Richard Garfield es un matemático estadounidense conocido por ser el creador del popular juego de cartas Magic, el encuentro. Aunque dedicó parte de su vida a la docencia universitaria, en los años 90 lo dejó para dedicarse a tiempo completo a crear juegos de mesa, y ha sido muy prolífico en el negocio: ha sacado un nuevo juego por año desde 2011 y, aunque Magic sigue siendo su título más conocido, su último lanzamiento se ha convertido en un éxito de ventas en sus primeras semanas de vida. Desde su publicación el pasado 16 de noviembre la caja básica del juego se ha agotado en varios países y, al igual que ocurriera con Magic, ha empezaro un mercado paralelo de compra-venta de cartas de cientos de euros. Así es Keyforge, el "juego de mazos únicos".

De qué va

Keyforge es un juego de cartas para dos personas –uno contra uno, cada uno con su mazo– en el que los jugadores encarnan a arcontes (gobernantes) de El Crisol, un mundo imaginario compuesto por fragmentos de todos los planetas. Cada arconte domina a tres de las siete casas o familias que viven en El Crisol, y deben utilizarlas para recolectar ambar, una sustancia que se utiliza para forjar llaves. El primer jugador que forja tres llaves, gana.

Una innovación de Keyforge que lo diferencia de la inmensa mayoría de juegos es que cada mazo es único. "Cada uno es diferente, con una combinación de cartas irrepetible, independientemente del idioma", cuenta a Verne Rocío Martínez, responsable de comunicación de la distribuidora del juego en España, Asmodee. La primera colección del juego tiene 370 cartas, y cada mazo tiene 36 cartas elegidas en una combinación que no vuelve a repetirse. Hay miles de billones de posibilidades.

Cada uno de estos mazos únicos –cuestan 9,99 euros– no pueden modificarse con cartas de otros mazos. Para evitarlo, cada mazo tiene un dorso con un color, nombre y dibujo diferente, por lo que una trampa introduciendo una carta ajena salta a la vista.

Qué se necesita para jugar

Para jugar a Keyforge cada jugador debe tener un mazo y diferentes marcadores que representen las llaves forjadas, los puntos de daño y el ámbar. Pueden utilizarse dados, botones o trozos de papel como marcadores, aunque la Caja de Inicio del juego también los incluye. Esta caja contiene un manual de instrucciones básico –también puede consultarse online–, los contadores y cuatro mazos, y que no te extrañe si te cuesta encontrarla en tiendas: "La demanda ha sido mucho más alta de lo que esperábamos y actualmente la tenemos agotada", cuenta Martínez. En España, lanzaron 6.000 de estos packs de inicio, con un precio de 39,95 euros. En Estados Unidos se agotó el primer fin de semana tras su salida, y en Italia en la preventa, según aseguran desde Asmodee. En España, por el momento no hay fecha de reedición.

Aunque la caja de inicio esté agotada –en la editorial, pero pueden quedar ejemplares en tiendas–, sí pueden encontrarse mazos sueltos a la venta, que son suficiente para comenzar a jugar. Estos también han sido un éxito de ventas: según Asmodee, solo en España se han vendido más de 20.000 desde el lanzamiento.

Cómo se juega

Las partidas de Keyforge se desarrollan por turnos en los que los jugadores, con las habilidades de sus cartas de acciones, criaturas y artefactos, tratan de llenar su reserva de ámbar –es lo que hace falta para forjar las llaves que dan la victoria de la partida– y vacíar la del rival. Cada mazo de Keyforge tiene cartas de tres de las siete familias del crisol y, durante cada turno, se podrán jugar todas las cartas que el jugador desee, pero de una única familia que debe elegirse al inicio del turno. 

A diferencia de Magic, donde el formato más jugado es construido (es decir, que cada jugador construye su propio mazo con las cartas que él desee), en Keyforge no existe la creación de mazos. En los torneos hay dos modos básicos de juego: arconte, donde los jugadores traen a la competición su propio mazo –que, recordemos, no puede modificarse–, o sellado, donde los jugadores compran mazos sin abrir y los usan en el campeonato.

Keyforge ya tiene sus Black Lotus

Richard Garfield explicaba en una entrevista previa al lanzamiento del juego que, en el diseño de Keyforge, "lo fundamental era que cada mazo pudiera jugarse en cuanto lo sacases de la caja, y que bastase con uno para jugar". Aunque esta mecánica, tal y como comentaban muchos jugadores tras el lanzamiento en redes sociales, parecía evitar la especulación que hay en juegos de cartas de construcción de mazos (como Magic, donde algunas cartas, como el Black Lotus, superan los 30.000 euros), finalmente no ha sido así: ya hay mazos a la venta por más de 1.000 euros en Ebay.

En vez de especular con las cartas, se especula directamente con mazos completos que, debido al azar de la creación de mazos, contienen alguna combinación de cartas muy poderosa. Por el momento, algunos de los más demandados son los que contienen las cuatro cartas de jinetes del apocalipsis, que se venden (según el número de jinetes y el resto de cartas del mazo) entre los 50 y los 500 euros.

“A lo mejor estoy hablando con alguien, le digo que hice Vagina dentada ¡y de repente a esa persona le cambia completamente el lenguaje corporal!”, exclama Joyce Pierpoline.

Estoy entrevistando a la productora de la comedia de horror de culto Vagina dentada (2007) en la Academia Británica del Cine y la Televisión, en Londres. A mi alrededor, ejecutivos de la industria enfundados en trajes carísimos trabajan concienzudamente en sus MacBooks o brindan por futuros acuerdos.

Pierpoline luce el cabello oscuro, voluminosas joyas de plata y unas zapatillas de aspecto esponjoso. Continúa el relato, más entusiasmada. “Entonces se apartan de mí —se inclina hacia atrás cruzando las piernas, a modo de demostración— y dicen: ‘Ah, ¿tú eres la productora?’”.

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MIRA:

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Ha pasado más de una década desde que la comedia de terror de bajo presupuesto Vagina dentada se estrenara en Sundance con una acogida muy positiva por parte de la crítica (su protagonista, Jess Weixler, fue galardonada con el premio especial del jurado a la mejor interpretación). Escrita y dirigida por Mitchell Lichtenstein, hijo del célebre artista pop Roy Lichtenstein, la película narra la historia de Dawn O’Keefe, una estudiante de instituto que abraza y profesa la pureza sexual.

El film arranca con una escena en la que O’Keefe y su hermanastro, Brad, están en una piscina hinchable; ahí conocemos el secreto de O’Keefe: tiene la vagina dentada. Brad intenta acosar a su hermana y acaba con una mordedura en el dedo. Vagina dentada muestra la lucha de la joven por mantener la pureza en una sociedad obsesionada con el sexo y por eludir el acoso de su hermanastro y los intentos de violación de sus compañeros de clase. Entretanto, debe cuidar de su madre, cuya enfermedad parece estar relacionada con la planta nuclear junto a la que O’Keefe pasa en bicicleta de camino a la escuela.

"Vagina dentada muestra la lucha de la joven por mantener la pureza en una sociedad obsesionada con el sexo y por eludir el acoso de su hermanastro y los intentos de violación de sus compañeros de clase"

La película es una crítica poderosa e incisiva a la cultura de la pureza, los privilegios del hombre, el consentimiento y la violencia sexual en Estados Unidos. Sin embargo, su éxito mayoritario con la crítica no se vio reflejado en la taquilla, y tras un estreno limitado en 2008, Vagina dentada apenas recaudó 2 millones de dólares. Lo más inquietante quizá sea que fue superada por 27 vestidos, de Katherine Heigl, una infumable y torpe comedia romántica sobre una dama de honor perpetua. Sin embargo, con el tiempo, Vagina dentada fue adquiriendo mayor relevancia, como una dentadura en un vaso de agua.

Eso no quiere decir que de repente ahora la película guste a todo el mundo. Una crítica feminista de renombre con la que contacté para este artículo se negó a hablar de la cinta porque había sido escrita y dirigida por un hombre. Opinión que también comparte Alexandra Heller-Nicholas, que dedica un capítulo de su libro Rape-Revenge Films: A Critical Study (2010) a hablar de ella. “El hecho de hablar del femenino monstruoso no te da acceso libre al canon del cine de terror”, nos dijo en un mail.

“Vagina dentada parte de un concepto muy bueno para una película, pero el resultado final parece tener menos que ver con la mujer y su cuerpo y más con lo que el cuerpo femenino puede hacer a los hombres”. Hay partes de la película que han envejecido muy mal con respecto a la evolución de nuestro concepto del consentimiento. Me refiero en concreto a una escena en la que Ryan, compañero de clase de Dawn, le da un sedante antes de masturbarla con un vibrador (un error que el propio Mitchell Lichtenstein reconoce abiertamente en nuestra conversación).

Pese a todo, incluso después de una década, Vagina dentada sigue atrayendo a nuevos fans, sobre todo gracias a la capacidad del streaming en línea de llegar al público más joven. “Estaba en casa de una amiga en Nueva Jersey”, explica Pierpoline, “y su hija de 16 años me preguntó, gritando: ‘¿Tú hiciste Vagina dentada? ¡A mí y a mis amigas nos encanta esa peli!’. Se le iluminaba la cara mientras me contaba que en el preestreno estuvieron repartiendo pósteres de la película a una multitud de devotas fans. “Fue una sensación muy agradable”.

El cartel es radicalmente distinto al que finalmente eligió la distribuidora. El póster de Pierpoline y Liechtenstein muestra a una heroína con el pelo despeinada con la que es fácil identificarse, y su tono da a entender a las claras que Vagina dentada es tanto una cinta cómica como de terror. Por otra parte, el cartel escogido por la distribuidora tiene un estilo más en la línea de los estereotipos convencionales del cine de terror: Dawn aparece tumbada en una bañera blanca, con la cara totalmente inexpresiva. No hay rastro alguno de la agudeza o inteligencia que Weixler aporta al personaje y que queda patente en el primer cartel. Bajo esta imagen, la palabra Teeth (título original en inglés) escrita con letras rojo sangre sobre un fondo negro.

Cuando se estrenó Vagina dentada, yo era una adolescente, y recuerdo descartar verlo porque según el cartel, parecía ser una película de miedo. Cuando se lo comento a Pierpoline, durante una fracción de segundo sus ojos se oscurecen y en su rostro se refleja la indignación. “Creo que era una película adelantada a su tiempo, y la campaña de marketing con la que salió le hizo un flaco favor. La gente no se atrevía a verla de buenas a primeras”.

"Está claro que Vagina dentada no es porno. Tampoco es cine de terror, realmente. El hecho de que Dawn pueda castrar a los hombres no la convierte en un monstruo"

Ahora, Pierpoline y Lichtenstein están negociando una adaptación televisiva de la película. Pese a que el tiempo se ha mostrado amable con la cinta, sus creadores siguen recibiendo muchas negativas. Al parecer, una serie de televisión de Vagina dentada hoy sigue resultando igual de indigesta para los ejecutivos de Hollywood como lo era en 2007.

“Nos gustaría convertirla en una serie de televisión en la que Dawn fuera una especie de ángel vengador, estilo Dexter, pero creo que la gente todavía no está preparada”, explica. “Sigue habiendo muchos hombres al mando de agencias y departamentos y sigue siendo una serie sobre vaginas”.

Como ya pasó con el agente de Lichtenstein en 2007, esta vez los ejecutivos de la industria han intentado convencer a Pierpoline de que un remake de la película en formato de serie de televisión sería muy mala idea. Sin embargo, Pierpoline se niega a tirar la toalla. “¿Pero por qué no?”, exclama. “Es original. Es divertida. Su protagonista es una mujer fuerte”.

Pierpoline es una luchadora y no tiene intención de rendirse. Antes de irme, me sorprendo prometiéndole que le enviaré un contacto de VICE para que le haga la propuesta del remake televisivo. “Entonces, espero noticias tuyas”, responde con firmeza. ¿Quién sabe? Quizá algún día Dawn O’Keefe regrese para morder alguna polla más.

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El enorme éxito de 'Scream' provocó un breve repunte del slasher, subgénero de terror popularizado en su momento por títulos como 'La noche de Halloween' o 'Viernes 13'. Uno de los aspectos más celebrados de la cinta dirigida por Wes Craven fue su potente inicio, en el cual un temible asesino acechaba a una joven interpretada por Drew Barrymore. Ahora Kevin Williamson, guionista de la película, ha querido explicar cómo se hizo ese mítico comienzo de 'Scream'.

La película juega mucho con las reglas no escritas del cine de terror y Williamson decidió que lo mejor era jugar con ellas, siguiéndolas al dedillo en ocasiones y desviándose completamente en otros casos para que el espectador no supiera lo que le esperaba. El inicio pertenecía al segundo y para ello resultaba imprescindible contar con una estrella para que su asesinato tuviese el efecto buscado a la muerte de Janet Leigh en 'Psicosis'. Así explica Williamson cómo acabaron contando con Barrymore para el papel:

Inicialmente estaba previsto que Drew interpretase a Sidney Prescott y estábamos buscando a una actriz aún más importante para la escena inicial. Por aquel entonces, Alicia Silverstone lo era, acababa de estrenar 'Clueless (Fuera de onda)', pero entonces Drew nos dijo: "En realidad solo quiero aparecer en la escena inicial. Es mi parte favorita de la película". Y eso nos vino genial.

Williamson aclara en su explicación para Vulture que necesitaban que el espectador tuviera una conexión instantánea con ella y que eso fue lo que aportó Barrymore: "Conectas con ella de inmediato y ves el miedo pasando por sus ojos a medida que empieza a sentir nerviosa e incómoda.". A su vez, destaca el gran uso de la actriz del lenguaje corporal en función de lo que quería transmitir y apunta cómo abordó la situación Barrymore:

Drew tenía claro que no quería ver al hombre detrás de la voz. Lo teníamos en una tienda separada y tuvimos que mantenerle alejado de la vista de Drew. Ella solamente quería escuchar la voz y tener miedo de ella. No quería ponerle cara.

Williamson reconoce la inspiración en el inicio de 'Llama un extraño', hasta el punto de que inicialmente el personaje de Barrymore estaba haciendo de canguro. Pronto vieron que eso era innecesario y fueron eliminando otros detalles como que el asesino hacía muchas más preguntas, jugando además con la percepción del público para que pensase que iba a sobrevivir. Además, se alteraron varios detalles de guion en función del escenario que tuvieron a su disposición:

Cambiamos algunas cosas basándonos en la casa y la localización como la forma de salir de ella o cuando mira a la ventana y ve que está mirándola fijamente. Todos esos momentos se hicieron sobre la marcha debido a la casa. Queríamos una casa con ventanas en todas partes. Wes siempre fue un gran defensor de rodar en localizaciones. Quería ver en todo momento las ventanas para que el público viese el peligro o no viera la amenaza que estaba acechando ahí fuera.

En cinco días completaron el rodaje del inicio y el resto ya es historia.

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La noticia 'Scream': su guionista explica cómo se creó uno de los mejores inicios del cine de terror fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

En Intimidades, Leela Corman recrea las calles del Lower East Side neoyorquino de principios del siglo XX para narrar la vida de los inmigrantes a través de dos hermanas, Esther y Fanya, aunque su trasfondo tiene más que ver con el empoderamiento femenino que con la llegada de los judíos europeos a Estados Unidos

Nueva York, 1910. Esther y Fanya apenas tienen seis años, pero lejos de disfrutar de la vida que corresponde a dos niñas de su edad hoy en día, las gemelas deambulan por ese hervidero de estímulos que son las calles del Lower East Side neoyorquino de principios del siglo XX: comerciantes, gatos, ruido, gente, mucha gente. Hijas de inmigrantes judíos, las hermanas viven su barrio a través de las conversaciones que se mantienen en la tienda de su madre, de los juegos callejeros con los niños de los vecinos y de las habladurías de escalera.

Abocadas a repetir la vida de su madre, todo cambia cuando Fanya aprende a leer con ayuda de Bronia, una mujer que se ha ganado la fama de “pritse” –mujer impúdica en yiddish–, aunque realmente lo que hace es ejercer de obstetra y realizar abortos ilegales en su piso, y Esther comienza a trabajar para una mujer que regenta un teatro de variedades y un burdel a espaldas de su familia. A partir de ese momento, vemos cómo las hermanas se separan cada vez más a medida que van creciendo, llegando a romper lazos por completo una vez alcanzada la adolescencia. Ya adultas, cada una lucha de una forma bien distinta por alcanzar su particular sueño americano.

Leela Corman, conocida también por su trabajo como ilustradora, publicó por primera vez esta novela gráfica en 2012 y su éxito fue bastante notable: ganó Le Prix Millepages en 2013 y fue nominada, entre otros, en los premios Eisner. Las traducciones no tardaron en llegar y, de hecho, La Cúpula ya editó este título en 2012. El cómic que vemos ahora es, de hecho, una reedición en rústica con una nueva portada, y la excusa perfecta para volver a acercarnos al trabajo de Corman.

Con un estilo de trazo grueso y orgánico, a medio camino entre Craig Thompson y Marjane Satrapi, la dibujante estadounidense compone toda su obra en una sucesión de blancos y negros tan solo interrumpidos por escalas de grises. Aunque su fortaleza reside realmente en la (aparente) facilidad con la que narra el bullicio: en la ciudad, en el teatro, en el burdel… sus escenas están llenas de movimiento y esto favorece un ritmo de lectura ágil y, a la vez, una inmersión total en las calles neoyorquinas.

Pero lo verdaderamente interesante de Intimidades es, precisamente, eso: las pequeñas cosas que van sucediendo y que más que componer el retrato de una de las primeras generación de inmigrantes judíos llegados a Nueva York dibuja a aquellas mujeres que decidieron, a principios del siglo XX, tomar las riendas de sus cuerpos y sus vidas. Y lo hace, precisamente, a través de estas dos hermanas que, a pesar de las diferencias, toman decisiones muy parecidas: ambas quieren ser dueñas de su tiempo, su trabajo, su dinero y sus cuerpos. Aunque las formas en las que llegan a ello sean totalmente opuestas.

Por ejemplo, a través del personaje de Fanya, conocemos cómo fueron los inicios de lo que más tarde se convertiría en la planificación familiar. Estas mujeres con conocimientos de obstetricia, como Bronia y más tarde Fanya, se encargaban de asistir a las parturientas, ayudar a aquellas con embarazos no deseados y, sobre todo, a intentar (siempre que fuera seguro) dar información para una sana y deseada vida sexual. Eran mujeres rebeldes, como Margaret Sanger, defensora implacable de los derechos de la mujer y fundadora de la Liga americana para el control de natalidad que, años más tarde, daría paso a lo que hoy conocemos como planificación familiar y a la que Peter Bagge retrató precisamente en La mujer rebelde (La Cúpula, 2016). Además, Fanya es soltera por convicción, aunque ello no le impide tener una relación estable con su amante, y considera el matrimonio una forma más de someter a la mujer.

Esther, por su parte, nos muestra otro lado igual de oscuro y violento al que se veían sometidas las mujeres inmigrantes: la prostitución. Su trabajo en el teatro de variedades termina por arrastrarla al burdel, y sólo la ayuda de un hombre consigue salvarla. Aunque lo que realmente le salva es su talento y determinación, Esther termina siendo dueña de su éxito (y de su teatro) gracias a un cuerpo hermoso y una cabeza fría curtida a través de su amarga experiencia en el cabaret. Leela Corman dibuja un escenario desolador para la mujer en el que solo pueden ser o sufridas esposas y madres o putas para despedazarlo después con la fortaleza de dos hermanas empoderadas que creen que otra condición es posible para la mujer. Ser dueñas de sus vidas es el verdadero sueño americano de Esther y Fanya.

 

Tumblr siempre ha sido el espacio de referencia para la comunidad LGBT, los artistas y toda clase de fandoms difícilmente considerados mainstream. Por eso, su decisión de prohibir cualquier clase de material que se pueda considerar obsceno, sólo significa una cosa: un clavo más en el ataúd de la neutralidad de la red.

Internet nos gusta tanto porque es libre. No importa cuáles sean nuestros intereses, porque en Internet siempre habrá alguien que los comparta. Acerca a las personas, nos descubre cosas nuevas, amplia nuestros horizontes y democratiza el acceso y la producción a la cultura. Pero hay a gente a quien no le parece bien y quiere ponerle puertas al campo. Y el último caso es el de Tumblr, que ha decidido retirar todo aquello que pueda ser considerado obsceno.




Sus motivos para hacerlo son los mismos que para el resto de Internet. Tras la aprobación de la ley FOSTA-SESTA contra el tráfico sexual, una de las medidas que impone esta ley en el territorio estadounidense afecta directamente a las plataformas de Internet. Si hasta ahora la responsabilidad personal sobre el contenido que se compartía recaía en el usuario, con esta ley la responsabilidad recae en las compañías que alojan ese contenido. Es decir, si un usuario sube a Tumblr o cualquier otra plataforma de Internet contenido sexual tipificado como delito, las consecuencias legales las sufrirá tanto el usuario como la empresa.

Esto, que ha tenido efectos devastadores sobre la prostitución de personas autónomas en EEUU, con un efecto aún desconocido sobre las grandes redes de tráfico sexual, ha llevado a que todas las empresas blinden sus controles en lo que a contenido sexual se refiere. Y en el caso particular de Tumblr, se ha llevado al extremo.

Tumblr ha sido, históricamente, la plataforma preferida de los colectivos vulnerables. Siendo defensores de la neutralidad de la red y haciendo una saludable combinación de texto e imagen, fue el lugar de preferencia de la comunidad LGBT, además de no pocos artistas, que veían allí un lugar de libre expresión. O lo fue hasta que fue adquirido por Verizon Communications en 2017.

Al igual que otras plataformas como Twitter, Tumblr ha tenido algunos problemas comunitarios. Principalmente, la proliferación de una comunidad neo-nazi, intentando apropiarse de la plataforma, y una muy reducida, y siempre caminando en un territorio de dudosa alegalidad, cantidad de artistas de lolicon y otras formas de arte pornográfico que involucran a personajes de ficción menores de edad. Y a la llegada de Verizon y la aprobación de la FOSTA-SESTA, decidieron tomar medidas sobre uno de estos problemas.

Pero como en el caso de Twitter, no fue precisamente silenciar a la extrema derecha.

Con la excusa de la proliferación de una cantidad inaceptable de pornografía, que no superaba el 22% del contenido y que provenía especialmente de fanart, obras artísticas y bots, Tumblr ha decidido prohibir en su web todo el contenido inapropiado. Entendiendo por inapropiado cualquier representación sexual, genitales claramente visibles o cualquier forma de desnudos femeninos, no así los masculinos.

Eso ha creado un cisma brutal entre las intenciones de la comunidad y de la empresa. En el contenido, en querer tener un espacio donde compartir arte erótico o pornográfico junto con otras formas de arte no necesariamente obscenas, pero también en el continente, ya que Tumblr, al igual que Facebook, considera que hay algo inherentemente sexual e inapropiado en los pezones femeninos, que por alguna razón resulta inexistente en los masculinos. Todo ello, amplificado por un algoritmo claramente incapaz de diferenciar el contenido que la plataforma considera pernicioso del que no.

A causa de eso, Tumblr ve amenazada su existencia. Pezones, desnudos femeninos o incluso representaciones gráficas de la regla pasan a ser consideradas obscenas. Inapropiadas. Igualadas a la pornografía que, al mismo tiempo, se ve igualada a la  pornografía infantil y a la explotación sexual. Algo particularmente alarmante, considerando que están metiendo en el mismo saco delitos aborrecibles claramente tipificados en la ley con el hecho de ser mujer y tener un cuerpo o pertenecer a la comunidad LGBT y existir.

Esa es la razón por la que, si Tumblr no recula, será un gran golpe para minorías como la comunidad LGBT, las mujeres y los artistas. Para su libertad. Porque les quitarán uno de los pocos espacios donde, hasta hace unos días, podían comunicarse libremente según sus propios términos. Haciendo que la neutralidad de la red se vea comprometida, una vez más, del lado de los más débiles; haciendo que todo lo que hace bella a la idea de Internet se difumine al sólo dejar que se expresen dos tipos de personas: quienes siempre han tenido voz y los neo-nazis.

La entrada Tumblr ha muerto (y con él la neutralidad de la red) aparece primero en Canino.

Achegarse á epopea do Conde de Andeiro é iniciar unha viaxe a unha figura fascinante, obxecto a un tempo de mitificación e esquecemento debido á dimensión e incomodidade da súa biografía. Biografía que o Concello de Cambre pretende resgatar do baúl para a divulgar, contextualizar e dignificar, “facendo xustiza a un patriota galego inxustisimamente descoñecido cando non menosprezado”, afirmou na mañá da cuarta feira o concelleiro de Cultura, Dani Carballada.

 

O conde de Andeiro defendeu no seu momento unha solución atlantista para afianzar e perpetuar a soberanía da Galiza, vinculando o país a Inglaterra, onde residiu como embaixador, e a Portugal, onde chegou a ser unha figura clave e referencial, que pervive a día de hoxe, en grande medida deturpada, no imaxinario colectivo do país. “Baixo a súa iniciativa, A Coruña proclamou Fernando O Fermoso de Portugal rei da Galiza, trasladando a súa corte á capital herculina, que chegou a emitir moeda propia e a manter relacións internacionais plenamente soberanas nun período histórico que só rematou logo do asedio e ataque dos exércitos casteláns, tras a derrota, que non rendición, da Coruña, vencida xa o resto da nación”, explicou o edil de Cultura.
 

Conmemoración

 

En colaboración coa Asociación Veciñal A Torre de Andeiro, o Concello conmemorou a I Xornada de Irmandade Galego-Portuguesa Conde de Andeiro. Precisamente, a pista deportiva que leva o nome do conde acolleu a primeira hora da quinta feira un repertorio especial de composicións galegas e portuguesas a cargo da banda de música da escola Sementeira de Cambre en compañía do grupo de música tradicional da entidade. Foi un percorrido por séculos de tradición musical, alén de lingüística, común entre ambas beiras do Miño e que rematou co emblemático Grândola Vila Morena.

 

A continuación, estreouse un pequeno documentario divulgativo sobre a figura do Conde de Andeiro, co obxecto dar a coñecer en apenas 10 minutos os aspectos máis salientábeis da súa vida. A sorpresa da xornada chegou cando ao pé do cruceiro situado nas inmediacións da igrexa de San Martiño fixo aparición o conde de Andeiro, quen, no día en que se facían exactamente 635 anos da súa morte, semellaba estar máis vivo que nunca. Foi posíbel grazas á recreación histórica que realizou o actor e historiador Suso Martínez, que debuxou un percorrido teatralizado pola parroquia e que rematou nos restos da primitiva Torre na que naceu o conde de Andeiro e na que chegou a hospedarse o rei Fernando de Portugal.

 

A presidenta da asociación veciñal, María José Naya, e os concelleiros de Cultura e de Deporte, Dani Carballada e Brais Cubeiro, amosaron a súa satisfacción polo balanzo positivo dun acto que se prolongou pola tarde cun animado obradoiro para crianzas e coa posterior conferencia a cargo da normalizadora lingüística municipal Alicia Longueira e da historiadora Águeda Rei. A palestra derivou nunha sorte de faladoiro en que se reflexionou sobre o devir de Galiza se trunfasen as teses e proxectos de Andeiro.

 

Día do Conde de Andeiro

 

A xornada naceu para ficar, en palabras do Concello de Cambre, “será de agora en diante o Día do Conde de Andeiro”, afirmou Carballada, que dixo sentirse satisfeito por dar a coñecer “unha historia que estaba esquecida e soterrada”. “Nós mesmos, aquí, en Andeiro, sabiamos da Torre e sabiamos da existencia do conde, pero descoñeciamos en grande medida a historia, o seu contexto e a súa importancia, de aí que sexan necesarias iniciativas como esta”, expuxo a representante veciñal.

 

“Dentro dun tempo o Conde de Andeiro será unha figura popular, moito máis coñecida e valorada dentro e fóra de Cambre, será un atractivo máis, un elemento diferenciador e un factor de orgullo e autoestima para a Galiza toda, ademais dun símbolo da nosa historia común con Portugal”, puxo de manifesto o edil de Cultura ao concluír a xornada.

 

O tamén concelleiro Brais Cubeiro indicou que "toca primeiramente dar a coñecer máis e mellor o Conde de Andeiro como paso previo para, en vindeiras edicións, afondar e abrir espazos á irmandade, á amizade e ao convivio con Portugal, porque esa é a mensaxe e a filosofía desta iniciativa, consolidar un foro de entendemento e colaboración entre dúas nacións irmás, aberto á participación do tecido asociativo e de axentes sociais e culturais”.

iOS •

Plague, Inc. was one of the early App Store success stories, eventually pulling in over 100 million downloads. Thus, creator Ndemic Creations is responsible for the wholesale slaughter of trillions of digital humans. They’re basically the Earth equivalent of the people on Eminiar VII. [Deep cut, nerd. Also, the people on Eminiar VII and Vendikar were disintegrated after the computer simulation. Gah, why do I even bother with this guy? -ed.] Having destroyed humanity so many times, Ndemic has shifted their focus. Instead of a global lens, their new game, Rebel, Inc., focuses on a single country and all the fun that comes along with counter insurgency. Yep, it’s a war game, of sorts. There aren’t hexes or counters, but the point of Rebel, Inc. is to quell a post-war insurgency by winning over the hearts and minds of the people.

Like its predecessor, Rebel, Inc. is more than a game, it’s a fairly hardcore sim. Ndemic has done a ton of research into counter insurgency and this is the result.

Can you stop the Insurgency? Rebel Inc. is a unique and deeply engaging political/military strategic simulation from the creator of ‘Plague Inc.’

The war is ‘over’ – but we all know that doesn’t mean anything. To stabilise the country, you need to balance military and civilian priorities to win the hearts and minds of the people, whilst also stopping insurgents from seizing power!

Rebel Inc. is the brand new game from the creator of ‘Plague Inc.’ – one of the most popular paid games ever with over 100 million players. Brilliantly executed with beautiful graphics and critically acclaimed gameplay – Rebel Inc. offers a deeply engaging, strategic challenge inspired by the complexities and consequences of modern counter insurgency.

The game offers five different regions to play in with different governors to appoint, initiatives to enact, and insurgents to calm. Why am I trying? Here’s the blurb:

Features:

• Stabilize five richly modeled regions
• Innovative representation of counter insurgency tactics
• Fund realistic initiatives to empower the local government
• Highly detailed, hyper-realistic world based on extensive research
• Intelligent strategic and tactical AI
• Sophisticated narrative algorithms shaped by your decisions
• Six unique governors with radically different abilities
• Comprehensive in-game help and tutorial system
• Full Save/Load functionality
• Internet connectivity not required

Rebel, Inc. is available today for iOS (an Android version is planned for early 2019) and can be picked up for $2. If Plague, Inc. is any indicator for Rebel, Inc.’s future then we can expect a slew of additions to the game as time goes on. Who knows, we might even see a cardboard version somewhere down the road.

• Rebel, Inc. for iOS Universal, $2

Varios cerdos fueron sacrificados en la carballeira de Francos, en Teo

Compostela, 6 de decembro do 2018 – Santiago contará desde hoxe cun novo espazo gastronómico baseado no produto, e de raíces claramente galegas, baixo o nome de Boanerges. Boanerges foi o nome que Xesús dou aos Apóstoles Santiago e Xoán e quere dicir fillo do trono, unha clara referencia a cidade que o acolle. Como [...]

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Compostela, 7 de decembro do 2018 – A Escola de Ensino Galego Semente de Compostela lanza nas redes sociais a campaña “Xa vén o  Apalpador!” con  dous vídeos,  unha obra de  Títeres, carteis e folletos informativos. O  Apalpador A Semente presenta este mes de decembro, coa  colaboración do Concello de Compostela, un proxecto de  animación [...]

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El Belén Artesanal de Valga contiene más de 4.300 figuras que recrean desde el nacimiento a la crítica social y política. En la obra de este año cobra especial protagonista la cárcel, con Luis Bárcenas, Iñaki Urdangarin y dos personajes que han generado polémica: El Chicle y Ana Julia Quezada.

Algunos visitantes e internaturas consideran que la recreación del asesino de Diana Quer y la mujer acusada de matar al niño Gabriel es morbosa y poco adecuada para el público infantil. Sin embargo, los creadores del belén defienden que se trata de dos personajes de actualidad en la crónica negra del país. "É unha cousa que por desgracia pasou e consideramos que a tiñamos que poñer. Senón tamén teriamos que sacar a Herodes do nacemento porque tamén matou nenos", argumentó uno de los organizadores en declaraciones a la TVG. Los autores explican que esas figuras se hicieron como un "recuerdo" a las víctimas y no para "ofender a ninguén".

En el plano político, la crisis catalana ocupa un lugar significativo en el belén, así como el chalet de Pablo Iglesias, el cambio en la Presidencia del Gobierno o Abel Caballero y las luces de Navidad de Vigo. 

Más de 30 vecinos participaron montando los 400 metros que belén, que abrió sus puertas al público este fin de semana.

El belén, las luces y ahora las centollas son parte de la decoración navideña o, por lo menos, así ocurre en O Grove. 

Con una altura de cinco metros, el árbol de Navidad, ubicado en la Praza do Corgo, presume de estar adornado con el que se considera "el rey del marisco". La idea fue impulsada por la asociación de empresarios de O Grove, Emgrobes, según informa la TVG, con el objetivo de poner en valor su producto estrella.

Tanto autoridades como la cofradía de la localidad contribuyeron en la elaboración de un programa de actividades para estas fechas en las que se incluye esta original propuesta. 

Ahora, los caparazones de las centollas, que se consumieron en los establecimientos de O Grove durante las jornadas de su promoción, tienen una segunda vida y, esta, es mucho más navideña.

Whose music do you put on when the holiday season comes around? Perhaps musicians like Lonnie Holley, Gurrumul, Erkin Koray, and Juan Luis Guerra? Maybe you've just thrilled with recognition at one or more of those names, or maybe you've never heard of any of them — but in either case, you should get ready for a highly unconventional holiday experience featuring their songs and those of many others, all of them curated by David Byrne. Each month the peripatetic, oft-collaborating musician and former Talking Heads frontman posts a new playlist on Radio David Byrne, and the latest, "Eclectic for the Holidays," will get us into a kind of seasonal spirit into which we've never got before.

"So... who recommends this stuff to me?" Byrne asks. "I’ve known Lonnie Holley as an artist for quite some time. I saw him do a show at National Sawdust not too long ago with trombonist Dave Nelson, who toured with St. Vincent and I a few years ago."

"I heard an orchestral interpretation of this song by Gurrumul when I was waiting to do an interview at the radio station in Melbourne, Australia. I asked, 'Whose music is that?'" "Erkin Koray I heard after first hearing Barış Manço, who may have been recommended by some friends in Istanbul when I was there years ago... Turkey had a serious psychedelic period." "Juan Luis Guerra may have been recommended many years ago by music journalist Daisann McLane at a music festival in Cartagena, Colombia."

The 41-song journey that is "Eclectic for the Holidays," which you can take on Spotify or on Byrne's official site, offers not just a chance to happen upon intriguing artists you'd never come across before — as happened to Byrne in all those chance encounters that went into its construction — but a break from the same fifteen or twenty songs that have long dominated the holiday-season rotation in homes and public spaces around the world. The holidays themselves teach us that tradition has its place, but Byrne, whose compulsion to discover new music from an ever farther-flung range of societies and subcultures, shows us that you can't let them get you comfortable enough to close your ears.

via BoingBoing

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Based in Seoul, Colin Marshall writes and broadcasts on cities, language, and culture. His projects include the book The Stateless City: a Walk through 21st-Century Los Angeles and the video series The City in Cinema. Follow him on Twitter at @colinmarshall or on Facebook.

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Leite Larsa lanza al mercado ‘Leite con castañas’, poniendo a disposición del usuario de “forma sencilla y simple” un poste tradicional que contiene leche entera, leche en polvo descremada, castañas y azúcar.

La castaña es un fruto seco en boga que se utiliza con frecuencia en la gastronomía gallega para todo tipo de usos: cremas, salsas, acompañamientos, entre otros. Sin embargo, su dureza y su prolongado tiempo de cocción son algunos de los motivos que dificultaban que se elaborase en casa habitualmente. Por eso, y en palabras de Larsa, este nuevo producto hace que el tradicional postre se convierta en una  opción “más accesible” para las familias.

‘Leite con castañas’, a la venta desde el 26 de noviembre, se presenta en el mercado envasado en un tarro de cristal de 115 gramos a un precio de 1,68 €.  La castaña enriquece su valor nutricional, dando lugar a una alternativa rica en grasas, proteínas, minerales y vitamina C. Es un postre sin gluten de 121 Kcl por ración.

‘Leite con castañas’ parte de una iniciativa que surgió de la mano de Pablo Fraga Gontán, un ingeniero agrónomo de Lugo. El autor resultó ganador del premio “Innovación Saludable Impulsando Galicia. Larsa decidió apoyar la idea colaborando en el desarrollo del producto y cediéndole el 20% de las ganancias obtenidas con su comercialización.

La entrada Larsa comercializa ‘Leite con castañas’ aparece primero en BenBo - Revista gastronómica.

Uno de los afectados resultó herido en una mano, mientras que el otro perdió un diente por los golpes

La Audiencia no consideró probado que las sustancias que se le incautaron fuesen para vender a otras personas

Around this time each year, Apple reveals the top apps, games, developers, and trends across iOS and macOS. This year’s top iOS choices are both from the same publisher. Annapurna Interactive has published some amazing games across all platforms in recent times and the games featured by Apple for 2018 are two of my favourites from the publisher. Ben Esposito’s Donut County ($4.99) has been in development for a while and it was great to finally play and experience it. Bonus points for the superb iMessage stickers it includes. Watch the trailer for it below:

Read our review of Donut County here. It won best iPhone game from Apple. On the iPad side of things, Jason Roberts’ excellent Gorogoa ($4.99) is Apple’s winner for this year. It released in December 2017 and we loved it. Read our review here. While Donut County has seen a release on iOS, PC, and PS4 platforms, Gorogoa is available on Switch as well. Watch the trailer for Gorogoa below:

The ‘Best of 2018’ blog post from Apple also highlights the Battle Royale trend and features both PUBG Mobile and Fortnite alongside Clash Royale and Hearthstone for some reason under the same trend. I’m not sure why those two were featured in the trend but this is where we are right now. It is going to be interesting seeing the top downloads across different categories when they are revealed. If you haven’t played Donut County or Gorogoa, fix that soon because they are great.

“Como en el capítulo de ‘Friends’ en el que…” es una coletilla que no es difícil de oír en una conversación. Las referencias a ‘Friends’ forman parte de la vida de quien se ha tragado temporada tras temporada y lío tras lío, que ha reído -y llorado- con sus personajes y que se toma su tiempo para reflexionar, muy serio, que es Rachel “pero a veces un poco Joey, por la comida”. La periodista Kelsey Miller reconoce en la serie “ese afecto inconfundible y transformador que solo puede existir entre los amigos de verdad: esa red que te recoge cuando la familia te decepciona o se deshace”. Especializada en cultura pop, ahora publica ‘I’ll be there for you’ (Harper Collins), un repaso minucioso y nostálgico detrás de las cámaras, con anécdotas, datos desconocidos o el alcance de su impacto cultural, firmado con el cariño y la clara devoción que solo puede tener un fan.

Friends nació como el espejo en el que iba a poder mirarse -y reírse- la Generación X norteamericana, pero ha traspasado fronteras, tanto físicas como generacionales. Veinte años después, sus reposiciones siguen recabando buenos datos de audiencia y nos apetece ver una y otra vez las idas y venidas de Ross y Rachel. No es solo una serie de un grupo de amigos que se reúnen para pasar el rato, premisa bajo la que nació. Si no, no se explicaría ese éxito arrollador. Se calcula que, semanalmente, unos 16 millones de estadounidenses ven sus reposiciones. Eso solo en televisión, sin contar que desde 2015, Netflix, una plataforma con 118 millones de suscriptores, cuenta con los derechos de streaming. ¿Qué es lo que la hizo -y la hace- tan irresistible? “Cuando una serie tiene tanto éxito como tuvo Friends, eso cambia y de pronto parece que se trata de una decisión mucho más cargada de significado”, explica Miller. “Reflejaba la vida real, solo que un poquitín mejorada”.

Millones de Rachels y cafeterías "tipo Friends"

Cuando hablamos de ‘Friends’, lo hacemos también de un fenómeno social. En ‘I’ll be the for you’, Miller remite al crítico y escritor Chuck Klosterman para ejemplificarlo con una frase muy común entre los espectadores durante la primera gran oleada de pasión por ‘Friends’. Una frase que se sigue escuchando hoy: “Pero, ¿cómo pueden permitirse ese piso?”. “Lo cual demuestra también que ‘Friends’ estaba teniendo un gran impacto sociológico. Se nota cuándo una telecomedia se vuelve significativa cuando la gente empieza a preocuparse por su verosimilitud”.

En 1997, en una parte del mundo solo existía un peinado: el de Rachel. Se había dejado el pelo más largo y llevaba con un corte más sencillo que se estaba reproduciendo en todas las peluquerías de Estados Unidos “o de cualquiera de los muchos países donde se emitía ‘Friends’”. En 2010, un estudio británico realizado por la empresa Goody reflejaba que, solo en Reino Unido, unos once millones de mujeres se habían hecho el mismo corte de pelo que lucía Jennifer Aniston. En algún momento de la segunda temporada, ‘Friends’ ya había ascendido a una posición de la que no iba a bajarse y millones de cabezas eran la prueba. La propia Aniston llegó a estar harta de que la tomaran por un peinado andante. “¿Por qué se fijan en mí por mi corte de pelo y no por mi trabajo?”, dijo en una entrevista.

“La moda es quizá el ejemplo más claro del impacto que tuvo la serie”, explica Miller. Había series como ‘Sensación de vivir’ en las que la moda tenía un papel más importante y sus personajes aparecían con versiones más rebajadas de grandes diseñadores. ‘Friends’, mientras, mostraba “una versión mejorada de la ropa real”. En 1999, la revista francesa Madame Figaro publicó un reportaje con seis modelos -3 chicas y 3 chicos- muy parecidos a los personajes y con unos escenarios muy inspirados en la serie. El reportaje se llamaba ‘Let’s be friends’. Con el impacto global de ‘friends’ en el sector de la moda, “empezó a darse una paulatina informalización”, explica la directora del departamento de Estudios del Traje y la Indumentaria de la Universidad de Nueva York. “Fue el carisma del reparto lo que hizo que triunfara ese look”.

Por entonces, la influencia ‘Friends’ en la sociedad no solo se dejaba ver en la parte estilística. Miller relata que, al mismo tiempo que crecía la popularidad de la serie, empezaron a surgir cadenas de cafeterías en diferentes partes del mundo. Cuando abrió el primer establecimiento de la cadena londinense Coffe Republic, la gente no sabía lo que era. “Se nos conocía como una cafetería ‘del tipo Friends’”, comenta el cofundador Sahar Hashemi a la autora. En India, la cadena Café Coffe Day abrió en 1996 y al poco ya tenía más de un millar de establecimientos en un lugar donde el té era la bebida caliente más habitual. “Sería muy exagerado afirmar que la serie originó por sí sola el ascenso de la actual cultura del café”, reconoce Miller. “Pero hay una infinidad de tendencias que la serie amplificó y a las que dio difusión, permitiendo que se extendieran por todo el globo”.

"Sin el 11-S, habría sido la última temporada"

Una mañana de martes, día de ensayo, Sean Penn iba a ser el actor invitado en la serie para interpretar a un exnovio de Ursula, la gemela de Phoebe. Cuando Lisa Kudrow se disponía a ir al plató, recibió una llamada del segundo ayudante de dirección. “Evidentemente, no vamos a ir a trabajar”, le dijo. Ella aún no sabía lo que acababa de pasar. “Han atacado Nueva York. O… Ni siquiera lo sé. ¿Han atacado el país? No lo sabemos”.

Después del atentado del 11 de septiembre de 2001, los productores de ‘Friends’ se encontraron en una encrucijada. ¿Podrían los personajes regresar a su Manhattan como si nada? ¿Habría que hacer un episodio especial? Al final decidieron que el 11-S también hubiera tenido lugar en el universo de ‘Friends’ con pequeños detalles: banderas en el Central perk, camisetas con ‘United we stand’, periódicos encima de la mesa, la Estatua de la Libertad en la pizarra de la puerta de Joey… El rodaje se reanudó, aunque aún pasaron varias semanas antes de que volviera a haber público en directo. En su lugar, recurrieron a empleados de la Warner Brothers.

“Mientras la herida de los atentados seguía abierta, series como ‘Friends’ tuvieron más importancia que nunca. Constituían una forma de evasión”. Miller cuenta también que un día, Matt LeBlanc leyó en Los Angeles Times que ‘Friends’ ya no era la comedia favorita de Estados Unidos, sino la serie a la que todo el país recurría en busca de consuelo y bienestar. El 27 de septiembre, el estreno de su octava temporada tuvo la mayor cuota de pantalla desde el episodio de la Superbowl, cinco años antes, y concluyó con una dedicatoria: “Al pueblo de Nueva York”. Los fans que habían dejado de ver la serie volvieron a engancharse en la octava temporada y le valió a ‘Friends’ su primer Grammy. “Probablemente nada de eso habría ocurrido si no hubieran tenido lugar los atentados del 11-S”, sentencia Miller. “Cualquier otro año, la temporada habría sido desmesurada o cansina, pero indudablemente habría sido la última”.

Si despedían a uno, se iban todos

Las decisiones y comportamientos de los actores se reflejaron de forma importante en la trama, los personajes o incluso en la propia continuación de la serie. Sus actos afectaron a los episodios, desde el principio hasta el final, incluida la propia cabecera. Una noche poco antes del estreno, los seis actores estaban tiritando, metidos hasta las rodillas en una fuente con un agua bastante fría. Bailaron e improvisaron como pudieron después de que la primera opción para la cabecera se desestimara por el mal tiempo pero horas después, calados y con los dedos arrugados, los ánimos estaban por los suelos. Estaba amaneciendo y tenían frío. “Ya no estábamos de humor para nada”, recuerda Lisa Kudrow. Estaban allí quietos, esperando indicaciones, cuando Matthew Perry rompió el silencio: “Ya no me acuerdo de cómo era mi vida antes de meterme en esta fuente”. Todos empezaron a reírse, alguien puso la cámar a grabar y capturó aquella escena. “En esos planos del final son ellos de verdad, haciendo el tonto mientras trataban de mantenerse despiertos”.

En aquel momento el casting ya estaba hecho pero podría haber sido diferente: la actriz a la que tenían en mente para que interpretaran a la niña mimada, mona y divertida que viene de Long Island era Courtney Cox. “Ni siquiera se les ocurrió que pudiera ser Monica”, insiste Miller. Pero Cox leyó el guion del episodio piloto y no pensó igual. Solo se identificó con uno de los personajes. “No, yo soy Monica”, les dijo. Los guionistas confiaron en ella.

Quizá lo más bonito de ‘Friends’ es que los seis actores también eran amigos en la vida real, algo que influyó en algunas decisiones que se tomaron detrás de las cámaras. En 1996 hubo un momento crucial, cuando el reparto, que entonces cobraba de forma desigual, se alió no solo para que empezaran a cobrar lo mismo, sino también para que les subieran el sueldo. “Acordaron que de allí en adelante cualquier decisión que tomaran la tomarían juntos, ya se tratara de dinero, de publicidad o de su continuidad en la serie. Incluso en lo relativo a los premios; participarían todos en la misma categoría: actor secundario, no protagonista”, relata Miller. También hicieron saber a los productores que, si uno de ellos era despedido, se marcharían todos.

Trabajar en equipo les beneficiaba claramente a la hora de hacer negocios pero su amistad también fue creciendo con el paso del tiempo, algo que encantaba a sus seguidores. “Se contaban toda clase de anécdotas acerca de que las tres chicas siempre comían juntas. Por ejemplo, que Jennifer y Courtney siempre comían lo mismo del catering del plató. Creo que era ensalada de pavo. Hasta ese detalle se comentaba”, explica a Miller la periodista Elaine Lui. Según la revista People, todos se volcaron con Lisa Kudrow cuando se quedó embarazada, haciéndole regalos para el bebé u ofreciéndose como canguros. Cuando Jennifer Aniston tenía problemas amorosos, Matthew Perry era “el hombro en el que lloraba”.

"Están todos hechos polvo"

Aniston, Perry, Cox, Kudrow, LeBlanc y Schwimmer afectaron al resultado final de la serie pero la serie, a su vez, esta influyó enormemente en sus vidas. En solo un año, todo cuanto conocían cambió por completo. “Dejaron de salir en grupo. Dejaron de salir, en general”, cuenta Miller. LeBlanc vivía por entonces en un edificio de pisos y a todas horas llamaban desconocidos a su puerta. “Tengo que comprarme una casa con verja”, pensó. Pudo permitírselo, claro. A Rachel, por su parte, por muchas películas que hiciera, le costó sacudirse el personaje de Rachel Green.

‘Friends’ era su vida. Al principio, quedaban los seis juntos los jueves para ver la serie, pero dejaron de hacerlo a medida que avanzaban las temporadas y ellos se iban haciendo mayores. “Pasamos cada vez más tiempo con nuestros seres queridos, la dinámica va cambiando”, contó Schwimmer en una entrevista.

La grabación del último episodio el 16 de enero de 2004 fue la -difícil- despedida a toda una vida. Estaban todos sentados en los sofás del Central Perk en un descanso, todos “llorosos y alicaídos”. “Tenían los ojos tan enrojecidos y se habían sonado tantas veces los mocos que los retoques de maquillaje se estaban haciendo eternos”, escribe Miller. LeBlanc fue quien soltó el comentario que lo empeoró todo: “¿Os dais cuenta de que esta es la última escena en la cafetería?” Todos rompieron a llorar y Kevin S. Bright, el director del episodio, salió del plató, dándose por vencido. “Es una crisis nerviosa, están todos hechos polvo”, les explicó a los productores.

La serie terminó de grabarse el 23 de enero, ya que el último episodio tenía una hora de duración. Curiosamente, terminó como empezó. Courtney Cox, que nunca fallaba una línea, se equivocó varias veces. “Se trastabillaba una y otra vez”, con las paredes lilas desnudas a su alrededor, listas para ser desmontadas. Cuando volvió a equivocarse, una tristeza y una tensión enormes llenaron el plató. De nuevo fue Matthew Perry quien, como diez años antes en mitad de una fuente helada, arrojó luz y risas para salvar la situación: “Me parece que van a despedir a alguien”, dijo. Después, Cox dijo bien su frase, culminando una etapa que marcó vidas.

Osamu Tezuka es uno de los autores de manga más reputados de todos los tiempos. A él le debemos obras como 'Astroboy' o 'Adolf', pero la que ahora nos interesa es 'Bárbara', un manga erótico que prepara su desembarco en la gran pantalla con una película en acción real. Por ahora tendremos que conformarnos con poder ver el tráiler de 'Tezuka's Barbara'.

Publicada originalmente entre 1973 y 1974, 'Bárbara' cuenta la historia de un escritor de éxito que requiere de algo de alegría en su vida, lo cual le lleva a contactar con Bárbara, una joven con problemas con la bebida y que ha pisado en demasiadas ocasiones una comisaría. A cambio, también tiene la habilidad de alegrar a cualquiera, lo cual hará que su relación con el mencionado escritor para por todo tipo de altibajos.

Tezuka se inspiró para la creación de 'Bárbara' en la ópera 'Los cuentos de Hoffman' y en ella abordó varios tabúes en la época que van desde el amor prohibido hasta el ocultismo. No obstante, han pasado más de 50 años desde entonces y habrá que ver si lo que impactó en su momento también lo consigue en la actualidad.

La película será una co-producción entre Japón, Reino Unido y Alemania que cuennta con la presencia detrás de las cámaras de Makoto Tezuka, hijo del autor del manga, quien hasta la fecha ha firmado cintas como 'Tokyo Shutter Girl' o 'Shinkuronishiti'. Por su parte, el reparto está liderado por Fumi Nikaido, Goro Inagaki, Shizuka Ishibashi, Kiyohiko Shibukawa y Eri Watanabe.

El estreno de 'Tezuka's Barbara' está previsto para 2019, pero todavía no se ha anunciado la fecha exacta.

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La noticia Tráiler de 'Tezuka's Barbara', la adaptación en imagen real del manga erótico de Osamu Tezuka fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

La Confederación Internacional de Sociedades de Autores y Compositores (CISAC) decidió hoy iniciar un "proceso sancionador" contra la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), que podría acabar con su expulsión por no cumplir con los reglamentos internacionales, según comunicó la organización a Efe. "En vista del fracaso de la SGAE en remediar las violaciones del reglamento de la CISAC, el consejo directivo ha decidido iniciar un procedimiento sancionador. Este podría resultar en varias sanciones y medidas, incluyendo la expulsión de la SGAE de la CISAC", aseguró.

En una reciente entrevista a El Confidencial, el ministro de Cultura y Deporte José Guirao, advirtió a su vez con dejar a la SGAE sin licencia si no soluciona la multittud de irregularidades que acarrea. "Si el 27 de diciembre no cumplen, mi ministerio pedirá a un juez la intervención de la SGAE. Que es lo que me piden todos los sectores. Ojalá no tenga que intervenirla. Porque luego hay una segunda posibilidad: retirarles la licencia para operar. Espero que el 28 de diciembre, en lugar de pensar en escribir al juez, estemos preparando la Nochevieja".

La SGAE eligió hace menos de un mes en un proceso electoral con participación mínima de sus afiliados al gaitero José Ángel Hevia, como nuevo presidente. Hevia es defensor de la polémica 'la Rueda': en España, las melodías emitidas en programas en la franja nocturna, con menos de un 1% de audiencia, generan más de la mitad de los ingresos en conceptos de derechos de autor. El de 'la Rueda' es un problema presente en la SGAE desde hace años. En 2013, provocó el cese de Antón Reixa tras denunciarlo y ha generado multitud de enfrentamientos entre editores y autores. Tras las primeras denuncias ese mismo año, y como ya contó este periódico, la sociedad creó un grupo de trabajo para detectar irregularidades en estas obras. Aunque solo se revisó el 10%, se encontraron obras de dominio público registradas sin arreglos o duplicadas, fotocopias de partituras originales sobreescritas e incluso transcripciones literales. Durante años, varios socios recaudaron más que estrellas nacionales como Pablo Alborán. El anterior presidente de la SGAE, José Miguel Fernández Sastrón, está investigado por su presunta participación en 'la Rueda'.

En la anterior citada entrevista a El Confidencial, Guirao insistía en que su "problema" como ministro era que la SGAE cumpliera la legalidad. "La SGAE tenía como fecha límite para aprobar unos nuevos estatutos acordes con la ley el 15 de julio. No cumplieron, y aunque el ministerio podía haberles obligado a cumplir al día siguiente, y debido a la situación que tenían, aguantamos hasta el 27 de septiembre", explicó el ministro. Ese mismo día, se les hizo un requerimiento en el que se les daba un plazo de tres meses para poner los estatutos "de acuerdo con la ley, revisar los criterios de reparto y habilitar el voto electrónico".

Hollywood nos enseñó que en el espacio no se oyen los gritos. Esto es verdad, pero la escuela pitagórica ya había concebido una deslumbrante teoría sobre el movimiento de los cuerpos celestes. Según ellos, este podía ser traducido en frecuencias aritméticas y musicales. Por desgracia, la armonía de las esferas no puede ser captada por el oído humano, como nos pasa con todo lo que suena a trascendente, pero eso no ha sido impedimento para imaginar cómo debe de ser esa escala que vibra en el cosmos.

Igual que la filosofía antigua, la ciencia ficción encuentra una relación con la música. No en la misma medida que el género fantástico, pero sí aparece en numerosos textos. Desde el siglo XX y en paralelo al desarrollo tecnológico de instrumentos y sistemas de audio y grabación, la música también ha recorrido el camino hacia la nueva era, pero en unos sonidos que nosotros sí podemos escuchar, aunque a veces tampoco entendamos. En sus diferentes estilos lleva reflejando el impacto de la ciencia y la técnica sobre nuestras vidas, desde la admiración, la parodia, el miedo, la crítica social, o incluso el anhelo inmediato de algunos músicos por transformarse en un cíborg o directamente en una máquina. El pop comenzó ridiculizando la polémica sobre viajar a la Luna del siglo XIX, antes de la obra de Verne. Después se publicaron multitud de canciones sobre los usos y nuevas costumbres que iba a traer la electricidad, y esta práctica alcanzó el culmen con el descubrimiento de la energía atómica y la amenaza de la guerra nuclear. La posibilidad de mandar naves fuera de la órbita terrestre y el sueño (o pesadilla) de encontrarse con otras civilizaciones han agudizado el ingenio de compositores de rock and roll, tecno, jazz, corridos y rumbas. Cada década le ha cantado a la bomba atómica, los platillos volantes y los marcianos. Los viajes en el tiempo, la cibercultura, las nuevas teorías físicas, etc., son ideas que llegaron a la música después, e, igualmente, lo mismo se encuentran en discos para bailar que en sesudas obras conceptuales, algunas de ellas interpretadas con instrumentos que parecen salidos de la imaginación de un novelista de sci-fi. Instrumentos musicales que dejan el órgano de tubos que tocaba el Capitán Nemo en un juguete de niños. Boris Vian, músico y lutier, inventó el «piano cóctel» para su novela fantacientífica La espuma de los días. Hugo Gernsback, padre de la ciencia ficción, fue un prolífico creador de objetos electrónicos; entre ellos, un instrumento musical: el staccatone, protosintetizador de lámparas.

Los compositores de música electrónica se sumaron a la carrera espacial con la misma energía y entusiasmo que los astrofísicos y los fabricantes de armas del siglo XX. Sus cacharros de última generación competían por imitar el hipotético zumbido de las naves espaciales y de los rayos cósmicos. El cine pronto incorporó el theremín, un instrumento de aspecto extraño y sonido inquietante, patentado por el músico soviético Serguéyevich Termén. Las películas de ciencia ficción de los años cincuenta lo hicieron popular en todo el mundo. Nacieron bandas sonoras prodigiosas, como la que Bernard Herrmann escribió para Ultimátum a la Tierra (1951) y la que el matrimonio Barron desarrolló para Planeta prohibido (1957), la primera BSO realizada exclusivamente con instrumentos electrónicos. Fueron años de osciladores, Ondiolines, Pianorads, Trautonios, los inventos de Raymond Scott…

El lanzamiento del Sputnik provocó un boom de aficionados a la moda, el diseño y los productos del espacio: había nacido la space age music, sucesión de discos instrumentales realizados por directores de orquesta y productores que se servían de los últimos adelantos técnicos de la alta fidelidad: Les Baxter, Sid Bass (From Another World), Jimmie Haskell (Count Down), Joe Meek (I Hear a New World)… El compositor Attilio Mineo ambientaba con los sonidos marcianos de su disco Man in Space with Sounds los paseos del Bubbleator, un ascensor con forma de burbuja con el que los visitantes hacían el tour por la Feria Mundial de Seattle de 1962. Este lounge exótico se prefiguraba como la economía del momento: llena de optimismo, plena en mercados de futuro. La space age music, como el entusiasmo social ante la aventura del espacio, tuvo una existencia muy breve, pero no así la interconexión entre escritores y músicos.  

¿Sueñan los escritores con discos eléctricos?

Philip K. Dick había trabajado de jovencito en una tienda de discos y era un gran aficionado a la música clásica. Poco tiempo antes de morir, confesó también su admiración por el rock de los años sesenta (lógicamente, Jefferson Starship), los grupos de punk rock californiano de esos días, además de la música electrónica y experimental. Tampoco es extraño que entre sus películas preferidas estuviese la epopeya del alienígena El hombre que cayó a la Tierra, protagonizada por David Bowie.  

El nunca suficientemente recordado Robert Sheckley había tocado la guitarra en un grupo cuando estuvo destinado en Corea. Luego fue habitual de la escena del folk neoyorquino. En una de sus obras, Los viajes de Joenes, parodia el mundo de los beatniks y, de paso, toda la civilización moderna. Años más tarde, Peter Sinfield (fundador de King Crimson) y Brian Eno se encontrarían con él en Ibiza. El resultado: un disco de coleccionista (mil copias en edición de lujo con libreto) realizado en una galería de arte de la isla sobre un texto del autor, Robert Sheckley’s in a Land of Clear Colors (1979).

Anne McCaffrey quiso ser soprano. Tras años de participar en funciones y unas clases demasiado exigentes en las que perdió los tonos más altos de su registro, decidió centrarse en su otra pasión, la literatura. El conjunto de relatos La nave que cantaba (1969) y sus secuelas, la serie La cantante de cristal, describen en parte esta decepción. En esta saga, la autora narra un mundo futuro donde los seres humanos que nacen con defectos físicos y cerebros ultradesarrollados pueden ser preservados en cápsulas. Helva, la protagonista, tiene el don de la música.

Michael Moorcock compagina su vasta obra de autor de ciencia ficción y fantasía con sus colaboraciones musicales. Primero con el grupo de rock Hawkwind, formación especializada en temas cósmicos y ritos psicodélicos, para quienes escribió letras y en cuyas actuaciones incluso participó. Tras romper con ellos, formó su propio grupo, The Deep Fix, con el también escritor Graham Charnock. De 1974 es el álbum New Worlds Fair, donde el escritor puso música y voz a las aventuras de su personaje, el detective apocalíptico Jerry Cornelius.

El ejemplo más preclaro de autor de género que se formó en el campo de la ciencia y hoy es conocido mundialmente como una estrella del espectáculo es el del británico Arthur C. Clarke. Físico y matemático, especialista en astronáutica y satélites, comenzó escribiendo ciencia ficción, justo después de la Segunda Guerra Mundial. Uno de sus relatos fue adaptado por él mismo para el cine, 2001: Una odisea del espacio (el director, Stanley Kubrick, no encargó la banda sonora a ningún artista de la época, sino que escogió una composición de Richard Strauss de finales del XIX, más en consonancia con las tesis del escritor británico). En los años ochenta, su novela Cánticos de la lejana Tierra fue objeto de otra adaptación, la que el músico Mike Oldfield hizo en su disco de 1992, The Songs of Distant Earth.

En otra dimensión, pero muy simpática, se encuentra el fenómeno FILK (una broma o error de tipografía con «folk»). Son los devotos de la ciencia ficción que coincidían en las primeras convenciones y no dudaban en ponerse a cantar e interpretar canciones pop pero con las letras cambiadas en honor a un tema del espacio. Fueron los propios autores los primeros filkers (Poul Anderson, Frederik Pohl, Asimov, Heinlein…). Ahora es un movimiento con sus propias estrellas amateur que giran alrededor de películas, series de televisión y memorabilia diversa. No, los discos que grabaron William Shatner y Leonard Nimoy están en una categoría aparte…

¿Sueñan los músicos con libros de ciencia ficción?

Es ingente la cantidad de músicos que han escrito no solo canciones, sino obras enteras sobre el espacio. Ahora han cambiado las perspectivas. Salvo nostálgicos o músicos vintage, pocos vuelven con lo de los marcianos y la guerra de los mundos, pero hay multitud de artistas que siguen obsesionados con el control de masas mediante la tecnología, los cambios derivados de la bioingeniería, el poder de las armas químicas y las catástrofes medioambientales que la ciencia ficción ya había descrito en sus libros.  Vamos a escoger unos cuantos ejemplos, fuera del más que obvio campo del pop y el rock.

En un lugar de honor se encuentra la obra de Terry Riley, y no solo por estar relacionada con lo fantacientífico. Su infatigable talento como compositor le ha llevado a una vida dedicada a desentrañar justo aquello que buscaban los pitagóricos, las claves ocultas en el espacio y el tiempo mediante la música. Tiene en su haber discos memorables, como A Rainbow in Curved Air (1969), o la colaboración con el Kronos Quartet y la NASA para poner en partitura los sonidos que la sonda Voyager trajo de su periplo, Sun Rings (2003). Otros compositores como Stockhausen (Sirius, 1968, y la serie de óperas Luz) o John Cage (Atlas Eclipticalis, 1961) dieron título a alguna de sus piezas con ese mismo interés

Afrofuturo

Una de las aplicaciones más felices que ha tenido el género de la ciencia ficción es lo que se conoce como afrofuturismo. Como movimiento abarca otras influencias, pero en lo musical se trata de una serie de estilos compuestos e interpretados por artistas negros, quienes se han servido de los elementos del género para crearse un mundo de belicosos exploradores, outsiders o extraterrestres que luchan contra un gobierno del planeta, policial, hostil y blanco. En los años cincuenta, la figura del músico Sun Ra inauguró esta corriente, con un discurso plagado de ironía sobre su origen cósmico (el artista afirmaba haber sido abducido y transformado en un ser procedente del planeta Saturno, sin ninguna relación con su pasado como ciudadano nacido en Alabama. Había abandonado «su cuerpo de esclavo»). Sun Ra ejecutaba una música híbrida entre el jazz, el bebop y la psicodelia, además de lucir él y los componentes de su grupo la Arkestra, unos espectaculares trajes de príncipes del antiguo Egipto.

Mientras tanto, el músico y productor jamaicano Lee Perry construía las bases del dub en su estudio, The Black Ark. El visionario artista mezcla los mitos de su pueblo con un sentido trascendental y cósmico de su música, como en el disco de 1997, Space Dub.

En el camino de Sun Ra, George Clinton estableció su fecunda carrera de P-Funk, música de baile sideral, muy influida por el rock, con elementos del jazz y los sintetizadores, además de letras satíricas sobre política, sexo y drogas, y un look que no es de este mundo, en Parliament y, cuando no le dejaron, en Funkadelic. Desde entonces, el afrofuturismo es la realidad más excitante del panorama musical «extraterrestre». Por él han pasado figuras como Afrika Bambaataa (Planet Rock) y los DJ que llevan desde los años noventa utilizando las ideas de la sci-fi para canalizar sus protestas sociales en samplers y mezclas. Por ejemplo, colectivos como Underground Resistance (Mike Banks y Robert Hood, clásicos del tecno de Detroit, como Galaxy 2 Galaxy), de donde surgió Jeff Mills, un apasionado del género (su último disco, The Planets, 2017, está inspirado en la obra de Gustav Holst), el desaparecido Drexciya, grupos de hip hop como Deltron 3030, o las recientes aventuras de la androide Janelle Monáe (The ArchAndroid).

Estamos lejos de los ejemplos del pasado, la interminable lista de canciones, bandas sonoras, sintonías de series de televisión, etc. En la era digital, todos los contenidos de la fantaciencia están siendo constantemente reescritos en loop. Cerrando el círculo, una máquina los cifra en lenguaje de programación y los devuelve al vacío.

FERROL360 | Lunes 3 diciembre 2018 | 17:40

Ya no nos extraña eso de cruzarnos con jabalíes en zonas urbanas próximas a descampados o terrenos rurales, pero sí sorprende que uno de ellos haya llegado a la mismísima calle Real de Ferrol como si nada.

Un ejemplar de jabalí, en solitario, ha sido grabado estos días durante un tranquilo paseo por la tableta de chocolate. El vídeo, del que se desconoce su autoría (si eres el autor o autora del mismo ponte, por favor, en contacto con nosotros para citarte como corresponde), se ha difundido a través de WhatsApp y las redes sociales.

El tamaño considerable del animal y su pasividad delante de las luces de los vehículos llaman la atención. Como era de esperar, muchos usuarios que han comentado el vídeo aprovecharon para hacer todo tipo de chascarrillos y apuntes.

Por un lado, se apiadaban del animal, que estaría buscando comida y por eso habría salido de su hábitat; pero tampoco ha faltado quien anunció «jornadas de caza en el Parador de Turismo», aseguró que «iría a la SUPER 8 a beberse un cubata y echar unos bailes» o apreció lo que pasaría «como lo trinque Luisa la de O Xantar… [Jefa de cocina de la famosa marisquería situada en ese tramo de la calle Real]».

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Publicado em Aldeias De Ordes, 15 outubro, 2018

O post De caçadores caçados e ursos regicidas aparece primeiro no Portal Galego da Língua - PGL.gal.

Agentes de la Policía Nacional han detenido en Ourense a una mujer como presunta autora de 11 delitos de estafa, que llevó a cabo valiéndose de una imagen ficticiaal fingir ser mano derecha de altos cargos con falsas promesas de trabajo, perpetrados en siete años en la ciudad.

• Leafy greens, cruciferous vegetables, and oysters top the list of depression-fighting foods.
• Organ meats are also near the top of nutrient-dense food sources that should be included in your diet.
• Researchers focus more on what to eat rather than what to remove from the standard diet.

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None

Michael Pollan was onto something when he added two words to conventional wisdom, writing, "You are what what you eat eats." The nutrients your meal consumes becomes part of you as well, whether it's a cow munching on grass or the soil your vegetables grow in. We know eating has an emotional effect, but you cannot separate emotions from psychology as they are the basis of your mental states.

We can extrapolate philosophically, but we can also look at actual studies on the nutrient profile of foods and their relationship to mental states—specifically, in this case, depressive disorders. A recent study, published in World Journal of Psychiatry, investigated 34 nutrients, extracting data as it relates to foods high in at least one of 12 antidepressant nutrients:

• Folate
• Iron
• Long-chain omega-3 fatty acids (EPA and DHA)
• Magnesium
• Potassium
• Selenium
• Thiamine
• Vitamin A
• Vitamin B6
• Vitamin B12
• Vitamin C
• Zinc

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Conducted by Laura R LaChance, in the University of Toronto's psychiatry department, and Drew Ramsey, in Columbia's psychiatry department, this team believes this study to be the first to specifically focus on the application of nutrients to depression. They continue:

While many nutrient profiling scales currently exist, created by government agencies, researchers, and the food industry, none focus on mental disorders or brain health. Additionally, no scale is based on nutrients that are supported by scientific literature to be involved in the prevention of and recovery from psychiatric disorders.

There is evidence that the lack of key nutrients, including omega-3 fatty acids, B-vitamins, zinc, magnesium, and vitamin D, result in depressive symptoms. In fact, clinical treatment often involves supplementing one or more of these nutrients. The fact that we can get plenty of vitamin D with just a few minutes in the sun is one indicator that our lifestyle patterns are missing essential components for optimal health.

Given the global rise of depression, changes in diet provide at least one level of prevention and therapy—it is unlikely that diet alone could cause such a spike in rates, though it certainly can play an important contributing factor. Something as simple as altering your food intake could help battle the consequences of these symptoms: low self-esteem, loss of meaning, anxiety, spoiled relationships, and at the extreme, suicide, whose rates have also been increasing.

The foods, along with their Antidepressant Food Score (AFS), are listed below:

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According to the mean score by category, vegetables top the list at 48 percent, followed by organ meats (25 percent), fruits (20 percent), and seafood (16 percent). The list concludes with legumes, meats, grains, nuts and seeds, and dairy, all coming in below 10 percent. Unlike traditional guidelines, this list does not focus on what not to eat:

A recent review suggests that nutrient profiling scales designed to improve consumer food choices should be based on nutrients known to be beneficial for health as opposed to nutrients to avoid.

They note that recent "common wisdom" suggesting that saturated fats, cholesterol, and sodium is bad for health is now in question. Whereas it's rather obvious that carb- and sugar-heavy diets do not work in our favor, the aim of this study is to remind us what we should be putting into our mouths. Without actionable input, telling us to leave certain foods behind without offering replacements makes little sense.

The main problem is that the majority of Americans do not eat foods high in AFS. For example, most of the adult population consumes too few vegetables; one study reveals that only 27.2 percent eat three or more servings per day. Between 80-90 percent do not eat at least two servings of seafood per week. And forget about most Americans eating organ meats.

Which is a shame, given that organ meats are the most nutrient-dense part of an animal. Whereas there is evidence our ancestors ate the organs and left the meat for scavengers, we've reversed that trend—and are paying the cost.

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There is no single food source that will end depression. Rather, the authors write, it seems to be a confluence of events that have led to our abandoning essential nutrients, including increased inflammation due to the "standard" American diet and a lack of dietary fiber. With an increased understanding of the microbiome in overall health, we're gaining clarity over just how influential nutrients are for every aspect of our health.

As nutritionist Chris Kresser wrote in 2011, purely vegetarian and vegan diets are problematic given the lack of essential nutrients, such as those cited in the above study. When asked by Joe Rogan what he thought the healthiest diet is, Kresser replied a vegan diet with shellfish; he's also championed organ meats. Of course, a vegan diet could by default not include animal products, but Kresser's suggestion squares well with this recent research.

There is no question that these food sources provide the most nutrient-dense meals possible. Cultural aversions to organ meats is more the result of economics, not nutrition; at some point, eating organs was believed to be "lower class." That, along with technological advancements such as frozen food that is usually championed as progressive, has set into motion the disastrous eating habits we have today, along with the depression that has followed. The link is clear. Forging new links requires another story.

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How to stop eating sugar? While it's a great idea in theory, science and experience shows that it's not successful in the long run.