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19 Dec 10:42

VA – Just a Bad Dream: Sixty British Garage and Trash Nuggets 1981-89 (2018)

by exy

Just A Bad DreamThe underground U.K. music scene of the early ’80s was dominated by post-punk and new wave, but percolating below the surface were several scenes that looked back to the past for inspiration. Loads of bands were besotted by the garage punk sound of the mid-’60s, the rockabilly sound of the ’50s, and the ’60s mod scene, and when they filtered it through punk it came out sounding trashy more often than not. Cherry Red’s Just a Bad Dream: Sixty British Garage & Trash Nuggets 1981-1989 gathers up the various threads of this very loosely defined scene, and over three discs does a fine job of capturing the raucous sounds of the era. Chief early movers on the scene were the raw beat group lovers Thee Milkshakes, jumped-up mods the Prisoners, the garage-meets-surf…

421 MB  320 ** FLAC

…Stingrays, and psychobilly wildmen the Meteors, and they are all represented. All the sounds that were scuttling through the underbelly are represented nicely by well-chosen tracks. There are loads of psychobilly, mod, and garage rock with some truly inspired revivalists behind the mikes. Anything with Lenny Helsing involved is sure to be great — tracks here by the Green Telescope (“A Glimpse”) and the Thanes (“Don’t Let Her Dark Your Door”) are highlights. The same with the man who is the poster child for the scene, Billy Childish. Along with Thee Milkshakes, there are plenty of Childish-related bands on hand, including the Delmonas with their great early girl group-inspired “He Tells Me He Loves Me” and Thee Mighty Caesars’ “Little by Little.” During this early part of the era covered by the set, Alan McGee’s Creation Records dipped into psych and garage in their early days, with the Jesus and Mary Chain’s brilliant cover of Syd Barrett’s “Vegetable Man” and the Jasmine Minks’ rollicking “What’s Happening” on hand to inject some noise pop into the proceedings. The three discs are filled with fun romps like Ug and the Cavemen’s silly “Go Gorilla,” slick rockers like the Tall Boys’ “Ride This Torpedo,” swirling psych-pop like the Delmontes’ “So It’s Not to Be,” and the Wolfhounds’ howling punk blast “LA Juice.”

The wide scope of the bands gives an idea of how wide-ranging and diverse the scene was, even within its narrow confines. Only a few duds here and there as well as some dodgy moments of misogyny that could have been skipped keep this from being a classic box set. As it stands, it’s merely great, which should be enough to inspire some serious revisitation of an era that was unique and produced a lot of wild and swinging sounds.

19 Dec 10:27

Canta co Apalpador. Agasalla un diario en galego!

by Susana Rois

1Até hai pouco máis dunha década era unha figura inédita para a maioría, celebrada tan só nunhas poucas aldeas de montaña de Lugo e Ourense. Neste tempo aprendémoslle o nome e mesmo lle puxemos cara, pero non hai documentación que nos mostre como se desenvolveu no pasado o rito do Apalpador nin como foi evolucionando no tempo, “cousa que tampouco importa moito, o esencial aquí é o mito, o rito, como tal, que xa apenas se celebra”. José André Lôpez Gonçâlez (Os Vilares, Guitiriz, 1955) ten a honra de ser o primeiro investigador do xigante do Courel e o responsábel de que hoxe, en moitas vilas e cidades galegas, nos esteamos preparando para recibir o Apalpador.

 

Se este personaxe mítico chegou até o século XXI como unha tradición propia do noso Nadal foi grazas ao ensaísta e poeta da Terra Chá, residente en Madrid desde hai dúas décadas. De feito, o xermolo da recuperación desta figura comezou cunha encarga que lle fixo a Asociación Galega Corredor de Henares.

 

“Pedíronme que escribise algo sobre o Nadal na Galiza e decidín facelo desde a mágoa que me producía ver esmorecer o mundo rural. Se eu non contaba o pouco que sabía do Apalpador, acabaría morrendo sen que ninguén tivese noticia del nin do ritual que aquí se celebraba, especialmente nas zonas de montaña. A reivindicación do rural foi o que me animou a escribir sobre o mito e o personaxe”, un relato que máis tarde se reproduciu no Portal Galego da Língua.

 

Foi o único traballo de pescuda que levou a cabo, xa que despois daquela primeira achega non volveu indagar máis sobre o carboeiro do Courel. “Non hai datos dos que botar man máis aló das cantigas que lle dedicaban os vellos ao Apalpador e da memoria dos novos que viviron o rito. Os vellos xa morreron, e con eles, unha enciclopedia de saber”.

 

O Apalpador de Romeor do Courel

 

As primeiras notas do autor sobre esta figura son do ano 2001 pero non foi até o 31 de decembro de 2006 que o investigador chairego publicou un artigo titulado O Apalpador: personagem mítico do Natal galego a resgate. Non imaxinaba, daquela, o rebumbio que se ía formar arredor del nin o alcance que había ter, cos anos, este personaxe chamado a se converter nun referente imprescindíbel para a infancia e na máxima expresión cultural do Nadal galego, unha figura universal da que oíu falar por primeira vez na terra natal da súa muller.

 

Lôpez Gonçâlez bateu por sorpresa co Apalpador na casa de Galego, na aldea de Romeor do Courel. “Foi hai ben 30 anos, durante unhas festas que pasamos aló, de leria coa xente nas casas. Chegado o momento Amadora despediunos dicindo: veña, hai que prepararse que vai vir o Apalpador. Eu nunca tal oíra, así que volvín ao día seguinte para saber máis”. Amadora faloulle do xigante do Courel, de como viña apalparlles a barriga ás pequenas e pequenos e das cantigas que lle brindaban. Non conforme co seu relato visitou outras casas da contorna. A casa de Cela, onde Encarnación e Benigno lle confirmaron o que xa escoitara na de Galego, e o mesmo na casa de María de Chandepena, no concello do Cebreiro.

 

Todos na bisbarra contaban a mesma lenda, a dun carboeiro que vivía na devesa e baixaba no Nadal para apalparlles a barriga ás crianzas e así, velar pola súa fartura e prosperidade.

 

Un personaxe universal

 

“O Apalpador é un personaxe do Nadal galego homologábel con outras moitas figuras que se celebran por toda Europa e que cumpren as mesmas funcións. Pode ser o caso do Anguleru asturiano, o Esteru cántabro, o Olentzero, no País Vasco; o mesmo Papá Noel, porque ten un fin idéntico, ou por poñer un exemplo máis exótico, o Ded Moroz, o avó das neves ruso. É un personaxe mítico de carácter universal que muda de nome segundo as culturas pero non de encomenda”. Esa función específica é protectora. Visita a cativada para desexarlle benestar e abundancia. “De feito, cando lle apalpa a barriga a un meniño e o ve ben mantido, dille: así pases todo o ano”.

 

Estamos diante dun personaxe de carácter global, pero tamén dunha celebración propia da nosa cultura, especialmente vencellada ás zonas orientais de montaña. “O máis probábel é que esta figura, en épocas moi recuadas no tempo, se estendese por todo o universo cultural galego, porque as outras tradicións, de orixe foránea, son moi recentes. O Papá Noel é cousa de hai catro días, e antes ninguén sabía que existía nin colgaba bonecos no balcón. E os Reis Magos nin sequera pertencen ao solsticio de inverno. Están documentados e pódense atopar referencias na Biblia, mais non eran reis, eran magos. Así que o Apalpador cumpre un papel fundamental de exaltación da nosa propia cultura”.

 

O relato mítico e as cantigas do Apalpador

 

Para sabermos máis da orixe, do significado e das interpretacións que foi recibindo este personaxe ao longo da historia, José André Lôpez Gonçâlez remítenos ao relato mítico do Apalpador e ás cantigas ligadas a el dentro do imaxinario popular. “A lenda fálanos do xigante do Courel, un carboeiro que vivía na devesa, que se dedicaba a partir leña, a recolectar bagas silvestres e a cazar. Non cultivaba, polo tanto o mito do Apalpador é anterior á chegada da agricultura”. Un mito mudado a través da historia, que iría acomodando as súas funcións sen renunciar nunca ao propósito orixinal.

 

A súa celebración sempre estivo ligada ao solsticio de inverno, unha data que segundo o calendario xuliano cae no 25 de decembro e que marca o nacemento da luz, o momento no que os días comezan a ser máis longos que a noite, “a natividade do sol, un rito festexado polo ser humano desde o principio dos tempos” e que o cristianismo asumiu para a natividade de Xesús.

 

Neste sentido, as cantigas do Apalpador serven para explicar o proceso de aculturación cristiá máis a súa aparición dentro das festas do Nadal. “Mañá é dia grande/día do noso Señor/mañá é día grande/virá o Apalpador. Este cantar demostra a presión da Igrexa para impedir que dous personaxes sagrados se festexasen o mesmo día. Mais non puido coa tradición, o único que conseguiu foi relegalo até outro momento de pasaxe como é o 31 de decembro”. E outro exemplo. “Por aquela cemba/xa vén relumbrando/o señor Apalpador/para darvos o aguinaldo. Non reloce calquera, senón alguén de moita importancia. Os budistas, os musulmáns, os cristiáns representan as súas figuras con halos de luz. E o Apalpador baixa circundado por un nimbo, o que indica a presenza dun ser superior que non anuncia a chegada de Xesús Cristo, como fai o Olentzero, cristianizado, senón que é el quen se presenta”.

 

O rito do Apalpador casa, ademais, con outras tradicións do Nadal que veñen de antigo e que se foron extinguindo ou cambiando co tempo. “Contoume Benigno, da casa de Cela, que cando era mozo subía á devesa cos outros rapaces da aldea. Alí tallaban un toro e baixábano a ombros para queimalo diante da capela vella. Comían e bailaban toda a noite mentres celebraban a torada de Nadal, unha tradición que se facía en Castela, en Aragón, na Galiza, en Catalunya... onde por certo, ten un grande arraigo a figura do Tiò de Nadal”, un tronco que acollen na casa desde os primeiros días de decembro para facelo ‘cagar’ doces e regalos mentres lle cantan e baten nel con bastóns de pau. “A torada de Nadal non se pode desvincular da figura do Apalpador, que é carboeiro e ten que cortar leña para dar luz e calor”. O que nos achega, de novo, á súa misión protectora.

 

Apalpabarrigas e Pandigueiro

 

A maxia do Apalpador como figura central do Nadal galego pasa agora polos nomes e polas representacións contemporáneas dun personaxe que os ilustradores visten con boina, unha casaca esfarrapada chea de remendos e unha barba roxa e abundante. “A ilustración de Leandro Lamas [que acompaña este texto e a capa deste número] encaixa perfectamente coas atribucións do Apalpador. Conseguiu unha imaxe preciosa, afectuosa e entrañábel”.

 

 

Cada vez máis gaña presenza nas celebracións culturais que achegan novas propostas para a promoción do Apalpabarrigas, como lle din nos Ancares e no Bierzo, ou do Pandigueiro, en Terra de Trives. Sirva de exemplo a proposta didáctica da Mesa pola Normalización Lingüística, ou as cancións, os monicreques e as ruadas que preparan en moitos recantos do país. “O traballo de visibilización que se fixo até o momento é acertado. O rito do Apalpador quedara reducido a un quefacer rural, e estaba condenado a desaparecer. Levalo ás vilas e ás cidades permitiu preservar o mito e as súas funcións. O importante é que o rito se manteña”.

 

[Esta reportaxe foi publicada no número 326 de Sermos Galiza, á venda na loxa e nos quiosques]

19 Dec 10:24

Dos detenidos por medio centenar de robos en iglesias de Pontevedra y A Coruña

by Europa Press

La Guardia Civil ha detenido a un vecino de Vilagarcía de Arousa y a su esposa como presuntos autores de casi medio centenar de robos con fuerza en las cosas y daños sobre el patrimonio histórico cometidos en distintos centros religiosos como iglesias, capillas y casa rectorales, en las provincias de Pontevedra y A Coruña. 

Las investigaciones se iniciaron el pasado mes de junio cuando una patrulla de seguridad ciudadana del Puesto Principal de la Guardia Civil de Cambados interceptó un vehículo en la carretera N-640 después de intentar darse a la fuga en un punto de verificación que realizaban en la rotonda de Saiar, en de Caldas de Reis. 

"Al inspeccionar el turismo, la patrulla se encontró con una serie de herramientas que normalmente suelen utilizarse para forzar puertas y ventanas (guantes, patas de cabra, martillos, tenazas, alicates, etc.) además de un importante lote de llaves, llaveros y objetos con motivos religiosos", ha informado el Instituto Armado. 

El hallazgo de estos efectos en el interior del vehículo y los antecedentes del conductor que ya por aquel entonces lo vinculaban, junto con su pareja, con un robo cometido el año pasado en una iglesia de Vilagarcía de Arousa, determinaron la apertura de una investigación que concluyó con la detención de ambos como presuntos autores de diversos robos con fuerza y daños en numerosas iglesias y casas parroquiales ubicadas en los partidos judiciales de Cambados, Caldas de Reis, y Vilagarcía de Arousa. 

Después de los seis meses que duraron las investigaciones que se llevaron a cabo por el Equipo de Investigación de la Compañía de la Guardia Civil de Vilagarcía de Arousa, en el marco de la denominada operación Sixtina, se pudo concretar la participación de los detenidos en 47 robos. 

La Guardia Civil ha concluido la operación con el esclarecimiento de los robos que se cometieron entre los meses de enero y junio de este año en las iglesias y algunas casas rectorales de Meaño, Ribadumia, Meis, Vilanova de Arousa, Vilagarcia, Catoira, Portas, Caldas de Reis, Moraña, Cuntis y Barro, además de Rianxo en la provincia de A Coruña. 

Los efectos encontrados en su día en el interior del vehículo, fueron reconocidos y entregados en su mayor parte a los párrocos de las distintas iglesias. En el transcurso de la investigación se recuperaron varios libros de temática eclesiástica, cuya procedencia se desconoce, además de una importante obra etnográfica encuadernada en piel, cuyo valor en el mercado supera los 3.000 euros. 

Las dos personas detenidas por un supuesto delito de robo con fuerza en las cosas, quedaron en libertad con la obligación de comparecer cuando sean citados en el Juzgado de Instrucción número 3 de Cambados. 

19 Dec 10:18

The Story of The Pogues’ “Fairytale of New York,” the Boozy Ballad That Has Become One of the Most Beloved Christmas Songs of All Time

by Josh Jones

Drugstore Cowboy, Barfly, Leaving Las Vegas, even Bonnie and Clyde… we love a good story about doomed, down-and-out lovers. Whatever emotional reservoir they tap into, when written well and honestly, such stories have broad cultural appeal. Which in part explains the overwhelming popularity of The Pogues’ 1987 classic “Fairytale of New York,” the kind of “anti-Christmas song,” writes Dorian Lynsky at The Guardian, “that ended up being, for a generation, the Christmas song.”

Many holiday stories cynically trade on the fact that, for a great many people, the holidays are filled with pain and loss. But “Fairytale of New York” doesn’t play this for laughs, nor does it pull the old trick of cheap last-minute redemption.




Sung as a duet by Shane MacGowan and Kirsty MacColl to the boozy tune of an Irish folk ballad, the song “is loved because it feels more emotionally ‘real’ than the homesick sentimentality of ‘White Christmas.'" Even if we can’t identify with the plight of a burned-out Irish dreamer spending Christmas in a New York drunk tank, we can feel the ache of broken dreams set in high relief against holiday lights.

The song's history itself makes for a compelling tale, whether we believe the origin story in accordion player James Fearnley’s memoir Here Comes Everybody: The Story of the Pogues or that told by MacGowan, who maintains that Elvis Costello, the band’s producer, bet the singer that he couldn’t write a Christmas duet. (Fearnley writes that they were trying to top The Band’s 1977 “Christmas Must Be Tonight.”)

Either way, a Christmas song was a good idea. "For a band like the Pogues, very strongly rooted in all kinds of traditions rather than the present, it was a no-brainer," says banjo-player and co-writer Jem Finer. Not to mention the fact that MacGowan was born on Christmas Day 1957.

Finer began the song as a tale about a sailor missing his wife on Christmas, but after the banjo player's wife called it “corny” he took her suggestion to adapt the “true story of some mutual friends living in New York.” MacGowan took the title from J.P. Donleavy’s 1973 novel A Fairy Tale of New York, which happened to be lying around the recording studio. After a promising start, the song then went through two years of revisions and re-recordings before the band finally settled on the version millions know and love, produced by Steve Lillywhite and released on the 1988 album If I Should Fall From Grace with God.

Originally intended as a duet between MacGowan and bass player Cait O’Riordan, a version recorded with her was “not quite there,” guitarist Philip Chevron has said. Soon after, O’Riordan left the band, and MacGowan recorded the song again at Abbey Road in 1987, singing both the male and female vocal parts himself. Eventually Lillywhite took the track home to have his wife, English singer Kirsty MacColl, record a temporary guide vocal for the female parts. When MacGowan heard it, he knew he had found the right foil for the character he plays in the song.

“Kirsty knew exactly the right measure of viciousness and femininity and romance to put into it and she had a very strong character and it came across in a big way,” MacGowan later remarked in an interview. “In operas, if you have a double aria, it’s what the woman does that really matters. the man lies, the woman tells the truth.” As part of her character’s “viciousness”, she hurls the slur “f*ggot” at MacGowan, who calls her a “slut.” The offensive words have been censored on radio stations, then uncensored, and good cases have been made for bleeping them out (most recently by Irish DJ Eoghan McDermott on Twitter).

MacGowan himself has issued a statement defending the lyrics as in keeping with the characters. “Sometimes characters in songs and stories have to be evil or nasty in order to tell the story effectively," he writes, adding, “If people don’t understand that I was trying to accurately portray the character as authentically as possible then I am absolutely fine with them bleeping the word but I don’t want to get into an argument.” Whatever position one takes on this, it’s hard to deny that MacGowan, co-writer Finer, and MacColl totally hit the mark when it comes to authenticity.

The genuine emotions "Fairytale of New York" taps into has made it the most beloved Christmas song of all time in TV, radio, and magazine polls in the UK and Ireland. It has become “far bigger than the people who made it,” writes Lynskey. Or, as Fearnley puts it, “It’s like ‘Fairytale of New York’ went off and inhabited its own planet.” An artist can’t ask for more. See making-of videos by the BBC and Polyphonic at the top. Watch the band sloppily mime the song with MacColl on Top of the Pops further up (MacGowan cannot actually play the piano). And just above, see the official video, starring Drugstore Cowboy’s Matt Dillon—filmed inside a real police station on the Lower East Side during a freezing Thanksgiving week in 1987, for maximum holiday vérité.

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Hear Paul McCartney’s Experimental Christmas Mixtape: A Rare & Forgotten Recording from 1965

Josh Jones is a writer and musician based in Durham, NC. Follow him at @jdmagness

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18 Dec 18:34

“Carvalho representaba unha continuidade coa xeración republicana; Piñeiro non”

by ana *

O 17, día de Carvalho Calero

"Carvalho representaba unha continuidade coa xeración republicana en todos os ámbitos; Piñeiro non"

ENTREVISTA | Suso de Toro

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Carlos Alfredo Castromao | Compostela, 17 de decembo. Suso de Toro é un literato sen fronteiras, tamén é guionista de televisión, tuiteiro polémico e seguido por milleiros de persoas, e tamén activista cultural e político, columnista e mesmo xornalista independente e iconoclasta, un tipiño que non dá parado de traballar case nunca. Só cando o secuestran os amigos e a familia para ir aos Ancares apañar cogomelos, pasear, beber viño e bailar. Por iso temos que lle agradecer moito que accedera a concedernos esta entrevista para analizar o significado de Ricardo Carvalho Calero e falarmos sobre o papel que xoga este ilustre membro da xeración da II República no noso país e axudarnos así a revisar a súa vida e obra dende unha perspectiva contemporánea.

Suso chega no bus urbano que o trae dende o barrio compostelán do Castiñeiriño, onde vive, até o Sarela. Interrompimos o traballo deste home falangueiro a quen a súa nai lle chamaba xa de cativo “o vello dos contos”. Intuición de nai. De Toro anda estes días a voltas cun libreto para unha ópera baseada nun relato seu, que por certo quere montar coa RFG no Auditorio de Galicia. Tamén lle roubamos tempo para a escrita dunha nova novela.

Aínda que no 2010 anunciou, totalmente abatido, que deixaba a escrita para sempre, decatouse de que a cabeciña non lle paraba e non deu feito tal cousa. Hoxe, xa xubilado de profesor, de Toro fai de menos ao alumnado mais non bota en falta o ensino. Segue a invocar aos espíritos dos personaxes das súas novelas en conclaves druídicos onde gustan de saltar xuntos en camas elásticas de parques infantís e sintonizar os seus biorritmos para dialogar nun entorno vizoso de soños cruzados, mentres paseamos e conversamos unha mañá de outono entre o parque de Galeras e a Finca do Espiño.

Defina a Carvalho Calero cunha palabra.

Mellor dúas: incómodo e imprescindíbel.

Quen foi este home e cal é o seu significado no mundo cultural galego?

Foi un mozo que formou parte dunha xeración intelectual espléndida nun tempo que semellaba prometer liberdade e un horizonte para sacar ao noso país da humillación e da dependencia. Estou certo de que el se consideraba a si propio como un membro consciente dunha xeración, a da II República. Ese espírito de liberdade foi aniquilado para as seguintes xeracións, xa formadas no medo e no servilismo obrigado. A figura de Carvalho na longuísima posguerra que chegou a nós foi a dun supervivinte que tivo que procurar a subsistencia e a existencia nun medio social e cultural no que era unha figura incómoda.

Cal o papel de Carvalho na cultura galega?

Habería que dicir “na cultura e na política”, pois para comprender a Carvalho é preciso coñecer as tendencias dentro do galeguismo despois da destrución e da quebra que fai a liña piñeirista. Non quero eu facer un xuízo moral, entendo que as diferenzas son por análises distintas e conviccións sinceras, mais Carvalho representaba unha continuidade coa xeración republicana en todos os ámbitos, mentres que Piñeiro, non. Mesmo no modo de entender a lingua galega, como parte do romance hispánico occidental, o galego portugués, no caso de Carvalho é como unha lingua subalterna falada no interior do territorio histórico e político do castelán. Debaixo das retesías ortográficas hai moito máis que unha disputa gramatical, hai unha comprensión da lingua e da Galiza mesma como unha nación en por si ou como parte da nación española. A súa argumentación de que a lingua galega ou é galego portugués ou galego castelán é impecábel e vai a misa. E cada día é máis evidente e cada vez é máis inxusta, cega e prexudicial para o galego a negación desa posición.

Tivo contacto persoal con Carvalho Calero ?

Eu non o coñecín. Por xeración tocaríame coñecelo se tivese estudado Filoloxía, que non foi o caso. Aínda así pode que non me tivese simpatizado a súa figura de señor profesor que podía resultar aristocrática, segundo teño entendido. Recoñezo que fun un mozo moi da miña xeración hipercrítica e desmitificadora e pode que aquel señor me resultase antipático. Visto hoxe coa distancia, alén dos trazos de carácter e de aspectos propios da cultura dos homes da súa xeración, paréceme unha figura importantísima que non foi recoñecida. Os seus estudos literarios son fundacionais e as súas elaboracións sobre a lingua acertadísimas. Rescatar para a sociedade a figura de Carvalho é rescatar o republicanismo galego e a mesma soberanía no pensamento da lingua, á marxe da escola filolóxica madrileña. Se os xenerais nacionalistas españois non tivesen triunfado a concepción da lingua, e loxicamente a súa escrita, sería moi semellante á defendida por Carvalho e non á defendida pola liña de Piñeiro.

“Rescatar para a sociedade a figura de Carvalho é rescatar o republicanismo galego e a mesma soberanía no pensamento da lingua, á marxe da escola filolóxica madrileña.”

literatura, Carvalho Calero, reintegracionismo, RAG
Suso De Toro en Compostela.

Por que é tan pouco coñecido este home no seu país?

Alén dos seus méritos cívicos como cidadán militante no republicanismo galego, no Seminario de Estudos Galegos e no Exército republicano, alén do seu paso polo cárcere e as dificultades para sobrevivir el e mais a súa familia, está o ser autor da primeira novela cabal editada en galego tras a guerra, A xente da Barreira, é cousa que se ignora deliberadamente na historiografía da nosa literatura. E o autor de Scorpio, unha novela moderna que conta a súa xeración e unha época. E como estudoso só pola súa Historia da Literatura Contemporánea Galega, que supera a que fixera anos antes Benito Varela Jácome, merece un lugar senlleiro. A súa figura e os seus méritos non son ben coñecidos nin valorados pola simple razón de que perdeu a guerra e tamén a posguerra. Non se adaptou ás novas regras do xogo.

Podería ser o galaico o nexo de unión entre o mundo hispano e o mundo lusófono?

Debemos conservar o ánimo e defender o que hai que defender, mais eu non son optimista. En abstracto debera ser un lugar natural de encontro, semella lóxico por motivos históricos, xeográficos, políticos…, mais non o vai ser. Por un motivo simple e evidente, a Galiza non ten estado propio e así non existe de facto. A República de Portugal trata co Reino de España e ignora Galiza, a Galiza está dirixida por políticos ao servizo da corte española e así ignora Portugal precisamente porque a relación Galiza Portugal ten unha dimensión política dentro da España, a corte desconfía de nós, de sermos medio portugueses e non sermos españois o bastante. E a propia sociedade galega ignórase a si propia como nación. De modo que esa relación entre linguas, que ten unha dimensión política indubidábel non se vai dar.

Que papel debera ter a lingua galega no mundo global contemporáneo?

Francamente, non o sei. Non sendo que haxa un cambio social e político profundo, é dicir que a sociedade galega deixe de apoiar a candidaturas dependentes de Madrid e que serven aos intereses da corte e vote candidaturas soberanas galegas pois a Galiza non vai existir politicamente. E non vai ter unha política lingüística propia. De modo que o que queda é, desgraciadamente, a pura resistencia fronte ao estado españolista.

E que lle parece a Lei Paz Andrade?

Pura razón, puro sentido común. O natural é que un país aproveite os seus recursos, e a lingua galega se se pon en relación co mundo da lingua portuguesa non só é un lugar para existirmos como país senón tamén unha ferramenta de valor indubidábel a prol dos nosos intereses.

“Precisamente porque a relación Galiza Portugal ten unha dimensión política dentro da España, a corte desconfía de nós, de sermos medio portugueses e non sermos españois o bastante”.

E que opinión lle merece que se estude máis portugués en Estremadura, por exemplo, que en Galicia?

É simple, en Estremadura o portugués é unha lingua estranxeira, dun país veciño, mais estranxeira. No caso galego é distinto, é evidente para os falantes o parentesco, a pertenza a unha mesma comunidade lingüística. E iso ten ou pode ter connotacións políticas. Por iso o españolismo, que menospreza a Portugal e a súa cultura, ve que na Galiza iso abre un camiño perigoso para os seus intereses centralistas.

Parécelle ben que non se lle teña dedicado o día das letras galegas a Ricardo Carvalho Calero?

Non opino en público. Hai xa trinta anos que levo dicindo e escribindo que a celebración do Día das Letras ten que mudar, que os seus rituais hoxe probabelmente son máis prexudiciais que beneficiosos para a nosa lingua e a súa imaxe na sociedade. Mais iso é unha opinión particular e evidentemente non se me fai caso nin hai por que o facer. De todos xeitos, quen escolle a figura que é beatificada cada ano de forma pública é a RAG e eles saberán por que non estiman abondo os méritos da figura de Carvalho. Mais, falemos claro, a figura de Carvalho representa xustamente o contrario do que é hoxe a RAG, e a súa idea da lingua é case contraria. Hai un conflito de intereses, por encima dalgunhas xenreiras particulares, que tamén as hai.

Que outros autores esquecidos ou marxinados hai a quen non se lle teñan dedicado as letras galegas merecéndoo?

Pois non o sei. Un dos problemas menores dese modo de conmemorar escritores é que somos un país pequeno e de contado acaban as figuras literarias de mérito. Non producimos un escritor ou escritora cada ano que teña unha obra ou méritos que merezan tal conmemoración. E así exaltamos figuras que carecen de peso real.

“Falemos claro, a figura de Carvalho representa xustamente o contrario do que é hoxe a RAG, e a súa idea da lingua é case contraria. Hai un conflito de intereses, por encima dalgunhas xenreiras particulares, que tamén as hai”.

literatura, Carvalho Calero, reintegracionismo, RAG

Por que non está vostede na RAG?

Pois porque non temos relacións, non nos tratamos. A RAG é un ente privado formado por elementos que se escollen entre eles, polo que sei os seus membros se cooptan, así que supoño que para que coopten a un débense dar certas condicións. Calculo que o primeiro é que alguén propoña o teu nome, logo que lles resultes simpático a un bo número deles e finalmente que non teñas un número significativo en contra. Até o momento, polo que eu sei, nunca me propuxeron ser membro dese ente, de modo que entendo que non se deron esas condicións. E eu enténdoos ben, pois primeiro de nada eu non son persoa na que podan fiar, para a miña desgraza sempre manteño posicións que pretenden ser de equilibrio e que neste país resultan conflitivas. E no modo de entender a lingua tamén temos diferenzas, como se pode comprobar pola miña valoración da figura de Carvalho, por exemplo. Eu acepto que debe haber un modelo de lingua, máxime nesta situación histórica, mais non concibo a prohibición da norma reintegrada ao portugués e síntome máis preto do reintegracionismo que do isolacionismo e rexionalismo lingüístico. Porque constato a situación histórica do meu país e da miña lingua acepto a norma que prescribe a RAG, aínda que coido que foi un grave erro que a autonomía lle encargase a unha entidade que non é pública o establecer o modelo e a gramática da lingua, deberan ter sido os departamentos universitarios nun consenso. Alén diso, o ser membro da RAG ten unha dobre dimensión, suponse que os membros escollen persoas que aporten cousa nalgún ámbito da lingua e, tamén, ten unha dimensión indubidábel de recoñecemento de méritos lingüísticos, culturais ou literarios. Eu non encaixo nas súas previsións. Doutra banda, sempre fun contrario ao modelo borbónico das academias e a súa pretensión de comisariar a vida cultural. Eu cheguei aquí e vivín a miña vida sen ter en conta academia ningunha, iso non entra no meu modelo de país, de cultura nin no meu plan de vida.

“Sempre fun contrario ao modelo borbónico das academias e a súa pretensión de ‘comisariar’ a vida cultural. Eu cheguei aquí e vivín a miña vida sen ter en conta academia ningunha”.

Vostede síntese marxinado no seu país?

Hai cousa de vinte anos un político que logo chegou a ser, para a nosa desgraza, presidente de Goberno, e non se trata do meu amigo Zapatero, escribiume: ‘Tú eres un disidente’. E tiña razón. Eu non teño encaixe doado nun país así, nin na España nin nesta Galiza españolizada, sometida e gregaria. Eu non tería encaixe doado en case ningún país, só podo ser tolerado. E non aspiro a moito máis que a non ir preso.

No San Jordi sempre está presente Suso de Toro, un autor moi querido en Catalunya. Como vive a situación política de Catalunya?

Cunha implicación profunda, algo que non tiña previsto na miña vida. Sempre simpaticei coa nación e a sociedade catalá, mais a súa loita democrática é mesmo heroica. Sinto que defendendo a revolución democrática catalá sigo a defender o mesmo que defendía cando era adolescente, a liberdade e os dereitos civís. E que viva a República Galega!, naturalmente.

O entrevistado

Suso de Toro

Suso de Toro

Santiago de Compostela, 1956. Licenciado en Arte Moderna e Contemporánea. Escritor, articulista e docente. En 1986 recibe o premio da Crítica de Galiza polo libro de relatos Polaroid. En 1988 publica a novela Land Rover, que tivo sete edicións e foi traducida e editada en castelán, francés e italiano. Con Tic, tac, obtén o premio da Crítica Española e o premio Arzobispo San Clemente en 1993. Despois seguirán, entre outras novelas, A sombra cazadora (1994); Calzados Lola (1997), premio Blanco Amor; Non volvas (2000), premio da Crítica de Narrativa en galego; Trece badaladas (2002), premio Nacional de Narrativa no 2003. Como ensaísta publicou, entre outros, Nunca máis Galiza á intemperie (2002); Madera de Zapatero(2005) e La lliçó catalana(2017). Como articulista, mantivo colaboracións con medios como La Voz de Galicia e El País, e continúa escribindo eventualmente en La Vanguardia e outros xornais cataláns, ademais de no dixital eldiario.es. En Galiza é habitual en Sermos Galiza.

#Carvalho

O entrevistado

Suso de Toro

Suso de Toro

Santiago de Compostela, 1956. Licenciado en Arte Moderna e Contemporánea. Escritor, articulista e docente. En 1986 recibe o premio da Crítica de Galiza polo libro de relatos Polaroid. En 1988 publica a novela Land Rover, que tivo sete edicións e foi traducida e editada en castelán, francés e italiano. Con Tic, tac, obtén o premio da Crítica Española e o premio Arzobispo San Clemente en 1993. Despois seguirán, entre outras novelas, A sombra cazadora (1994); Calzados Lola (1997), premio Blanco Amor; Non volvas (2000), premio da Crítica de Narrativa en galego; Trece badaladas (2002), premio Nacional de Narrativa no 2003. Como ensaísta publicou, entre outros, Nunca máis Galiza á intemperie (2002); Madera de Zapatero(2005) e La lliçó catalana(2017). Como articulista, mantivo colaboracións con medios como La Voz de Galicia e El País, e continúa escribindo eventualmente en La Vanguardia e outros xornais cataláns, ademais de no dixital eldiario.es. En Galiza é habitual en Sermos Galiza.

Outras entrevistas

A entrada “Carvalho representaba unha continuidade coa xeración republicana; Piñeiro non” publicouse primeiro en adiante.gal.

18 Dec 13:37

Las peores películas de 2018

by Atroz Con Leche

The Party Aunque haya películas realmente chungas y/o decepcionantes este año (Alpha, La monja, La noche de Halloween), elijo ésta porque lo tiene todo para resultar un bombazo, pero se queda en nada. También podría tirar por Ready Player One, que no sé qué necesidad tiene Spielberg de hacer estas tontadas de vez en cuando con la carrera que ya tiene. Imagino que para luego rodar tranquilamente maravillas como Los papeles del Pentágono, también estrenada aquí este año. ₭aòticoƎ

Sin rodeos de Santiago Segura. Vale que la peli es lo que es, que tampoco va de  obra maestra por la vida, pero es que es un truño con mayúsculas de no dar crédito. Si es una película de encargo, por favor que encarguen cosas con un poquito más de inteligencia en el humor…. Sólo se salva Candela Peña, que está divina haciendo de macarra (vamos, de ella misma) y el pecho con manta zamorana de ese descubrimiento que es el argentino Rafael Spregelburd. Fiorella Heart

Vengadores: Infinity War de Anthony y Jose Russo. Ahí la culpa la tenéis, al alimón, vosotros (por ponerla por las nubes) y yo (por verla tan tarde y las expectativas tan altas). El esfuerzo para que cada uno de los personajes tenga dos frases coherentes hace que la historia (si es que la había) se pierda entre tanta explosión. Que sí, que lo de la confluencia de todos los superhéroes de Marvel es la rehostia, pero si el final me hizo convertirme en fan de Thanos (personaje ridículo donde los haya dentro y fuera de las viñeta), algo de culpa tendrá el guión. Skyzos

Megalodón. Mala por tantas razones y a tantos niveles, que debería de acabar el año que viene con los responsables de dicha película, enfrentando cargos penales en Estrasburgo. David Miralles

Megalodón. Hay que tener muy mala hostia pa hacer una peli tan aburrida y pésima que ni tiene ni un fotograma que salvar. Aunque para mala hostia, la que da ver que está entre las diez más taquilleras del año y vendrán copias y secuelas sin fin. Eso sí, el premio va ax aequo con Ready Player One una peli que hace al Spielberg de Hook, un genio. MM

Megalodón: Cuando ni Jason Statham consigue que me trague . . . ‘lo que sea’, el producto tiene la pinta de ser, como en este caso, una falta de respeto a todos los principios de cualquiera que quiera ser una buena entusiasta del séptimo arte como lo intento ser yo. Donna Semen

Megalodón gana por goleada a cualquier otro despropósito del año. El truño de la década. Por no tener (ni sangre) no tiene ni gracia. La novela, que es otro despróposito importante, le da cien mil vueltas a este film. Mocico Viejo

Hereditary ¿Sabéis cuando se avecina una noche de pasión con alguien que te gusta mucho y luego se queda en nada? Pues esto me pasó con Hereditary. No me causó ningún tipo de malestar o terror. Nada, ni un simple vuelvo al corazón. Ni siquiera mi adorada Toni Colette pudo arreglar semejante despropósito de película. Antonio Sánchez Bejarano

Han Solo. Palabra de fan de la saga. Pero es que dirige Ron Howard…Bellísima persona

Happy End de Michael Haneke.  Haneke, ese maestro de lo exasperante, que ha conseguido rozar la categoría de genio del suspense moral, en “Happy End” se pasó de su raya (porque sólo él sabe dibujar así a sus personajes) y hace del fantasma de su libertad un cuento que cree ser negro; pero que sólo consigue la dispersión y el desencanto de su burguesía. La constancia de su mensaje en una Europa abocada al fracaso de una fractura cultural y social es deshumanizadamente aburrida. Y la repetición de sus golpes a la hipocresía y la fingida sociedad de éxito, por repetida, cansa. Su aspereza, filmando la violencia a 100 metros de sus personajes, aquí se descubre como algo tan distante como gélido. Lástima. Entre tanto hielo, algún día tenía que llegar el patinazo. Seguiremos confiando, no obstante, en el creador de “Funny games” y que siga buscando sus “fresas salvajes” entre los escombros de la naturaleza humana. Ángel del Olmo

Venom. Que la estoy viendo ahora mismo y MENUDO MOJÓN. Flanny

La tribu…. Me dio un poco de vergüenza ajena. El guión es de primero de taller del hogar del pensionista. También vale La forma del agua, que resumida es: “que te folle un pez”. Flor de Pavimento

Cold War, química cero entre los protagonistas, un sin sentido de película de principio fin. Inmaculada Colección

18 Dec 13:32

Más allá de ‘Dragon Ball’ y ‘Naruto’: otros 10 mangas imprescindibles de la mítica ‘Shonen Jump’

by Álvaro Arbonés

El grueso de los mangas más populares pertenecen a la Weekly Shōnen Jump. Death Note, Dragon Ball, Oliver y Benji, Naruto, Los Caballeros del Zodiaco. Pero la revista no acaba con sus historias más populares. Y para demostrarlo, te traemos una selección de mangas publicados en la revista que no son tan conocidos, pero son igualmente excelentes.

Hablar de manga es hablar de la Weekly Shōnen Jump. Como una de las revistas más longevas de Japón, la que tiene la mayor tirada y la que atesora una mayor calidad global, es toda una institución de la cual es imposible desentenderse si se quiere entender cómo ha evolucionado el cómic a lo largo del tiempo. Y ahora, gracias a importantes cambios en su versión digital inglesa, todas las actuales series de la revista se publicarán en inglés a la vez que en Japón, además de que, por una suscripción de dos dolares al mes, se dará acceso a más de diez mil capítulos de series publicadas originalmente en la revista.




Suena bien, ¿verdad? Pues ahora viene el jarro de agua fría: aunque sepas inglés, el servicio sólo está disponible en Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Irlanda, Nueva Zelanda, Australia, Sudáfrica, Filipinas, Singapur e India.

Salvo que vivas en alguno de los países anteriores, o uses un proxy o un VPN para hacer creer a la web de la Weekly Shōnen Jump que lo haces, las buenas noticias no son tanto. Pero así y con todo, vamos a aprovechar la oportunidad para hablaros de manga. De la Shōnen Jump. De mangas que, más allá de Dragon Ball, Naruto y One Piece, han dado y siguen dando forma a la revista de cómics más leída del mundo. Esperando que, tal vez, en un futuro podamos abandonar nuestros VPN porque una iniciativa similar llegue por fin a nuestro país.

KochiKame (1976-2016)

Kochira Katsushika-ku Kameari Kōen-mae Hashutsujo, más conocido como KochiKame, es toda una institución en Japón. Publicado durante cuarenta años, sumando 1960 capítulos y 200 tomos, no sólo es a día de hoy el manga más longevo de la historia, sino que además se ha erigido una estatua de bronce de Ryo-san, el protagonista de la serie, enfrente de la comisaría de policía de la estación de Kameari, el lugar donde trabaja en la ficción.

¿Y de qué trata la serie? De Kankichi Ryotsu, cariñosamente conocido como Ryo-san, un agente de policía que siempre está maquinando modos de hacerse rico que acaban estallándole en la cara, priorizando el gag y el buen fondo de Ryo-san sobre cualquier clase de trama. Eso no quita para que haya personajes recurrentes, arcos que vayan más allá de un único capítulo o momentos de heroísmo y triunfo por parte de Ryo-san, pero el grueso de su descomunal obra es, simplemente, una descripción de la tranquila vida de un policía sin mucho que hacer y sus interacciones con la gente de su barrio de clase obrera, donde todos se conocen y siempre hay una nueva forma de fracasar intentando hacerse rico.

Pies descalzos (1973-1974)

Existe la idea de que en la Shonen Jump sólo se publican mangas de espíritu juvenil, con énfasis en la exaltación de la amistad y temas amables para los niños. Y si bien hay algo de eso, no es lo único que hay en la revista. Al menos, no en la medida que ha dado cobijo a mangas como Pies descalzos (Hadashi No Gen).

Está scrito y dibujado por Keiji Nakazawa, quien vivió el bombardeo atómico de Hiroshima con la tierna edad de seis años, y cuyas obras más conocidas son aquellas que ponen el foco sobre lo ocurrido en Hiroshima. Es el caso de Pies descalzos, una obra en diez tomos, cuatro en la versión española, donde explicaría a través de los ojos de Gen, un niño que pierde a su familia en el bombardeo de Hiroshima, qué supone sobrevivir cuando tu hogar se ha visto volatilizado de la noche a la mañana.

Duro, descarnado, triste y profundamente antimilitarista, Pies descalzos no hace concesiones por haberse publicado en una revista juvenil. Por eso aún hoy se sigue considerando uno de los mejores testimonios, si no el mejor, sobre lo ocurrido el 9 de agosto de 1945 en esa ciudad imposible de olvidar llamada Hiroshima.

Ring ni Kakero (1977-1981)

Uno de los méritos de la Shonen Jump es dejar crecer a sus autores. Aunque hay no pocos one hit wonders, la norma es que, más allá de sus grandes obras, los autores saquen otros mangas, generalmente, con un éxito más que notable. Cuando no excelente. Y eso ha ocurrido con el prolífico, pero fagocitado por su mayor éxito, Masami Kurumada.

Aunque conocido por Los Caballeros del Zodiaco, la obra que dio forma a su carrera fue Ring ni Kakero. Una historia sobre dos hermanos, Ryuji y Kiku Takane, hijos de un gran boxeador que murió antes de llegar a ser campeón mundial, encontrándose en un eterno periplo de combates, a cada cual más duro, avanzando progresivamente en su camino por conseguir lo que su padre no pudo. Aunque en España no es una serie conocida, su éxito fue tan rotundo como para que esta serie de 25 tomos vendiera 13 millones de ejemplares, convirtiéndolo en uno de los mayores best sellers de la época.

Su influencia se haría notar después en Los Caballeros del Zodiaco. No sólo porque Kurumada ya fuera un autor famoso, sino también porque la estructura de enemigos progresivamente más poderosos, técnicas absurdas y referencias a la mitología griega ya están presentes aquí. Incluso los grandes autores tienen un pasado no menos grande a sus espaldas.

Ginga: Nagareboshi Gin (1983-1987)

Gin es un cachorro de la raza Akita que deja a su dueño para unirse a una jauría de perros salvajes. Pero Gin es un perro guapo y bueno que sólo quiere marcar la diferencia y hacer el bien, porque el grupo de perros en realidad sólo busca perros fuertes con los cuales poder plantar cara al salvaje oso Akakabuto, que no sólo está destruyendo la armonía natural del país, sino que además también atacó al joven y buen dueño de Gin. 13/10. Gin es un buen perro.

Además, Ginga: Nagareboshi Gin también es un buen manga. Siguiendo mayoritariamente las motivaciones de los perros, pero visto todo desde la perspectiva de los humanos, la historia nos remite a la clásica historia de samuráis honorables convertidos en ronin sin dueño que han de vagar por el país, recomponiendo sus fuerzas, para tener una posibilidad al combatir contra un gran mal que les supera y contra el que nadie más puede hacer nada. Con la diferencia de que estos ronin son perros. Y con perros, con perros guapos, con perros guapos y buenos y fieles y a los que quieres adoptar y llevártelos a casa, incluso un rip-off de los 47 Ronin es mejor.

DNA² (1993-1994)

Por motivos obvios, en la Shonen Jump tienen un lugar privilegiado Dr. Slump y Dragon Ball. Akira Toriyama logró dos de los mayores éxitos de la revista, que definirían todo lo que habría por venir de un modo completamente indiscutible. Pero a veces se nos olvida que influencias igual de notables pasan con mucha más discreción. Y ese es el caso de otro autor de la Jump que, curiosamente, también es un buen amigo de Toriyama: el enorme Masakazu Katsura.

Autor de obras como Video Girl Ai, I”s y Zetman, su especialidad es el romance, la ciencia-ficción y mantenerse siempre en un discreto segundo plano, incluso siendo el diseñador de personajes de animes como el fenómeno Tiger & Bunny y la infravalorada Garo -Guren no Tsuki-. Y como su especialidad es el segundo plano, nosotros hemos escogido un manga suyo que ha quedado en segundo plano.

DNA² tiene todo lo que cabe esperar de él: su personalísimo dibujo, un triángulo amoroso con romance imposible, ciencia-ficción y mucho humor en forma de agente del futuro que viaja al pasado para evitar la superpoblación del planeta a causa del pichabravismo del protagonista, que resulta ser alérgico a las mujeres antes de su intervención. Aunque no tenga la fama de su amigo Toriyama, Katsura es también un dibujante singular, un diseñador de personajes excelente y piedra clave de la Shonen Jump de los ochenta. Y a diferencia de su amigo, también lo es de los noventa y los dosmiles, incluso aunque nunca haya conseguido ser tan popular como él, incluso si le recordamos más por las adaptaciones al anime de sus obras que por sus mangas.

Chameleon Jail (1989-1990)

Incluso las leyendas empezaron por alguna parte. Y si bien se revalorizan rápidamente incluso sus obras menores o primerizas, eso no significa que estas sean siempre justamente valoradas. Como es el caso de Chamaleon Jail.

Escrita por Kazuhiko Watanabe y dibujada por Takehiko Inoue, cuenta la historia de un hombre capaz de cambiar su aspecto físico que trabaja solucionando problemas que ni los cuerpos de élite de la policía puede solucionar. Chamaleon Jail es una obra hija de su tiempo: thriller, criminal, ochentera y clara heredera de la también perteneciente a la revista City Hunter. Pero siendo dibujada por Inoue, autor de obras maestras como Slam Dunk o Vagabond, bien merece la pena rebozarse un poco entre tíos pintas con gustazo para el retro para comprobar como hasta el maestro, viene de alguna parte.

Yu☆Yu☆Hakusho (1990-1994)

Yū☆Yū☆Hakushō es, de esta lista, el manga que menos necesita aparecer en ella. Escrito y dibujado por Yoshihiro Togashi, autor de Hunter x Hunter, en sus mejores momentos esta historia sobre un chico que al morir resucita convertido en un detective de acontecimientos sobrenaturales con tendencia a solucionar todo a hostias, logró eclipsar incluso a Dragon Ball. Y no es para menos. Su anime es radicalmente mejor y, en términos de consistencia, su manga puede darle más de un par de lecciones sobre cómo modular el tono.

Por esa razón, si hay un manga de peleas de la Shonen Jump que realmente se merece ser considerado el rey, ese es Yū☆Yū☆Hakushō. Al menos, si obviamos la existencia de Hunter x Hunter, el manga que deconstruye todo lo que construyo Yū☆Yū☆Hakushō.

Tottemo! Luckyman (1993-1997)

Según las editoriales españolas, los mangas de humor no funcionan en España. Y no lo hacen porque Gintama, un manga que no ha funcionado nunca fuera de Japón, vendió poco aquí. Una inferencia, como mínimo, cuestionable teniendo en cuenta que Gintama vive y muere en sus referencias a la cultura otaku japonesa, la cual, en el momento de su publicación, nos llegaba con cuentagotas. Pero obviando el trabajo de Hideaki Sorachi (y a Toriyama), ¿qué manga de humor sería representativo de la Shonen Jump? Tottemo! Luckyman.

Cuenta la historia de un chico con tan mala suerte que acaba siendo aplastado por un platillo volante, eso provocara su fusión con el mayor superhéroe de la galaxia, Luckyman, lo cual le convertirá en la persona con mejor suerte del mundo. Y la fórmula a seguir es tan predecible como descacharrante. Alguien intenta invadir la tierra, Luckyman está allí y lo soluciona del único modo que conoce: teniendo una suerte de la hostia.

De capítulos autoconclusivos, humor bastante idiota y dejando caer todo el peso de la acción en los secundarios y la suerte de Luckyman, que hace que cualquier acción que emprenda acabe jugando en su favor de un modo absurdo, es una delicia tontorrona que, seguramente, de publicarse hoy en nuestro país tampoco tendría éxito. Pero es lo que tiene el contexto: cada obra tiene un tiempo y un lugar y no por eso son menos dignas de consideración.

We Never Learn (2017-)

La Shonen Jump es una revista para jóvenes, y si hay algo que interesa a los jóvenes es el sexo. Pero para no enfangarse en problemas legales, la revista no puede publicar contenidos pornográficos. Lo más que se le permite, y de lo cual suele estar cargado, es de un erotismo soft, repleto de enredos, que se suele denominar ecchi. Y de estas series, la más encantadora de las actuales es We Never Learn.

Narra la historia de Nariyuki Yuiga, un chico muy estudioso que ha de tutorizar a tres chicas que son genios en sus respectivos campos, y todo gira en torno al romance incipiente entre él y las tres chicas. Salvo porque, claro, no todo es tan sencillo como las ocasionales imágenes picantes que salpimentan la obra. Fumino Furuhashi es una genio de las artes y la literatura, pero quiere estudiar astronomía; Rizu Ogata es una genio de las matemáticas, pero quiere estudiar psicología; y Uruka Takemoto es una genio de los deportes y especialmente en natación, pero es básicamente horrible en todo lo demás y especialmente en inglés. Algo que da un consistente punto de partida a cada capítulo: Nariyuki teniendo que tutorizar a las chicas en materias donde son nefastas.

Con eróticos resultados.

Eyeshield 21 (2002-2009)

Hay dos géneros que no funcionan según las editoriales españolas: la comedia y los deportes. Y dentro del género de deportes, la Shonen Jump tiene mucho de lo que hablar. Pero obviando la omnipresente Oliver y Benji, el spokon que cosechó un mayor éxito en la historia de la revista es, irónicamente, de un deporte tan marginal en Japón como lo es en España: el fútbol americano. Pero de eso trata la excelente Eyeshield 21.

Dibujada por Yusuke Murata, (One Punch Man), y escrita por Riichiro Inagaki (guionista de Dr. Stone), es una clásica historia de superación, peleas y amistad, pero con un dibujo particularmente espectacular y un ritmo de infarto que hace imposible no pasar páginas como si nos persiguieran. Algo que consigue que sus 37 tomos se lean como un suspiro, como bien sabrían las editoriales españolas si se hubieran atrevido a traer un manga que, a todas luces, podría haberse abierto camino si hubieran confiado en él.

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18 Dec 13:28

Ocasio-Cortez cuenta en Instagram todo lo que no le explicaron antes de ser congresista en EE UU

by Antonia Laborde

“Eres elegido congresista, ¿y ahora qué?”. Esta es la frase con que Alexandria Ocasio-Cortez, introdujo hace un mes a sus seguidores de Instagram a una suerte de docureality sobre la vida de un representante en el Congreso. Desde principios de noviembre, la demócrata de 29 años cuenta en sus stories de Instagram la parte desconocida de las semanas previas a jurar el cargo en el Capitolio. Además, ha fijado estos stories en su perfil de Instagram, de manera que se pueden seguir viendo.

El primer vídeo en Washington deja entrever la esencia del material. La excamarera aparece en la lavandería del edificio gubernamental vistiendo un jersey rosa, unas enormes gafas y el pelo recogido. “La mayoría de la gente no te dice que cuando compites para congresista la ropa te huele mal porque no tienes tiempo de hacer la colada”, narra mirando a la cámara mientras echa a andar la lavadora con sus prendas blancas, y agrega: “Un comienzo glamuroso”.

Durante la campaña de las legislativas, los políticos se lanzaron a por el pedazo de filete electoral más grande: los jóvenes. Intentaron hincar el diente en los festivales, en las universidades, y por supuesto, en las redes sociales. Una vez que los comicios se celebraron, el hambre desapareció. Y con él, la comunicación directa con los millennials. Existen algunas excepciones tanto republicanas como demócratas, siendo Ocasio-Cortez la más notoria. Desde que la representante del distrito 14 de Nueva York fue electa el 6 de noviembre ha duplicado sus seguidores en Instagram hasta superar el millón a base de vídeos, fotos y stories.

Los congresistas electos tienen 60 días de preparación antes de asumir el escaño la primera semana de enero. Bajo ese paraguas, la mujer del Bronx ha compartido desde el día uno los detalles del proceso: los túneles “secretos” que conectan los diferentes edificios del Capitolio, las bambalinas de la toma de foto para la credencial, el libro-guía para preparar su plan legislativo... “¿Qué prefieren ustedes? ¿Una congresista que vele por los servicios locales o que proponga leyes?”, consultó a sus seguidores. El 64% se inclinó por la segunda opción.

Uno de los relatos más sabrosos fue el reparto de oficinas. Los miembros de la Cámara de Representantes participaron de una lotería para escoger su futuro despacho, la que pudo ser seguida paso a paso por los usuarios de la red social. Ocasio-Cortez, grabada por una de sus compañeras, exclamó en español antes de coger su número: "Sana sana, colita de rana, si no sanas hoy, sanarás mañana".

Le tocó el número 40 de unos 80, así que el cántico vino a cuento. La demócrata transmitió el recorrido por el interior de las oficinas desocupadas por los antiguos legisladores, pero que aún tenían cajas, carteles de feliz cumpleaños y fotos familiares. Antes de tomar la decisión de dónde le convenía pasar los próximos cuatro años, recurrió a su gente. “Rápido: ¿es mejor una oficina grande (de 14m2) o estar cerca de mis amigos?”. Finalmente se decantó por una que, sin darse cuenta, estaba a dos puertas de la de Nancy Pelosi, la apuesta más segura a convertirse en la presidenta de la Cámara de Representantes.

Las stories de Ocasio-Cortez no solo dan a conocer el reverso del Congreso. Ella cuenta su vida en el avión mientras vuela a su natal Nueva York, comparte su agenda en el camino de regreso a casa tras una “noche de chicas congresistas”, y explica su listado de prioridades como legisladora entretanto se prepara una sopa de frijoles. Ese día iba a comerse unos macarrones que llevaban una semana en la nevera, pero el grueso de los 800.000 espectadores que seguían su vídeo le recomendaron que los tirara. Y ella, tan devota a su gente, les obedeció.

Instagram no es la herramienta más cotizada entre los gobernantes. Mientras el 98% tiene Facebook o Twitter, solo la mitad está en la aplicación, según un informe de octubre del Servicio de Investigación del Congreso. “A mí me gusta hablarles por aquí porque es más positivo e íntimo”, explicó una vez la nueva legisladora. Los que sí están en la aplicación son los jóvenes. De los 105 millones de usuarios estadounidenses, el 64% tiene entre 18 y 29 años.

Estas cifras son un caldo de cultivo para los demócratas, el partido con el que dicha generación se siente representado entre los que sí votan. Sea parte de una estrategia pensada o no, a la gran revelación de las legislativas sirve para construir una relación sólida con los usuarios de la red social.

18 Dec 13:05

La Xunta ultima la compra de 13 edificios en Ferrol Vello para su rehabilitación

by Rebeca

FERROL360 | Martes 11 diciembre 2018 | 16:42

La Consellería de Vivenda de la Xunta de Galicia ultima la compra de 13 edificios en Ferrol Vello para rehabilitarlos y destinarlos a viviendas protegidas. Cuatro de ellos ya se licitarán en los próximos días, según han anunciado la titular del departamento, Ángeles Vázquez, en una visita a la zona en la mañana de este martes.

Vázquez ha detallado todos los datos de este programa de adquisición de viviendas y rehabilitación de las mismas, el plan Rexurbe, que este año invertirá en Ferrol un total de 5,4 millones de euros. En total, la Xunta contempla habilitar 38 nuevas viviendas protegidas y un local comercial.

Ángeles Vázquez ha asegurado que la ciudad de Ferrol es una de las prioridades dentro del programa Rexurbe para la rehabilitación de inmuebles en los barrios históricos. La conselleira ha explicado que de los 13 inmuebles que comprará la Xunta próximamente, de seis ya tienen la documentación lista y siete están pendientes de una contraoferta.

En total, se destinarán 900.000 euros para la adquisión de los edificios y más de cuatro millones de euros para la redacción de proyectos y ejecución de la obra. Vázquez ha anunciado que en los presupuestos de la Xunta de Galicia para 2019 ya se recogen partidas para dar continuidad a este programa y promover una nueva compra de edificios.

La casa natal de Carvalho Calero no se encuentra dentro de este programa de rehabilitación de viviendas porque según ha explicado la conselleira, se trata de un edificio dotacional, propiedad del Concello y por tanto corresponde a la administración local su acondicionamiento.

Sí ha lamentado Vázquez que dos edificios titularidad del Concello en la calle Argüelles no se hayan puesto finalmente a disposición de la Xunta. Con ello, ha remarcado, se podría haber reacondicionado una manzana completa.

Manuel Zapata, vicepresidente de la AVV Ferrol Vello, ha valorado muy positivamente la iniciativa, que ligada a las partidas destinadas a la rehabilitación para particulares supondrán una importante mejora para el barrio.

18 Dec 12:58

Sabugueiro: uvas das bruxas para lambóns

by Afonso Eiré López

Saben o que se pode facer co sabugueiro… Cousas que eu nunca pensei. Aí está o sabugueiro no que foi un día xardín, entre as rúas Conde de Torrecedeira e Marqués de Valterra de Vigo, que non o vedes medrar. Cada vez que se lembran, veñen e esmóucano, pero el volve agromar vizoso ensombrecendo a […]

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18 Dec 00:49

Oscuridad total, plagas y muertes masivas: 536 fue el peor año de la Historia para vivir

by Cultura

El historiador medieval Michael McCormick ha señalado el año 536 como el peor para el hombre en toda la historia, por encima incluso del 1349, cuando la peste negra asoló media Europa, o del año 1918, cuando la fiebre acabó con casi 100 millones de personas. El año 536 “fue el comienzo de uno de los peores periodos para estar vivo, si no el peor año”.

El equipo liderado por McCormick ha señalado que una erupción volcánica masiva en Islandia desencadenó una serie de acontecimientos a partir de dicho año: Europa, Oriente Medio y parte de Asia se sumieron en la oscuridad durante 18 meses, cubiertos por la niebla. Las temperaturas en verano descendieron hasta iniciar la década más fría de los últimos 2.300 años. “Ese verano nevó en China, los cultivos se echaron a perder y la gente murió de hambre”, recoge la publicación Science Mag.

Un equipo de investigación ha interpretado los restos de una erupción de un volcán en el año 536 (EFE)

Unos pocos años más tarde, el 541, la plaga bubónica llegó a Egipto y se expandió con rapidez, acabando con más de un tercio de la población del Imperio Romano oriental, acelerando su colapso.

La mitad del siglo VI es conocida como “los años oscuros” (‘dark ages’) pero, hasta ahora, la fuente de las misteriosas nubes que cubrieron el cielo durante tanto tiempo había sido un misterio. Ahora, el equipo de investigadores liderado por McCormick ha interpretado los restos de las erupciones masivas en Islandia, registrados en el hielo de los Alpes Suizos, y que fueron los causantes de la niebla que desencadenó el peor periodo de la historia.

El equipo no solo ha señalado la erupción del 536. Dos otras erupciones masivas tuvieron lugar en los años 540 y 547. Según han explicado, las repetidas explosiones, seguidas por la plaga, hundieron a Europa en un estancamiento económico que duró hasta 640.

17 Dec 19:54

‘And the Apalpador must come’… Will he bring you presents?

by Milésio
The Apalpador or Pandigueiro

As the Winter Solstice (21st December) and Noite Nai (‘Mother Night’, 24th) approach, millions of children (and not only!) eagerly await for their presents. But… who is bringing them?

It is commonly agreed that the infamous Santa Claus is a 19th century commercial and Christianised revision of a number of European tales. Most of these old stories, however, involve some sort of good-natured large bearded man bringing goods or presents, although he could sometimes be accompanied or complemented by not so benevolent creatures (see the Central European Krampus, for example).

So whether it is the Slavic Ded Moroz, the Icelandic Jólasveinarnir, the Basque Olentzero, the Scandinavian Nisse or Tomte, or the Catalan Tió, different pre-Christian celebratory figures marked the passing of the cold and rainy Solstice on a positive note.

Needless to say, along the Atlantic shores we can also find our own Galician Apalpador or Pandigueiro.

This is a figure which was almost forgotten and reduced to just some specific areas in Galicia. Yet, fortunately, it has been extensively researched and promoted since 2006, first thanks to a single individual (José André Lôpez) and shortly after thanks to the tireless work of a number of cultural associations such as PGL-AGAL, Gentalha do Pichel or Fundaçom Artábria, to name a few.

Here is a video collecting the once fading words of our Elders (‘And the Apalpador must come’ – in Galician):

Today the Apalpador is present in most Galician schools, media and shops, demonstrating that it is indeed possible to recover and preserve our ancient heritage.

The Courel Mountains, home of the Apalpador

So legend says that this giant red-bearded coalman(*) comes down from the Courel mountains and visits every house during Noite Nai. He makes sure all children are happy and well fed by gently feeling their tummies while they are asleep. Then, according to tradition, the Apalpador leaves a handful of chestnuts and maybe some small present.

Lest we forget that the chestnut is a Galician symbol for the Magusto (Samhain) period, and it is also said to be the most valued delicacy in the Além (The Beyond; The Land of the Dead). On the other hand, when presents are given these are simple, where the sentimental value is to outweigh any possible economical value.

In any case, the Apalpador is seen as an eminently positive figure, able to “bless” the household. He is the perfect embodiment of the Druidic Noite Nai, when we celebrate in community the eventual triumph of the light even in the most extreme conditions, and we gather the final strength for the harshest of all seasons.

The Apalpador is not our only popular symbol for this period, but sure is a favourite among the young ones, and that is no wonder. May he bring you joy too! 🙂

The Apalpador song (traditional):

(*) Some recollections do mention the Apalpadora, in the femenine, but they are a minority.

PS. A text about the Noite Nai will be published shortly (in Galician).

[GL] Este é um texto explicativo da figura do Apalpador em língua inglesa para todas aquelas pessoas que nom entendem o galego. Para mais informaçom em galego visite-se, por exemplo, esta ligaçom. Em breve sairá publicado o texto próprio da Noite Nai.

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17 Dec 19:51

Review: Rebel Inc.

Maybe it says something about how twisted people's tastes can really be, but Ndemic's Plague, Inc. was a surprise mega-hit for the one-man developer, hanging out near the top of the paid charts for years and receiving several well-received expansions. You've probably played it, and if you haven't, we highly recommend that you do.

Now, we have a spiritual sequel that takes the same combination of a board-game-style map and branching development trees and applies them to the theme of rebuilding a nation after an international conflict. This time, you're playing the good guys (hopefully), and Ndemic have put together a game that is just as if not more compelling than their previous effort.

Rebel Inc 2

One level of Rebel, Inc. is enacting initiatives that help build stability in the region, improve your reputation, and enable new ways to deal with problems that crop up. Civilian initiatives like improving hospitals and water systems primarily affect stability directly, while Government initiatives often act as 'buffs' that speed the adoption of your other initiatives or mitigate their consequences. Military initiatives are how you get the units you can command on the battlefield, but also support and improve the effectiveness of those units.

Initiatives are rolled out around the region automatically. You give the order, and your subordinates make it happen. At first it can be difficult to understand the effects of your orders, since they are rolled-out piecemeal and sector by sector. However, you'll definitely appreciate the improved roads you put down when your national army has to run from one end of the map to the other to put down an insurgent group.

Rebel Inc 4

The costs of these initiatives are measured not only in dollars spent, but also in inflation and increasing corruption. Pouring money into an ailing nation sounds like a great idea, but too much at one time will cause prices in the region to rise, meaning you need to instead carefully drip new programs in like an IV. Also, implementing new programs that are supposed to help people means that other potentially less scrupulous people have to be put in charge, which lets them skim some off the top and can lead to more problems later. Balancing budget, inflation, corruption, stability, reputation, and insurgent activity is the core of the game.

The next layer of the game is the military tactical level, which, although it might not appear so at first, is heavily dependent on the policy layer. Here, you move units around the map to deal with insurgents that pop up, which is always at the most inopportune times. If the insurgents manage to control a sector, they will quickly drain your reputation, so it’s a good idea to keep your soldiers in the thick of it. Once defeated, however, they will scurry off into a neighboring sector, which can lead to you chasing them all around the map. To actually eliminate an insurgent group, you have to corner them so that there is no escape. It's a game of cat and mouse, but one where the cat also has to worry about not antagonizing the local civilians and is subject to being recalled at the end of a tour of duty.

Rebel Inc 1

Finally, there's plenty of dilemmas that will appear and require careful judgement. These will spell out the probabilities of different consequences depending on what you choose--typically you trade cost in dollars against a change in reputation or a risk of additional corruption or emboldening insurgents. Do you pay off the warlord, or try to arrest him and risk him joining the insurgency? These dilemmas are also how the game handles issues like civilian casualties from your airstrikes (Do you cover it up, or admit responsibility? It becomes more difficult over time.) They ultimately direct the endgame, as you negotiate with the rebels to bring peace to the region without losing too much face.

There are a lot of systems interacting in the background in Rebel, Inc., which serves to take some of the pressure off the player but also makes some of the game a bit opaque. Key to success are the Government initiatives that control corruption, speed implementation of Civilian initiatives, and make other tools more effective--but you might not realize that at first since those initiatives don't have as immediate or visual an impact on your situation as a new military unit. Once you get the hang of it though, Rebel Inc offers a lot of challenge and requires careful thought to keep its many plates spinning through its harder difficulty levels and maps. Yet, it’s still a game that you can easily pick up and put down thanks to the high-level of automatic administration that's taken care of for your governor.

Rebel Inc 3

Some people will question the taste level of this kind of simulation in this day and age. Rebel, Inc. doesn't have the same problem that Afghanistan '11 had because its rebels are only elliptically related to the Taliban, so there's no need to fear Apple removing this new game on the same (incredibly silly) grounds. There are probably valid criticisms to make of Rebel, Inc.'s portrayal of reconstruction, but only because any simulation is going to have to simplify a massively complex situation in order to shrink it down to our phone screens. This simplification could reasonably make people doubtful of the message the game is sending--if only the idea that it is even possible to "win" a counter-insurgency.

However, in this case I think the material is handled with enough gravity and care, and the developer is engaged-enough with players that any problems that might surface will be considerately dealt with. The game primarily portrays the difficulties in rebuilding a country after a war, the compromises that are made and the ultimate costs, and that overall message is a powerful and necessary one in our recent decades of jingoistic adventures in the Middle East. For that reason alone, we might hope that Rebel, Inc. equals its predecessor's popularity in the App Store. But it also deserves to make it to the top of the charts on its own, for being a complex but easy-to-play sim game.

17 Dec 19:45

Cruzada antissexo do tumblr silencia vozes marginalizadas

by Weudson Ribeiro

Decisão da hospedeira de blogues de banir conteúdo adulto afeta sobretudo profissionais do sexo, mulheres, negros, trans e LGBTs

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17 Dec 14:58

El milagro de P. Tinto: veinte años viviendo a lo loco

by Carlos H. Vázquez
El 18 de diciembre se cumplen veinte años del estreno del primer largometraje de Javier Fesser (Pérez de Petinto) como director: El milagro de P. Tinto, una película que contiene un universo propio en el que se desarrolla lo más básico: descubrir el mundo, formar una familia y morir. Cándida Villar, como crítica de cine, lo explica: «Es como de […]
17 Dec 14:53

Las mejores películas de 2018

by Canino

Un año más, os traemos el resumen de lo mejor de 2018. Películas, series, videojuegos, comics, e incluso nuestra puntilla con lo peorcito de estos doce meses que acaban. Empezamos con las mejores películas del año.

No está de más dejar claro que ninguno de nuestros tops del año pretende ser definitivo ni completista. Simplemente, nuestros colaboradores escogen sus artefactos culturales favoritos y escriben sobre ellos. Las ausencias serán más que las presencias pero, en cualquier caso, estos son algunos de los imprescindibles de 2018.

Con el viento

Ha sido un año prolífico para las directoras españolas, muchas de ellas debutantes. Ya el año pasado, Carla Simón cautivó a propios y extraños con Verano 1993, mientras que este, han sido Carmen y Lola de Arantxa Echevarría, Ana de día de Andrea Jaurrieta o Las distancias de Elena Trapé las que han acaparado la atención de buena parte de la crítica. Hay un emergente talento en nuestro país, fresco, de sensibilidad femenina. Son muchos los orígenes de esta nueva ola de directoras, a menudo se nos presentan como voces individuales, pero algunas tienen un punto de partida común: Barcelona. El proyecto Cine en curso ha reunido a un grupo de prometedoras cineastas, siendo Carla Simón la primera en haber despuntado. A partir de esta asociación, un sentido de comunidad ha surgido para dar lugar a una particular visión de la realidad, vinculada con la naturaleza y las raíces. Un grato ejemplo de ello ha sido el de Diana Toucedo, con su destacable cinta Trinta lumes, que retorna a su Galicia natal para traer a las salas una autentica experiencia sensorial que se adentra en las profundidades místicas de la Sierra del Courel (Lugo), en una suerte de monstruo narrativo entre el documental, la ficción y la exploración romántica de la naturaleza.

Sin embargo, ha sido Con el viento de Meritxel Colell el film que más atención ha acaparado dentro de este círculo. Una vez más, volvemos a las raíces de su autora, que retrata con virtuosismo los áridos parajes de Burgos, de impresión asceta. Así, la catalana refleja en su obra un entrañable interés por el campo, la naturaleza y lo tradicional, un entorno ahora frágil. El carácter documental, muy presente en Trinta lumes, queda velado en esta cinta sin que desfallezca su verosimilitud. A ello ayuda un magnífico reparto encabezado por Mónica García, Concha Canal, la veterana Ana Fernández y Elena Martín –que destacó el pasado año con la sobresaliente Júlia Ist –. Con el viento narra sin excesiva carga dramática el estado emocional de una bailarina que, tras la muerte de su padre, regresa a la venta familiar para ayudar a su madre. Es en este vaivén de bellas, sencillas y a veces abstractas imágenes donde Meritxel Colell reflexiona sobre el desarraigo y el reencuentro, con la familia y con uno mismo. Todo el conjunto es aderezado por una fría fotografía, un sonido sinérgico y un magnífico montaje obra de la galardonada Ana Pfaff, otra de las grandes promesas de este particular grupo tan prometedor. Carlos Campoy

El hilo invisible

Paul Thomas Anderson lleva una trayectoria de auteur sorprendente; ajena a cualquier moda y que se ha decantado por un manierismo que vira entre el hallazgo y lo insoportable. En ningún momento “insoportable”, El hilo invisible es una sutilísima y triste deconstrucción de una relación que no debería tener lugar. Todo lo contrario a una comedia romántica, un drama con ecos del mejor Bergman, resulta en un filme americano raro e inteligente de Hollywood perdido entre la invasión de superhéroes. Un excelente melodrama que en cada mirada o cita entre Daniel Day-Lewis y Vicky Krieps esconde una sabiduría sobre las relaciones, ¡en un guión propio!, que vuelve a encumbrar a Thomas Anderson como uno de los mejores cineastas de Estados Unidos. Pocos filmes han hecho explícito y doliente, con una admirable estética jansenista, aquel tópico de “odiamos lo que amamos”. Película necesaria, fuera de tiempo, y que ficcionaliza a esas miles de parejas unidas en su odio a ritmo de la punzante banda sonora de Jonny GreenwoodJulio Tovar

Han Solo

El fiasco de Disney de este año, la nueva entrega de la saga galáctica creada por George Lucas es una rendición a la serie B clásica en dónde cabe el western, el cine negro, la space opera y el regusto a tebeos antiguos. De la mano de Lawrence Kasdan y Ron Howard, dos militantes de la vieja guardia, Solo es la película pasada de moda que ningún fan del blockbuster actual parece haber cogido. Usando los referentes que probablemente hubieran utilizado de rodarla hace cuarenta años, este par de carcamales han hecho una cinta bien estructurada, escrita como como un western clásico con el sello Kasdan en cada plano. Su influencia se nota más allá de su labor en El Imperio contraataca, a la que invoca en el corredor de Kessel; también se ve al guionista de Indiana Jones y la última cruzada en su carácter episódico o esos villanos que buscan lo mismo que el héroe siempre un paso por delante.

Aunque, más bien, Han Solo es el equivalente de Las aventuras del joven Indiana Jones, la versión Lucasfilm de la juventud, los orígenes, de un aventurero adulto, encarnado en ambos casos por Harrison Ford. También tiende más a mirarse en el cine de aventuras clásico, no tanto a la space opera galáctica como el cine de piratas añejo al estilo de El Hidalgo de los Mares y El capitán Blood en la que el viejo galeón se llama Halcón Milenario. Y el cine de piratas se extiende a La isla del tesoro (1883), en la que la relación de un joven ingenuo y un viejo pirata da un arco de cine de iniciación que se replica en la relación de Solo y Beckett. En definitiva, como un puro Space Western, con las primeras correrías del contrabandista camuflada como una obra rescatada de la era dorada Jim Henson en los ochenta, cuyo trabajo también fue clave en la iconografía de la saga clásica de Star Wars, recuperando el compromiso de usar muñecos, marionetas y disfraces reales casi el cien por cien de las ocasiones. Un espíritu coherente, retro y bien narrado, con recodos de guion que siempre guardan una sorpresa, y acción rodada con gusto, bien explicada y sin aturullamientos sordos. Jorge Loser

Génesis

Génesis es un film al servicio de una mirada encendida. La mirada encendida reflejada en el rostro de quienes atisban el amor y sienten vértigo al contemplar la profundidad de quienes les gustaría ser. Philippe Lesage vuelve después de Los demonios y de ofrecer una cáustica reflexión sobre un niño que codifica el mundo adulto a través de un realismo mágico tan ingenuo como certero. En este caso apuesta por el travelling y el plano secuencia como descriptores del rumbo de miradas de millennials confusos en fiestas e internados. Guillaume conecta con los entresijos de la amistad y la masculinidad en un internado que castra expectativas y exacerba la represión. Charlotte aprende a amar, a abrazar la sexualidad naciente y perder su mirada por los paisajes que se difuminan a través de la ventanilla del tren. El epílogo que protagoniza Félix evoca el nacimiento del amor, el travelling como interpelación y el plano secuencia la unión miradas que se cruzan. En definitiva, donde algunos creen haber visto confusión, eternos planos y personajes que no se aclaran, la SEMINCI premió acertadamente el film de Lesage y recompensó la candidez con la que apresa miradas encendidas. Javier Acevedo

Infiltrado en el KKKlan

Si una época tan terrible como la que vivimos no iba a resucitar al mejor Spike Lee (al cinematográfico, que como documentalista lleva tiempo demostrando que su grandeza puede extenderse a muchos otros ámbitos), nada iba a hacerlo. Tras ofrecer una suerte de síntesis de todo lo aprendido a lo largo de su carrera en la inmensa Nola Darling, remake en forma de serie de una de sus primeras obras maestras, el director neoyorquino llegó a las memorias de Ron Stallworth a través de Jordan Peele, que no bien estrenada Déjame salir buscaba nuevas y originales formas de denunciar el racismo, y había encontrado en la historia de un policía negro infiltrado en el Ku Klux Klan a finales de los setenta el material idóneo. Lo que en un principio se iba a convertir, sin embargo, en otro juguete intragéneros con lectura social de fondo para mayor lucimiento del realizador —al estilo de un Plan oculto (2006)—, la urgencia de la realidad fue convirtiéndolo en mucho más.

Pero sin, tampoco, apartarse del genial entretenimiento que Lee nunca quiere dejar de hacer. Es fascinante cómo Infiltrado en el KKKlan se las apaña para darle placer al público a un número de niveles y registros prácticamente inaudito, con una confianza en sí misma tal que, a los veinte minutos y de manera fulminante, consiguió hacer que quien esto escribe ya se imaginara incluyendo su título en todas las recopilaciones de lo mejor del año que se le pusieran por delante. La película de Spike Lee es una descacharrante comedia. También un film de corte histórico cuya inmersión más eficaz no la consigue un cuidado diseño de producción (que también), sino una escena con Too Late to Turn Back Now de fondo que nos recuerda lo bien que este hombre ha sabido siempre rodar a la gente bailando. Una obra de autor, por supuesto, siempre. Ah, y claro está, una aventura policíaca, consiguiendo así como quien no quiere la cosa una buddy movie rabiosamente entrañable, gracias a la interpretación de Adam Driver y a la sutil construcción de su personaje.

Sutil. Supongo que tendríamos que acabar pasando por aquí. Infiltrado en el KKKlan, cierto, no es demasiado sutil, porque ante todo es una denuncia social y una llamada a la acción que prefiere invertir tiempo en insultar a los putos racistas antes que profundizar en su background, y en poner en su boca frases de Donald Trump antes que proveerles de una construcción dramática convincente. Un tratamiento que se ha ido encontrando con bastantes detractores estos meses, pero al que le ha sobrado tiempo para quedar refrendado. Ya sea por la propia película, cuando la victoria de Ron Stallworth se revela insuficiente ante la descripción de lo ocurrido en Charlottesville en los últimos minutos, o por la propia realidad ante la cual Infiltrado en el KKKlan, en detrimento de cualquier discurso estético o narrativo, opta por medirse. Es su decisión, y en la época tan terrible que vivimos qué duda cabe de que es la única decisión posible. Alberto Corona

Roma

Roma, de Alfonso Cuarón, tiene un aire experimental que recuerda a las grandes obras del cine italiano de finales de la década de los cincuenta. Tiene elementos del barroco, pero a la vez, un aire profundamente íntimo que la equipara a las meditadas obras de autor de Tarkovsky. Entre ambas cosas, Cuarón ha creado una pequeña obra de arte de excelente factura que resulta en una experiencia visual hipnótica y también, una profunda reflexión sobre el dolor, el desarraigo y la soledad. Roma, con todo su aire de vieja postal y su magnífico guión, es otra prueba que Cuarón tiene un sentido del cine emparentado de manera directa con la percepción de lo bello, lo conmovedor y lo cotidiano. Todo bajo una pátina elegante y pulcra.

Con su buen manejo de cámara y, también, su reflexión anecdótica sobre el dolor y el miedo, Roma avanza entre primeros planos cerrados en contraposición con otros muy abiertos, que otorgan una percepción variada sobre el punto de vista de la película. Desde el aire íntimo y evocador hasta el pertinaz ojo observador de la cámara como registro, Cuarón (que también dirige la fotografía de la película), medita sobre la violencia con una sutil belleza que resulta desconcertante. La historia, que cuenta la masacre de ciento veinte personas durante una manifestación estudiantil en el Corpus Christi del año 1970, podría haberse convertido en manos menos hábiles en un gran sermón moral. Pero en lugar de eso, es una meditada versión sobre la fe, el peso del dolor y la culpa colectiva. Para Cuarón se trata de un triunfo argumental resonante y quizás, su obra más personal. Aglaia Berlutti

The Florida Project

Es posible que The Florida Project no sea la mejor película del año. Pero creo que es un título que aunque en el momento de su estreno fue laureado, ha quedado algo olvidado en las listas de lo mejor de 2018, tal vez por haber sido estrenada en el primer trimestre. Pero el nuevo trabajo de Sean Baker es una pequeña gran cinta. Tanto en su ejecución como en el tamaño de las criaturas que pueblan sus películas y que gracias a una inteligente y cromática puesta en escena, se convierten en pequeñas figuras de un ecosistema ahogado por la representación de un nirvana y una sociedad de consumo (representada por un asgardiano Disneyworld) que sirve de contraste con las dramáticas realidades de la clase media-baja norteamericana, aplastada por un mundo de sueños artificiales que saturan sus sentidos hasta el límite de transformar el entorno y la situación en la que viven. El resultado es un trabajo acerca de la percepción del mundo desde la infancia tan crudo como conmovedor. Felipe Rodríguez Torres

A Silent Voice

2018 ha sido un buen año para el cine de animación. Con grandes estrenos como los mencionados por mis compañeros y otros interesantísimos trabajos –Spider-Man: Un nuevo universo, Ralph Rompe Internet, Teen Titans Go o Cavernícola-, está claro que ha habido variedad y calidad entre este tipo de propuestas. A pesar de ello, uno de los pocos filmes que de verdad ha logrado conmoverme es de 2016, aunque a España llegó en marzo. Se trata de A Silent Voice, la delicada adaptación del exitoso manga homónimo de Yoshitoki Ōima, que ha sido dirigida por Naoko Yamada.

La película es una narración sobre las consecuencias del bullying, las inseguridades, la discapacidad, los problemas de salud mental y la necesidad de saber perdonar a los demás y, sobre todo, a uno mismo. A través de un grupo variado de adolescentes y especialmente centrándonos en dos de ellos -la joven sorda Shoko Nishimiya y el inseguro Shoya Ishida-, descubrimos una historia sobre amor y amistad llena de aristas, que evidencia lo sencillo que resulta convertirse en víctima y verdugo. Gracias tanto al amplio abanico de personajes y a su enriquecedora diversidad como a la preciosa y cuidada estética lograda por el estudio Kyoto Animation, es fácil disculpar las carencias de una narración llena de luz y detalles -en sentido literal y figurado- que sabe ganarse el corazón del espectador gracias a su esperanzador relato sobre las emociones y relaciones humanas. Elena Crimental

Mandy

La película más hermosa del año es una película de terror, con una clara intención artística, pero honesta y desacomplejada, que no necesita trascender el género mirando por encima del hombro a las que pudiesen carecer de esa intención. Panos Cosmatos pone el énfasis en las emociones tanto como en la sangre, golpeando el corazón del espectador al ritmo del legado de Jóhann Jóhannsson y conduciéndolo, por la vía del metal y la psicodelia, desde unas montañas de California hasta un paisaje de espada y planeta (¿”motosierra y planeta”?); y cuando llega la hora de las tortas, le presta a Nicolas Cage una copia de Viernes 13, 7ª parte (1988) para que se empape (esto es así, lo ha comentado en varias entrevistas).

Tiene también una intención conceptual, como historia de venganza, que es la de otorgarle al sujeto de la misma tanta presencia como a su objeto: empieza a hacerlo desde el título, y culmina con esa Mandy iluminada (en rojo) que se carcajea de su inminente verdugo, como si la Carrie de De Palma le hubiese dado la vuelta a aquel “se reirán de ti”. Mandy, la película, es una máquina de fabricar (y reciclar) iconos, una impresora 3D de carne de gallina, y es todo lo opuesto a eso que se suele llamar condescendientemente “una obra fallida”, porque convierte cada una de sus intenciones en un triunfo. Andrés Abel

Hereditary

Resultaba arriesgado creer en un hype como el que acompañó el estreno de Hereditary, y que la colocaba en la línea de sucesión de clásicos del terror como La semilla del diablo o El resplandor. Y sin embargo, todo aquel el hype era cierto. Ari Aster no ocultaba estos referentes (póngale también ahí su cuarto y mitad de Amenaza en la sombra) a la hora de urdir esta historia malsana y asfixiante de desasosiego y horror, este prodigio de asombro y sustos existenciales, de atmósfera y construcción, como lo eran las casitas y miniaturas que arma de la madre protagonista. Hereditary hacía un requiebro en su último tramo y abandonaba todo realismo, lo que resultó demasiado para todos aquellos (fundamentalistas de la trama o de una manera de entender el terror) que no quisieron o no supieron ver el significado de la película, del cual esta ya avisa desde su mismo título: que el mal y la enfermedad son hereditarias; que nuestras taras y defectos congénitos, ya sean aprendidos o codificados en nuestros genes, son una brea primordial de la que intentamos escapar pero que más pronto que tarde nos termina alcanzando. Santi Pages   

Loving Vincent

Recién comenzado el año llegaba a nuestro país esta pequeña joya de la animación sobre los últimos días de vida del pintor neerlandés en la localidad francesa de Auvers-sur-Oise. De manera fascinante, los cuadros de Van Gogh cobran vida ante nuestros ojos y son ellos los encargados de guiarnos por los paisajes, los personajes y las extrañas circunstancias que poblaron los momentos finales del artista. Durante los 95 minutos de metraje tenemos la oportunidad de observar el mundo tal y como él lo veía, gracias a 65.000 fotogramas pintados a mano por 125 pintores diferentes de todo el mundo que emularon sus cuadros originales al óleo.

Sus pinturas adquieren una nueva dimensión en la pantalla y los personajes que aparecen en ellas reviven con  las actuaciones de Robert Gulaczyk como Vincent van Gogh, Douglas Booth, Jerome Flynn –nuestro amigo Bronn de Juegos de tronos (2011-)- o Saoirse Ronan, que se acaban convirtiendo también en pintura y pasan a formar parte de los cuadros como si siempre hubieran estado allí. Una aproximación al autor y a su obra que irradia belleza, cariño y dedicación por todos sus poros, en un trabajo titánico que no podía faltar en esta lista de lo mejor del año. Ana Rodríguez

Vengadores: Infinity War

La tercera parte de Vengadores, decimonovena de la gran saga que es el Marvel Cinematic Universe, representa un gran hito en la historia del blockbuster. Desde la primera Vengadores Marvel cambió las reglas del juego, tomando el testigo del Universo Expandido Star Wars y llevándolo más lejos incluso que la franquicia galáctica. Al timón, un Kevin Feige que algún día logrará su merecido reconocimiento junto a otros grandes visionarios de la producción palomitera y unos hermanos Russo que llevan cuatro años demostrando su eficacia.

Es cierto que el peso de ser una película tan importante a nivel de marca puede haber aplastado los elementos más exquisitos y notables de sus predecesoras (cabe destacar el enorme trabajo de fotografía y dirección en Doctor Strange, Thor: Ragnarok o Black Panther). Pero es ahí donde entra la eficacia de los Russo y compañía para orquestar todos los elementos de forma comprensible, entretenida, visualmente solvente y narrativamente satisfactoria para una historia mayor que ninguna anteriormente presentada en este universo. Un reto donde otros habían fracasado antes (Raimi, Nolan, Snyder…). Ante todo, y más allá del Arte, la gran importancia de Infinity War es su valor como demostración de lo que una corporación malvada puede hacer con la suma de tantos talentos. Disney aquí ha puesto un listón impensable hace diez años a quienes quieran seguir su estela. Pablo Fluiters

Maquia, una historia de amor inmortal

Mari Okada siempre va con los sentimientos por delante. Acusada no pocas veces de sentimental y melodramática, sus guiones siempre hacen un gran esfuerzo para que el espectador empatice y comprenda cómo se sienten sus personajes, sin por eso descuidar la historia que nos pretende contar con ellos. Y eso es lo que nos ofrece en su primera película como directora, Maquia, una historia de amor inmortal. Una impresionante obra de orfebrería donde demuestra tener un pulso perfecto para el drama, el romance y la tensión, con algunas de las escenas e imágenes más evocadoras del año. Un auténtico tratado sobre lo que significa ser madre, mujer, ser humano. Es decir, una película sobre por qué cómo nos sentimos cómo nos sentimos y cómo, mientras atesoremos esa clase de sentimientos, nunca dejaremos de ser humanos. Álvaro Arbonés

Teen Titans Go To The Movies 

En condiciones normales hubiera dicho que la mejor película del año era Tang ren jie tan an 2, el segundo Detective Chinatown, vaya. Pero supongo que si hay que elegir entre lo que se ha estrenado en España queda tan descartada como ese enorme éxito que es Crazy Rich Asians que tampoco hemos podido ver. Así que… bueno, entre lo que se ha estrenado en España este año está esta crítica, comentario, expansión -y todas esas cosas que se suelen decir de las películas de superhéroes- a partir de la serie posiblemente más irreverente que hay en la actualidad sobre, precisamente, superhéroes, ha cristalizado en un espectáculo que es difícil saber si está más dedicado a los pequeños o a los fanes de este tipo de películas que han llegado a controlar la taquilla hasta niveles casi ridículos. Al menos ellos han sabido reírse de la necesidad de películas reconociendo, a la vez, que quieren más. Jónatan Sark

Mission: Impossible – Fallout

Tenía que pasar. Tom Cruise se hace mayor. Ahora con 56 años ya se aprecia el enorme esfuerzo que le supone trepar por la cuerda de carga de un helicóptero que sobrevuela Cachemira. Dos veces.

M:I-F recorre la franquicia de cabo a rabo desde el primer minuto, como un grandes éxitos interpretado por una orquesta mucho más afinada, y es la entrega más especial de la franquicia. Primero, por ser la única que repite director, algo completamente lógico si echamos la vista al “episodio anterior”, donde Christopher McQuarrie se desenvolvía como nadie en la entrega más vibrante hasta el momento de la safa de su colega Cruise. Lo que pasa es que ahora entregan la mejor película de espías de la historia del cine. Otra vez. Kiko Vega

Night is Short, Walk on Girl

Cuando decimos de un artista que es imprevisible, por norma nos referimos a que no sabemos por dónde irán las historias que cuenta o qué género será abordado. En el caso de Masaaki Yuasa, el director de Night is short, walk on girl, esa frase se eleva: es que ni siquiera sabes cómo lo va a contar ni qué medios usará para ello.

Esta película cuenta los desquiciados intentos de un chico por conquistar a una chica durante una noche muy intensa. Esa es la parte que todos comprendemos y que nos hace identificarnos con los personajes. Pero también habla de sociedades secretas, licores mágicos, teatro de guerrilla o un mercado hostil y sobrenatural de libros. Esa es la parte que nos conquista, que condimenta (sin saturar nunca) el argumento y nos hace entender que Yuasa y su equipo tienen un talento mágico para la ternura y la comedia.

Poco más os puedo contar, porque las obras de Masaaki Yuasa no se pueden resumir, hay que vivirlas sin pestañear, porque cada fotograma es un estallido de imaginación. Por cierto, esta película es una sucesora espiritual de Tatami Galaxy, una serie de Yuasa que merece su distribución en España de una vez y que es aún más asombrosa. Adrián Álvarez

Girl

El impactante y polémico final de Girl lo deja claro: no es una película complaciente. Pero sin acudir a spoilers ni polémicas y sin que Lukas Dhont recurra al efectismo, hay una escena que impresionó aún más a quien esto escribe. Es uno de los momentos de felicidad para la protagonista, Lara, a quien conocemos con 15 años una vez se ha identificado como una niña nacida en el cuerpo de un niño, cuando ya se encuentra en proceso de transformación y admitida -al fin- en una escuela de danza clásica que no la discrimina a priori por su condición. En la escena encontramos a Lara ejerciendo de ama de casa en una celebración familiar, sirviendo el vino a los invitados mientras se relajan a la mesa. Ella está feliz y radiante, como una ama de casa (años 50) en Mad Men. Si no fuese transexual hablaríamos de roles tradicionales de género y de cómo la sociedad discrimina en función de ellos, pero en Girl todo ello adopta un nuevo, ideológica y moralmente complejo, significado. Ahora las disciplinas que producen a la mujer (la familia, el ballet, la medicina…) se enfrentan a un cuerpo extraño, que se expone consciente y voluntariamente a ellas. Girl es una película clínica sobre el tema, pero sobre todo anclada en la vivencia y el cuerpo concreto de Lara (interpretada por un enorme actor revelación, Victor Polster) impidiendo así que nadie se abstraiga en pajas discursivas sin comprender sus daños (y pequeñas alegrías). Es una película magnífica con un personaje formidable. Alberto Hernando

En las estrellas

Víctor e Ingmar comparten un presente lleno de tristeza y precariedad, pero también plagado de robots y localizaciones de películas que han visto juntos. En las estrellas va sobre sueños (casi) imposibles, pérdidas y resilencia. Un trabajo de esos necesariamente reivindicables. 86 minutos de regalo a la imaginación y ternura, a pesar de que al protagonista y a su hijo les superen continuamente las desgracias. Este rico relato padre-paternofilial es el Cinema Paradiso patrio de cartón-piedra y cocteleo de imágenes evocadoras. En cada plano observamos ese cine auténtico que no vende tanto en taquilla. A Méliès, desde lo alto de su luna, le gusta esto. Joe Pachorra

Lazzaro feliz

A pesar de su trayectoria de premios y aplausos de la crítica, no fueron muchas la salas en nuestro país donde pudo verse esta delicia italiana. El film retrata con crudeza el salto de unos desdichados moradores de un sistema feudal anacrónico a una urbe democrática y libre pero igualmente injusta. Y traspasando ambos mundos, sin inmutarse por lo ocurrido y ni tan siquiera ante el paso del tiempo, encontramos a Lazzaro, el protagonista “feliz” que encarna la simpleza de la bondad y la creencia en otros seres humanos. La directora viste con poesía, y a ratos con humor y mala leche, el vagar de un ser cándido y sin maldad por las emociones y ruindades del ser humano de este tiempo o de cualquier otro. Zaida Santiago

Lo que esconde Silver Lake

Ya bordeando casi las últimas horas del año llegan dos de las películas más complejas, exquisitas y rabiosamente pop de 2018. Una es la deliciosa Spider-Man: Una nueva realidad, sin duda la mejor película del Trepamuros de la historia y dura contendiente por ser la que mejor ha entendido el fenómeno superheroico desde Robocop. Pero esa va a tener exégetas de sobra, porque sus virtudes brillan como una supernova. Lo que esconde Silver Lake es algo más críptica, aunque también se presenta al espectador desnuda y sin subterfugios, como una explosión de ingenio y devoción por el lado oscuro nuestra cultura.

La nueva película del director de It Follows se disfraza de intriga detectivesca de aires clásicos para desgranar una conspiración en la que el Halcón Maltés no es un mcguffin, sino Todo Lo Que Importa. Rebosante de guiños que enriquecen la trama pero no la interrumpen, llena de humor y coqueteando con el fantástico, salpimentada con ese angst juvenil tan difícil de capturar en pantalla y que David Robert Mitchell sabe retratar tan bien, Lo que esconde Silver Lake es un regalo para detectives de la cultura popular, pero también para quienes simplemente quieran despedir el año con el mejor thriller patafísico de 2018. Todos ganamos con Silver Lake porque, como explica la película, la partida estaba perdida de antemano. So put another dime in the jukebox, baby. John Tones

Isla de perros

Llevaba años esperando el regreso de Wes Anderson a la animación stop-motion después de la memorable adaptación del El Superzorro de Roald Dahl y no me ha decepcionado. En su última película el director tejano continúa su tendencia de soltar lastre a nivel de guión para convertir sus películas en experiencias sensoriales únicas y personales donde la estética es un elemento más del discurso. Isla de Perros es un paso más allá, el alfa y el omega de esas simetrías naif y planos frontales que parecen extraídos de la imaginación de un niño que aún no ha desarrollado al cien por cien la percepción del espacio tridimensional.

Isla de Perros es la certificación de que la imaginería de Anderson funciona mejor en versión animada que en imagen real y condensa a la perfección toda la esencia de su obra (incluyendo también el mayor de sus problemas: el triste tratamiento de los personajes femeninos). Solo puedo aplaudir tal compromiso con el estilo propio y la voz autoral en permanente evolución y desarrollo, aunque muchos no vean más allá de un envoltorio bonito y una historia hueca sobre un un niño que ha perdido a su perro. Nacho MG

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11 Dec 11:03

Argentine hacker mods Furby so it quotes Borges, creates a "Borgy"

by Cory Doctorow

Argentine hacker [Roni Bandini] modded a 1998 Furby so that it responds to stimulus by rattling off a random quote from Jorge Luis Borges. He calls it "Borgy."

[Roni] hacked the Furby to replace the speaker with a more powerful one, and built a base to hold the larger speaker and a switch which can activate Borgy. He also used an Arduino Nano and a Sparkfun MP3 player shield loaded with the samples of Borges.

When the Furby speaks, it shares some wisdom from Borges. It’s a simple, but a surprisingly effective hack that could be very useful for someone seeking inspiration. Or, as Borges himself once said: “Don’t talk unless you can improve the silence.”

Furby Plus Borges Equals Borgy [Richard Baguley/Hackaday]

11 Dec 11:01

How umami became the fifth basic taste

by Rachel Sugar
A basic flavor in a jar.

A biopsychologist explains what mushrooms, burgers, tomatoes, and aged hard cheese all have in common.

As a kindergartener, I was taught there were four basic tastes: sweet, salty, sour, and bitter, which we represented by filling in a map of the tongue with crayon.

Like many things taught in kindergarten (except for the alphabet), it turns out this is not true. The idea of a “taste map” — that certain regions of tongue detect certain flavors — has been enthusiastically debunked. Also, there are not four basic flavors, but (at least) five: sweet, salty, sour, bitter and umami.

If you eat food, you have experienced umami. If you read about food, you have heard umami is good. A review of a New Orleans restaurant, for example, sings the praises of a brisket that packs a “landslide of back-of-the-mouth umami.” A review of a San Diego restaurant raves over the “rich umami flavor” of particular tomatoes. As the New Yorker has extensively chronicled, Adam Fleischman’s burger chain — Umami Burger — is built entirely on the principle of maximizing umami.

And yet, like pornography, umami is hard to describe in words. In the New Yorker, Hannah Goldfield defines it as “that deep, dark, meaty intensity that distinguishes seared beef, soy sauce, ripe tomato, Parmesan cheese, anchovies, and mushrooms, among other things. It hits the back of your throat and leaves you craving more.” It is deliciousness — umami, she explains, roughly translates to “deliciousness” in Japanese — but it is not just any deliciousness. Umami is a specific type of deliciousness, the savory thread connecting mushrooms to ripe tomatoes.

So it’s weird that the purest carrier of umami we can access has been maligned for decades. Umami mostly does not exist in isolation, except in one form: MSG, a pariah of the spice aisle.

As Helen Rosner wrote recently, also in premier umami publication the New Yorker, a lot of people have been misguidedly avoiding MSG (monosodium glutamate). Thanks to an unfortunate cocktail of racism, xenophobia, and a disproportionately influential 1968 letter to the editor in the New England Journal of Medicine, many believe — in most cases, totally erroneously! — that MSG has made them feel sick. (FiveThirtyEight has a great breakdown of why this could be.) But it’s a bummer. Our food could have tasted so much better this whole time.

I know all this. And yet, I was recently at a grocery store selling “umami hot sauce,” and I could not envision what that would taste like or how I would use it. So I reached out to Gary Beauchamp, president and director emeritus of the Monell Center, which is devoted to the study of taste and smell, to help explain what we know, what we don’t, and what a “basic taste” is in the first place. Our conversation has been condensed and edited for clarity.

To start with the most basic question here, what is umami?

That’s not so simple. So the historical belief about taste — and taste I’m distinguishing from smell — is that it’s one of the five classic sensory systems, which was thought by Aristotle, and even before that, as consisting of four basic tastes: sweet, sour, salty, and bitter. And they’re kind of called “basic tastes” because they’re essentially independent of each other in the sense that you can’t make something sweet by mixing salty, sour, bitter.

They’re like primary colors.

Like primary colors, exactly right. But they don’t blend like primary colors do. If you mix sugar and salt, you don’t get a third thing, the way you would if you mixed two colors and got a different color that you wouldn’t necessarily predict is the mixture of the two.

Until fairly recently, it was agreed by most people in the research field that there were these four independent taste qualities. And then, in 1908, Kikunae Ikeda, a Japanese chemist, made the discovery that glutamate — and the sodium salt of glutamate in particular — had this taste which he perceived to be subtle but unique.

And he argued that, like the other primaries, you couldn’t make this taste out of other tastes. It was separate. Based on that, he formed a company, which sold a lot of sodium glutamate, because it really worked in foods.

That sodium glutamate product is MSG, the often (unfairly) maligned ingredient associated with Chinese restaurants, and is known for making food more delicious. So is MSG ... pure umami?

You could say that. The idea that there was a separate taste was based on the discovery that pure MSG — sodium salt of glutamate, which is the most common amino acid in the body — has a different taste that is characteristic of savoriness, and that taste different than sweetness, is different than sour, and it’s different than saltiness, and is different than bitterness.

Umami, in a sense, is more subtle than those other four. It’s not found very much by itself in nature. I mean, there’s pure salt in nature everywhere. There are some pure sweet things. Honey, sugarcane, whatever. And of course, many things are bitter; sour is acidic things. The source of those is clear. This is not quite so distinctive.

But then came a revolution in the taste field, amazingly less than 15 years ago, which was the discovery of the actual receptors that are involved in taste. Bitter receptors — the molecular mechanism for bitter taste — was discovered. The molecular mechanism for sweet taste, or at least part of it, was discovered. Salty taste is still kind of questionable, but now we know something about the molecular mechanism for that. And there was an identified set of receptors in the oral cavity that seemed to be particularly and specifically responsive to glutamate.

So how was it identified in the first place?

Part of the traditional Japanese diet is a simple soup stock made with seaweed, and perhaps a fish component. And it gives a very savory kind of flavor, which is quite pure. It’s the basis for many Japanese foods; you see it in things like soy sauce.

The story is that [Ikeda] was eating this soup, and he said to himself, “There’s something really interesting in there, I wonder what it is.” So he went into his laboratory and made some of this soup stock out of the seaweed, and then tried identify what was causing this sensory impression, and he identified it as glutamic acid. Glutamic acid itself is sour with some umami taste to it, but if you neutralize it — particularly with sodium salt — then it’s sodium salt of glutamate, or MSG, and this has sort of the pure savoriness.

What other foods, besides seaweed, have that umami taste?

Many foods around the world contain it. For example, there are high concentrations of it in many cheeses, and these cheeses are the most attractive ones. It’s in certain mushrooms. It’s certainly found in meat as well; seafood in particular has high levels. Tomatoes have very high levels, for reasons that are unclear to me. It’s in our diet everywhere; it’s just that it’s not by itself. The only place it’s by itself is if you use the powder. If you’re going to a grocery store to buy Ac’cent, you’re buying MSG.

Do you think of umami as a basic taste?

I think umami is kind of a fifth basic taste. I think it’s distinctive; I agree with that. It seems to be sought out in all sorts of cultures, even when they don’t know they’re seeking it out; even when they’re using other things to generate it. I would say it’s a basic taste, but a different basic taste.

To get back to the other thing you raised — what’s the sensory response? First of all, you can go buy Ac’cent and then try it. That’s the best way. You try the pure stuff, and what you’ll find is — I shouldn’t tell you, because you’re not supposed to be biased — but you’ll find that it tastes salty, because there’s sodium in it. But the other thing you’ll find is that you don’t particularly like it. It appears that under most circumstances, by itself, it’s not attractive, and so we don’t eat it alone.

We know babies like pure sugar. Babies like pure salt, and basically, they come to like sugar and salt with foods, rather than by themselves. But for umami, there’s no evidence we like it by itself. It seems to have to be with some other food, and it’s a puzzle as to why that is.

The other sensory response I think you’ll find is that, in addition to what you and I would call a taste, it creates a mouthfeel. It creates a fullness. It creates a feeling of coating the mouth in a way that gives you the impression — it gives me the impression, at least — that it is thicker and more full-bodied. So by adding MSG to foods, you not only get this taste component; I think you add a feeling component.

I feel like “umami” gets thrown around in a very unclear way. Recently, I was at a store where they had “umami hot sauce.” What does that taste like? I don’t know. Whereas if someone tells me a cake is very sweet, I know what that means.

The best thing to do is a demonstration, where you take, say, a soup stock that’s very low in glutamate, and you taste it, and then you add glutamate to that soup, and you taste that, and you see a remarkable difference. Part of the difference will be in this flavor, which seems to be chicken broth-like, but the MSG makes it more like that. Plus, you’ll have this mouth-feel. That’s what umami is, according to the original definition.

If you do this demonstration for yourself, the thing that’s pretty striking about it is it works on almost everybody. You can really tell the difference. It would be like adding sugar to something, almost. Not quite as good as that; it’s more subtle than that. But it’s very clear.


I tried the experiment, only with vegetable stock (Beauchamp approved; I am a rule-follower, although I used a brand of MSG called “Splendid Spices,” rather than the classic Ac’cent, or Ikeda’s even more pure Ajinomoto), and the difference was stark. Rosner described the “savory chemical magic” of MSG as best used on occasions when “you just want something to taste like itself, only transcendently better.”

Without MSG, my mediocre broth was very mediocre. With it, it was richer and fuller, still vegetal, but with a meaty depth; not different, exactly, so much as better, like an Instagram filter for food. The un-doctored version felt watery by comparison, like it was missing something. Which it was: umami, in the form of MSG.

11 Dec 10:58

Pretend 'Nathan for You' Isn't Gone Forever with These Deleted Scenes

by Beckett Mufson

This article originally appeared on VICE US.

Nathan For You, the brilliant satire of marketing, media, hype, and everything that holds our capitalist society together, is no more.

Over the course of four seasons, creator and host Nathan Fielder used his "pretty good grades" in Canadian business school to convince small business owners to let him rebrand their businesses in legendary so-dumb-they're-smart schemes. In one episode he used the Holocaust to sell outerwear and in another, he tried to start a sleeper cell within Uber. His most famous gag was probably creating Dumb Starbucks, a parody coffee shop that attracted thousands of customers by first fooling them into believing it was the beverage giant, then bringing them in on the joke. Fielder's hilarious critique of our late capitalist hellscape will be sorely missed.

Premiering clips from defunct TV shows isn't something we typically do, but because we're large NFY heads still mourning its loss, we wanted to make sure this tape saw the light of day. What you'll find below are three extended scenes from Season 4, Episode 6, "Shipping Logistics Company," in which Fielder concocts an elaborate scheme to mail smoke detectors tax-free by rebranding them as musical instruments. He starts a fake band called The Bonzai Predicament—which includes the newly dubbed "Blues Smoke Detector"—so he can prove it's a "real instrument." He winds up also faking a Shell commercial stealing their "hit" single, "Tears from Jupiter," and giving away a bunch of free gas to make them go viral—thus making the smoke detector a "well-known" instrument—via pure manufactured outrage. It's brilliant.

The deleted scenes include an instructional video for how to use the instrument by "LA legend Harmonica Greg," a beautifully awkward extended video of the band recording with the grating smoke detector beeps, and the full commercial. Enjoy below.

Nathan for You: The Complete Series DVD set will be available on December 11.

Follow Beckett Mufson on Twitter and Instagram.

11 Dec 10:58

La foto de una pareja follando en lo alto de las pirámides desata una investigación internacional

by Mack Lamoureux

Cierta gente no está contenta con el fotógrafo danés que decidió echar más polvo a la antigua maravilla que es la gran pirámide por el gobierno de Egipto.

Andreas Hvid, un fotógrafo danés, publicó un vídeo y una serie de fotografías en las que aparecían él y una mujer desnuda copulando en lo alto de una pirámide. Estas fotos no fueron bien acogidas, ni por los egipcios de a pie ni por el gobierno del país. Según el medio egipcio Ahrman Online, el ministro de Antigüedades, Khaled El-Anany, ha ordenado a los fiscales investigar la validez de las imágenes y si Hvid y su amiga modelo “de verdad grabaron un vídeo pornográfico explícito en lo alto de la pirámide”.

Un exfuncionario que habló con NBC, indicó que las imágenes y la foto son falsas porque "no hay forma de que alguien pueda entrar en la zona de las pirámides por la noche" y el tamaño de las piedras no coincide. Dicho esto, hay que tener en cuenta que hay gente que ha podido subir a la pirámide en el pasado, como un hombre alemán al que arrestaron en 2016. Probablemente no hace falta que lo aclare, pero es bastante ilegal entrar sin autorización y subir a las pirámides.

Hvid no respondió a la petición de hablar con VICE, pero ofreció una extensa entrevista a Ekstrabladet, una medio danés, que se publicó online. En la copia traducida del periódico, Hvid indica que las fotos son reales y que "no volveré a Egipto en el futuro, ya que probablemente me arriesgue a que me arresten si vuelvo".

Hvid dice que estuvo obsesionado con hacer la foto durante años y que tenía un plan para conseguirla. A finales de noviembre, Hvid y su compañera se lanzaron a la aventura. Hvid cuenta que él y la mujer se colaron a través de la valla lejos de la pirámide y lentamente se fueron acercando. Cuando vieron a los guardias, se escondieron en un templo durante una hora y media esperando a que pasaran y que llevaban la ruta hacia el monumento planeada al detalle.

Cuando llegaron al lado de la gran pirámide, pudieron subir en menos de media hora. Hvid describió la sensación de llegar a la cima como "eufórica" y la vista como "mágica". Junto a la foto, Hvid también publicó un vídeo de su hazaña que muestra a la pareja merodeando y subiendo sigilosamente a la pirámide de noche. Al final del vídeo, la mujer, que tiene la cara difuminada, se quita la camisa y mira hacia abajo, a El Cairo.

Luego se hicieron una foto en la que están, como dice Shakespeare tan elocuentemente, siendo una bestia de dos espaldas.

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Parece que la foto ofendió a la gente de dos maneras: algunos obsesionados con que hubieran entrado ilegalmente en un lugar histórico como las grandes pirámides y otros indignados con que… esto… hiciera una foto insinuando que estaban follando ahí arriba. "En nombre de los historiadores y arqueólogos de todo el mundo, espero que los dos acabéis en la cárcel", dice un comentario en el vídeo de YouTube.

En la entrevista, Hvid afirma que la foto que hizo, que se traduce como "polvo en la pirámide", fue una declaración sobre la sociedad occidental. "'Polvo en la pirámide’ fue la idea más tonta que pude llevar a cabo", pone en la traducción de la entrevista. “Jóvenes occidentales y privilegiados en su peor momento. Solo falta un porro y una botella de vodka".

Hvid dice que no esperaba que la gente se enfadara tanto y que siguió el código del explorador urbano, “haciendo solo fotos y dejando solo huellas".


MIRA:


Por lo visto, esta no es la primera incursión de Hvid en la fotografía ilegal. En su página web cuenta que se adentró en Chernobyl y tiene varias fotos de ese viaje, así como fotos desde lo alto de rascacielos. En la sección biográfica, Hvid, de 23 años, cuenta que ha estado explorando zonas urbanas durante más de diez años. En su página web también hay fotos de Hvid y una modelo follando, muy parecidas a la de la pirámide. En su conversación con Ekstrabladet, Hvid esclareció la pregunta más importante que todos teníamos y nos aclaró que él y su compañera modelo no estaban manteniendo relaciones sexuales, sino que solo hacían posturas.

Supongo que el danés tendrá que encontrar una forma diferente de unirse al exclusivo club del Nilo. (Nota del autor: BUUUUUUUUUUUUUUU)

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11 Dec 10:53

Os mozos galegos cobran de salario 25% menos que hai unha década

by Redacción

As persoas asalariadas mozas, de entre 18 e 25 anos, experimentou nestes anos de crise e recesión importantes recortes salariais ao tempo que aumentaba a precariedade e temporalidade dos seus empregos. O seu salario medio anual reduciuse en 25 por cento dende 2008 para situarse apenas nos 6.500 euros anuais de media que cobran actualmente. Outro dato: 70 por cento do novo emprego apenas chega aos 1.000 euros mensuais.

 

21,1% das mozas e mozos galegos teñen contratos a tempo parcial (fronte a 13,8% do conxunto das idades, máis de 7 puntos de diferenza) e 56,2% din que teñen este tipo de contrato porque non foron quen de atopar un traballo a xornada completa.

 

A xuventude tamén sofre maiores taxas de temporalidade, con grandes diferenzas a respecto do conxunto da poboación asalariada. 50,9% das persoas asalariadas menores de 35 anos teñen un contrato temporal, cando no total de idades esta porcentaxe é de 26,8%.

 

A taxa de paro xuvenil (menores de 35 anos) é de 19,1%. Isto supón 5,1 puntos máis que a taxa de desemprego no resto da poboación. Constátase unha contración da taxa de actividade en termos interanuais. A perda de actividade entre a mocidade está relacionada non só co envellecemento da poboación, senón tamén co efecto desánimo dos mozos e mozas vendo as poucas perspectivas de emprego existentes, polo que deciden ou ben formarse retomando os estudos ou optar pola emigración.

.

A respecto das persoas paradas de longa duración —aquelas que levan máis dun ano na procura de emprego  30,6% delas son  mozos e mozas, 16.900 persoas.

 

11 Dec 10:52

“Un pobo sen memoria é un pobo neurótico”

by ana *

"Un pobo sen memoria é un pobo neurótico"

ENTREVISTA | Xosé Luis Méndez Ferrín

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Carlos Alfredo Castromao | Ourense, 10 de decembro. Xosé Luis Méndez Ferrín (Ourense, 1938) é dende hai tempo un dos referentes literarios indiscutibles en Galiza. Non só pola súa extraordinaria obra poética e narrativa, senón tamén polo seu traballo xornalístico, no que se atopa especialmente cómodo nesta altura súa vida, “escribo no xornal para manterme en forma mentalmente, en lugar de facer sudocus, coma outra xente da miña idade”. Con motivo do oitenta aniversario, e aínda que confesa que non lle gusta demasiado “que me soterren vivo”, está a recibir numerosas homenaxes centradas na súa poliédrica personalidade, forxada a ferro no oficio de vivir e de escribir, aínda que, nin sequera hoxe se defina como escritor. Sempre dixo que era un profesor que escribía.

Tiñamos ganas de conversar con Ferrín para o adiante.gal, “un medio que leva o mesmo nome que o semanario das Mocidades Galeguistas de Celanova”, editado precisamente por dous dos seus referentes vitais, Celso Emilio Ferreiro e Pepe Velo. Lémbranos Ferrín que aínda hoxe podemos ver unha pintada de cando aqueles dous mozos fixeron un graffiti con piche nunha caligrafía ben coidada, sobre as pedras do mosteiro da vila, para publicitar o seu voceiro: Adiante Semanario. Milagres da vida, a pintada chegou aos nosos días.

Do inesgotable imaxinario de Ferrín nútrense xa varias xeracións. Estanse a facer diversos proxectos artísticos sobre a súa vida e obra, dende circo, teatro ou cine até un videoxogo da ourensanía, iniciativas que dan boa conta do carácter aberto e inspirador da súa obra. A orixinalidade deste autor xorde precisamente do seu magnetismo e da súa telúrica forza de atracción, das contradicións e mesmo desa ambigüidade, “sen a que non existe a poesía”. Unha síntese única entre o individual e o colectivo, o medieval, o ancestral e o contemporáneo, a identidade nacional, a universalidade e as vangardas. Unha xanela galaica aberta ao mundo. Un poderoso narrador e un poeta soberbio. Por iso, para xente moi diferente, Ferrín segue a ser o Xefe.

Estivo proposto para o Nobel de Literatura. Ten numerosas distincións, como o Premio da Crítica Española de Narrativa, o da Crítica de Galicia, o Losada Diéguez ou o Eixo Atlántico. Pero Ferrín non só destaca pola súa obra poética, xornalística e narrativa, senón tamén pola súa forte personalidade, o seu imaxinario, o seu paso pola presidencia da RAG e a súa controvertida faceta política, inspirada sempre por Luís Soto, outro revolucionario de Vilanova dos Infantes, coma el.

Agora xubilado, xa non pode vostede seguir definíndose coma un profesor que escribe, ou si?

Ti o acabas de dicir. Son un profesor xubilado, mais tamén son un escritor, só en parte xa tamén medio xubilado, por iso vivo o presente e só me meto en proxectos moi levadeiros e de pouco peso, que se poden desenvolver no curto prazo. E cecáis por iso, tamén hoxe me presta moito seguir escribindo no xornal, que é un bo exercicio mental, mesmo mellor que facer pasatempos…

Segue vostede a escribir moito e ben, e ten lectores moi fieis e incondicionais, pero que lle presta facer a estas alturas da súa vida, con que proxectos anda agora mesmo?

Moitos proxectos non se poden ter. A certa idade hai que ter proxectos de pequena tonelaxe e no curto prazo. Claro que sempre hai poemas dentro, sempre hai relatos e contos e cousas que bulen na cabeza e que van saíndo cando queren. Ao seu ritmo. Eu nunca tiven présa por escribir, nin tampouco ansiedade por non escribir, ou por estar máis ou menos inspirado, nin por ter que andar enleado en grandes obras, e igual por iso sempre escribín cousas curtas. Á miña idade gústame moito o xornalismo e síntome moi cómodo escribindo para o xornal cousiñas coma as que fago agora.

E aos seus oitenta anos, vostede bota unha ollada cara atrás e que se lle vén á cabeza cando se decata de que chegou tan lonxe nos camiños da vida, que sentimentos lle agroman desde o ese fondo dos espellos dende o que vostede reflexiona, observa e escribe?

Pois penso moito nos da miña xeración, que atravesamos épocas tan diversas… E na xente que sobrevive tamén aos meus anos, claro, porque moitos outros xa quedaron polo camiño. E penso que vivimos grandes mudanzas, diversos tempos, varias épocas históricas, situacionais, de mentalidade colectiva, e tamén de réxime político. Esa realidade que vivimos propicia necesariamente un escepticismo. Mais o escepticismo, ao igual que o colesterol, haino bo e malo… O escepticismo estéril leva á preguiza intelectual. Non hai verdade que se poida acadar, non hai nada, todo é igual, tanto ten, non hai que agardar nada, non hai que sentir nada… E iso non está ben. Pero o certo grao de escepticismo, que sexa o froito da experiencia, é moi útil… Un escepticismo relativo, como dicía o filósofo, é moi saudable e pode mesmo ser positivo. Vimos moitas cousas a xente da miña idade, pero tamén é verdade que as vemos de xeito diferente, persoal, e cada un segundo o seu punto de vista. O home esencialmente é un punto de vista sobre a historia, cada home e cada muller somos un punto de vista no universo, dicía Ortega, que por certo se cita moito pero non se le nada, aínda que igual tampouco fai moita falla, non sei ben, pero fainos o favor dunha bonita cita coma esta…

Como é un dia normal na súa vida, que é o que lle gusta facer na actualidade?

Gústame ler, pasear, preparar artigos, investigar sobre temas históricos. Teño a vantaxe de que vivo en Vigo, teño a Biblioteca Penzol moi preto da casa e que é un dos lugares de máis concentración de textos, libros, documentos e textos que non son doadamente accesibles e accesibles, que non están no mercado, e ademais podo acceder a eles sen moverme demasiado. Tamén é certo que a idade é un pouco, dalgún xeito decátome agora, unha renuncia á mobilidade. Síntome ben aquí. E ben estou tamén nun círculo que vai dende Vigo e as Terras de Turonio até Vilanova dos Infantes, as rías e toda a nosa Raia entre Galicia e o Norte de Portugal.

Xosé Luís Méndez Ferrín, literatura, política

Para comezar polo principio, que diría o noso benquerido Dylan Thomas, fálenos de Vilanova dos Infantes, da súa infancia, da súa matria…

Pois a miña infancia foi moi atípica, unha infancia privilexiada, de fillo único, algo moi habitual hoxe, pero ben raro na miña época. Normalmente os fillos únicos eran de solteira, ou de persoas que lles faltaba o pai ou a nai moi cedo, xa que as familias eran sempre moi numerosas. Entón tiven a inmensa sorte de poder vivir unha infancia acomodada na cidade de Ourense, onde tamén coñecín xa, de forma moi directa, as épocas máis duras do franquismo, pois nunha capital de provincia notábase o franquismo moito máis forte, fundamentalmente o despotismo da igrexa católica, que era asfixiante. E tamén a fame, que se notaba máis na cidade que no rural. Tiven a sorte de facer todo aquilo compatible con Vilanova dos Infantes, onde tiña a casa do meu pai, e aquel recuncho convertíase no meu pequeno paraíso. Represión, fame, penurias e necesidades había, pero daba a sensación de que había menos ou de que non era tan duro coma na capital. O poder do franquismo diluíase algo a medida que se afastaba un do centro de poder, que era o centro de poder provincial, claro. Aquí a natureza estaba mais próxima, a agricultura, a gandería, os zapateiros, as historias da xente, e polo tanto todo aquilo era a realidade, era a vida, para min, tamén era, por suposto, a matria e a felicidade, a infancia.

Mais nas Terras de Celanova a represión franquista tamén estaba presente, ao ser o mosteiro da vila unha prisión central, con máis de tres mil presos ao remate da guerra e cos asasinatos do Furriolo e doutros lugares da bisbarra…

Claro que houbo moita represión e un medo que silenciaba dalgún xeito o terror, por iso ás veces para un neno aquilo podía pasar algo máis ou menos desapercibido, porque a xente non falaba abertamente da brutal represión franquista. Aínda lembro algúns daqueles moros que viñeran con Franco de Marrocos, e que ao rematar a guerra traballaban no cárcere de Celanova, e que mesmo chegaron a plantar kif na serra de Vilanova… Cando fun medrando xa fun cada vez máis consciente dos asasinatos, das represalias e das consecuencias da barbarie na nosa terra. Un pobo sen memoria é un pobo neurótico… Por iso foi tan importante todo o traballo de recuperación da memoria que fixo o colectivo Arraianos ao longo dos últimos anos, os dous congresos sobre Represión, Solidariedade e Resistencia Antifranquista e a publicación das actas na Revista Arraianos, a construción do Mural do Furriolo, unha obra mestra da arte contemporánea galega, deseñada por Xosé Vizoso, que é un monumento aos nosos mortos e ás vítimas da represión, que xa vai quedar aí para sempre. Para que todo isto nunca máis se poida silenciar.

Ten pasado vostede recentemente polo Furriolo?

Moitas veces paso por alí, polo Alto do Furriolo, para admirar ese fermoso mural, que é coma un berro de liberdade fronte á barbarie franquista. E lembro ben que ademais aínda puideron inauguralo nos actos organizados por Arraianos algúns daqueles represaliados e os seus familiares, e valoro moito ese exercicio de memoria e dignificación das vítimas, que é moi importante para poder ser un pobo cunha boa saúde mental, tanto individual como colectiva. Hai que facer memoria para non caer na neurose.

“[En Pontevedra] fíxenme adolescente e medrei, e aprendín a dicir non, mais sen perder nunca o contacto con Ourense e Vilanova.”

Despois de Ourense, a familia trasládase a Pontevedra, xa a finais dos anos corenta, e que supuxo esa mudanza para vostede?

Fomos vivir a unha cidade, no fondo, moi parecida a Ourense, mais cunha particularidade, que era máis pequena, ou a min polo menos daquela parecíame máis pequena, pode que con algo menos de habitantes pero moi parecida no fondo. Un lugar no que predominaba de forma absoluta a vida administrativa, o Estado, a Igrexa e a Falange. Tamén foi aquí a miña primeira escolla política, no sentido de que en Pontevedra aprendín a dicirlle non a algunhas cousas, e máis concretamente ao Frente de Juventudes. Non fun afiliado nunca, non o pisei, como tamén é certo, por outro lado, que fixo unha boa parte da miña xeración. Dicir que todos pasamos pola Falange, polo fascismo, todo iso é un mito, teño moitos amigos que aínda viven e que non estiveron alí. Outros estiveron e deixaron de estar, felizmente. Pontevedra era un espírito culto, e Ourense tamén o era, a pesar de todo… Tiña un bo museo, Ourense tamén o tiña, e unha biblioteca pública excelente nas dúas cidades, polo que tampouco me sorprendeu nada excesivamente. Tiña un río Pontevedra, pero Ourense aínda tiña un río máis grande. Quero dicirche que non se saía da orde cotiá aquela Pontevedra. O que pasa é que alí fíxenme adolescente e medrei, e aprendín a dicir non, mais sen perder nunca o contacto con Ourense e Vilanova.

Unha adolescencia que empeza en Pontevedra e que despois se desenvolve tamén en Vigo e Santiago. Como vive esa nova etapa vital, na que nace tamén a conciencia política e que significou despois a chegada a Vigo e a experiencia en Compostela?

En realidade, en Pontevedra non só me formei politicamente, senón que tamén me introducín xa no nacionalismo. Lin ben o Sempre en Galiza de Castelao, descubrín a obra de Antón Vilar Ponte e formei parte dun círculo, alentado por Xosé Luís Fontenla Méndez, que xa era un núcleo nacionalista e de resistencia. De resistencia no que se podía, claro, pero era xa un núcleo político. Así que o certo é que tampouco me revelou moito Santiago, nin Ramón Piñeiro, nin tampouco todo ese relato, non. Eu coñecín o nacionalismo en Pontevedra e xa un nacionalismo militante.

“Lembro por enriba de todo unha presenza colosal, maxistral, extraordinaria de Ramón Otero Pedrayo. Tiven o privilexio de recibir algunha clase súa de Xeografía, chamábase clase de Geografía General de España, pero el alí falaba de todo o que quería e do que lle petaba… Como dirían agora, era transversal, multilateral, poliédrico.”

En Santiago, onde fun estudar Filosofía e Letras, o que mais resalto é a vida cos compañeiros e compañeiras, que nos iniciábamos xa máis na cultura, nas viaxes, na vida. E lembro por enriba de todo unha presenza colosal, maxistral, extraordinaria de Ramón Otero Pedrayo. Tiven o privilexio de recibir algunha clase súa de Xeografía, chamábase clase de Geografía General de España, pero el alí falaba de todo o que quería e do que lle petaba… Como dirían agora, era transversal, multilateral, poliédrico. Foi quen de explicar Madrid, a cidade de Madrid, durante unha semana enteira, durante unha hora diaria, con todo detalle. Madrid só, sen un papel diante. Un Madrid diferente, republicano, libertario, un Madrid descoñecido para nós e mesmo para moitos madrileños.

Xosé Luís Méndez Ferrín, literatura, política

É o mesmo Madrid ao que se traslada vostede no ano 1957, foi como trasladar a lección de Otero Pedrayo ao terreo?

Si, e deime conta de que, sen buscalo, e grazas a Otero Pedrayo, eu xa era un gran coñecedor de Madrid cando cheguei, sobre todo do Madrid antigo, pero tamén daquel Madrid decimonónico. Sabía cousas ben interesantes que non sabían nin eles, por aquelas leccións do gran Mestre Otero…

Como por exemplo?

Pois por exemplo toda aquela fauna humana do rastro, da taberna de Francisco Sánchez, creo que se chamaba, que aínda existe, das relacións con Galdós. Todo aquilo levábao xa ben sabido dende Santiago grazas a Otero.

Trasládase a Madrid, alí licénciase en Filoloxía Románica e hai xa un contacto estreito con outros compañeiros comprometidos politicamente e fundase tamén o grupo Brais Pinto, mais que vén sendo ese grupo?

Fundamentalmente foi unha atracción recíproca dun grupo de persoas da miña idade, que xa previamente nos coñeciamos, e que eramos nacionalistas. Xuntámonos por afinidade política, e pouco a pouco fomos descubrindo que tamén nos unía un certo rexeitamento á cidade. Non á cidade obreira, pois algúns de nós viviamos naquel Madrid e estabamos en contacto directo coa máis profunda realidade da miseria, unhas formas de miseria que nós non coñeceramos en Galicia. Os suburbios das casoupas, das chabolas… E coñecín aos xitanos, e tamén aos quinquis madrileños. Esa foi unha das fontes educativas esenciais de Madrid. Normalmente non se coñece esa realidade máis que pola novela Tiempo de silencio, de Martín Santos, magnífica obra, por certo. Pois todo iso vivino eu alí daquela. Ese era o meu Madrid… Naturalmente compaxinando aquelas experiencias vitais coas clases, maxistrais tamén, de Dámaso Alonso e doutros profesores de extracción republicana. Iso para min foi un agasallo na vida, un regalo dos deuses, aquela era outra forma de entender a universidade, de entender a propia vida universitaria. Tamén alí tiven ocasión de sortear o SEU e colocarme á marxe de toda a oficialidade na oposición do sistema universitario vixente. E teño que confesar que o fixemos sen demasiado esforzo, porque toda a xente que coñecía facía o mesmo, non era heroísmo individual, case era unha forma de ser que eu sinto hoxe como maioritaria no mundo universitario daquel Madrid.

E quen era aquela tropa que andaba arredor do grupo Brais Pinto, só universitarios ou tamén traballadores?

Brais Pinto felizmente estaba fóra da universidade. Digo felizmente, non porque odie a Universidade de Madrid. Pese ao que se diga nalgúns libros de texto, Brais Pinto non era un grupo universitario, pois universitarios só eramos tres, Emilio Barreiro, Ramón Lorenzo e mais eu, que viviamos dos nosos pais. O resto eran traballadores, da construción, ou da industria e outros da banca, como Reimundo Patiño. A maioría estaban implicados no mundo laboral e iso notábase nas posicións de esquerdas e no compromiso político. Por outro lado, acumulaban uns enormes coñecementos en materia de arte, pintura, escultura, como por exemplo no caso de Patiño, e eran moi avanzados politicamente. En xeral, abranguían un mundo de coñecementos en materia de política, filosofía ou arte, que non era o común, non era o que se recibía, por exemplo, a través das revistas culturais da época, e non digamos xa nas que eran máis do réxime. Non coñecían a cultura a través das revistas, suplementos ou das páxinas culturais dos diarios da época, ían directamente ás fontes. E iso abriunos a mente.

E quen era ese tal Brais Pinto, de onde lle veu o nome ao grupo?

A verdade é que seica era un afiador, non sei de que aldea, de Nogueira de Ramuín. Deu a volta ao mundo varias veces coa roda e foi morrer en Madrid atropelado por un autobús ou un tranvía. Non é verdade, non ou si… quen sabe… igual é todo un invento de Xosé Fernández Ferreiro.

Despois vostede colle tamén a súa roda de afiar e comeza a viaxar fóra. Vai a Oxford, coñece a cultura inglesa, viaxa algo por Europa. E como foi a experiencia afeito a vivir en España?

Da cultura inglesa fundamentalmente aprendín no pub. Oxford é unha cidade moi culta, mais tamén é obreira, cousa que se ignora habitualmente. Alí estaba en Cowley, nas aforas de Oxford, onde estaba a fábrica de Morris, e moitos traballadores, onde por certo traballei un pouco tamén, na limpeza. Aínda había obreiros maiores que se me queixaban porque Inglaterra non tomara partido na Guerra de España, que eles se lembraban, e por suposto estaban a favor da República. Eran laboristas que falaban igual cós comunistas, e iso era Oxford. Había cultura na universidade, en medios moi restrinxidos, por parte de persoas que despois foron dirixentes en África, estudantes das antigas colonias e por parte doutros que chegarían a ser dirixentes políticos e intelectuais na ciencia e nas letras. E había un coñecemento do marxismo infinitamente superior ao que había en España, e mesmo nos medios que se chamaban comunistas. Alí sabíase perfectamente o que era, líase, estudábase e comentábase. En realidade Oxford foi un achegamento ao marxismo, fundamental e sen tópicos, pois o marxismo vulgar xa o levaba incorporado eu, pero alí entrei en contacto xa co marxismo serio, con rigor.

Xosé Luís Méndez Ferrín, literatura, política

Nos anos 60 viaxa tamén a outros lugares de Europa. Gustaríame saber que supuxeron aquelas viaxes, xa que daquela España estaba como estaba, e debía ser unha experiencia extraordinaria…

O certo é que era un cambio de aires moi agradábel. Lembro sobre todo dúas estadías, dous veráns nun campo de traballo de verán, de vacacións, de recreo, que se facía nun chalé en plena Costa Azul, que era do Partido Comunista. Creo que llo regalara Malraux, que era rico mais que estaba comprometido coa esquerda. E alí había un refuxio internacional magnífico, onde coincidiamos cos aprendices da Renault e da Citroën, e tamén entrei en contacto con rapaces e rapazas máis novos ca min e da miña idade. No tempo da guerra de Alxeria, por exemplo, lembro que alí estaba eu discutindo con aqueles comunistas de base e comunistas obreiros, e decateime do lonxe que estaban de ser quen de sentiren e empatizar co anti-imperialismo. Eran franceses, ante todo e sobre todo. Parecíalles unha barbaridade pequeno-burguesa. Tivemos unha discusión un pouco dura, pero serviume para aprender. Naquel momento o único intelectual francés realmente crítico era Sartre. Pero xa me dirás cantos intelectuais aquí piden hoxe, por exemplo, unha negociación para a pacificación de Cataluña, pois ninguén. Aquilo tamén me fixo sentir escéptico con respecto a moitas actitudes da esquerda.

Na década de 1960 empeza tamén outra etapa na súa vida moi imporante, faise profesor… hoxe cre vostede que acertou co seu traballo?

Por suposto que me sinto acertado na miña escolla e no meu empeño por gañar as oposicións. Se non eu non tería futuro ningún, nin liberdade para facer o que fixen, se non tivera o respaldo dunha cátedra oficial. Se eu non a fixera botábanme, igual tería que traballar na prensa, que me encanta, pero só podería escribir coma un mandado, sempre foi así, pero daquela como mandaba non só o dono do xornal, senón tamén o delegado de información e turismo, aínda sería moito peor. Así que iso tería sido un non vivir. Co meu traballo puiden gañar unha certa independencia, moi importante para aquel tempo, e iso proporcionoumo ter sido profesor de instituto. Todo un acerto…

Os seus alumnos lémbrano con agarimo. Hai algunha lembranza amarga desa época?

Non, por parte dos alumnos, ningunha. Hai, iso si, algunha lembranza dura de detencións ou de prisión, e de represión brutal, pero non ten nada que ver co instituto, pois eu sempre separei a docencia da miña actividade clandestina. Teño a historia de que pretenderon frear o movemento estudantil no instituto Santa Irene, que daquela estaba instalado en Coia, por obras. Houbo un enfrontamento tremendo coa dirección, que pretendía parar o movemento estudantil, claramente de esquerdas, e algúns profesores tivemos que tomar partido nas asembleas en defensa dos estudantes, polo que fun sometido a un expediente académico. Pero en fin, nada do outro mundo, son cousas que lle pasaron a moita outra xente comprometida.

“O cárcere foi unha experiencia louca. Pero si, serviu para consolidarme no que son e para coñecerme a min mesmo como persoa máis fondamente.”

O que debeu ser unha experiencia traumática foi o do cárcere, que lembra diso?

O cárcere foi unha experiencia louca. Hai experiencias que son límite, e esta é unha delas. Supoño que mesmo as hai moito máis alá, en vez de recibir un duro interrogatorio podes recibir unha tortura minuciosa. Felizmente, nunca me aplicaron ese método, pero o feito de estar preso, con perspectivas de non saír en dous anos, iso non é unha cousa fácil para ninguén. En todo caso, hai que estar dereitos e hai que manterse, outros sufriron máis anos en prisión e saíron como entraron de enteiros. Pero si, serviu para consolidarme no que son e para coñecerme a min mesmo como persoa máis fondamente.

Vostede estivo proposto para o Nobel de Literatura, ten numerosos premios e recoñecementos e mesmo se estuda a súa obra nos libros de texto, pero se vostede lle tivese que explicar aos alumnos a traxectoria de Méndez Ferrín, como lla contaría?

Non lla contaría, porque unha das cousas que aprendín foi iso que dixo Kant, De nós, calemos. Non digamos nada, para min sempre foi un lema falar o menos posible de min, e cando se me pregunta a min sobre min, pois aproveitar para falar dos outros, ou da historia, ou do que me interesa en cada momento… é unha actividade moi saudable non falar moito dun mesmo e fuxir da egolatría, que só oculta complexos e outras trapalladas.

Pero vostede é moi valorado e bastante lido en Galicia, non?

Pois a min paréceme que bastante pouco, e así polas contas que me pasan os editores isto confírmase…

Podería irnos mellor, se cadra, se leramos máis a Xosé Luís Méndez Ferrín?

Non oh, para nada… Habería que ler máis a todo o mundo, porque sei que lle pasa o mesmo a outros tamén, que son pouco lidos. Non só me acontece a min isto… É un mal xeneralizado.

Pero o que vostede sabe é que hai moitos ‘ferrinianos’ incondicionais en Galicia, non?

Non che sei. Hai que cuestionalo todo. Cando se fala dese andaluz universal, Juan Ramón Jiménez… que hai de certo niso? Pois vaite ás mellores librarías de Oxford e mira canto Juan Ramón Jiménez hai traducido ao inglés. Nada, ou cero, ou non hai ou descatalogado. De toda a literatura española, o que se coñece no mundo son Lorca e Cervantes, e punto. Iso é a famosa literatura española. E a nós que nos queda? Somos unha literatura subalterna, unha literatura descoñecida, que non está nin sequera nos escaparates das librerías de Galicia… Ti vai agora, ou mesmo quen estea lendo esta entrevista que faga un experimento, que viva a experiencia de pasar diante dunha librería de Santiago, de Vigo, da Coruña, de Ourense ou de Pontevedra. Salvo algunhas especializadas e mesmo heroicas, que teñen libros en galego e mesmo se atreven a telos en portugués nos escaparates, non hai nada, e xa non digamos nos quioscos, que venden libros tamén. Seguimos sendo unha literatura marxinada, unha literatura subalterna.

“De toda a literatura española, o que se coñece no mundo son Lorca e Cervantes, e punto. Iso é a famosa literatura española. E a nós que nos queda? Somos unha literatura subalterna, unha literatura descoñecida, que non está nin sequera nos escaparates das librerías de Galicia”.

A boa literatura é a que se escribe en castelán, iso é o que se opina o público xeral. De acordo, hai persoas que non, e esas persoas son as que teñen unha idea de cultura como resistencia, non de normalidade, e ata que non se normalice e o país non se emancipe, e se apropie da súa propia historia, que lla roubaron, e da súa propia condición e da súa propia lingua, pois nada que facer… Avanzouse moito nese asunto pero aínda hai que avanzar moito máis.

Pensa vostede en como lle gustaría ser lembrado?

Non teño idea, nin tampouco me preocupa moito iso.

E, aos oitenta anos, tenlle medo á morte?

Á morte, non demasiado. Teño medo a ser un morto en vida, ou un discapacitado total, ou a perder a conciencia. Para iso é mellor morrer, pero diso non estamos ninguén libre, nin eu nin ninguén. Aínda que se deron magníficos avances en favor da eutanasia, e se están dando. Menos mal…

E, xa para rematar, unha pregunta importante, que lle pareceu a serie ‘Fariña’?

Encantoume e seguina con atención, porque ademais que eu coñecín ao Terito, que era o avó dun compañeiro meu. Dá gusto ver series tan ben feitas, sen complexos, que falan da nosa historia e que triunfan por aí adiante.

O entrevistado

Xosé Luis Méndez Ferrín

Xosé Luis Méndez Ferrín

Ourense, 1938. Doutor en Filoloxía. Foi catedrático de Literatura no Instituto Santa Irene de Vigo. Preparou a edición crítica do Cancioneiro de Pero Meogo (1966) e como ensaísta publicou De Pondal a Novoneyra (1984). Colaborador no Faro de Vigo e director da revista A Trabe de Ouro. Membro do grupo literario nacionalista Brais Pinto. Deuse a coñecer como poeta coa obra Voce na néboa (1957), á cal seguiron Antoloxía popular (1972), asinado co heterónimo de Heriberto Bens; Sirventés pola destrucción de Occitania (1975); Con pólvora e magnolias (1977), Premio da Crítica; Poesía enteira de Heriberto Bens (1980); O fin dun canto (1982); Erótica (1992) Estirpe (1994), Premio Losada Diéguez, 1995; O outro (2002); e Era na selva de Esm (2004).

No 2006 volveu gañar o Losada Diéguez con Contra Maquieiro (2005). Desta obra o xurado dixo: “É a crónica lítrico-sarcástica e comprometida do século XX e comezo do século XXI. Méndez Ferrín consegue harmonizar poesía, ficción, profecía e realidade social cun perfecto equilibrio entre a resolución técnica, a variedade formal dos poemas e os contidos solidarios con todo tipo de xente oprimida”.

Como narrador publicou: Percival e outras historias (1958); O crepúsculo e as formigas (1961); Arrabaldo do norte (1964); Retorno a Tagen Ata (1971); Elipsis e outras sombras (1974); Antón e os inocentes (1976); Crónica de nós (1980); Amor de Artur (1982); Arnoia, Arnoia (1985); Bretaña Esmeraldina (1987), Premio da Crítica de Galicia, 1988; Arraianos (1991), Premio da Crítica de Galicia, Premio Losada Diéguez, Premio da Crítica Española, e No ventre do silencio (1999), Premio Eixo Atlántico.

Foi fundador da UPG e presidente da Real Academia Galega entre 2010 e 2013.

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O entrevistado

Xosé Luis Méndez Ferrín

Xosé Luis Méndez Ferrín

Ourense, 1938. Doutor en Filoloxía. Foi catedrático de Literatura no Instituto Santa Irene de Vigo. Preparou a edición crítica do Cancioneiro de Pero Meogo (1966) e como ensaísta publicou De Pondal a Novoneyra (1984). Colaborador no Faro de Vigo e director da revista A Trabe de Ouro. Membro do grupo literario nacionalista Brais Pinto. Deuse a coñecer como poeta coa obra Voce na néboa (1957), á cal seguiron Antoloxía popular (1972), asinado co heterónimo de Heriberto Bens; Sirventés pola destrucción de Occitania (1975); Con pólvora e magnolias (1977), Premio da Crítica; Poesía enteira de Heriberto Bens (1980); O fin dun canto (1982); Erótica (1992) Estirpe (1994), Premio Losada Diéguez, 1995; O outro (2002); e Era na selva de Esm (2004).

No 2006 volveu gañar o Losada Diéguez con Contra Maquieiro (2005). Desta obra o xurado dixo: “É a crónica lítrico-sarcástica e comprometida do século XX e comezo do século XXI. Méndez Ferrín consegue harmonizar poesía, ficción, profecía e realidade social cun perfecto equilibrio entre a resolución técnica, a variedade formal dos poemas e os contidos solidarios con todo tipo de xente oprimida”.

Como narrador publicou: Percival e outras historias (1958); O crepúsculo e as formigas (1961); Arrabaldo do norte (1964); Retorno a Tagen Ata (1971); Elipsis e outras sombras (1974); Antón e os inocentes (1976); Crónica de nós (1980); Amor de Artur (1982); Arnoia, Arnoia (1985); Bretaña Esmeraldina (1987), Premio da Crítica de Galicia, 1988; Arraianos (1991), Premio da Crítica de Galicia, Premio Losada Diéguez, Premio da Crítica Española, e No ventre do silencio (1999), Premio Eixo Atlántico.

Foi fundador da UPG e presidente da Real Academia Galega entre 2010 e 2013.

Outras entrevistas

A entrada “Un pobo sen memoria é un pobo neurótico” publicouse primeiro en adiante.gal.

11 Dec 10:47

En Marea abre a porta a expulsións por accesos de modo irregular ao censo

by Galiciaé / Efe

O responsable financeiro e da custodia do censo de En Marea, Gonzalo Rodríguez, abriu este luns a porta a expulsar a catro "persoas" que accederon de forma irregular ao mesmo no marco das eleccións primarias, que foron paralizadas.

As eleccións internas para elixir á nova dirección de En Marea que debían celebrarse con normalidade desde o sábado día 1 de decembro ás 9:00 horas da mañá ata o luns día 3 á mesma hora, paráronse o mesmo sábado por irregularidades no censo.

As auditorías coñecidas esta tarde revelan que desde catro direccións IP accederon sen garantías ao censo da formación, aínda que non houbo variación no mesmo.

Destas catro direccións, dúas pertencían ao Comité Electoral polo que a Comisión de Garantías pide a revogación deste órgano e tamén estuda pedir a expulsión da formación.

Esta revogación e incluso o estudo dunha posible expulsión débese a unha "vulneración de ética e da confidencialidade" que non se pode permitir se En Marea quere ser unha partido garantía de cambio neste país.

"Se en En Marea queremos cambiar as cousas e que a política sexa distinta", aspectos como "unha maior responsabilidade e unha maior transparencia" son "innegociables".

"A partir de aí queremos construír un relato crible", remarcou Rodríguez, que considera que este asunto "afecta internamente e externamente" ao partido, posto que mostra que hai unhas "regras de xogo que son as mellores e que deben ser respectadas internamente".

Estas eleccións enfrontan á lista Coidando a Casa encabezada polo actual portavoz, Luís Villares, e a Entre todas, liderada polo exdiputado nas Cortes David Bruzos e arroupada por Podemos, Anova, Esquerda Unida e as mareas municipais da Coruña, Santiago e Ferrol.

Agora, tras darse a coñecer o resultado da investigación, é o Comité Electoral o que ten a potestade para elixir unha nova data para a realización das eleccións primarias.

No entanto, Rodríguez incidiu en que aínda que a intención é votar coa "máxima celeridade" é probable que as medidas "cautelares" que se deben implementar para restaurar a "seguridade" non permitan votar este fin de semana.

Segundo explicou en rolda de prensa, a intención é que se poida votar "axiña que como sexa posible" pero unha vez implementadas unha serie de medidas de seguridade que pedirán ao Comité Electoral.

Entre elas, destacou, pedirase que coa emisión de cada voto incorpórese un SMS para que "a persoa que vota sexa a que ten dereito a votar e non outra".

Isto, segundo Rodríguez, "non levará demasiado tempo" e non debería supor unha "dilación dos prazos", aínda que é probable que o próximo fin de semana non sexa posible.

Rodríguez sinalou que unha das auditorías levouse a cabo por un técnico interno e outra delas por un "enxeñeiro, perito forense" de contrastada "experiencia" en labores similares.

Estes informes rexistraron "todos os movementos" no acceso ao censo que acreditaron "unha serie de entradas de persoas non autorizadas" e, por conseguinte, accederon a datos confidenciais e a DNI.

Con todo, "non se pode probar modificación" algunha no censo durante esas intromisións non autorizadas.

Esta cuestión foi denunciada xa ante a Axencia Estatal de Protección de datos, xa que produciu unha "certa preocupación no conxunto dos inscritos e a cidadanía".

Por iso, Rodríguez ve pertinente que se paralizou o proceso electoral, aínda que desde o Comité Electoral entenden –segundo apuntou a Efe– que os resultados mostran que esta parálise non debeu darse e así o explicarán nunha comparecencia pública neste martes.

11 Dec 10:44

Pequeno mapa da violencia da extrema dereita en Galiza

by A.V.

Non son contínuos mais habelos, hainos. Os ataques da extrema dereita en Galiza nestes anos abranguen diferentes niveis e obxectivos: desde a pintada antifeminista sobre un mural que defende o dereito ao aborto até a agresión física a un rapaz por levar na camisola unha bandeira nacionalista galega, as ameazas a un concelleiro comunista ou a tentativa de queimar un local social independentista. Ataques que permiten percorrer as particulares fobias da extrema dereita española: nacionalismo, esquerda, feminismo ou memoria histórica.

 

As pintadas e ataques a murais con mensaxes soberanistas, feministas ou antifascistas son relativamente frecuentes: por citar só algunhas localidades onde se deron estas accións, Bueu, Pontevedra, A Coruña, Ourense, Vilaboa ou Vigo. Nelas tipo de murais amencían luxados con esvásticas, bandeiras españolas, simboloxía fascista varia, ameazas e insultos.

 

Mais as pintadas non se circunscriben aos murais. En febreiro de 2015 pintáronse esvásticas e puntos de mira na sede do BNG en Caldas de Reis e en xuño deste ano unha cruz gamada foi pintada na casa do portavoz nacionalista en Soutomaior. Non só o nacionalismo é albo destas accións: en marzo de 2017 Esquerda Unida (EU) denunciaba en Comisaría as pedradas ás xanelas da súa sede en Ferrol das que penduraba simboloxía feminista. En 2015 o daquela deputado de AGE e concelleiro de Esquerda Unida en Vilagarcía. Juan Fajardo, sufriu varios ataques que non dubidou de cualificar como "fascistas": entre eles, pintadas feitas con sprai de "Mierda comunista" no seu vehículo, na porta da súa casa e na dunha familiar.

 

Entre outras agresións, nestes anos foron atacadas sedes do BNG ou Esquerda Unida, boicoteadas con pintura exposicións sobre o movemento obreiro e ducias de murais, arrincadas placas en memoria de asasinadas polo franquismo e mesmo intentaron incendiar un local social en Vigo

 

O 21 de maio a exposición A forza necesaria, centrada na historia do movemento obreiro e sindical da Coruña, apareceu boicoteada con pintadas fascistas. A mostra a ceo aberto promovida polo Concello reúne unha selección de 150 imaxes en paneis de gran formato, obra do deseñador Pepe Barro, que apareceron cubertas con mensaxes como “No al comunismo” o “A Paracuellos”.

 

Contra as vítimas do franquismo

 

A memoria das vítimas da represión franquista é un dos albos preferidos da extrema dereita en Galiza. Aí está o ataque ao monumento á memoria das persoas represaliadas do Morrazo na Cruz de Maceira, que apareceu en agosto de 2014 pintado coa bandeira española e a aguia imperial e a lenda “los perdedores fuera de España”. As pintadas foron realizadas o día despois da celebración dun acto de exaltación falanxista na Igrexa vella de Marín.  Non foi este o único caso, en outubro de 2017 foi atacado en Volta da Moura, Tui, o monumento que homenaxea as veciñas e veciños asasinados polo franquismo. Esnaquizaron a placa que lembraba as vítimas e botaron pintura verde sobre os nomes das persoas asasinadas. 

 

En febreiro de 2011 a Asociación Viguesa pola Memoria Histórica denunciaba a aparición de “pintadas fascistas” na placa do cemiterio de Lavadores de homenaxe a represaliados polo franquismo. “Non é a primeira vez que acontece”, denunciaban desde este colectivo.

 

En xullo de 2007, e por terceira vez en menos dun ano, foi atacado en Cerdedo o  monumento dedicado a Francisco Arca Valiñas e Secundino Bugallo Iglesias, traballadores e militantes da CNT asasinados o 13 de agosto de 1936. Desta volta arrincaron a placa en lembranzados asesinados.

 

Locais sociais

 

Os locais sociais tamén teñen sido obxecto de ataques. En 2013 persoas descoñecidas atacaran en Pontevedra o local social A Revira, enchéndoo de pintadas como "Fuera separatistas" ou "Galicia es España". En xuño de 2017, en Ferrol e tan só horas despois de que BNG e Fundaçom Artábria propuxesen que se recuperase o nome lexítimo e tradicional, Porta Nova, fronte á denominación posta no franquismo, Praza de España; era atacado con pintura un mural situado perto de Artábria e dedicado ás Irmandades da Fala.

 

Un dos ataques máis graves tivo en xuño de 2012 en Vigo, cando un grupo de descoñecidos rachou a cristaleira do local social A Revolta (daquela na zona vella) e deitaron no interior líquido inflamábel, ao que prenderon lume. O incendio foi sufocado por veciños e veciñas evitando males maiores mais as lapas afectaron a boa parte do material que había no local.

 

En xaneiro de 2008 a porta do Ateneo Ferrolán, Ferrol, foi danada por un incendio provocado. Dede o propio Ateneo sospeitaron que o lume respondía a unha intencionalidade política ou ideolóxica, concretamente, da extrema dereita. Máis recentemente, en xullo de 2016, o Ateneo Libertario Xosé Tarrío da Coruña alborecía coa súa fachada pintada con esvásticas e unha das frases de orde da extrema dereita española: "José Antonio, ¡presente!

 

Agresións

 

O mozo agredido en Pontevedra por levar unha camisola coa bandeira galega coa estrela vermella non é a única agresión física protagonizada pola ultra dereita española no noso país: en maio de 2016 un mozo denunciou que foi agredido na Coruña ao berro de “Arriba España”. Precisou asistencia sanitaria e cirúrxica. 

 

A finais de 2017  un veciño de Santiago de Compostela encontrou escrito nun lateral do seu coche “Viva España” e o parabrisas traseiro roto en anacos, do que conservaron un fragmento que levaba un autocolante coa bandeira da Galiza.

 

11 Dec 10:12

La Movida fue realmente una continuación del franquismo

by Ana Iris Simón

Cuando publicó Indies, hipsters y gafapastas Víctor Lenore puso frente al espejo a una subcultura —o más bien a una generación— que, bajo una cierta apariencia de rebeldía y compromiso, defendía y perpetuaba los valores impuestos por el sistema. A una generación cuya identidad era (y es) inseparable del consumo y que, si bien en ocasiones desafiaba estética o moralmente al establishment, también encajaba a la perfección en él porque jamás lo cuestionaba.

Y Espectros de la movida (Akal), el nuevo libro del periodista, parece una precuela. En él ajusta cuentas con uno de los movimientos sociales más jaleados de nuestro país, La Movida, y con una de las décadas más romantizadas, los ochenta. Con textos y declaraciones de la época de algunos de sus representantes más célebres ("no creo que les moleste el libro porque les importa bien poco el pensamiento como llevan décadas demostrando", dice el autor), Lenore pone de manifiesto cómo la Movida no fue el movimiento apolítico ni poco militante que pensamos sino que tuvo unas convicciones ideológicas profundamente enraizadas, las del neoliberalismo. Además, nos advierte de algo: quizá Alaska tenga más que ver con Tangana, McNamara con Jedet o Tierno con Carmena de lo que pensamos. Quizá de aquellos barros vengan estos lodos.

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VICE: Hola, Víctor. En Espectros de la movida tratas de poner de relieve, básicamente, que la Movida no fue aquella revolución sociocultural que a veces creemos que fue los que no la vivimos, sino más bien una continuación de la cultura del franquismo, un pobre sucedáneo de la revancha política vacío de sentido y profundamente superficial. Pero, ¿por qué la hemos romantizado entonces?
Víctor Lenore: Porque al final es el paradigma que ha triunfado. La cultura de los 80, en España y fuera de España era una cultura muy aconflictiva. Si te fijas, en los 70 hay un paradigma mucho más conflictivo, se refleja por ejemplo en el cine de la época: Scorsese, Coppola, la cultura del tardofranquismo con El Desencanto, Los santos inocentes, Anagrama publicando libros sobre guerrillas marxistas y maoístas y de grupos terroristas de Italia y Alemania... Sin embargo, de una cultura del enfrentamiento total se pasa a la del consenso. De intentar buscar los traumas políticos de Estados Unidos se pasa a Spielberg y a monigotes con La Guerra de las Galaxias. Los 80 nos apelan y reconfortan porque fueron una cultura aconflictiva.

Si vas a ver una película sobre Vietnam con tus amigos, por ejemplo, sabes que la mitad vais a estar de acuerdo y la otra mitad no sobre cómo se refleja el conflicto. Pero si vas a ver Los Goonies sabes que todos lo pasaréis bien y esa es la identidad de la cultura de los 80: no cuestiona, no desafía y no polariza. Y no es que la gente a la que le gustan los 80 sea idiota y el resto lo sean menos. Es que hay ciertos tipos de culturas que promueven el consenso y otras que promueven el conflicto y los 80 fue de las primeras.

Reproduces un fragmento de un panfleto de la época, Dejar de pensar y Volver a pensar que dice lo siguiente: "Vivimos en un mundo de imágenes: gustar, gustar a los demás, gustarte a ti mismo... La peluquería, la moda, la publicidad, el diseño, pertenecen en realidad a un 'discurso' más amplio, más profundo". Parece que está hablando de Instagram en 2018 y fue escrito hace más de 20 años. ¿De aquellos barros, estos lodos?
Claro. Hay una cosa muy importante que César Rendueles explica muy bien y por eso le pedí que hiciera el prólogo y es que el consumismo no significa únicamente comprar muchas cosas.

Cuando nos imaginamos a alguien consumista lo pensamos volviéndose loco con la tarjeta de crédito el El Corte Inglés, pero también se consumen otras cosas. Se consumen identidades, se consumen estereotipos... si soy modernito tengo que vivir en Malasaña, tengo que hacerme tal foto en Instagram en tal postura, tengo que leer tal libro, poner tal cosa en Facebook...

El consumismo es más fuerte aún cuando creemos que no estamos consumiendo, porque creemos que es un acto de libertad y no de sumisión. Lo que nos define como sociedad es el consumismo, el individualismo... y en el caso de la cultura en España, también una anglofilia. Pensar que las cosas que se hacen en Nueva York, Los Ángeles o Londres son más importantes que las que se hacen en Talavera de la Reina o en Jaén cuando no es así. De Utrera por ejemplo han salido tres cantaores que son clásicos de la historia del flamenco, mientras que de Nueva York no ha salido ninguno. Depende de lo que te guste es interesante un sitio u otro.


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¿Están desafiando proyectos como el de Rosalía o si me apuras, Tangana, esa anglofilia?
No. Tangana es una continuación de La Movida. En el libro cito una frase suya que viene a decir que sus dos artistas de referencia son Warhol y Dalí, pero que le da igual la obra. Que lo que le importa es que entendieron que el dinero y el poder era lo que te hacía relevante y que había que reproducir aquellos modelos que te lo dieran. En cuanto a Rosalía, cuyo disco disfruto mucho y que me parece una tía con mucho talento, me parece lo mismo, otra continuación de La Movida.

El momento en el que Andy Warhol llega a España y aquello parece Bienvenido Mr. Marshall me parece muy representativo, pero más representativo aún me parece que se haya reproducido hace bien poco. Vino Tim Cook, CEO de Apple y su agenda consistía en ir por la mañana a la Moncloa para reunirse con Pedro Sánchez —que hizo un ridículo tremendo diciendo que Cook y él habían definido los retos tecnológicos del futuro cuando seguramente Sánchez tenga dificultades para manejar su iPhone— y por la tarde ir a la Apple Store a hacerse una foto con Rosalía. Allí, Cook dijo una frase terrible: dijo que le parecía que Rosalía encarnaba los valores de la compañía —es creativa, es mujer, es joven— pero también que su disco era la música perfecta para sonar en una Apple Store.

Yo he sido muy cruel con muchas críticas, nunca tanto como Cook con Rosalía. Es como si a los Rolling les dices que hacen la música perfecta para comerse un Big Mac. Rosalía es una mujer muy talentosa, que aprecia el flamenco y que tiene muchos recursos musicales. Sin embargo, no me gusta de ella que su música a lo que remita es a la sociedad globalizada de consumo e hiperconectada donde importa mucho más molar que cualquier conflicto humano que tengas. Lo que sí que me parece es un desafío del sur a la política cultural del norte y a la anglofilia es el reguetón.

"No me gusta que Rosalía a lo que remita es a la sociedad globalizada de consumo e hiperconectada donde importa mucho más molar que cualquier conflicto humano que tengas"

Para entender tu libro es necesario comprender la diferencia entre dos conceptos: transgresor y subversivo
A mí la diferencia me la subrayó Evaristo Páramo, cantante de La Polla Records y Gatillazo en una entrevista. Yo le estaba preguntando por Extremoduro y me dijo que ellos no tenían nada que ver con Extremoduro. Que mientras que Extremo eran transgresores La Polla era subversiva. Subversivo es algo que molesta al sistema: que montes una cooperativa en lugar de una empresa capitalista, que crees un espacio de relación social como una casa okupada... subversivas son las cosas que crean lazo social y que quedan totalmente excluidas de los medios de comunicación en los años 80 y 90.

Sin embargo, lo transgresor es algo que le viene muy bien al capitalismo. Es ponerse un tatuaje en la cara, unos piercings, gastarte el triple del dinero que tienes... Esa es la diferencia básica. En La Movida había muchos artistas transgresores pero ninguno subversivo. Muchos que hacían cosas diferentes a lo que se había hecho hasta entonces en España, porque la mayoría eran copias de lo que se hacía en Londres, Nueva York o Los Ángeles, pero no hacían cosas que le fueran a molestar al sistema de alguna manera. Básicamente como ocurre en la industria actual.

La cultura tiene dos carriles: uno por el que va el rollo indie movidero, el rollo trap y otro que en realidad es una carretera comarcal llena de piedras, que es por donde va la gente con conciencia social, con orgullo de clase, con vidas de barrio, con empatía por los perdedores de la globalización... Muchas veces la segunda te lleva más lejos que la primera, en la que muchos se estrellan en la primera curva.

Sin embargo, hay quienes dicen ir por la carretera comarcal aunque no cumplan los requisitos que, según dices, tienen los que la transitan. Se me ocurre Yung Beef autoproclamandose antisistema en el famoso debate con Tangana en el Primavera...
Este es un tema que me encanta. Aquella conversación me recuerda mucho a las escenas donde discuten Derek Zoolander y Hansel en Zoolander y Zoolander 2. Son dos personas superintensas, que se creen que el mundo depende de sus opiniones, pero que en el fondo no son más que dos supermodelos diciendo lo primero que se les pasa por la cabeza en cada momento.

Tangana se lo piensa un poco más, porque Tangana es un empresario de toda la vida. Su padre trabajaba en Relaciones Públicas y eso se nota muchísimo. No es casual que se lleve mejor con Risto Mejide que con Ada Colau, con Jarfaiter o con cualquier escritor que hable sobre la vida de las personas. Lo que hace C. Tangana es publicidad, a veces muy bien hecha y otras veces peor, pero publicidad al fin y al cabo. Igual que en La Movida había canciones indistinguibles de la publicidad como Enamorado de la moda juvenil, los temas de Tangana muchas veces son indistinguibles de las de la publicidad, por eso le patrocinan marcas de móviles.

"En el fondo La Vendición es como una start up de Sillicon Valley donde una persona con dinero, en este caso Yung Beef, pone parte de su capital para ver qué puede sacar de la gente que tiene talento"

El trap en el fondo es hipercapitalismo, es lo que Thomas Frank llama en La conquista de lo cool "el consumidor rebelde". Otros lo llamamos el turboconsumidor, alguien que se niega a aceptar los límites de la sociedad de consumo porque solo quiere consumir más y más. A Yung Beef, por el contrario, lo ponen como un ejemplo de tío majo porque ha creado este sello en El Raval, La Vendición, que saca a chavales de barrio, algo que me parece muy bien pero que no está alejado de los valores del capitalismo.

En el fondo La Vendición es como una start up de Sillicon Valley donde una persona con dinero, en este caso Yung Beef, pone parte de su capital para ver qué puede sacar de la gente que tiene talento. Es lo que hicieron raperos como por ejemplo Dr. Dre: cuando se separaron NWA se hizo un sello y sacó a gente como Snoop Dog o Eminem. Pero no deja de ser una forma de mantenerte en el negocio, de mantenerte fresco, vivo, en la onda, ganando pasta...

Pero volviendo a aquella discusión, creo que Yung Beef era muy ingenuo y que lo que le molesta no es el capitalismo sino tener que ir a las oficinas de Sony a hablar con gente con traje y hacerles caso. Y lo entiendo perfectamente, pero lo que le separa de Tangana, que sabe muy bien lo que hay, es una diferencia muy pequeña. El trap español me parece muy poco interesante, no deja de ser un sucedáneo tanto cuando hacen rap como cuando hacen reguetón, en el primer caso del estadounidense y en el segundo del latino, y creo que muchas veces son más personajes que otra cosa.

Aunque es subjetivo, creo que a la gente le interesan más las figuras de C. Tangana y Yung Beef que sus canciones. Lo que sí tengo claro es que están muy conectados con La Movida, con el indie, con el movimiento hipster... con todos estas corrientes narcisistas e individualistas que en el fondo están muy alejadas del espíritu de la música popular que significa compartir, pasar momentos juntos, contar los problemas y las alegrías y acompañarte. El trap parece todo el rato una exhibición de lo que tienes, de lo que follas, del dinero que hay en tu cuenta... es decirle a quien te está escuchando prácticamente que eres mejor que él, algo que me parece profundamente antipático.

"Se supone que si se fomenta mucho la creatividad, a cualquiera que sea pobre, que esté excluido o que lo pase mal le puedes decir que el problema es que no es lo suficientemente creativo, que no se adapta lo suficiente o que no ha puesto lo suficiente de su parte"

También aludes a gente como Jedet o Soyunapringada para establecer paralelismos entre la época que vivimos y los 80... ¿qué tienen que ver con McNamara o Alaska?
En el libro incluyo una frase que es de la propia Alaska en la que dice que ella se identifica mucho con esta generación, que La Movida tiene los mismos valores que los artistas de ahora. Y es verdad, claro, la Movida nunca se ha ido.

Desde entonces existen esos dos caminos culturales: el carril de adelantamiento para los personajes de la cultura y artistas prosistema narcisistas, individualistas, elitistas, anglófilos, y una carretera pedregosa para los que defienden otro tipo de valores: en su momento La Polla Records, ahora Los Chioks Del Maiz, los cantautores, la rumba de barrio...

Algo que quería dejar muy claro con el libro es cómo el capitalismo usa el concepto de creatividad. La creatividad es algo que nos apela a todos, que es una palabra muy simpática y muy agradable, con connotaciones positivas pero que en el fondo se utiliza para una cosa muy chunga que es para justificar la desigualdad. Quiero decir, se supone que si se fomenta mucho la creatividad, a cualquiera que sea pobre, que esté excluido o que lo pase mal le puedes decir que el problema es que no es lo suficientemente creativo, que no se adapta lo suficiente o que no ha puesto lo suficiente de su parte.

Es una especie de versión cool del discurso del coaching y es increíble cómo las campañas de seguros o de bancos hablan de creatividad. En la Fundación Botín se pasan el día hablando de creatividad, de que el principal problema en la sociedad española, según dicen en sus textos, es la falta creatividad. Sin embargo, la mayoría de personas que sufren las condiciones laborales del presente y el sistema económico en el que vivimos piensa que el mayor problema es la desigualdad económica y las diferencias de poder que existen en la sociedad.

Estableces otra relación, esta vez política, entre pasado y presente: Tierno y Carmena.
Claro. Por su aconflictividad. El otro día se suicidó una señora porque no podía pagar su piso, los sueldos están desplomados, los servicios sociales están saturados y cuando miras las redes de Carmena te la encuentras a ella haciendo magdalenas. La ciudad se cae a cachos y lo que hace es maximizar una buena medida, Madrid Central. Una pequeña mejoría que además es en el centro, donde se desarrollan a mayoría de acciones de Ahora Madrid, olvidando que dos tercios de los madrileños viven fuera de la M30.

"La izquierda en España no posee ni el relato ni los medios"

Pero Carmena es peor que Tierno porque al menos Tierno fue un paso adelante, veníamos del franquismo y consiguió algunas cosas. Muy pocas, migajas, pero las consiguió. Pero Carmena nos viene a decir, 40 años después, que lo de Tierno era el límite. Y yo no la he votado para que me diga que lo más lejos que podemos llegar política y socialmente es a lo que llegó Tierno en los 80, la he votado para que se enfrentes al lobby inmobiliario en la Operación Chamartín, para que le preocupe la desigualdad en la ciudad y tome medidas, para que un barrio perdido importe tanto como Malasaña...

Hay una idea muy extendida en el imaginario popular que tú niegas y que queda reflejada en este libro: que la cultura en España es patrimonio de la izquierda.
Claro que no lo es. La izquierda en España no posee ni el relato ni los medios. Quien mejor ha explicado esto en España es Alberto Santamaría con En los límites de lo posible y en Estados Unidos Thomas Frank con La conquista de lo cool. Si empiezas a repasar los grandes centros culturales en nuestro país te topas que si con el Caixaforum, que si con la Fundación Mapfre, que si la Fundación BBVA, el Centro de Arte Botín.... En los grandes centros de arte, pero también en los conciertos o en los festivales hay más logos que en el IBEX a día de hoy. Por eso me hace gracia cuando alguien me dice que en España la cultura es de izquierdas. ¿Qué cultura, los fanzines? ¿Dos sellos discográficos, tres editoriales?

La izquierda apenas tiene medios de comunicación, es un páramo cultural y los artistas de izquierdas llaman tanto la atención porque son muy pocos. Si una edición de los Goya ha sido tan comentada por su protesta social es porque no es lo normal, y de hecho salió Berlanga —padre de Carlos Berlanga, por cierto, de Los Pegamoides— y otro montón de profesionales de la industria diciendo que se estaba tergiversando el sentido de los Goya. Todo esto es muy interesante y es fruto de que la derecha no quiere convertirnos en activistas de la derecha, no quiere que asumamos su ideología sino despolitizar todas las formas de relación humana: despolitizar la relación en el puesto de trabajo, las relaciones culturales, la relación con tus compañeros de piso... Es algo que, además, les ha salido fenomenal. Nos han llevado al individualismo más extremo y al final hemos concebido sus valores como los nuestros propios, no como algo impuesto.

Cuando venía para acá en el metro he visto que acabas de retuitear una frase de Yung Beef. Decía que 2018 será recordado como el año en el que murió el moderneo. ¿Lo será? ¿Hemos visto morir por fin la secuela infinita de la movida?
Hace poco leí una frase de Vázquez Montalbán en los años 60 que decía que la pelea entre la alta cultura y la baja cultura era absurda. Que lo de la elitización versus la cultura popular era una disputa que no tenía mucho sentido porque al final lo que iba a ocurrir es que se iba a masificar el gusto elitista. Y eso es exactamente lo que ha pasado, que se ha masificado el gusto elitista en el peor sentido.

Si miras, por ejemplo, la cuenta de Instagram de Rich Kids of the internet, o la mayoría de vídeos de raperos, de grupos de rock... Todos queremos copiar el estilo de vida de los ricos. Coches, cadenas, mansiones, chicas en biquini... queremos copiar, además, lo que antes se llamaban "los nuevos ricos" esa gente hortera que trata de impresionar con cosas tontas como coches grandes. Antes la gente se reía de ellos. Ya nadie se ríe de los ricos. Cuando hace años un artista firmaba con una marca se vendía. Ahora si haces una campaña es que has triunfado, nadie cuestiona si estás prostituyendo o no tu mensaje porque el sistema somos todos. Somos tan todos hasta el punto que la izquierda no tiene un discurso cultural propio sino que hereda los discursos de la derecha. 2018 es el año en que murió el moderneo porque todos nos volvimos igual de modernos e igual de idiotas que los demás”.

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11 Dec 10:01

Suspiria (1977): cuando el giallo encontró su evolución y cumbre

by Felipe Rodríguez Torres

El manierismo hiperestilizado de Dario Argento llegó a su cumbre plástica y conceptual en Suspiria. Un cuento gótico pop, donde los excesos del realizador junto a la atmosférica y escalofriante música de Goblin dio lugar a un relato de terror inclasificable e irrepetible, que influyó no solo en el devenir del giallo, sino en todo el cine de terror venidero.

“El miedo son 370 grados de temperatura corporal.
Con Suspiria quería llegar a 400 grados”

Dario Argento

En 1977, tanto el giallo como Dario Argento estaban ya consagrados como el género y el autor fundamental del mismo. Tras el éxito de Rojo oscuro (1975), todos los directores que se acercaban a esta particular tipología del cine de terror miraban a las obras y al autor de las mismas. Un buen ejemplo es uno de los títulos contemporáneos a Suspiria, Shock (1977), de Mario Bava, iniciador del género y cuyos recursos formales fueron inspiración de un alumno como Argento, pero que superó los descubrimientos formales del maestro, que a su vez acabó influenciado por la sombra del renovador del terror made in italy.




El punto de partida de este proyecto -primera película verdaderamente internacional de Argento, que se alejaba de las raíces y la idiosincrasia italiana y que fue rodada en Alemania, concretamente en la selva negra- parte del deseo del cineasta de recrear -junto a Luciano Tovoli, su director de fotografía- el technicolor de las películas estadounidenses de finales de los treinta y principios de los cuarenta. Su fuente de inspiración eran las obras de John Ford y los dibujos animados de Walt Disney, reproducir su color intenso, fuerte y vivo. A Luciano Tovoli se le ocurrió utilizar una película de sensibilidad muy baja en la escala ASA. Para ello fueron a la fábrica de Kodak en Estados Unidos y como la película que les ofrecían no era la que requerían, buscaron hasta que encontraron un laboratorio en Dallas que tenía stock de película de 40 ASA.

El problema -aunque compraron toda la producción de dicho laboratorio- era que la cantidad de película que tenían era insuficiente para rodar la cinta, así que Argento tuvo que realizar muy pocas tomas de cada plano del filme para que no se les acabara la película. Esto no evitó que Argento llevara a buen puerto uno de los propósitos principales: que cada plano de la película fuera único, que no hubiera ninguno que se repitiera, que no se pareciese a los de antes y a los que estaban por venir.

El otro elemento fundamental fue su nueva colaboración con el grupo de rock progresivo Goblin, encabezado por Claudio Simonetti. Cuando Argento les mostró la película, les dijo que quería una composición que mantuviera al público asustado, que aunque las brujas no aparecieran en pantalla, su presencia fuera percibida permanentemente. Goblin se encerró durante cuatro meses en el estudio, experimentando con instrumentos étnicos como el sitar, el buzuki griego, un moog enorme y usando todo tipo de sonidos, desde vasos de plástico hasta su propia voz. El resultado, en palabras del crítico Kim Newman, es que lo que el público recuerda más de la cinta es una banda sonora inseparable de sus imágenes. Porque además de una película eminentemente pintada, también se trata de una película oral.

El terror poético de Dario Argento

El concepto de película pintada de Dario Argento con el que se puede asociar toda la obra del cineasta, proviene de la época en la que se dedicaba a la crítica cinematográfica. En un ensayo, Argento dividía al cine en dos tipos: el de prosa y el de poesía. El cine de prosa era aquel donde la cámara pasa desapercibida. En cambio, en el cine de poesía, el trabajo de cámara se hace notar mucho. Cuando Argento comenzó a rodar, se dio cuenta que el suyo era un cine de poesía, porque la cámara estaba muy presente. Esa cámara presente llega a su cénit en Suspiria, cumbre de su cine plástico y estilizado.

Ya solo su escena inicial, con una duración entre los dieciséis y los dieciocho minutos, acompañado desde la aparición de los títulos de crédito de las voces fantasmagóricas del grupo Goblin, aporta desde su inicio un tono de cuento macabro a la película. Su atmósfera brumosa y fantasmagórica, onírica y de cuento de hadas clásico, incrementado por unos efectos ambientales tan artificiales como sumamente efectivos, entregan al trabajo una atemporalidad y una descontextualización que solo se encuentra en las mejores pesadillas, donde la ruptura de la continuidad narrativa de una escena a otra, o la sensación de encontrarte en un sueño en bucle infinito se potencia con un montaje donde el corte brusco de plano a plano y de escena a escena rompe el realismo ficticio.

Todo ello, aderezado por un diseño de producción de colores vivos y primarios -fruto de la baja sensibilidad de la película utilizada y que ahora puede disfrutarse en toda su gloria gracias a la restauración en 4K realizada para su cuarenta aniversario-, elementos arquitectónicos gótico-pop -casi como si Mondrian hubiera sido poseído por el espíritu de un artista medieval- de líneas rectas e influencias del art decó, que transporta al espectador a un sueño febril y de pesadilla tan aterrador como sugerente. En cuanto a la composición de planos mencionados anteriormente, donde Argento consiguió no repetir ninguno a lo largo de todo el filme, es importante destacar el reencuadre dentro del propio encuadre, estrategia que le sirve al cineasta para destacar un elemento del plano concreto dentro de su conjunto, partiendo de los colores primarios, en particular el rojo.

Todos estos elementos dan pie a un anti-giallo que pierde en apariencia los elementos comunes y básicos del género, para adentrarse en el terreno de lo sobrenatural, de la brujería y lo paranormal. Estos últimos poseen incluso a los aspectos técnicos y externos de la narración como el montaje, y manipulan hasta los elementos extradiegéticos del celuloide.

Entre la misoginia y el feminismo

Uno de los aspectos más polémicos en el momento de su estreno fueron las acusaciones de misoginia hacia su director, motivado por las continuas escenas de sufrimiento que padecen las víctimas femeninas de Suspiria. Ante dicha acusación, el cineasta considera que es una percepción sumamente equivocada, en primer lugar por la preponderancia de la figura femenina como protagonista de su obra y sobre todo porque Suspiria es una película sobre las mujeres, donde los hombres tienen escasa relevancia. Argento va un paso más allá y afirma que le hubiera gustado desarrollar el elemento lésbico sugerido, que no explicitado en la obra. Aunque vista con ojos contemporáneos es fácil descubrirlo en la relación entre Suzy -protagonista de la cinta y demostración fehaciente del cambio de modelo en la representación física de las mujeres en el giallo, alejadas de las maggioratas voluptuosas de los inicios del género- y Sara, con detalles como la manera en la que nadan al unísono en la piscina cubierta de la academia o cuando comparten cama en la residencia. Incluso la relación de las figuras femeninas adultas -las instructoras de la academia de baile- con las alumnas es más un juego de seducción que de intimidación.

Pero volviendo a las polémicas escenas de asesinatos femeninos, hay que destacar que Dario Argento perfecciona los hallazgos de su trilogía animal y Rojo oscuro, para entregar una secuencia de arranque de más de un cuarto de hora de duración, que siempre va in crescendo hasta alcanzar el clímax con el crimen doble de la joven bailarina de la película, a través de una coreografía del horror dilatada, explícita y macabra, transformada en bellos retablos de muerte de composición operística. De igual manera, lo bello y lo macabro, lo artificial y plástico representado en la apariencia exterior de la escuela o la belleza pura y etérea de las bailarinas, contrasta con lo purulento y orgánico de las figuras masculinas representadas en el personal de servicio de la academia, los cuerpos en descomposición y la infestación orgánica que sufren tanto las figuras humanas como la mencionada escuela, esta última convirtiéndose en un personaje más de la pesadilla con personalidad propia y cuyas paredes exteriores mojadas por la lluvia aparentan exudar o llorar sangre.

Un choque entre dos mundos que también es evidente en la localización de una academia con formas y costumbres del pasado situada en un enclave del presente, acrecentando aún más, si cabe, la atmósfera atemporal e irreal del sueño, donde elementos contrapuestos cohabitan en un mismo espacio, pero consiguiendo en dicho proceso una unidad sin aristas, única e irrepetible. Si a todos estos elementos le sumamos una teatralización de los escenarios, convirtiendo los telares del diseño de producción tanto en elementos de la ficción como de la realización -distanciando y acercando simultáneamente al espectador que se adentra en el universo representado- Argento consigue, con esta suma en apariencia antitética, ofrecer una experiencia plástica más instintiva que racional, donde la magnificación de los elementos estilísticos da lugar a una realidad aumentada, transformando en el proceso la historia del giallo y el terror. ¿Era posible ir más allá en el género o todo lo que podía venir desde aquí era cuesta abajo?

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11 Dec 09:57

Detienen a un hombre en Ferrol por robar coches de alta gama por WhatsApp

by Marta Corral

FERROL360 | Lunes 10 diciembre 2018 | 18:38

La Policía Nacional ha detenido en Ferrol a un hombre acusado de cinco delitos de estafa en la compra de vehículos de alta gama y cuatro reclamaciones judiciales. La investigación, que culminó con la detención el pasado 26 de noviembre, se inició después de recepcionar tres denuncias realizadas en distintas localidades gallegas de personas que habían vendido un coche al hombre acordando que les pagaría por una transferencia que nunca llegó.

El acusado contactaba con sus víctimas por teléfono después de localizar sus vehículos en plataformas online de venta de coches, acordaba un precio con ellas solicitándoles por WhatsApp la documentación y la fotocopia del DNI, así como su número de cuenta.

Les enviaba un pantallazo de una transferencia falsa por la misma vía y se la mandaba también en un mensaje de texto antes de recogerles el coche, siempre en fin de semana, usando como excusa que el banco tardaría hasta el lunes en hacerla efectiva en sus cuentas.

Mientras, el detenido aprovechaba para vender el coche a un tercero en algunos de los casos. El grupo de UDEV de la Brigada Local de Policía Judicial y la Brigada Local de Seguridad Ciudadana de la comisaría Ferrol-Narón establecieron un operativo en las inmediaciones de la vivienda del sospechoso durante el mes de noviembre hasta su detención.

Comprobaron que el denunciado circulaba en uno de los vehículos, que tenía escondidos en garajes comunitarios a la espera de venderlos, informa la Policía. Todos los coches han sido devueltos a sus propietarios legítimos, uno de ellos con residencia en Asturias, y el detenido ha pasado a disposición del Juzgado de Guardia de Ferrol quedando en libertad con cargos.

09 Dec 20:45

El Boca Juniors tiene su presencia en Santiago

by Marga Mosteiro

Una bandera del equipo argentino luce en la rúa Montero Ríos

09 Dec 20:43

El histórico puente de Francos rejuvenece tras las obras de consolidación

by maría rodríguez

Situado en el límite entre los concellos de Teo y Brión, sobre el río Tinto, este paso puede tener su origen en una vía romana

09 Dec 20:36

Usage of Instagram varies in Europe

by Alex

The share of a population that use Instagram in Europe, Russia, and Turkey as of October 2018.

Instagram usage in Europe
StatisticaCharch. Source: NapoleonCat.com

Top 10 European countries with the most Instagram users:
1. Sweeden – 48.0%
2. Latvia – 45.9%
2. Cyprus – 45.9%
3. Turkey – 44.7%
4. Norway – 43.6%
5. Denmark – 36.7%
6. Netherland – 36.3%
7. Malta – 36.2%
8. Ireland – 36.1%
9. Portugal – 34.9%
10. Finland – 34.9%

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