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Una maravillosa sesión de fotos con la gran Divine en el camerino de The Neon Woman, la obra en la que hacía de propietaria de un local de strippers

En 1978 la gran Divine actuó en la obra The Neon Woman at the Nightclub en un club neoyorquino llamado Hurrah en Manhattan. El Hurrah se haría famoso además por ser el lugar elegido por David Bowie para rodar su video musical «Fashion», así como por ser el club en que un encolerizado Sid Vicious se enfrentó a puñetazos con Todd Smith, hermano de Patti Smith (la pelea terminó con Sid internado un par de meses). The Neon Woman at the Nightclub estaba dirigida por Ron Link y Divine hacía de Flash Storm, propietaria de un club de strippers. Fue todo un éxito y se representó en 84 ocasiones, desde el 16 de abril hasta el 15 de julio de 1978. Divine fue retratada antes de una de sus representaciones.

[Vía Flashbak]

La serie de Netflix Narcos: México narra la creación del cartel de Guadalajara. Después de que las primeras tres temporadas retrataran el tráfico de cocaína de los carteles colombianos de Cali y Medellín, ahora la historia se centra en México. Narcos: México (que se ha estrenado mundialmente el 16 de noviembre) aborda la historia del que hace 40 años sentó los cimientos del narcotráfico mexicano. A lo largo de esta cuarta temporada se entrelazan las historias de los jefes del cartel de Guadalajara en la década de los ochenta: Miguel Ángel Félix Gallardo, Rafael Caro Quintero, Ernesto Fonseca y Amado Carrillo Fuentes. Pero también del trabajo de la Administración para el Control de Drogas (DEA) en México, incluyendo la historia del agente Kiki Camarena.

La semificción permite como dijo Diego Luna (protagonista de la serie) a EL PAÍS: “Comprender de dónde vienen los niveles de violencia que vivimos [los mexicanos]...”. En Verne ya hemos contado quién es quién en Narcos: México, pero la serie no es un documental, sino una ficción inspirada en hecho reales. Por eso, al verla, surgen muchas dudas. Como mexicana residente en España, muchas personas cercanas a mí me han hecho llegar sus preguntas tras verla. Conozco bien la historia del cartel de Guadalajara, pero, también he tenido que recurrir a hemerotecas, libros especializados, documentales y periodistas que ejercían en la época para poder responderlas. El texto a continuación contiene spoilers, claro, puesto que una de las series de moda tiene mucho de realidad.

1. ¿Es real el secuestro de Rafael Caro Quintero a Sara Conesa?

Las preguntas sobre esta relación son las que más he recibido. En Narcos: México, Rafael Caro Quintero se enamora de una mujer llamada Sara Conesa, cuyo nombre real fue Sara Cosío. En 1984, el padre de Cosío era ministro de educación de Jalisco y su tío era Guillermo Cosío, exgobernador del Estado. Existen varias versiones sobre si de verdad había un romance entre el narcotraficante y Cosío. En su libro Mexican Postcards, el periodista mexicano Carlos Monsivais afirma que la pareja tenía una tórrida relación. Monsivais transcribe una carta que demuestra que la obsesión de Caro Quintero sí era correspondida por Cosío, aunque la familia sostiene que fue secuestrada y, de hecho, denunció lo ocurrido. Una de las versiones defiende que la aprehensión de Caro Quintero en Costa Rica fue justamente gracias a que Cosío llamó a su familia para decirles que se encontraba bien.

 2. ¿Por qué hay tantos narcotraficantes de Sinaloa?

El Chapo Guzmán, Miguel Ángel Félix Gallardo, Rafael Caro Quintero, Ernesto Fonseca, Amado Carrillo Fuentes e Ismael El Mayo Zambada y Luis El Güero Palma son algunos de los narcotraficantes sinaloenses más conocidos. ¿Por qué Sinaloa? No existe una respuesta rotunda, pero la geografía del Estado tiene que ver con la proliferación del narcotráfico. Sinaloa está ubicado en el noroeste de México, colinda con los Estados de Durango, Sonora y Chihuahua (estos últimos dos tienen frontera con Estados Unidos) y posee casi 600 kilómetros de costa. Históricamente, la sierra que se encuentra en las zonas de Sinaloa, Durango y Chihuahua es conocida como el Triángulo dorado. Allí, el clima permite el cultivo de la marihuana y su accidentada geografía la hace una zona de difícil acceso para los servicios antidroga. Los narcotraficantes han usado la poca accesibilidad para construir fincas de cultivo, pero también cientos de pistas de aterrizaje clandestinas.

Pero en el Triángulo dorado no solo crece cannabis, también la amapola. Según los testimonios recabados por Jorge Hernández, Guillermo Ospina y Martin Jelsma en el reporte Amapola, opio y heroína, la planta fue introducida en el campo mexicano por los chinos durante principios del siglo XIX. Cuando se inició el cultivo en el Triángulo dorado, no existía una prohibición al opio o heroína. Según el libro A Narco History: How the United States and Mexico Jointly Created the Mexican Drug War escrito por Carmen Boullosa y el historiador Mike Wallace, durante la Segunda Guerra Mundial se cortó el suministro de goma (la savia de la amapola) que provenía de Turquía y Marruecos a Estados Unidos. Para Boullosa y Wallace el cultivo de la amapola prosperó en la zona para obtener el opio, necesario para manufacturar la morfina, un medicamento con mucha demanda en tiempos de guerra. El cultivo y tráfico no se han interrumpido desde entonces y, según la ONU, México es el proveedor número uno de heroína en EE UU.

3. ¿Los narcotraficantes mexicanos conocieron a los colombianos?

No hay pruebas de su encuentro físico, pero la expansión de las actividades del cártel de Guadalajara al tráfico de cocaína y las acusaciones de la DEA en su contra confirman los negocios con los colombianos. La red de tráfico que montó Miguel Ángel Félix Gallardo se conoce como “el primer cartel organizado en México”. Antes de estar acusado de algún delito, Félix Gallardo viajó a Colombia, anécdota que contó de primera mano a través de sus diarios publicados en una web en 2009. La página, que ya no existe fue investigada y analizada por el periodista mexicano Diego Osorno para la revista Gatopardo, la cual publicó las Memorias de un capo. Los diarios son parte del material que ha inspirado el guión de la semificción de Netflix.

Otra pista importante es el personaje femenino con más peso en la serie: Isabella Bautista. El nombre, aunque ficticio, hace alusión a una mujer real llamada Sandra Ávila Beltrán. Las autoridades mexicanas y la DEA la consideraron como pieza clave en el trasiego de cocaína a través de la zona marítima de Colombia a Estados Unidos. Ella es sobrina de Félix Gallardo y estuvo casada con un narcotraficante colombiano llamado Juan Diego Espinoza. Conocido como El Tigre, Espinoza era uno de los líderes del cartel colombiano del Valle del Norte y operaba en México. Ávila es conocida como la Reina del Pacífico y su historia guarda semejanzas con la mujer de la que se habla en el narcocorrido Reina de reinas de Los Tigres del Norte. La canción fue inspiración de la novela de Arturo Pérez-Reverte, La reina del sur. Pérez-Reverte y Ávila han negado rotundamente haberse conocido y el autor dice que no sabía de la vida de Ávila cuando escribió el libro.

 4. ¿Miguel Ángel Félix Gallardo realmente operaba el cartel desde un hotel?

Imposible saberlo, pero lo que sí se sabe es que para lavar el dinero proveniente del narcotráfico los capos hacen inversiones en bienes inmobiliarios y hostelería. A Félix Gallardo se le incautaron más de 200 propiedades cuando se le arrestó. Según el Departamento del Tesoro estadounidense varios hoteles eran propiedad de Félix Gallardo. En el caso de Caro Quintero, sus hijos aún operan negocios de hostelería y hacen inversiones en hoteles boutique en playas remotas del pacífico jalisciense.

5. ¿Existió la DFS?

La Dirección Federal de Seguridad (DFS) mencionada en Narcos: México sí existió. La DFS estuvo involucrada en la matanza de Tlatelolco en 1968, espió a gente que era de interés para el gobierno mexicano y realizó labores de combate al narcotráfico. La DFS fue disuelta en 1985 tras el asesinato del Kiki Camarena, el agente de la DEA que aniquiló el cártel de Guadalajara. Actualmente existe el Centro de Investigación y Seguridad Nacional (Cisen) en cuya página web admite que la DFS fue la agencia que le precedió en labores. El Cisen es una dependencia gubernamental que afirma no realizar labores de espionaje sino “generar inteligencia táctica que permita preservar el estado de derecho”. El presidente mexicano electo, Andrés Manuel López Obrador, ha dicho que desaparecerá el Cisen durante su mandato.

6. ¿Los narcos viven con tanto lujo como se ve en la serie?

En las versiones oficiales podemos encontrar las propiedades que les fueron confiscadas en el momento a  Félix Gallardo,Caro Quintero,  Fonseca y Ávila Beltrán. Félix Gallardo por ejemplo, poseía más de 20 casas en todo México, fincas, incluída una de 3.800 metros cuadrados en Guadalajara, 11 caballos, 15 motocicletas, un tractor, 27 coches y un avión. Todas sus propiedades le fueron devueltas en 2003 tras 15 años de litigio, pero Félix Gallardo continúa preso, cumpliendo una pena impuesta de 40 años.

Este 27 de noviembre de 2018, durante el juicio a El Chapo Guzmán en Nueva York, colaboradores del narco enumeraron bajo juramento sus lujos: relojes incrustados de diamantes, viajes a Suiza para someterse a tratamientos de rejuvenecimiento, casas en distintas playas mexicanas, yates, ranchos con canchas de tenis y piscinas e incluso un zoológico con cocodrilos y panteras.

7. ¿Quién es Malverde?

Jesús Malverde es el santo cuyo culto se asocia a los narcotraficantes. La iglesia católica no lo reconoce como un santo oficial, pero para algunas personas en es tan importante como la virgen de Guadalupe, patrona de México a la que se le atribuye un milagro. La leyenda cuenta que Malverde era un ladrón que nació en Sinaloa a principios del siglo XX y que fue ejecutado. Malverde se hizo el patrón de los maleantes porque era una especie de Robin Hood y cada 3 de mayo se le celebra. Durante el juicio a El Chapo Guzmán en noviembre de 2018 se encontró una figura de Malverde en el juzgado neoyorquino.

8. ¿Los narcocorridos están inspirado en los narcos o ellos pagan por que se los compongan?

Lo primero es explicar qué es un narcocorrido: canciones que narran las vidas y usos y costumbres de los narcotraficantes. Una de los narcocorridos más famosos es el Jefe de jefes, supuestamente inspirado en Miguel Ángel Félix Gallardo. También se especula que Sandra Ávila Beltrán es mencionada en Fiesta en la Sierra; este tema habla de una celebración organizada por el cártel de Guadalajara. El hijo de Miguel Ángel Félix Gallardo, le dijo al periodista Diego Enrique Osorno que a su padre no le gusta la canción Jefe de Jefes.

En todo México está prohibido emitir por la radio los narcocorridos y en Sinaloa y Chihuahua no está permitido que las bandas los interpreten en conciertos. Las bandas que interpretan este género, como Los Tucanes de Tijuana, protestaron la prohibición diciendo: “Nosotros no tenemos la culpa de que el país esté como esté, somos entretenimiento, nuestra intención siempre ha sido complacer al público”. Los Tigres del Norte fueron multados en 2017 por interpretar narcocorridos en Chihuahua, la banda sinaloense tuvo que pagar 25.000 dólares por interpretar Jefe de Jefes en un palenque.

El “Dragoncito” del sur de la Sierra Madre Oriental es una especie endémica de México. Es un lagarto de cuerpo escamoso perteneciente al subgénero Abronia, que definen a un grupo de especies que viven en los bosques. Una fotografía de un ejemplar publicada en Reddit alcanzó más de 127.000 vistas y ha recibido más de 1.300 comentarios tras las primeras 24 horas de su publicación.

El ejemplar de la fotografía es una lagartija arborícola de la especie Graminea de color azul turquesa que vive en los Estados de Puebla y Veracruz. La mayor parte de estos lagartos son de color verde, aunque existen de color turquesa en su hábitat natural, según explica a Verne Natalia Fierro, del laboratorio de Herpetología del Instituto de Biología de la UNAM. “Las gramineas de este color son muy llamativas, sus escamas tienen una coloración que va del amarillo verdoso al turquesa”, comenta vía telefónica.

Sin embargo, es poco común encontrar ejemplares de este color, que se produce por su alimentación. “Es una alimentación muy específica que les proporciona esta coloración”, dice la investigadora. “Aún no se sabe a qué se debe, pero cuando son llevados a cautiverio pierden la tonalidad azul y se vuelven opacos”, señala.

Al ser tan llamativos, esta especie se encuentra en peligro de extinción. La Abronia Graminea se añadió a la lista roja de especies amenazadas de la Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza desde marzo de 2007. Conocido como “dragoncito” del sur de la Sierra Madre Oriental, esta especie está amenazada de dos formas. En primer lugar, la aniquilación por personas que creen que es peligrosa. “Muchas personas creen que son venenosas por su color azul y por su lengua negra, pero no representan ningún peligro”, dice Fierro.

Por otro lado, existe una red de comercio ilegal de Abronias Gramineas entre México y Europa. En 2016, cuatro ejemplares fueron recuperados por la Procuraduría Federal de Protección al Medio Ambiente (Profepa) en el Aeropuerto de Colonia (Alemania). “Se llegan a pagar hasta 300 euros (unos 7.000 pesos mexicanos) por un ejemplar”, detalla Fierro. La autoridad ambiental ha señalado que entre 2005 y 2017 se aseguraron 97 ejemplares, aunque no existe un número preciso de cuántas lagartijas pudieron ser vendidas de modo ilegal dentro o fuera del país.

Aunque estos animales pueden vivir en cautiverio, la especialista de la UNAM recomienda no comprar este tipo de especie, porque además de que pierden su coloración, se pone en riesgo la supervivencia. “No son mascotas y es muy complicado mantenerlos vivos”, detalla Fierro.

El juicio en la Audiencia de Pontevedra contra el narcotraficante José Ramón Prado Bugallo, Sito Milñanco, ha quedado este viernes visto para sentencia en medio de las críticas de los abogados defensores por la falta de pruebas de acusación. Mientras los seis letrados han puesto en evidencia las contradicciones de los peritos de Hacienda para desinflar los argumentos del fiscal, este ha mantenido la acusación por blanqueo y la petición de seis años de condena para Miñanco, tres familiares y un constructor, aunque admitiendo algunos errores en las pruebas periciales sobre la tasación del patrimonio valorado en diez millones de euros. El abogado del narco ha acusado al ministerio público de querer "condenar al mito" con un "guion televisivo", en alusión a la serie Fariña.

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La mujer fue a comprar una prenda de la que no había talla

• In the 1940s, William Herbert Sheldon, Jr. invented somatotypes to differentiate male bodies.
• Understanding your physical composition can help you choose a workout plan and diet.
• There is variation between heights and muscle composition, so fine-tuning is necessary.

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Yesterday morning I was discussing body types with my workout partner. I mentioned what it would take for me to put on mass—quite a lot. At 6'3", I've weighed roughly 175 pounds for 25 years. In somatotype terminology, I'm a classic ectomorph: tall and ropey, with broad shoulders (fortunately) and thin legs (unfortunately). My friend is a standard mesomorph, so it's easier for him to put on mass, though a double-edge sword as that mass can go to his center if he's not mindful of his diet.

Psychologist William Herbert Sheldon, Jr. dreamed up somatotypes in the 1940s to differentiate male body types. He also stereotyped each somatotype with psychological qualities that didn't reflect reality in any way, making him a minor laughing stock on the psychology scene. Yet his body typing system remains influential, and for good reason: look around.

With so much emphasis on female bodies in the media, we sometimes forget that males have body issues too. Given the number of men I regularly see pulling up their shirts to stare at their abs in the gym, how they look is of utmost importance. And if they want to optimize their workout and diet, each one has to come to terms with their genetics.

Endomorphs are short and stocky, making it easy for them to put on muscle yet challenging to keep off fat. Mesomorphs are the average of averages, in the 5'9" to 6'0" range that can be bulkier or leaner. Finally, ectomorphs are the gangliest of the bunch, though, as with all types, categorization is not destiny; we can bulk up with some work or tone with plenty of lean muscle.

Within each type, Sheldon scored on a one-to-seven scale; it's quite possible to be short and thin (like many world-class marathon runners) or tall and bulky (NBA and NFL players). Understanding what you're best suited (or not suited) for helps you devise a plan of action.

Endomorphs

According to the trio at Bony to Beastly, short guys are built to throw weights around: lift them above your head, push them away from you, swing them in circles. Denser bone structure supports higher loads, as in bench pressing and squatting. By design, weights are to your advantage, with shorter lever lengths and explosive force coming from thicker musculature:

An endomorph's muscles respond well to lifting too. According to the research of Dr. Casey Butts, guys with thicker bones are able to build muscle far more easily than those with narrower bones, and ultimately become far more muscular.

By contrast, cardio is tougher; the added density creates more impact force when running. Of course, this would not affect them as much when cycling or swimming, and everyone needs to get their V02 max levels in order.

On the dietary front, BTB recommends foods rich in micronutrients while low in calories. Junk food is not your friend—but really, beyond occasional satiety, when is it?

Mesomorphs

Average height has advantages, such as a tendency to be constructed with leaner middles and better muscle composition. They're also more coordinated than guys shorter or taller then them. As can be expected, recommended workouts and diet is, well, average. You can pretty much go anywhere with it.

If they want to get leaner, they'll want to eat more like an endomorph, but may need to be more wary of losing muscle mass. If they want to get stronger, they'll want to eat more like an ectomorph, but may need to be more wary of gaining fat.

Common sense. They also recommend a 40-30-30 macronutrient guideline, which is the basis of The Zone diet, and where did Barry Sears get us? The problem with diets in general tend to be less on what food we're consuming and more on what time (and how often) we're eating. The median timeline for the majority of Americans is 14.75 hours, meaning they eat pretty much from waking to sleeping. That is not a good approach for any type. Of all the types, however, mesomorphs seem most flexible.

Ectomorphs

Apparently, however, the tallest among us have the least problems keeping weight off—though, as BTB notes, there are plenty of overweight taller people. They advocate for 50-60 percent of calories from carbs, though as I've written about extensively, lowering my carb intake cleared up many long-standing problems. I'm not a fan of gorging junk food, the following makes a bit of sense, given how many shorter people I've known that eat very little and still cannot lose weight:

Because of our smaller appetites, rampaging metabolisms, higher carb tolerance, and higher calorie tolerance, we don't need to focus as much on restricting junk food as the other body types. It helps to think about eating more good stuff, not less bad stuff. Otherwise, it's going to be too hard eat enough to grow bigger, stronger muscles and denser, sturdier bones.

Finally, workouts: big cardio fans they are. Again, you have to look big picture—longer lever lengths make joints less stable. I've torn my labrum a few times and have had one knee surgery thanks to running. I generally stick to cycling and HIIT now, along with rowing and the assault bike. Bulking up, well…

While our hearts are strong, our bones and muscles are not. While we can quite literally run a wildebeest into the ground, we may have quite a lot of trouble picking it up afterwards.

To be clear, strength is subjective as well. Are you strong enough to pick yourself up off the ground? Can you move objects pain-free? While a fan of throwing kettlebells around, we also need to stay focused on the goal: living a healthy life. Loading is essential for your bones and muscles, especially as you age, though it's not the final marker of health. How heavy isn't the real issue. Sometimes "some" is an appropriate response.

Yet being realistic is important. Goals are important, but if you're overly ambitious and unrealistic as to your type you're only going to be disappointed. Instead of focusing on what's not going to happen, start where you are and see what's possible. A good roadmap is handy, but it's never the territory.

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You may remember, in the run-up to the theatrical release of Blade Runner 2049 last October, that three short prequels appeared on the internet. Black Out 2022 (above), the most discussed installment of that miniature trilogy, stood out both aesthetically and culturally: directed by famed Japanese animator Shinichiro Watanabe, it expanded the reality of Blade Runner through a form that has drawn so much from that universe over the previous 35 years. "I just want an animated bladerunner series now," says the current top-rated comment below that video, "this was magical." And so, a year later, the answer to the prayer of that commenter (and clearly many other viewers besides) has appeared on the horizon: a Japanese animated series called Blade Runner — Black Lotus.

Overseen by Watanabe in the producer role and directed by Kenji Kamiyama and Shinji Aramaki, the latter of whom worked in the art department on Black Out 2022, the new series will take place in 2032, between the events of the short and those of Blade Runner 2049.

"It will also include some 'established characters' from the Blade Runner universe, but that could mean all sorts of things," writes The A.V. Club's Sam Barsanti. "Harrison Ford’s Rick Deckard would already be in hiding at that point after fathering the miracle replicant baby, so it could be about him going off on some cool guy adventures, but Deckard doesn’t exactly seem like a guy who goes on cool guy adventures. Ryan Gosling’s K probably wasn’t 'born' yet, since he’s a Nexus-9 replicant and those weren’t created until later in the 2030s, but we don’t know for sure."

Perhaps supporting characters from both movies, "like Edward James Olmos’ Gaff (he might still be an LAPD cop) or Jared Leto’s Niander Wallace (he’s definitely hanging around, being an evil rich guy)," will show up. Whatever happens, the thirteen episodes of Blade Runner — Black Lotus will certainly have no small amount of both familiarity and surprise in store for fans of Blade Runner, as well as those of Watanabe's other work. That goes especially for his philosophical space bounty-hunter series Cowboy Bebop, itself the source material for a new live-action television series on Adult Swim, who will air Blade Runner — Black Lotus at the same time as it's streamed on anime site Crunchyroll.com. No release date has thus far been announced, but odds are the show's debut will happen some time in 2019 — the perfect year for it, as everyone thrilling to the prospect of more Blade Runner already knows.

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The Existential Philosophy of Cowboy Bebop, the Cult Japanese Anime Series, Explored in a Thoughtful Video Essay

“The Long Tomorrow”: Discover Mœbius’ Hard-Boiled Detective Comic That Inspired Blade Runner (1975)

When Japan’s Top Animators Made a Thrilling Cyberpunk Commercial for Irish Beer: Watch Last Orders (1997)

Based in Seoul, Colin Marshall writes and broadcasts on cities, language, and culture. His projects include the book The Stateless City: a Walk through 21st-Century Los Angeles and the video series The City in Cinema. Follow him on Twitter at @colinmarshall or on Facebook.

<i>Blade Runner</i> Getting Adapted into a New Anime Series, Produced by <i>Cowboy Bebop</i> Animator Shinichiro Watanabe is a post from: Open Culture. Follow us on Facebook, Twitter, and Google Plus, or get our Daily Email. And don't miss our big collections of Free Online Courses, Free Online Movies, Free eBooks, Free Audio Books, Free Foreign Language Lessons, and MOOCs.

El shawarma (en árabe) o döner kebab (en turco) es un gran invento de la comida rápida. Y como tantos grandes inventos de la comida rápida, tiene dos versiones: la buena, que respeta el espíritu de la fórmula original y se elabora con ingredientes dignos, y la cutre, que se pasa todo eso por el forro para convertirse en un rancho indigesto fabricado en serie. A la pizza, la hamburguesa o los tacos les pasa más o menos lo mismo, y en vez de menospreciarlos, quizá sea más inteligente aprender a detectar las señales que emiten los locales que los preparan bien y apostar por ellos.

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Aprovechando el inminente estreno de Suspiria, el remake del director Luca Guadagnino del clásico de Dario Argento, es un buen momento para dedicar un especial sobre el giallo: en él intentaremos descifrar una escisión del cine de terror que gracias a sus excesos formales y su ruptura de tabúes redefinió el ecosistema del cine de terror a lo largo y ancho de la cinematografía mundial.

¿Qué es el giallo?¿Qué entendemos por cine giallo? Es difícil reducir y encasillar una infinidad de obras, géneros y autores en una misma definición que describa y englobe la ingente producción que arrancó a finales de los años sesenta, explosionó durante los setenta, cayó en desgracia en los ochenta y que a día de hoy su legado y sus alargadas y cromáticas formas pueden ser descubiertas en cineastas contemporáneos como Darren Aronofsky, Peter Strickland, Satoshi Kon o Carlos Vermut. Si nos atenemos a los orígenes del nombre del género, habría que decir que el término giallo -amarillo en italiano- proviene del color de las portadas de una colección de novelas de misterio en formato bolsillo publicadas por la editorial Arnoldo Mondatore Editore a partir de 1929 en Italia y que comenzó su andadura traduciendo al italiano las novelas de Arthur Conan Doyle, Agatha Christie o John Dickson Carr entre otros.




Para diferenciar sus publicaciones del resto de competidores, se decidió que las portadas destacaran por su intenso color amarillo. Más adelante, estas novelas comenzarían a publicar material original de autores italianos. Un ejemplo de esto sería la que vendría a ser la precursora del giallo: La strana morte del signor Benson (1926) de S.S. Van Dine. Curiosamente, aunque las novelas giallo incluyeran dentro de sus publicaciones relatos policíacos, de misterio, hard boiled y relatos de psicópatas que perseguían a bellas mujeres y eran investigados no por las fuerzas del orden, sino por civiles testigos de sus cruentos actos, fueran este último tipo de relatos los que acabarían conformando los elementos del giallo cinematográfico. Aunque la multiplicidad de géneros que se fueron entremezclando a lo largo de la historia del género también puede entenderse como una evolución y traslación del espíritu de la colección de novelas de bolsillo a la pantalla.

Es importante también destacar, para entender el contexto en el que se mueven las obras y los personajes del cine giallo -ambientes aristocráticos, burgueses, vidas de ocio y banalidad- como un reflejo de lo que se denominó, durante los años cincuenta y sesenta, el milagro económico italiano. Este milagro trajo consecuencias de distinto signo para el país: el aumento de inversión en Italia y el traslado de la población rural a las urbes y las periferias de las mismas -para nutrir de mano de obra las nuevas fábricas- conllevó la superpoblación de las mismas, un elemento perfectamente reconocible en El desierto rojo (1964) de Michelangelo Antonioni.

Por otra parte, la llegada de la sociedad de consumo a una población que venía de la austeridad provocada por las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial y los castigos de los aliados dieron paso a un cambio abrupto donde los consumidores inexpertos eran abrumados por la cantidad de productos publicitados de la era moderna, baratos y variados, como automóviles, televisores y lavadoras. Pero centrándonos en lo que aquí importa, que es el giallo cinematográfico, ¿cuándo, quién y qué obra podría ser considerada la iniciadora y precursora del género?. 1962, Mario Bava y La muchacha que sabía demasiado.

Mario Bava: Del expresionismo al cromatismo

Aunque La muchacha que sabía demasiado pueda considerarse la película que inició el género, no era el primer trabajo de Mario Bava. Quizá la obra más destacada del realizador, previa a esta cinta, fuera La máscara del demonio (1960), una historia de terror gótico donde los elementos clave del clasicismo del género definido por las películas de la Universal se daba la mano con el trabajo que la Hammer estaba realizando en Inglaterra redefiniendo el horror clásico. Bava aumentaba las dosis de violencia y sexualidad que ya estaban presentes, de manera más subrepticia, en el hogar de Christopher Lee y Peter Cushing. Pero La muchacha que sabía demasiado, aún siendo un pre-giallo, -su representación de la violencia, el erotismo y la sexualidad es más tímida y no es tan evidente como en piezas posteriores, tanto de Bava como del resto de realizadores, y el uso del blanco y negro la emparenta más con el expresionismo alemán o el ambiente onírico de Jacques Torneur-, si que podemos encontrar una serie de elementos formales y narrativos que reafirman la posición de esta cinta y sobre todo de Bava como padre del género.

En primer lugar, el director comienza a usar una serie de elementos formales que se adscribirán al ADN del giallo a lo largo de toda su historia y que serán reutilizados por el resto de directores que darán forma al estilo. Entre ellos destacan los amplios y etéreos travellings que son interrumpidos bruscamente por zooms que provocan no solo una sensación de premura e inquietud, sino que a su vez sirven narrativamente para destacar puntos de inflexión en el relato. Dichos zooms terminan en la mirada/ojos de los protagonistas del relato, que también sirven tanto como punto de vista crispado de los acontecimientos, a la vez que trasladan la mirada voyeurista al espectador. Una mirada que disfruta de un estilo visual donde la figura femenina y la representación de la muerte son realzadas, creando un vínculo entre deseo y muerte y una sexualización del sufrimiento que acompañará eternamente al género.

Y aunque este trabajo de Bava todavía es un producto tosco en el que el manierismo y el refinamiento del género está todavía por descubrir, podemos observar otros elementos, tales como la representación antagónica de la ciudad de Roma, casi neorrealista y bulliciosa durante el día, tenebrosa y desierta -a excepción de los protagonistas del relato- durante la noche. Un elemento metaficcional, de representación teatral, que incluso Bava lleva un paso más allá dentro del filme, cuando nos muestra en los compases iniciales de la cinta, que la protagonista está leyendo una novela criminal y de suspense.

Un año después, Bava pulió los aciertos de su primer giallo tras su retorno al terror gótico en Las tres caras del miedo (1963), con Seis mujeres para el asesino (1964), título que sí que entrega todos los elementos característicos del género. Desde sus títulos de crédito de intenso rojo neón, Bava formula los preceptos en los que se va a mover el giallo desde este momento. El mundo de la moda, los maniquíes, la hiperestilización de la sociedad burguesa y un glamour que contrasta y se confronta con el horror de la sangre. Un color rojo que inunda el relato, precursor de la fatalidad y del deseo, de la infidelidad.

Una infidelidad castigada por un asesino sin rostro que se sitúa como ojos del espectador para cometer los crímenes, siendo el público testigo y protagonista de unos asesinatos convertidos en coreografías de muerte y erotismo, donde el asesinato se convierte en acto sexual y el cuchillo de formas fálicas se transforma en el miembro sexual sustitutivo del asesino castrado, que debe castigar a una sociedad burguesa hedonista y superficial. Situaciones reforzadas por una paleta de colores primarios y un expresionismo en los tiros de cámara y el montaje que rompe con todas las reglas del raccord, pero refuerza la expresividad de las sensaciones, que pretende hacer sentir al espectador y que a su vez, sirve para crear la tensión en el plano, a través de dos acciones simultáneas y jerarquizadas en su composición.

Onirismo, pop-art y exploitation

En 1965 se estrena La mujer del lago, ópera prima de Luigi Bazoni, un título que recupera el blanco y negro de La muchacha que sabía demasiado e introduce el componente onírico, de sueño febril, de duermevela, a través de la irrupción directa en la narración del sueño y de la pesadilla, acrecentado formalmente a través de una fotografía en blanco y negro brumosa y fantasmagórica. Bazzoni también introduce de manera inconsciente un elemento que será fundamental en la evolución del giallo, como es la interrelación y fusión entre géneros, con un arranque in media res que parece ser el final de una fallida historia de amor y donde la entrada de los títulos de crédito y su hermanniana banda sonora -la influencia del Vertigo (1958) de Alfred Hitchcock es evidente en las formas y la trama de la obra- convierte a la cinta en una mezcla de noir -la voz en off del protagonista- y thriller pseudo-sobrenatural donde la realidad y los sueños se entremezclan, junto a unos recuerdos que son físicamente representados en su puesta en escena y que asaltan bruscamente al protagonista, casi como si las formas del celuloide modificaran la narrativa de la ficción.

Dos años más tarde, Tinto Brass, famoso erotómano por obras como Salón Kitty (1976), Los burdeles de Paprika (1991) o Calígula (1979), dirige su primera película, Con el corazón en la garganta (1967). Un título que no puede considerarse un giallo, pero que contiene elementos precursores del mismo. Entre ellos, un arranque brusco, parecido al de La mujer del lago, montaje abrupto, ritmo acelerado, tono pulp, cadáver inicial y uso del color rojo carmesí como elemento primario. Pero más allá de estos elementos, Tinto Brass intenta, fruto de la inexperiencia, una suerte de pastiche donde reúne, sin ningún tipo de pudor, la modernidad godardiana, el fetichismo de Alain Robbe-Grillet y el pop-art warholiano, con un tono y un estilo similar a contemporáneos tales como Barbarella (1968) de Roger Vadim, Modesty Blaise (1966) de Joseph Losey o el Batman (1966-68) pop y televisivo de Adam West.

Más cercana a los preceptos del giallo primitivo, pero mucho menos interesante, sería Crimen en la residencia (1968) de Antonio Margheriti. Una película formalmente tosca, que se queda en tierra de nadie, entre la experimentación formal y el misterio estilo Agatha Christie, y donde el punto fuerte del género -la creatividad de los asesinatos y la representación de los cadáveres femeninos- queda lastrado por su pobre puesta en escena, dejando en evidencia las múltiples carencias de su guión. Margheriti intenta suplirlo con una abundancia de desnudos que roza el exploitation, pero ni siquiera este elemento es capaz de levantar la cinta, con un erotismo naïve sin trazas de sensualidad o perversión.

Lucio Fulci y Dario Argento: de la perversión a la hiperestilización

1969 es el año donde dos directores fundamentales para el género, realizarían sus primeras obras: Lucio Fulci y Dario Argento. El primero de ellos estrena Una historia perversa (1969), un título que aunque no es totalmente un giallo, sino más bien un thriller erótico de espíritu exploitation, si que contiene algunos de los elementos formales y narrativos que veremos más adelante tanto en su carrera, como en el giallo venidero. Destacar de entre ellos el uso de los virados a rojo asociados a la pasión y la muerte, el componente sexual como reclamo, una cámara inquieta, brusca, crispada, o una utilización de los primeros planos de los ojos, de las miradas, que en este trabajo simbolizan de manera antagónica el deseo sexual y la repulsa del mismo: en el giallo sexo y muerte son un todo que se retroalimenta. Un perfecto ejemplo en esta cinta sería la escena de sexo del protagonista con múltiples mujeres mientras, en paralelo, Fulci inserta planos de la esposa muerta en el velatorio. De nuevo, la fusión entre Eros y Thanatos.

Pero es la ópera prima de Dario Argento, El pájaro de las plumas de cristal (1969) la que significará un revulsivo para el género y el paso que necesitaba el giallo primigenio para alcanzar su etapa de esplendor. Lo primero que destaca en la primera película de Argento es la habilidad del director para reunir y aunar todos los elementos de los trabajos precedentes: el tono febril de La mujer del lago, la representación de la ciudad como ente vivo y polarizado entre el día y la noche aparecido en La muchacha que sabía demasiado o la contextualización de la historia en el mundo de la moda, del arte, de las profesiones liberales, de Seis mujeres para el asesino.

A todos estos elementos ya comunes del género en ciernes, Argento le añade una hiperestilización estimulada por la fotografía de Vittorio Storaro y la música de Ennio Morricone, añadiéndole Argento a las set pieces de suspense una dilatación de los acontecimientos y el suspense y una estética tan efectista como tremendamente efectiva, aderezada por un humor negro que distancia al propio Argento de la narración. Así hace saber al espectador que aquello que está mirando es una pura idealización formalmente forzada y sumamente bella -al igual que las mujeres representadas por Argento, que exhudan sexualidad y cuyo pecado es ser perversamente bellas-, y donde las sensaciones primarias son mucho más poderosas que lo narrado.

Una belleza que se recrea en la violencia, en el asesinato, con unos crímenes que parecen representar un macabro retablo de arte moderno y un contraste entre el candor -los coros del score de Morricone- y lo que sugieren las imágenes que lo acompañan. Imágenes y formas de estructuras arquitectónicas geométricas que transforman las secuencias de muerte -representadas desde el punto de vista del asesino, aumentando el horror de un asesinato/violación- en un elemento de la narración con personalidad propia, y sus actos en macabros y bellos retratos vivos del horror.

La cinta de Argento emuló, homenajeó, potenció y redefinió un género que ya nunca volvería a ser el mismo tras su trabajo en este largometraje y que daría nuevos bríos al giallo. Su éxito provocaría la eclosión del género y un abrumador volumen de títulos durante la década de los años setenta, que lo convertirían en el género de terror de la década, y una gran influencia para el futuro slasher norteamericano.

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No sé qué me parece más asombroso del tándem formado por Ed Brubaker y Sean Phillips, si el hecho de que hayan sido capaces de encontrar un nicho en el que nadie pueda hacerles sombra y, acomodados en él, nos estén regalando obra maestra tras puñetera obra maestra o que, a cada nuevo proyecto en el que se embarcan, sepan reinventarse dentro de ese noir del que se han alzado como máximos valedores —¿acaso a ambos lados del Atlántico?—. De todas formas, ya me decante por una u otra opción, lo único que hacen afirmar ambas con tremenda contundencia es que el talento que derrochan los artistas es de un calibre tan sublime que uno ya puede estar seguro de que, por muy desproporcionada y gargantuesca que pueda ser la expectación ante su próximo proyecto, ellos van a responder con creces a todo anhelo que en él tengamos puesto.

Corroborando letra a letra la sentencia anterior, ‘Killed or Be Killed’ ha supuesto una de las lecturas más estimulantes y sorprendentes de este 2018. Y ya sólo con eso estaría todo dicho en cuanto a la imperiosa necesidad de que salgáis corriendo a vuestra tienda más cercana u, opción menos fatigosa, dejéis momentáneamente la lectura de estas líneas, os paséis por la página de Panini —o la de Amazon— y adquiráis a la mayor brevedad posible este primer recopilatorio que la editorial publica a través de su sello Evolution. Si no sois de los que os dejáis convencer por alabanzas y necesitáis un apoyo más justificado para vuestras compras, seguid leyendo.

Tras habernos llevado por los vericuetos del género en su ambientación más clásica en esos sendos magistrales ejemplos que son ‘Fatale’ y ‘The Fade Out’, Brubaker y Phillips cambian por completo de época y sitúan ‘Kill or Be Killed’ en una rabiosa actualidad que, al margen de ulteriores disquisiciones que ahora haremos, sirve al guionista para cargar las tintas de manera considerable en arremeter contra los poderes fácticos, la idiosincrasia de la sociedad yanqui o algunos de los peores males que aquejan a nuestro mundo. Y todo ello, envuelto en un entramado que alterna la suciedad del asfalto con cierta componente fantástica y que explicita todo lo anterior en una ruptura permanente de la cuarta pared, con Dylan, el protagonista, marcándose a lo largo de la colección una suerte de soliloquio que acerca a esta soberbia cabecera a ‘El crepúsculo de los dioses’ del enorme Billy Wilder.

Eso en cuanto a guión —y siento ser tan vago, pero no quiero desvelaros nada más para que las sorpresas constantes con las que Brubaker trufa el conjunto os pillen desprevenidos—, porque en lo que se refiere al trabajo de Phillips, sólo se me ocurre, así a bote pronto, un calificativo: WOW!!. Da igual lo que queramos analizar del dibujo, no importa si nos fijamos en la estructura, en la narrativa, en la caracterización de personajes o en el asombroso trabajo de ambientación —y si del color de Breitweiser hubiéramos de hablar, doble sería el gasto de saliva— lo que el británico derrocha aquí es un talento tan descomunal que, y reitero mi apreciación inicial, tachar a ‘Killed or Be Killed’ de algo menos que uno de los mejores cómics de 2018 sería un error de bulto por nuestra parte.

En Libros Prohibidos hemos reseñado ya varias de las publicaciones de Orciny Press y siempre nos han dejado sensaciones positivas. Muestra de ello es que en 2017 Bienvenidos al bizarro resultara finalista de los Premios Guillermo de Baskerville al mejor libro de relatos, y que para este año contemos con Combustible Lovecraft entre los nominados a la misma categoría. Aprovechando su visita a Madrid para una presentación, no podíamos perder la oportunidad de entrevistar a Hugo Camacho, editor y traductor de varias de las novelas que se encuentran en su catálogo, y a Francisco Jota-Pérez, autor (entre otras muchas cosas) de la sorprendente Teratoma y traductor de algunos de los relatos contenidos en Monstruos bizarros. La charla dio para que nos explicaran qué es eso del bizarro y de donde viene o para hablar de algunas de sus obras más destacadas; pero también para hablar de Twitter, de la moralidad o de la […]

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McCall’s was a monthly American women’s magazine that enjoyed great popularity through much of the 20th century. Kim Marx-Kuczynski came across an interesting copy of a January 1958 issue. In that magazine, an article “129 ways to get a husband” caught her eye. She decided to share it, and it is every bit as good as you would expect.

Antonio Álvarez é o cuarto membro da dirección do Clínico de Santiago que abandona o cargo nos últimos meses. O Sergas atribúe a súa marcha a "motivos persoais" pero o persoal vincúlao ás problemáticas da área sanitaria e á xestión da xerente, Eloína Nüñez.

Un mes antes de su muerte la definió como la enfermedad de moda. Poco podía sospechar Guillaume Apollinaire que la fulminante gripe española le arrancaría la vida el 9 de noviembre de 1918, a las seis de la tarde. Las versiones difieren en función del protagonismo del narrador. Jean Cocteau y Blaise Cendrars estuvieron junto al finado hasta el último suspiro, mientras en la calle los transeúntes proferían muertes a otro Guillermo, el recién abdicado emperador de Alemania.

Tras saber la noticia Pablo Picasso se autorretrató como nunca antes lo había hecho, con una expresión de estupor bien consciente. Con el fallecimiento de Apollinaire terminaba su juventud gloriosa e iniciaba su etapa hacia los altares del arte del siglo XX. El adiós del poeta no tendría consecuencias para el mañana porque una legión de bardos parecía ansiosa por recoger el testigo y recorrer el camino no tanto desde el verso, sino desde la promoción personal para acaparar los focos. Breton, Soupault, Cocteau, Tzara y muchos otros estaban al acecho en la senda de convertir la palabra en imagen, de lucir la vanguardia en el sacrificio de la palabra. El entierro del gigante inauguraría los fastos de la promoción de uno mismo, de la que fue pionero con su estela iconoclasta.

Días antes del óbito Cendrars había acudido al ático del número 202 del Bulevar Saint-Germain recomendándole ingerir aceite de Harlem, un remedio medieval prohibido por el códex vaticano e infalible según sus percepciones. No lo tomó. De todos modos, su suerte estaba echada, como si antes de la fatídica fecha hubiera iniciado la pasarela de despedida, como si el tiempo venidero hubiese pensado de antemano en su exclusión porque los adalides previos a la guerra no contarían más una vez callaran las balas mensajeras del futuro.

El monstruo prematuro

Wilhem Albert Wlodzimierz Apolinary Kostrowitzcky luchó toda su existencia contra la encrucijada de su nacimiento en el verano romano de 1880. Basta leer la combinación de nombres y apellidos, mezclarla con su alba en la capital del mundo y sacar conclusiones de inadaptación espoleadas por su traslado a Francia a los seis años de edad. Para añadir más misterio a sus orígenes su padre lo abandonó y él mismo se encargó de jugar con las identidades del progenitor, que según el momento bien podía ser un cardenal o un soldado italiano.

Sólo sabemos con certeza que su madre era polaca. Más tarde el enfant terrible inventó su hipotética descendencia napoleónica. Como ven los ingredientes de la leyenda estaban servidos en la mesa de su fantasía a la búsqueda de configurar una personalidad única para escapar del misterioso pasado. Es posible que, en realidad, quisiera ocultar los claroscuros para crear una luz propia válida para la energía contenida en su cuerpo, enorme y disparatado como su mente, repleta de humor y vitalista incluso en las peores circunstancias.

Antes del éxito transitó por oficios de todo tipo y condición. Como Jules Laforgue fue preceptor de nobles en Alemania y trabajó en el campo económico mientras hacía sus primeros pinitos poéticos. En 1904 conoció a Max Jacob y Pablo Picasso. Su amistad con el español sería decisiva, hasta el punto que ambos deben entenderse como una unidad fundacional de la Modernidad del siglo XX. Desde esta perspectiva parece claro que Apollinaire jugó el papel de ideólogo y Picasso el de ejecutor de la misma mediante el Cubismo como lanzadera de todos los demás ismos con permiso de los 'fauves', quienes en 1905 dieron el pistoletazo de salida con la polémica del Salón de Otoño.

Nuestro protagonista jugó a caballo ganador desde una confianza ciega en su amigo, a quien idolatró a sabiendas que, mediante su papel de transmisor estético, como otrora intentara Baudelaire con Courbet y Manet, ganaría réditos para su apostolado poético contrario a los epígonos del Simbolismo, por entonces en boga como una mala resaca del Ochocientos.

Apollinaire fue un artista sin vejez y eso incrementó a posteriori el impacto de su actividad. En su caso el muere joven y deja un bonito cadáver se intercaló con una voluntad transgresora de quien entiende los límites de la moralidad vigente para voltearla como si se tratara de un pelele goyesco. En 1907 publicó con cubierta muda su novela erótica 'Las once mil vergas', a la que siguió en 1911 'Las hazañas de un joven Don Juan', editada no hace mucho en nuestro país por Barataria. Ese mismo año su vínculo con Picasso sufrió un leve resquebrajo ante el escándalo del robo de la Mona Lisa, otro episodio fundacional del Novecientos, entre otras cosas por la afluencia de visitantes al Louvre para ver el espacio dejado vacío por el lienzo desaparecido.

Más allá de esta anécdota la implicación del malagueño y el aún súbdito del Zar se debió a viejos tejemanejes, pues con anterioridad sí habían estado implicados en la sustracción de estatuillas ibéricas que ayudaron a la formulación del Cubismo. En un museo sin alarmas era fácil ocultar piezas en la gabardina y salir impune sin pitidos ni estridencias sonoras.

El episodio conllevó una semana de cárcel para Apollinaire y el bochorno picassiano de afirmar no conocer a su casi alma gemela, lo que no impidió una fácil reconciliación en su tarea de trastornar el orden establecido, algo que sólo consumarían por completo tras la Gran Guerra.

El nacionalismo del converso

Para entender su impacto basta con apreciar la serie de homenajes que le dedicaron sus coetáneos durante los dos primeros decenios de la pasada centuria. Chagall, De Chirico, De Zayas, Picasso, Cocteau, Marie Laurencin, el Douanier Rousseau y muchos otros le homenajearon con lienzos y dibujos. Era un mito viviente para un reducido círculo de happy few. Quizá en su imaginario estaba en otra dimensión. El ego del poeta, más ufano que nunca tras la salida al mercado de Alcools en 1913, era imparable, pero adolecía de carencias derivadas de su nula pertenencia geográfica. Para remediarlo el conflicto de 1914 fue el bálsamo ideal. Se enroló al ejército galo con la esperanza de conseguir la nacionalidad, siéndole concedida en 1916. Con ella se sintió menos huérfano y, como agradecimiento, desarrolló un nacionalismo cercano al credo de la Action Française de Charles Maurras, al que añadió una especie de obsesión con el catolicismo, en claro contraste con su antigua iconoclastia.

El 17 de marzo de 1916, justo una semana después de recibir la ciudadanía francesa, fue herido en la sien. Dos meses después fue trepanado y no tuvo más remedio que aguantar una larga convalecencia, bien aprovechada entre la publicación de sus cuentos en el volumen 'El poeta asesinado' y la puesta a punto de su compilación de caligramas, vocablo ideado por él mismo a partir de la contracción de caligrafía e ideograma. La intelectualidad progresista europea conocía esta supuesta innovación porque Apollinaire la presentó en revistas a lo largo del decenio sin decir, quizá ni siquiera lo sabía, que no era precursora de nada, pues en 1834 la revista Le Charivari había encabezado una de sus portadas con uno que parodiaba al Rey Louis-Philippe con forma de pera.

Esta apropiación tiene algo de justicia poética si se atiende que en 1917 inventó para el libreto de Parade el término surrealismo, más tarde adoptado sin ningún rubor por André Breton para denominar al último gran ismo de los tiempos gloriosos. Para concretar el neologismo Apollinaire gestó la obra teatral 'Les mamelles de Tirésias', que según su biógrafo Laurence Campa esconde un alegato a favor de políticas pronatalistas entre arengas antibelicistas y feministas.

Como pueden comprobar Apollinaire nunca dejará de brotar polémicas. En el otoño de su trayectoria parecía un ente antediluviano por haberse anticipado demasiado a lo venidero. Quizá tras la guerra hubiera sido un viejo juvenil, una rémora a considerar pese a no haber llegado a los cuarenta. La muerte le alcanzó en el instante justo. Dos días después todo un universo se desmoronaba para plantear nuevos horizontes de los que fue artífice entre el cálculo y el entusiasmo. Todos le reconocieron el coraje y sólo los más allegados continuaron la misión de reivindicarlo con una tumba en el Père-Lachaise cercana a la de Proust y una estatua de Picasso que figura en la iglesia de Saint-Germain-des-Prés desde 1958. Tras los fastos fúnebres reinó el silencio y la escabechina entre los diadocos de la Vanguardia para ocupar su puesto, vacante para siempre entre el exceso de demanda y la manifiesta incapacidad de los contendientes.

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«Se deixamos de producir, sería como quitarlle a Galicia algo tan propio como a gaita», afirmaron los manifestantes

Regalo del cielo para unos, plaga bíblica para otros, La Tagliatella es una de las cadenas de restauración que se ha expandido con más virulencia por España en esta década. Su comida se sirve en más de 200 locales de decoración italokitsch, con un reclamo tan básico como efectivo: pasta, pizza y unos pocos platos más en raciones generosas a precios medianos. En las últimas semanas, la cadena ha ocupado titulares por motivos poco culinarios, como su voraz apetito empresarial, un brote de hepatitis A en uno de sus locales en Alicante y un incendio en otro de Barcelona. Pero lo que nos preguntamos hoy es si su propuesta tiene algo que ver con la verdadera comida italiana, o si por el contrario, estamos ante un producto tan auténtico como el foro romano del Cesars Palace de Las Vegas.

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Manuel Docobo convirtió su papelería, fundada en 1950, en uno de los establecimientos más populares del centro monumental

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As primarias non van só de persoas —ou a reelección de Luís Villares ou o seu relevo polo ex deputado no Congreso David Bruzos—, senón tamén do contraste de proxectos distintos para a confluencia. 

 

Esta segunda feira, Villares resumiu o confronto nestes termos: "Un modelo que sexa plenamente soberano, no sentido de que son os inscritos os que deciden o rumo político de En Marea ou un proxecto que teña dependencias de espazos políticos que sexan externos á Marea".

 

E nesa dirección Villares —que fixo estas declaracións nunha conferencia de imprensa realizada en Lugo— carga basicamente contra Podemos, a forza política con máis efectivos (persoas inscritas) e, portanto, con máis capacidade para desequilibrar a votación, prevista entre o 1 e o 3 de decembro.

 

Villares reprochou ao recén eleito secretario xeral de Podemos Galicia, Antón Gómez Reino, a súa ausencia no último plenario de En Marea e a súa declarada vontade de outorgar un rol relevante á formación morada dentro da confluencia. "Non debe ser un partido o que ocupe a centralidade, son as persoas as que teñen que ocupar a centralidade", enfatiza o candidato á reelección. 

 

"Sería bon que o secretario xeral de Podemos en Galiza o tome en conta. Quen ten que decidir todo na Marea son as persoas. Persoas que por suposto poden estar afiliadas a un ou outro partido e iso é unha 'sumatoria'. Por iso son tan importantes os debates que facemos e por iso é tan importante vir aos plenarios, algo que non fixo o secretario xeral de Podemos en Galiza", dixo Villares.

 

Villares, a Podemos Galicia: "Non debe ser un partido o que ocupe a centralidade, son as persoas as que teñen que ocupar a centralidade"

 

 

Por súa parte, o parlamentar no Pazo do Hórreo e militante do sector errejonista de Podemos Marcos Cal declinou esta mesma segunda feira "entrar" en avaliacións sobre se o proceso das primarias vai ser tutelado pola formación liderada por Pablo Iglesias. Defendeu traballar "en positivo" e puxo en destaque que agora son as persoas inscritas —por volta de 4.400— as que "teñen que decidir".

 

O deputado pronunciouse nestes termos ao ser interpelado polos meios durante unha conferencia de imprensa no Pazo do Hórrreo convocada para dar a coñecer medidas de En Marea de combate contra a violencia machista.

 

Cal fai parte da lista Entre todos En Marea, a fórmula cristalizada polo sector crítico para tomar o poder orgánico na confluencia e que encabeza o ex deputado no Congreso David Bruzos. O seu núcleo básico é a Mesa da Confluencia, a nai nodriza en que navegan Podemos, Esquerda Unida e a Anova oficial e cuxo referente é Martiño Noriega, visto na contorna de Villares como un dirixente con ambicións de ser o cartaz do partido instrumental nas eleccións galegas de 2020.

 

Paula Quinteiro apoia a lista liderada por David Bruzos por que, segundo dixo, integra a "maior parte" das marés municipalistas

 

Presente na mesma conferencia de imprensa, a deputada Paula Quinteiro, tamén de Podemos, en concreto da corrente Anti-Capitalista, expresou tamén o seu apoio á candidatura de Bruzos, que ve como "moi plural" por integrar a "maior parte" das marés municipalistas.

 

Quinteiro foi protagonista dun polémico affaire —viuse envolvida nun incidente nocturno coa policía local compostelá— que resultou na súa petición de demisión, non aceptada, por parte da dirección encabezada por Luís Villares.

 

A cuestión saldouse cunha consulta á militancia de En Marea, que abrumadoramente se inclinou a favor da demisión de Quinteiro. Esta non se sentiu vinculada ao referendo por considerar que non rexistou unha participación suficientemente representativa da vontade das bases.

 

El portavoz parlamentario de En Marea, Luís Villares, aseguró este lunes que el proceso de primarias que está a punto de abrirse en la formación es "muy ilusionante", porque "es cierto que hay una confrontación de modelos" y su candidatura defiende que sean "las personas" y "no los partidos", como Podemos, "los que marquen la línea política" del espacio de confluencia.

Villares hizo estas declaraciones en Lugo, a donde viajó para presentar las enmiendas por valor de 11 millones de euros a los presupuestos de la Xunta de Galicia que defenderá su grupo para esta provincia. "Desde esta candidatura estamos convencidas de que la pulsión mayoritaria es que todas las personas tienen que ser protagonistas del rumbo político de En Marea", aseguró sobre el proceso interno de su formación.

A su juicio, se trata de que "todas, a título individual, puedan participar en eso", de modo que "no sean las directrices de las direcciones" de los partidos políticos "las que construyan el proyecto desde fuera". "Creo que esa es la principal confrontación de modelos", añadió Villares, porque precisamente el secretario general de Podemos Galicia reclamaba un papel "especial" para la formación que lidera, cuando su candidatura mantiene que "quienes tienen que tener la centralidad" son "las personas y no un partido".

"Sería bueno que el secretario general de Podemos lo tuviese en cuenta", añadió, y "por eso es tan importante venir a los plenarios, algo que no hizo, porque es donde se construyen los discursos políticos". "Reivindicamos que sean las personas y no los partidos los que marquen las líneas políticas de En Marea", reiteró.

O seguimento dos paros parciais mantense no 80%. A Corporación pasou de negarse a debater sobre contidos propios a ofrecer media hora máis diaria, aínda que rexeita tratar sobre o tipo de contidos e descarta tamén recuperar as desconexións locais ou o 'Diario Cultural' na radio.

In a bizarre turn of events, 29-year-old Cassie Speller seems to have started recording an Instagram story of her own face without having made any plans of what to say?

 

The video was first posted at 1pm on Saturday from Cassie’s apartment in Brooklyn. Viewers of the Insta story describe Cassie’s apparent loss for words as her shaky iPhone video is determinedly trained on her own face, as she sputtered “ummms” for a full minute?

 

“I watched it,” says Cassie’s friend, Jordan Walters. “Usually people have some kind of reason for an Insta story or a plan going into those things. Cassie apparently didn’t?”

 

The video lingers on Cassie’s face as she looks around the room, clearly attempting to draw some kind of inspiration from her surroundings.

 

“So…” begins Cassie in the following story, followed by a long pause. “Um, yeah. Like, I’m just here… In my apartment. And like, yeah, not much is going on…”

 

The video continues on as Cassie struggles to come up with something of interest to report. She bounces around a few ideas of things to talk about, without ever really landing on something concrete.

 

Friends and family are reportedly perplexed as to why she would bother to post this?

 

“What I don’t get is why you would hit record if you didn’t have something you wanted to say,” says Cassie’s friend, Tom Beverly. “At least a general kind of subject you might want to riff on. Cassie didn’t have anything going on. She starts reviewing her apartment’s drapes at one point.”

 

Though the content of the video was clearly unplanned, Cassie obviously chose to take the time to post it to her story, with the pink, glowy filter.

 

 

Though Cassie’s impromptu recording may be baffling to some, other followers of her feed are inspired by her lack of self-editing.

 

“I think it’s great,” says Cassie’s former co-worker, Adrienne Barnes. “I overthink everything. I wish I had the courage to just hit record and broadcast whatever pops into my head.”

 

Though the video has since disappeared from her feed, friends and family believe the possibility of future improvised stories from Cassie is just like, going to continue happening like nothing is weird about it?

 

“We’ll see more of these,” Jordan tells us. “She got like, 900 views on that last one. Now we’re all complicit in this.”

El Club Pecados La Chabola ha rescatado una manida polémica a causa de un cartel promocional que está siendo difundido a través de WhatsApp estos días. En la imagen, el local de alterne –ubicado en la carretera de Ordes a Santiago– se vende como una Guardería de maridos que vendría a poner solución a lo "pesado" y "molesto" que puede llegar a ponerse un hombre en su domicilio familiar, lo que ha despertado críticas por el mal gusto de este enfoque, manifiestamente machista.

Bajo la premisa de "necesitar un respiro", el marido en cuestión solo tendría que acudir al local y ser "recogido" a la mañana siguiente, según expresa la polémica imagen. Acompañando los textos, se puede ver la foto de una mujer que, siempre según el cartel, haría de "niñera".

El local, además, se hizo famoso hace aproximadamente dos años y medio por ser el lugar al que acudió el célebre Manolo de Xaniño antes de su aventura en el lavadero.

ANTECEDENTES. No se puede decir que el asunto sea nuevo, pues son múltiples los ejemplos de imágenes similares con las que los clubs de alterne se publicitan desde diferentes plataformas, no dejando indiferente a nadie.

El pasado mes de octubre, sin ir más lejos, se generó una amplia polémica en Outeiro de Rei por la publicidad de uno de estos locales en el campo de fútbol del municipio, algo que fue denunciado por diversos partidos políticos.
Miembros del BNG, en el campo de Outeiro de Rei ante el polémico cartel (segundo por la izquierda). EP

Además, en O Ceao, un cartel en el que se dejaba entrever las bondades de un plan que juntaba cena y prostitutas también desató el enfado de las agrupaciones políticas y numerosos vecinos de la zona.

En la provincia de Pontevedra también saben lo que es vivir una polémica de este tipo. Un claro ejemplo lo tenemos en Gondomar, donde el anuncio de un show de los actores porno Nacho Vidal y Susy Gala en un club de Ponteareas generó el rechazo general el pasado año.

Pero no todo ocurre en Galicia. Si bien en nuestra comunidad abundan este tipo de negocios, y sus consecuentes publicidades de dudoso gusto, en el resto del país también podemos encontrar otros modelos similares a los citados anteriormente. Uno de los más sonados si ninguna duda fue el de un club de Pamplona, quien –nuevamente con el protagonismo de la actriz Susy Gala– anunció un show lésbico nada menos que en el Día de la Mujer.

This past month, Malcolm Gladwell (author), Rick Rubin (record producer), and Bruce Headlam (media desk editor of the New York Times) teamed up to launch Broken Record. It's a music podcast that doubles as "liner notes for the digital age." Or, as Gladwell tells Rolling Stone, it's "a kind of musical variety show." Some episodes offer an in-depth narrative. Others feature mini performances and interviews with musicians--plus an assortment of "digressions, arguments, back-stories, and random things to disagree with about music."

The episodes released so far can be streamed online here. For new episodes, subscribe to the podcast via iTunes or Spotify. The latest episode with Niles Rodgers and Chic appears below:

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Investigadores de la Universidad de Ciencia y Tecnología del Sur (SUSTech), en Shenzhen, China, dicen haber logrado crear dos niñas gemelas modificadas con la herramienta de corta-pega genético CRISPR, según informa MIT Technology Review y la agencia Associated Press. Un día después del anuncio, la propia universidad ha emitido un comunicado en el que denuncia la mala praxis del director del estudio, Jiankui He.

Según SUSTech, el científico se encuentra de excedencia sin sueldo desde febrero de 2018 hasta enero de 2021, la investigación se llevó a cabo fuera del campus y la universidad desconocía el proyecto.

El líder de la investigación anunció en un vídeo que habían logrado eliminar el gen CCR5 para evitar que las hermanas nacieran con el virus del VIH del que es portador su padre. Además, según él, las niñas estarán protegidas contra la viruela y el cólera. Las gemelas habrían nacido sanas hace unas semanas.

El biólogo molecular Lluís Montoliu, del Centro Nacional de Biotecnología, pide cautela y escepticismo: “Andamos todos comentando una nota de prensa y dos vídeos que ha lanzado desde China este investigador. Suponiendo que todo lo que nos dice sea cierto, estaríamos ante un experimento de una irresponsabilidad colosal porque de aquí a la eugenesia hay un paso”, declara Montoliu a Sinc.

Si el anuncio es cierto, lo que han logrado los investigadores chinos es generar personas con un gen inactivado que es la puerta de entrada a los linfocitos del VIH, por lo que son virtualmente inmunes al virus del SIDA.

No cura, es eugenesia

La modificación genética que Jiankui He asegura haber realizado no es una aplicación terapéutica de CRISPR. “No sirve para corregir una anomalía genética del embrión que pudiera dar lugar a una patología grave e incurable, se trata de un experimento de mejora genética”, alerta Montoliu. “No están curando a las personas sino creando personas con capacidades distintas”.

Durante el transcurso de esta investigación el equipo habría alterado los embriones de siete parejas en tratamientos de fertilidad, con el resultado de un único embarazo hasta ahora.

Cuando otro equipo chino logró editar por primera vez los genes de un embrión humano en una placa de laboratorio en 2015, se desató la protesta mundial y las peticiones de científicos de todo el mundo para no usar esta tecnología para modificar humanos, al menos por el momento.

“En esta búsqueda global cada vez más competitiva de aplicaciones para la edición de genes, esperamos destacar”, señalaron He y su equipo en un comunicado hecho público el año pasado. Los científicos predijeron que su innovación “superará” la invención de la fertilización in vitro, cuyo inventor fue galardonado con el Premio Nobel en 2010.

¿Pero por qué han podido los investigadores chinos hacer un experimento que viola las normas éticas sobre el uso de CRISPR? “En China no rigen las mismas leyes sobre edición de genes que en el resto de países –aclara Montoliu–. Este país no solo no firmó el convenio de Asturias de 1997, sino que tampoco prohíbe la implantación de bebés editados genéticamente. EE UU y Reino Unido, que tampoco firmaron el convenio y pueden editar embriones humanos en el laboratorio, tampoco pueden transferir los embriones editados a mujeres para su gestación”.

Una maniobra de marketing

Sin embargo, todas las afirmaciones de He son difícilmente comprobables, ya que no ha publicado los resultados de la investigación en ninguna revista científica. Solo aparecen referencias en dos documentos médicos publicados on line este mes (aquí y aquí).

La afirmación de que China ya ha hecho alteraciones genéticas en seres humanos llega justo cuando los principales expertos del mundo se desplazan a Hong Kong para asistir a la Segunda Cumbre Internacional sobre la Edición del Genoma Humano.

“La caja de resonancia que ha conseguido este investigador es enorme al lanzar el anuncio justo hoy. Por ello seamos críticos, escépticos y cautelosos. No sería la primera vez que tenemos que desdecirnos de un estudio de China, donde la compentencia es feroz entre los investigadores”, añade Montoliu.

Hay que añadir que el investigador posee empresas en el campo de la genética, explica Montoliu. “Toda esta publicidad le va a venir estupendamente en China, que es a quien se dirige, no al resto del mundo”, añade. “Muchos equipos en China están compitiendo por ser los primeros en editar genéticamente a humanos y poder ofertarlo a los ciudadanos chinos que puedan pagar estas técnicas”.

Noticia actualizada a las 14:50.

“No es un buen día para la biomedicina”. Por Lluís Montoliu

Las implicaciones éticas de este experimento son muchas y variadas. No solamente habremos alterado el genoma de unas niñas, sino tambien el de sus descendientes, creando una nueva estirpe de humanos que serán, a partir de ahora, virtualmente inmunes a la infeccion por el virus del sida. Con independencia de que consideremos ciertos beneficios a este respecto, los riesgos siguen siendo demasiado elevados e inaceptables para su uso en humanos.

El investigador chino nos dice que ningún otro gen ha resultado afectado, pero sabemos que esto es muy difícil de confirmar y se requieren múltiples experimentos.

Sabemos que lo mas probable es que estan niñas sean mosaicos, es decir, que no todas sus células sean iguales, que algunas tengan la inactivación que dicen y otras no, y algunas tengan alteraciones genéticas inesperadas incluso en otros genes parecidos al CCR5.

Todo ello hace que este tipo de experimentos sean abiertamente imprudentes y todavía prematuros para poder hacerse en humanos.

No es un buen día para la biomedicina. Estoy muy preocupado y con desasosiego tras saber que colegas míos han cruzado unos límites que habíamos asumido que no se cruzarían mientras no supiéramos controlar estas técnicas mejor. Como decía en mi tribuna en Sinc hace unos días, las terapias que desarrollemos además de eficaces deben ser, ante todo, seguras.

El 25 de noviembre de 1998 no fue un fin de semana especial en la taquilla norteamericana. 'Bichos: Una aventura en miniatura' y 'Rugrats: La película - Aventuras en pañales', reinaban desde una semana antes en lo más alto del box office, mientras 'El aguador' y 'Enemigo público' seguían sumando millones en su cuarta semana. Entre mucho mastodonte e intentando aprovechar una semana de flojos estrenos ('Ringmaster - El rey de la telebasura'), una comedia negra llena de mala uva y situaciones insalvables protagonizada por un puñado de gañanes empezó a generar culto. 'Very Bad Things', la primera película de Peter Berg, llegaba a nuestras vidas y una de las carreras más interesantes de Hollywood empezaba a rodar.

Chico malo

Apenas un mes y medio después, el 8 de enero, 'Very Bad Things' llegaba a nuestros cines, donde disfrutó de un boca oreja estupendo que la sitúa como la segunda película de Berg más taquillera en España, solo por detrás de 'Battleship'.

Peter Berg, actor metido a director con personalidad y un talento a prueba de bombas, algo que ha demostrado constantemente en su cine, es un perro verde dentro de la industria. Macarra, directo, políticamente comprometido y sin pelos en lengua. Empezó su carrera en el cine con una aparición fugaz en la obra maestra de Steve De Jarnatt, '70 minutos para morir', un apocalíptico thriller que provocaría pesadillas en los espectadores durante años.

Durante una década, Berg compaginaría protagonistas entrañables, como en la no menos entrañable 'Shocker, 100.000 voltios de terror', de Wes Craven, con un sinfín de secundarios en cine y televisión.

Toda esa "mala vida" pasaría la historia con su primera película como guionista y director. Con un presupuesto realmente elevado de 30 millones de dólares para una comedia sin demasiadas estrellas más allá de una Cameron Diaz en la cima de su carrera y un Christian Slater que empezaría el camino contrario, 'Very Bad Things' no recaudaría ni diez de esos millones. Como en tantos batacazos, algo interesante debía pasar en una película que ofendía tanto.

Lo que pasa en Las Vegas...

Una despedida de soltero en Las Vegas donde las drogas y el alcohol campan a sus anchas no suele desembocar en nada agradable. Si en la popular trilogía de 'Resacón en Las Vegas' o en la insuperable 'Despedida de soltero' el asunto se volvía en un torbellino de carcajadas, en el diabólico juego planteado por el director de la siempre necesaria 'Tesoro del Amazonas' la risa por barrios. Y en todos ellos terminas con la sonrisa congelada.

Y es que Berg pinta con brocha gorda el retrato de cinco triunfadores, cada uno a su manera, que verán su amistad truncada por culpa de una serie de malas decisiones a mayor gloria del jefe de la pandilla, del gallo más psicótico del corral, un Slater encantado de ser el mejor peor amigo que el cine americano recordaba por entonces.

Con la música de Stewart Copeland ambientando la neurosis de alguno de los más convincentes cocainómanos que ha dado el cine, como ese Jeremy Piven siempre al borde del colapso, o el siempre convincente Leland Orser secundando a un John Favreau que venía de comerse el mundo con 'Swingers', 'Very Bad Things' ponía el dedo en la llaga de lo políticamente permitido dispuesta a saltarse todos los niveles de tolerancia de una época que, afortunadamente para el espectador, los permitía.

No hay ni una sola parte de la trama que pudiera ser aplaudida hoy como tampoco lo fue entonces, pero hace veinte años tuvieron treinta millones a disposición. El pesimismo, el peso de la culpa y el precio de la felicidad volatilizan el sueño americano en una de las películas más retorcidas que ofrecieron los noventa.

‘Very Bad Things’ es una de esas pesadillas que una parte del cerebro reconoce como tal y te asegura que no es real, mientras el otro hemisferio te aconseja abrocharte el cinturón y disfrutar de la velada. Relájate y preocúpate lo justo en caso de reconocer alguna de sus situaciones y personajes durante estos cien minutos de frenesí.

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La noticia ‘Very Bad Things’, la delirante ópera prima de Peter Berg cumple 20 años y sigue tan incómoda como el primer día fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Desde enero de 1900, cuando se pasó por primera vez una película en Santiago, ha habido varias decenas de lugares de proyección entre salas estables y pabellones ambulantes

• «La edad de oro de los cines, como acto social, es el pasado»

El miedo puede moldear poblaciones y promover la evolución. Esto es lo que ocurre con una especie de roedor que vive en el oeste de Europa y norte de Asia: el topillo rojo (Myodes glareolus). Un estudio, publicado en la revista Scientific Reports, demuestra que cuando estos roedores se sienten amenazados por un depredador producen más crías.

El equipo de biólogos de Finlandia y Países Bajos estudió las respuestas químicas de estos pequeños mamíferos para entender su comportamiento. Los resultados revelan por ejemplo que las hembras expuestas a la predación producen camadas con hasta un 50% más de crías que las madres que están a salvo.  

“Lo más sorprendente de este estudio es que la causa del cambio en la reproducción numérica fue indirecta”, dice el investigador postdoctoral Marko Haapakoski de la Universidad de Jyväskylä en Finlandia. Es decir, que la señal química de los depredadores –sin la presencia activa de estos– fue suficiente para aumentar la prole.

El olor también asusta

Los depredadores también pueden dar un susto de muerte a las presas a las que acechan sin que estas sean devoradas. “Nuestro estudio demuestra que el miedo resultante cambia el comportamiento y la reproducción de estos animales presa”, explica Kevin Matson de la Wageningen University en los Países Bajos.

El trabajo muestra que una experiencia aterradora como esta puede ser comunicada a los individuos de una misma población, incluso cuando estos no han visto, olido ni oído al depredador por sí mismos. Para llegar a estas conclusiones, los científicos realizaron un experimento.

“Cuando un grupo separado de machos de topillo rojo se expusieron a una comadreja, produjeron mensajes químicos que podían ser detectados e interpretados por los topillos de nuestro estudio”, declara Alwin Hardenbol, autor principal de la investigación y científico en la universidad holandesa.

En el caso de las hembras, si estas olían que sus posibilidades de ser devoradas eran altas producían más crías, porque esta podía ser su última camada. Según los biólogos, simples mecanismos fisiológicos permiten a las madres ajustar el tamaño de su camada.

“Hasta ahora se había sugerido que las especies muy fecundas como los topillos respondían a la fuerte depredación a través de una compensación en la reproducción”, señala la ecóloga Danielle Lee, de la Southern Illinois University (EE UU), que no ha participado en este trabajo. “Este estudio de campo confirma que estas respuestas están mediadas a través de señales quimioolfativas”, concluye.  

Referencia bibliográfica:

Haapakoski, M., A. A. Hardenbol, and K. D. Matson. 2018. “Exposure to chemical cues from predator-exposed conspecifics increases reproduction in a wild rodent”. Scientific Reports. DOI:10.1038/s41598-018-35568-0

É probablemente un dos últimos motíns de consumos da historia de Galiza. O imposto de consumos era un tributo indirecto tan ao gusto dos liberais, criado pola lei de reforma tributaria de Mon-Santillán, vixente no Estado español entre 1845 e 1911, suspendido durante un breve período polo goberno da I República e que mereceu a contestación permanente da poboación galega. Á marxe da súa natureza inxusta, ao carecer de ningún tipo de progresividade, do alto grao de ineficacia na súa xestión e das corruptelas provocadas na súa imposición, o eixo fundamental da súa reprobación social derivouse de gravar os bens de primeira necesidade, como se afirmaba na norma “de comer, de beber, de arder”, provocando unha alza nos prezos que favorecía a carestía da vida e aumentaba o desabastecemento das subsistencias. O gravame, obxecto ao tempo dun importante debate doutrinal entre os diferentes actores da política do momento, particularmente entre as diversas correntes do liberalismo, será suprimido por unha modificación lexislativa que deu paso a unha nova norma que comezou a gravar as rendas urbanas.

 

O 21 de novembro de 1910 arredor de 1.000 veciños concello de Noia desprázanse á vila para protestar pola alza do imposto de consumos. A concesión por parte da corporación local presidida por Severo Gómez Botana da xestión da recadación do tributo a Francisco Pérez Hermo, implicou unha suba moi importante no prezo da carne de porco, pasando a cobrarse a arroba a doce reais fronte aos sete que custaba anteriormente. A resposta da poboación no se fai agardar, enchendo primeiramente as rúas de Noia e reuníndose posteriormente co alcalde que compromete unha rápida solución coa comisión, instándoos a que acudan á localidade tres días máis tarde, coincido coa celebración dunha sesión plenaria, a fin de deixar resolto o problema. Porén, o día 24, nunha nova xuntanza co máximo responsábel da corporación, este muda de opinión, prendendo o lume para unha nova protesta que percorrerá a vila e rematará coa intervención desproporcionada dos axentes da orde.

O 21 de novembro de 1910 arredor de 1.000 veciños concello de Noia desprázanse á vila para protestar pola alza do imposto de consumos

O 24 de novembro a veciñanza, nun número de 3.000 segundo as crónicas xornalísticas, volve a tomar as vilas de Noia. Após abandonar a casa do concello e percorrer a zona do cantón, diríxense á vivenda do contratista do imposto de consumos Pérez Hermo e de Álvarez, un importante comerciante da localidade, a fin de achegar as súas protestas, aparecendo as mesmas custodiadas por números da Garda Civil que ordenan disolverse aos manifestantes. Perante a negativa dos veciños a cumprir coas indicacións das forzas da orde, estas —conformadas por membros do instituto armado da vila pero tamén de concellos veciños como Porto do Son ou Muros— disparan contra os manifestantes provocando dous mortos e varios feridos. Así, entre os primeiros, atopamos Ricardo Alonso Arias, un mariñeiro no lugar de Manle, na parroquia de Barro que deixaba a muller en cinta e cinco fillos, e un moza da vila de dezaseis anos, Consuelo Queiro Gómez. Ao tempo, ficaron feridas outras noves persoas, destacando pola súa gravidade Xosé Ventura Ínsua de corenta e cinco anos, Antonio Ríos Ronquete de quince e Dores Romero de dezasete.

A resposta da Garda Civil e o asasinato de dúas persoas abre unha nova fase no conflito. A vila é paralizada, féchase o comercio, decrétase unha folga xeral, colócanse crespóns negras nas vivendas e o concello paraliza temporalmente a suma do imposto de consumos. O enterro polas dúas vítimas convértese nunha grande mobilización de repulsa, sinalando a prensa a presenza de máis catro mil persoas, iniciándose, ao tempo, unha subscrición popular para recadar fundos para as familias das vítimas, onde se contou co apoio das xentes do Partido Conservador, que vían a ocasión para debilitar o goberno liberal de Canalejas. Aínda así, quen se faría eco no parlamento do acontecido en Noia, solicitando a aclaración dos feitos e esixindo responsabilidades polo acontecido foi Pablo Iglesias, deputado e máximo responsábel do PSOE, o que indicaría unha presenza dos socialistas, no conflito. Pasada a solidariedade inicial, fundamentalmente polo impacto das mortes na opinión pública da comarca e de Galiza, a represión volveu para os veciños, sendo sometidos tres labregos a un consello de guerra, a orde pública estaba militarizada, en Santiago de Compostela o 22 de decembro de 1911.