‘lariat’.

Los británicos también tienen su propia versión llamada ‘bootlace’, una versión que se hizo muy popular entre los ‘Teddy Boys’ durante la década de 1950, quizá la manifestación más europeizada de las bolo ties.

Independientemente de quién la inventó y cuándo lo hizo, lo cierto es que existió un tiempo en el que dos culturas se encontraron en el nuevo continente, un acontecimiento del que ya se conoce el resultado, pero que sin embargo, si se atiende a su letra pequeña, se hace posible imaginar cómo de allí nació un nuevo accesorio que recogía el legado de ambas culturas. Al igual que la camisa western, la bolo tie se configuró como un símbolo de esa unión entre culturas, como un objeto de frontera que lejos de desaparecer continúa destacando por su identidad canalla y elegante.

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FERROL360 | Viernes 20 julio 2018 | 9:24

Entre noticias de subidas de peaje de la AP-9 y demoras y retrasos de los servicios ferroviarios, ya era hora de que Ferrol y su comarca recibieran una buena nueva en el ámbito del transporte y comunicaciones con la ciudad naval. Una buena noticia que nos conecta con las ciudades de Braga y Oporto por menos de diez euros gracias a una nueva línea de autobús.

La firma alemana FlixBus opera desde este jueves en la estación de bus de Ferrol ofreciendo dos viajes diarios a Portugal. Los buses salen a las 6.50 y a las 9.05 horas y tienen como destino Oporto. En el trayecto, que tiene cinco paradas en total, los viajeros se podrán bajar en Braga que cuenta con dos paradas. Otra de las paradas, que seguro será muy solicitada, es la del Aeroporto Sá Carneiro.

El viaje hasta Braga es de 5.55 horas y el de Oporto de 6.45 horas. El precio en ambos casos es de 9,99 euros, pero ojo, que puede variar dependiendo de la antelación con la que compremos el billete. Los buses cuentan con wifi gratuito y cargadores para dispositivos electrónicos.

Un punto importante a tener en cuenta es que este bus solo nos conecta con las ciudades del norte de Portugal. Así que si te estás frotando las manos pensando en que tu próximo viaje a Vigo o Pontevedra te va a salir por menos de diez euros, olvídalo. Los viajeros no podrán bajarse en ninguna de las estaciones gallegas, ya que la normativa solo permite a una empresa operar una línea regional o nacional.

No oriente da Galiza, a pronúncia dos plurais das palavras em OM, AM ou ÃO estám mais próximos de como som representados graficamente no português, como nos explica Marcos Saavedra, de Ribadeu.

O pleno suprime os recoñecementos recibidos durante a ditadura por nove ministros do réxime fascista. A proposta inclúe a designación de seis rúas da cidade con nomes de mulleres e designa rexedor de honra o político galeguista asasinado tras o golpe de Estado de 1936. 

And some other stuff…

1910

THE END

El Arzobispado de Sevilla ha manifestado su absoluto respeto a la Ley de Memoria Histórica por la polémica que se ha generado en torno a los restos del General Queipo de Llano, enterrados en la Basílica de la Macarena. Esta es la cronología de los hechos. 

Queipo de Llano, el militar que acabó con la Guerra en Sevilla

En 1951, cuando el general Queipo de Llano falleció, la Macarena decidió otorgarle un sitio de honor en la recién estrenada basílica. Lo hizo en agradecimiento a los múltiples logros que la popular hermandad sevillana había conseguido a través de la ayuda prestada por el militar golpista. Sin embargo, por aquel entonces, no se podrían ni imaginar los quebraderos de cabeza que, décadas más tarde, les iba a acarrear éste enterramiento.

Gonzalo Queipo de Llano, popularmente conocido por ser quien frenó la Guerra Civil en Sevilla, promovió múltiples acciones en favor de la Iglesia. Entre ellas, la construcción de templos como el de San Gonzalo, o Santa Genoveva. Fue un macareno confeso y alcanzó el título de “Hermano Mayor Honorario”, numerosas veces insistió en que quería que sus restos depositaran cerca de la Virgen de la Esperanza. Y así fue, en el clamor de multitudes que supuso su funeral a principios de la década de los 50. La capital de Andalucía lo despidió como a un hijo predilecto.

La llegada de la Ley de Memoria Histórica

Pero con el paso de los años y el fin de la dictadura, la figura de Queipo se fue deteriorando. Muchos le acusaron de ser uno de los gobernantes más represivos al término de la guerra y con la llegada de la polémica Ley de Memoria Histórica, como era de esperar, sus restos mortales no han dejado de estar en el ojo del huracán.

Esta semana se ha agudizado el asunto después de que El País diese una información falsa en la que, supuestamente, el Hermano Mayor de la Macarena afirmaba la posición favorable de la Hermandad para el traslado de los restos mortales. Días más tarde, en un comunicado oficial, la Macarena desmentía al diario de tirada nacional asegurando que Fernandez Cabrero (El Hermano Mayor) había afirmado que no se descartaba la exhumación de los cuerpos de Queipo y su mujer, pero para trasladarlos a un columbario que está previsto que se construya dentro del mismo recinto.

Acciones legales contra la Hermandad, el Arzobispado y la Junta

Aún así, la entidad Organizaciones Republicanas ‘Andalucía Republicana’ anunció ayer miércoles el inicio de acciones legales contra la junta de gobierno de la Hermandad y el Arzobispado de Sevilla por “incumplir” la citada Ley. Es más, también se querellarán con la Junta de Andalucía por no forzar el cumplimiento de la normativa. Además se han llevado a cabo numerosas protestas públicas frente a la basílica de la calle Hermanos Bequer y frente al palacio arzobispal, en la plaza Virgen de los Reyes.

Por ello, la Archidiócesis, a través de Europa Press ha querido mostrar su respeto hacia la legalidad y las decisiones que se tomen en torno a esta cuestión. Fuentes del Arzobispado, dirigido por Juan José Asenjo, han confirmado que se mantendrán al margen con el traslado de los restos, respetando así tanto la Ley de Memoria Histórica como las decisiones de la Hermandad.

El Comunicado de la Macarena

En el comunicado citado anteriormente, la Hermandad reiteró su compromiso a cumplir la legalidad vigente, “el único punto de partida para cualquiera de sus actuaciones”. Además aseguró no haber tomado todavía ninguna decisión sobre el enterramiento de Queipo, ya que aún no se ha decidido cuándo comenzarán las obras para la construcción del columbario ni se ha llegado a un acuerdo con los familiares del fallecido.

Todo esto se produce en clímax paralelo de tensión entre Madrid y Sevilla, ya que en la capital de España se cuentan los días para que los restos de Francisco Franco sean retirados del Valle de los Caídos, en contra de la voluntad de los nietos y con el beneplácito del cardenal Osoro. De hecho, la postura de la Iglesia local en ambos casos es, cuanto menos, parecida.

Los acuerdos entre el Estado español y la Iglesia

Cabe recordar que tanto el Valle como la Macarena son lugares de culto y desde el año 1979, cuando se firman los Acuerdos entre el Estado español y la Santa Sede, han de ser respetados por su inviolabilidad. Así lo especifican los puntos 5 y 6 del Artículo 1, que dicen lo siguiente:

• 5. “Los lugares de culto tienen garantizada su inviolabilidad con arreglo a las Leyes.No podrán ser demolidos sin ser previamente privados de su carácter sagrado. En caso de su expropiación forzosa será antes oída la Autoridad Eclesiástica competente”.

• 6. “El Estado respeta y protege la inviolabilidad de los archivos, registros y demás documentos pertenecientes a la Conferencia Episcopal Española, a las Curias Episcopales, a las Curias de 1os Superiores Mayores de las Órdenes y Congregaciones religiosas, a las Parroquias y a otras Instituciones y Entidades eclesiásticas”.

Por lo tanto, la Iglesia podría jugar una baza fundamental para que los cuerpos de Francisco Franco y Queipo de Llano permanezcan en sus tumbas y sean respetados. Aunque todo apunta a que, con su papel neutral, favorecerá a que se cumpla la petición y voluntad de la izquierda española más radical y revanchista.

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Este fin de semana nos llegaba, totalmente por sorpresa, que la pareja más cuqui del mundo del cómic, la que forman Noelle Stevenson y Molly Ostertag, había decidido dar un paso más en su relación y formalizar su compromiso de la única manera que saben, siendo superhipermegaadorables. My whole heart pic.twitter.com/qdFjYB9Azr — Molly Knox Ostertag […]

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Hace más o menos un año nos enterábamos de que Netflix había comprado Millarworld, el sello editorial/marca bajo el cual Mark Millar, el creador de 'Kick-Ass' y 'Kingsman' entre otros, publicaba sus cómics. Muchos de los cuales han tenido exitosas adaptaciones. Desde entonces nada sabíamos sobre adaptaciones... hasta ahora.

Y es que Netflix acaba de anunciar, en la víspera de la Comic-Con, por cierto, que va a realizar nada menos que cinco adaptaciones de los cómics de Mark Millar, desgranados en dos series y tres películas.

Quizá el proyecto con más renombre sea el de 'Jupiter's Legacy' una historia que enfrenta la gloriosa primera generación de superhéroes con la actual: los hijos de aquellos que luchan por sobrevivir a la leyenda de sus padres. El cómic, dibujado por Frank Quitely, será adaptado en una serie de ocho episodios con Steven S. DeKnight (responsable de 'Daredevil') sirviendo de showrunner.

Dos episodios menos tendrá 'American Jesus' (el cómic se editó originalmente como 'Chosen'), una serie bilingüe (español e inglés) adaptada por Everardo y Leopoldo Gout ('Molly's Game'). 'American Jesus' sigue a un joven de doce años que tras un terrible accidente descubre que es la reencarnación de Jesucristo.

En el lado cinematográfico tenemos tres películas. La primera es 'Huck' una especie de "copia" (bueno, Millar trabaja siempre con copias con las que hacer sus cosas) de Superman en la que un hombre de ciudad pequeña/pueblo empieza a hacer buenas acciones con sus superpoderes. Ted Melfi ('Figuras ocultas') se encargará de su dirección.

Lindsey Beer ('Godzilla vs. Kong') se encargará de firmar la adaptación de 'Empress', cómic que gira en torno a la esposa de un dictador galáctico que decide escapar de su marido. Por último tenemos la adaptación de 'Sharkey the Bounty Hunter', un cómic que todavía no se ha publicado y que editará Netflix en los próximos meses. Michael Bacall adaptará la historia de un cazarrecompensas y su socio de diez años que navegarán por toda la galaxia en busca de la mayor recompensa de su carrera.

La verdad es que, teniendo en cuenta que a lo largo de su carrera Mark Millar ha sido capaz de vender los derechos de una gran parte de su bibliografía, no me esperaba un plan menos ambicioso que estas cinco adaptaciones. Eso sí, me ha extrañado mucho que no hayan comenzado con 'The magic order', el primer cómic que ha realizado el guionista para la compañía. Pero no podemos negar que la primera hornada tiene muy buena pinta.

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