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“Los Franco dicen que calumnio e injurio”. Carlos Babío (Sada, A Coruña, 1967) publicó en 2017 junto al historiador Manuel Pérez Lorenzo el libro Meirás. Un pazo, un caudillo, un espolio (Fundación Galiza Sempre), la primera gran investigación sobre la entrega al dictador del pazo cuya devolución reclaman el Ayuntamiento de Sada, la Diputación de A Coruña, el Parlamento de Galicia y el Gobierno de la Xunta. Antes de publicarlo, Babío investigó “22 años” para demostrar lo que afirma, con “abundantes fuentes, testimonios y documentos”. Sin embargo, no ha sido esta obra la que hizo revolverse a los Franco, sino dos intervenciones televisivas de este exconcejal del Bloque Nacionalista Galego en Sada, en las que no afirmaba nada que no hubiera escrito antes. Con la exhumación del Valle de los Caídos candente, Babío ha recibido este año dos demandas de la prole del dictador. Las últimas dos semanas debían haberse celebrado sendos actos de conciliación en juzgados de Alcobendas y Madrid, el último el pasado miércoles, a los que el escritor no se presentó. “No tengo nada que conciliar con los Franco”, insiste.

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Te haya gustado 'Godzilla: Rey de los Monstruos' o no, estaremos de acuerdo en que es una película que abraza muchos de los códigos de las monsters movies que todos nos sabemos de memoria. Tiene enormes saurios, reptiles e insectos descargando zurriagazos unos sobre otros. Tiene edificios que se derrumban cuando los monstruos se desploman sobre ellos. Y tiene humanos que contemplan embobados cómo esas moles se curten el lomo, las alas o las fauces.

Aparentemente son unos registros bastante sencillos (independientemente del trabajo técnico que lleve ponerlo en imágenes), pero lo cierto es que esos códigos iniciales son solo la punta del iceberg. Las mejores películas de monstruos obedecen una serie de reglas, que son las que hacen que suframos cuando leemos eso de "Es solo una película de monstruos, qué más dan los humanos, qué más da el guión mientras haya monstruos". O más bien nos dan ganas de hacer sufrir a quien lo dice. Durante mucho rato. 

La cuestión es que las reglas están para romperlas, por supuesto que sí... una vez las conoces. Las mejores películas de monstruos son las que siguen el código o lo pervierten, pero siempre con conocimiento de causa. Te lo vamos a demostrar con unos cuantos mandamientos de oro para facturar una estupenda monster movie, y así puedes juzgar por ti mismo o por ti misma si 'Godzilla: Rey de los Monstruos' es una buena película de monstruos o no.

Una última advertencia: poniéndonos estrictos, cualquier película de terror es una película de monstruos, de 'El gabinete del Dr. Caligari' a 'El resplandor', pero vamos a restringir aquí al área: un monstruo no es un humano transformado (como un zombi), ni poseído (como Regan), ni tiene características semejantes a nosotros (como Drácula), sino que tiene una naturaleza independiente a las personas, sus propios ciclos, sus propios planes. Es El Otro y nunca ha sido uno de nosotros. Y estas son sus reglas. 

Los monstruos tienen intenciones

Nada hay peor que una película en la que no está demasiado claro por qué el monstruo se comporta, bueno... monstruosamente. El patán de rigor te dirá que lo único que necesitamos es que el monstruo rompa cosas, y eso es cierto solo en parte. ¿A qué viene la furia demoledora? ¿Por qué tanto odio? Piensa siempre que a menudo (sobre todo en sus encarnaciones más destrozonas) un monstruo es como un niño grande. ¿Piensas que un niño es un demonio de tasmania enloquecido que hace travesuras porque tiene una balsa de cianuro en vez de cerebro?

Un ejemplo muy claro y muy clásico: King Kong. ¿Crees que ese maldito gorilazo se subía a lo alto del edificio porque le daba por ahí? ¿Que toqueteaba a Fay Wray como podía acariciar a un trolebús o a un señor con bigote y salacot? ¿No crees que si fuera así, cuando ves al simio caer al vacío abatido por los aviones, y luego contemplas su cadáver tronchado en el suelo, no se te saltarían las lágrimas como se te saltan?

Sí, en efecto: hacer algo así no es nada sencillo. Los monstruos a menudo no hablan, a menudo solo exhiben comportamientos agresivos, a menudo solo se definen por su conflicto con los humanos. Es especialmente complicado cincelar una personalidad definida y unas emociones creíbles para ellos, así que ya hemos dinamitado la primera y más injusta de todas las ideas preconcebidas sobre las monster movies: que son fáciles de hacer. 

Los monstruos tienen biología

Y el ejemplo es obvio, con una monster movie modélica a muchos niveles (de hecho, podéis coronarla en el podio de la mayoría de las reglas de este artículo), pero que encuentra su auténtico xanadú en este apartado: 'Alien, el octavo pasajero'. Una película cuya estructura argumental, de hecho, es el descubrimiento de las distintas fases vitales de un ser que no tiene nada de humano. Es casi una acelerada y sangrienta clase de exobiología enloquecida, de gran originalidad en todas las fases de crecimiento y en la transición de una a otra. El ritmo de 'Alien' lo marca la biología del bicho.  

'Alien', por supuesto, es un ejemplo extremo, al que bien podría hacer compañía en cuestión de detallismo biológico una de las mejores películas de Godzilla de todos los tiempos: 'Shin Godzilla'. En este caso, la dramática evolución corporal del monstruo resulta escalofriante por los paralelismos con los daños fisiológicos por radiación, y mantiene en vilo al espectador con una pregunta típica de los kaiju eiga, pero que rara vez adquiere los tintes dramáticos de aquí: "pero... ¿cuánto va a crecer este bicho?" Casi como si Godzilla fuera la versión nipona y sobredimensionada de otra monster movie ejemplar (aunque rompe alguna regla de las citadas arriba para considerarla parte del género): 'La mosca' de David Cronenberg. 

Los monstruos tienen límites

Por supuesto que los tienen, hasta Godzilla y compañía. Puede ser un ataque combinado de fuerzas humanas, un arma letal de la que no se había hablado por algún motivo hasta que llega el momento de desenfundarla, u otro monstruo. Es importante, del mismo modo que se sabe cómo nacen, saber cómo mueren los monstruos. Que puede parecer una perogrullada, pero hay algo indiscutible: una película de monstruos es más memorable cuanto más recordada sea la muerte de su antihéroe, y también cuanto más lógica ateniéndose a las reglas del relato.

Un ejemplo, otra película modélica: 'Frankenstein' de James Whale. Tan recordado es el nacimiento de su criatura, en un laboratorio y gracias a la fuerza del rayo y la electricidad, con dos dementes alrededor bramando que si son Dios, como la muerte del monstruo, asediado por una masa enfurecida de aldeanos en un molino en llamas. Lo es tanto porque la metáfora del acoso a lo distinto y a lo inocente es poderosísima. La muerte de la Criatura resume lo que quiere contar 'Frankenstein', y por eso funciona a la perfección.

Los monstruos tienen origen

Relacionado con el anterior punto y a menudo ligado de forma indisociable, aunque con excepciones, con otra película que puntúa altísimo en muchas de las reglas de este artículo. Las criaturas de 'Gremlins' tienen un final muy específico en ambas entregas: conectando con la mitología vampírica en la primera parte, electrocutados por uno de los suyos en la segunda. Sin embargo, no tienen un origen claro, y eso es lo que también da fuerza a su mitología: ¿son mascotas de tiempos remotos, merchandising del Lejano Oriente, perretes mutantes...? Ese misterio, ese cero absoluto en el origen es precisamente su dato de origen.

Pero en otras ocasiones los orígenes más definidos de los monstruos les dan todo su carácter. Uno de los casos más notorios es, cómo no, el mismísimo Rey de los Monstruos, Godzilla, nacido en su encarnación de la indomable energía nuclear. Godzilla no solo es una criatura de envergadura y tamaño inabarcables, sino que está parida por una fuerza de poder inconcebible. Pero además, y eso entronca con un punto que veremos después, Godzilla es también la forma que tiene un país entero de canalizar ese poder desbocado semi-divino que es la bomba atómica. Y esto sirve tanto para la ficción como fuera de ella: la propia película de Godzilla es también la canalización de un miedo muy real. 

Los monstruos hablan de los humanos

Otra perogrullada, porque casi cualquier monster movie tiene personajes humanos con los que el espectador puede identificarse. De hecho, el monstruo se define, en buena medida, en cuanto a su relación con los débiles humanos. ¿Son sus víctimas? ¿Sus verdugos? ¿Sus creadores? ¿Sus inspiradores? ¿Varias de esas cosas a la vez, quizás? Una buena monster movie no solo nos habla del Otro, sino de cómo esa otredad impacta en nosotros.

Hay un par de recientes ejemplos, muy peculiares, muy personales, que rozan los códigos de las monster movies casi como excusa, y que ejemplifican bien esta cuestión, a la vez que pervierten esta regla con inteligencia. Son películas en las que se nos describen relaciones que podrían pertenecer a dramas o comedias mundanas, pero hay un monstruo al fondo: 'Monstruos' de Gareth Edwards (luego aprovechó parte de esa inspiración en su inferior versión de Godzilla en 2014); 'The Host' de Bong Joon-ho, y su comedia delirante de familia en descomposición que, además, tiene bicho; la versión espectacular y precedente de ambas, 'Cloverfield (Monstruoso)', una aventura de ruptura y reencuentro sentimental más invasión alienígena; o la fantástica 'Colossal' de Nacho Vigalondo, con los monstruos como símbolo de la toxicidad masculina.

En estos casos los monstruos funcionan como metáforas de las presiones externas (externas en sentido cósmico) que sufren las relaciones humanas. Pero otras veces, el monstruo es el núcleo alrededor del que gravita todo, y los humanos son satélites en torno a él. Una de las decisiones más afortunadas de 'Godzilla: King of the Monsters' es que, pese a que en esa película se echan en falta más monstruos y menos humanos, que absolutamente todo lo que se dice, piensa y siente está mediatizado por el hecho más bien inevitable de que hay unas criaturas colosales arrasando grandes núcleos de población.

También es muy frecuente que los monstruos sean réplicas caricaturescas, explícitas o descarnadas de lo que somos o sentimos. Ejemplos hay muchísimos porque las monster movies son metafóricas por definición, pero mira 'Aliens': la historia de dos madres cuidando a su prole. O 'La cosa', un ensayo sobre el aislamiento, la soledad y el horror puro como formas de perder la identidad. O sin ir más lejos, 'Monstruos SA', una película que usa la mecánica Pixar de invertir los tópicos narrativos para usar a los monstruos como canalizadores de experiencias humanas.

Los monstruos tienen una forma reconocible, o todo lo contrario

Lo sabes de sobra: si Mothra o Gamera son tan entrañables se debe a que se parecen a bichos del día a día, como una polilla o una tortuguina, pero con un tamaño absolutamente desproporcionado. Lo reconocible de su apariencia los hace doblemente adorables, del mismo modo que los kaiju eiga clásicos nos gustan tanto porque tienen los movimientos y las reacciones propias de un señor embutido en el traje. Que es lo que son.

Pero la postura justo contraria también es interesante, y es cuando los monstruos son la otredad absoluta, la no-humanidad total. Por eso Alien es tan aterrador, ya que se encuentra a galaxias no solo físicas sino también morales de nosotros (aunque su aspecto se inspiró en el de las cucarachas, del mismo modo que los maravillosos graboides de 'Temblores' tienen algo de anélidos sobrealimentados). O La Cosa, cuya forma se define, precisamente, por no tenerla en absoluto. 

Y es por eso que también resultan especialmente fascinantes, por lo que tienen de resonar en miedos que nos acompañan desde tiempos inmemorales, los monstruos que son la nada amorfa. Porque el alienígena de 'La cosa' al menos va adoptando el aspecto de quienes parasita, pero, ¿qué es The Blob? Tanto en su formato años cincuenta como en su etraordinario remake de los ochenta, en la que fue quizás una de las mejores monster movies de esa década. Su aspecto viscoso y su inhumanidad total nos demuestran que las reglas de las películas de monstruos están para respetarlas... o para arrollarlas con babeante parsimonia.

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La noticia Nunca digas "Es solo una película de monstruos": el caso de 'Godzilla' o por qué no es tan sencillo hacer una buena 'monster movie' fue publicada originalmente en Espinof por John Tones .

ISP blocking has become a prime measure for the entertainment industries to limit the availability of pirate sites on the Internet.

In recent years more than 4,000 sites have been blocked throughout Europe, Asia, Latin America, and even Down Under.

Spain hasn’t been spared from these blocking efforts. Historically, the country has a high piracy rate. Local pirate sites, in particular, tend to be relatively popular.

This hasn’t gone unnoticed by Hollywood’s anti-piracy outfit, the Motion Picture Association. Representing major movie studios, the group has been active in courts around the world and a few days ago it welcomed a new blocking victory in Spain.

Following a complaint from Disney, Columbia, Universal, Paramount, 20th Century Fox, Warner Bros, and Universal Cable, a Barcelona court ordered four major Internet providers to expand their pirate site blocklists, El Pais reports.

The order directs Telefonica, Vodafone, Ono and Orange to prevent users from accessing the Spanish-language sites Exvagos1.com, Seriesdanko.to, Seriespapaya.com, Cinecalidad.to , Repelis.live, Pelispedia.tv, Cliver.tv, Descagasdd.com and Pepecine.me.

Stan McCoy, president of the Motion Picture Association’s EMEA division, believes that the blockades are necessary to lower the piracy rate. However, he also stresses that ISPs themselves are not accused of any wrongdoing.

“The companies are not accused of anything bad in and of themselves, but they are notified because they access unauthorized content through their service,” McCoy says.

The ISPs are not fiercely protesting the orders but they are not willing to cooperate voluntarily either. They believe that website blockades require judicial oversight.

“Our position has not changed at all. It simply does not depend on us, but in order to block access [to a site] it is necessary for a judge to rule on the matter”, Telefónica explains.

“Any action by an Internet provider must be executed based on a court order,” a representative from ISP Orange adds.

This isn’t the first Spanish blocking order this year. In March, ISPs were already ordered to prevent subscribers from accessing Elitetorrenz.biz, Mejortorrent1.com, Gnula.nu, Mejortorrent.org and Gnula.se

A few weeks earlier, 1337x.to, Limetorrents.cc Torlock.com and Torrentfunk.com ExtraTorrent.cd  Masquetorrent.com, and Isohunt.to were blocked.

According to Genbeta, it’s becoming harder to circumvent such pirate site blockades. Previously people could simply change to a third-party DNS provider, such as Google of Cloudflare, but this isn’t good enough anymore. That said, a VPN service, proxy, or the Tor browser still do the trick.

Source: TF, for the latest info on copyright, file-sharing, torrent sites and more. We also have VPN reviews, discounts, offers and coupons.

I made Super Mario Bros into a battle royale. [YouTube][Announcement Trailer] [Gameplay] "Battle royale is one of the most dominant gameplay forms of the last few years, and Tetris 99 showed that you could apply the battle royale concept to anything. Mario DMCA Royale turns the classic NES game into a 75-person death race that's some of the most fun I've had all year. Mario DMCA Royale, which can currently be played in web browsers, is the creation of a YouTuber and programmer named InfernoPlus and pits 75 players against each other in a race through one world of Super Mario Bros. or The Lost Levels. [...] Mario Royale is a sort of collective race to the finish. Only the first three players to make it to the end of four levels will end up on the winner's pedestal." [via: Kotaku]

En 'El caso Alcàsser', la estupenda serie documental recién estrenada sobre el secuestro, tortura, violación y asesinato de tres chicas de esa localidad valenciana a finales de 1992, hay dos grandes ausentes. El asesino fugado, Antonio Anglés, por razones obvias. Y el hombre que más sabe del caso: el periodista Joan Manuel Oleaque (Catarroja, 1968), autor del libro de referencia sobre los antecedentes, el crimen y la desinformación posterior al crimen, que prefirió no aparecer, a pesar de que se lo pidieron. “Oleaque es el referente por excelencia”, dice el guionista y director de la serie, Elías León Siminiani, que tuvo que leer 'Desde las tinieblas. Un descenso al caso Alcàsser' en un pdf porque el libro, editado en 2002, está descatalogado. Hay dos ejemplares a la venta por 300 euros cada uno.

“Yo conocí a Anglés. Éramos medio vecinos. Él desayunaba en un bar que tenía mi padre”, cuenta Oleaque por teléfono desde Catarroja. Tanto el buen obrar de Oleaque, como Anglés, el mal encarnado, crecieron en ese pueblo de 22.000 habitantes, “mucho más grande que Alcàsser”, de Valencia. Antonio Anglés, el cuarto de nueve hermanos, fue el último que nació en Brasil; los demás lo hicieron en esa comarca de L’Horta Sud y a todos los acabó criando sola su madre, que trabajaba en un matadero de aves, donde un día llegó a matar 23.000 aves (récord). Cuando el crimen, Oleaque, recién licenciado, empezaba a colaborar con la revista 'El Temps'. Y aprovechó su propia perspectiva, que si no era “más esperanzadora”, sí era “un poco más real”, para escribir el reportaje que lo tuvo ocupado durante los siguientes diez años. El libro se publicó en 2002.

[El gran bulo de Alcàsser: el doble de Anglés y el clan de la Moraleja]

En 1997, el año del juicio, ya había ganado el Premio Octavi Pellisa por el proyecto del libro; luego, en 2003, ganó el Rodolfo Walsh por la obra terminada, escrita en catalán y traducida al castellano. Al año siguiente publicó 'En éxtasis. El bakalao como contracultura en España', “otro libro seminal”, según León Seminiani, disponible en castellano desde hace dos años gracias a Barnil Editores. Oleaque se doctoró en Comunicación con una tesis sobre los estereotipos con los que se caracteriza a la etnia gitana, a la que pertenece, en los medios. A punto de cumplir 51 años, y con tres hijos, el 'revival' de todo lo que tiene que ver con los noventa le ha pillado de profesor y director de Master en la Universidad Internacional de Valencia. Y ese 'revival' incluye, inevitablemente para él, el caso Alcàsser. Hablamos por teléfono.

- ¿Por qué no quisiste aparecer en la serie?

- Hace tiempo que tomé la determinación de no aparecer en audiovisuales que trataran sobre este tema. Lo decidí por circunstancias que, básicamente, tuvieron que ver con mi hastío con el tratamiento de estas cosas. Dicho esto, el resultado del trabajo en este caso es tan bueno que me hace replantearme la decisión.

Oleaque llegó hasta donde nadie lo intentó. A la cocina de los Anglés, por ejemplo, allí donde un día Enrique, el hermano esquizofrénico del asesino, frió sus propias heces porque se le ocurrió que la “mierda” (el hachís) que vendía su hermano Antonio era literalmente eso, mierda y un poco de aceite. O hasta el pozo donde Anglés y Ricart ya habían estado a punto de arrojar a una exnovia del primero, después de secuestrarla, atarla y torturarla porque se había metido la droga que Anglés guardaba para vender. A Desiré, Miriam y Toñi las asesinaron después de salir de permiso y no volver a la cárcel por ese crimen previo. Otros entraron hasta la cocina de las víctimas. El punto de vista de Oleaque, cruzando la acera del mal, describe el crimen y a sus autores; el de los otros, solo sirve para expropiar el dolor de las familias y servirlo calentito en 'prime time'.

Oleaque llegó hasta donde nadie lo intentó. A la cocina de los Anglés, por ejemplo

Pero Oleaque no sólo vio crecer desde dentro el crimen; su libro también es la autopsia de cómo las teorías de la conspiración sobre el crimen –esto es cosa de gente poderosa— derivó en una esquizofrenia colectiva. Al frente, “el Padre de la Nación”, Fernando García, padre de una de las víctimas, pidiendo que no se juzgara al otro asesino, Miguel Ricart. A su lado, un criminólogo sectario de sus creencias, Juan Ignacio Blanco, cruzando el Missipi cada noche a sueldo de Pepe Navarro. El libro apareció diez años después del crimen y con el aniversario, la conspiranoia había vuelto a regurgitar. “Tanto es así que el propio lector puede pensar todavía que no se ha aclarado nada de todo aquello, que todavía quedan muchos misterios por resolver”, escribía en su prólogo entonces. Luego añadió: “Bueno, humildemente, creo que quien lea este libro ya no volverá a pensarlo”.

Periodismo y conspiración

No todo el mundo ha podido leer el libro. Ni todos los que vean la serie hasta el final -en el quinto capítulo, la realidad que García y Blanco habían intentado abolir, acaba arrasándolos a ellos- dejarán de creer que hay cosas sin aclarar todavía.

- Yo creo que está pasando lo que, en el peor de los escenarios, era lo previsible. Alegatos a favor de la conspiración, incluso. Y la parte digamos “a medio camino”: los misterios, lo que no se sabe, etc. Pero, sinceramente, no esperaba que fuera tanto: no esperaba que se pusiera encima de la mesa cualquier cosa que pasara por allí y que tuviera que ver con el caso. Y sobre todo que tuviera que ver con las teorías conspiratorias que han marcado el caso y que son las que han quedado. Y eso a pesar de que el juicio no dejó lugar a dudas de lo que pasó, y a pesar de que el documental tampoco deja lugar a dudas de cómo se construyeron esas teorías. En la época actual, cuando internet y las plataformas han sustituido a las televisiones, que no se están ocupando del tema, han asumido el modelo de las redes sociales de poner en duda lo que a uno le dé la gana y de no darle una entidad periodística real, sino de llevarlo a un terreno que no es periodismo. La especulación no es periodismo. El periodismo informa de lo que está probado. A esto se suma que como ha pasado tantísimo tiempo y ha habido relevo generacional, las diferentes generaciones no tienen por qué saber lo que se ha hecho anteriormente. Y entonces, vuelven a interpretar. Y en ese bucle es en el que nos encontramos.

- ¿Cuándo y por qué pensaste, por primera vez, que aquella locura mediática iba a acabar impactando de lleno en la credibilidad de la investigación?

- Fue paulatino. Nos da la sensación de que fue todo muy rápido, pero fue muy paulatino. Ten en cuenta que hay un momento en que una vez que desaparece Anglés, no hay nada; y es cuando Fernando [García, el padre de Miriam] se pone a recoger firmas, que es algo importante, y que yo creo que si hubiera ido la cosa por ahí, se podrían haber hecho cosas. Pero es a raíz de ahí, cuando falta información, cuando se empieza a cuestionar todo porque no hay información. Y entonces, Fernando, que es una fuente muy relevante en aquel momento, Fernando lo cuestiona y no hay que olvidar que Ricart adapta sus declaraciones a todos esos cuestionamientos. Ahí es cuando empieza.

- ¿Y qué escenas de ese proceso de gestación de la conspiración te marcaron más?

- Mira donde yo vi mayor descontrol, sinceramente, una situación fuera de control, fue en el juicio. Ahí sí que no había control. En la sala estaba pasando una cosa pero en los pasillos pasaba lo contrario. Había rumores de todo tipo, había muchos periodistas y yo recuerdo que un periodista dijo que le había llegado una información de dónde estaba enterrado Anglés y que iba a contratar un cámara para ir a buscar el nicho, ¿sabes? Luego, se hablaba de que había una foto, una foto de Anglés con un antiguo presidente de la nación, vamos. Esto se decía allí, ¿sabes?

Donde yo vi mayor descontrol, sinceramente, una situación fuera de control, fue en el juicio. Ahí sí que no había control

- Eso de que “en la sala pasaba una cosa y en los pasillos otra”, me recuerda a lo que declaró en sala Enrique Anglés cuando el fiscal le señaló una contradicción con lo que había dicho en la tele el día anterior: “Pero estamos en un juicio, no en televisión”. ¿Fue quien mejor entendió la esquizofrenia?

- Sí, sí, eso estuvo muy bien. La gente que iba a todos esos programas sabían que para ir allí, y esto te lo contaban, tenían que decir barbaridades. Y se inventaban, pues no sé, “yo una vez supe que él estuvo en un castillo”, cosas de estas. Realmente eran como una especie de mundos que iban conectándose y de capas paralelas de basura que iba forjándose. El juicio me impactó mucho. Era complicado, porque además había que tener conocimiento. Y ahí, las compañeras de Levante, que salen en el documental, o Sara Velert, una periodista buenísima de 'El País', alucinaban mucho porque lo que veían luego en la tele no tenía nada que ver. Y a lo que se le daba importancia era a lo que salía en la tele, no a lo que se escribía. Se creó como una especie de pugna que no tenía que haber pasado, pero pasó. También te tengo que decir que las teorías de Fernando [García] y de Juan Ignacio [Blanco] han tenido desarrollo porque todos los medios, por supuesto unos más y otros menos, las recogieron.

No queda ningún misterio, mas allá de donde está Anglés y de dónde está Ricart

- Más allá del propio Antonio Anglés: ¿queda algún otro misterio importante sin resolver?

- Yo creo que no queda ningún misterio, mas allá de donde está Anglés y de dónde está Ricart [excarcelado después de la sentencia del Tribunal de Estrasburgo sobre la doctrina Parot], que tampoco está claro. Yo pienso que Anglés tiene que tenerse presente, y se tiene presente, aunque ha quedado como un fantasma, ¿no? Pero el único misterio de todo lo que tiene que ver con Alcàsser, creo yo, es ver si se pudiera ser capaz de sacar algo bueno de aquello. Es decir, que algo tan aberrante y tan tremendo sirviera para algo, una mejora social, una mejora de todo lo que tiene que ver con las situaciones penitenciarias, porque no hay olvidar que estos dos [cuando cometieron el crimen] estaban de permisos y no se les buscó. O lo que el documental apunta en el último capítulo, que Alcàsser es la violencia contra la mujer extrema. Es muy triste que Alcàsser no haya servido para nada.

Errores en la investigación

Como en toda investigación, hubo errores. Al teléfono, Oleaque no los recuerda con precisión –“ten en cuenta que me queda ya bastante lejos”-, pero en su libro están registrados y analizados con detalle. Los más importantes tuvieron que ver con el deseo de concluir la instrucción, a veces con excesivo empeño, y la falta de información oficial sobre el caso –que se mantuvo bajo secreto de sumario. Sobre ese muro, el eco de la conspiración rebotaba aún con mayor fuerza.

El documental también se hace eco de los errores de la investigación judicial. La serie de Netflix, coguionizada y producida por Ramón Campos, es también el resultado de un ingente trabajo de documentación e investigación, coronado con las imágenes exclusivas del juicio. La investigadora Ana Sanmartín, que aparece en numerosas secuencias, abrió muchas de las puertas que luego atravesaron León Siminiani y Campos.

Hablamos también con director de la serie, Leon Siminiani, quien contextualiza los errores:

La incapacidad de dar ningún tipo de noticia sobre el paradero, vivo o muerto, de Anglés, es un alimento sin fin para la especulación

-El ejemplo más claro son las fotos del levantamiento del cadáver. En el documental aparece y hay una explicación absolutamente humana a ello [el policía judicial encargado de ello, bajo la presión y la noche, olvidó hacerlas] Pero lo cierto es que no hay fotos de ese momento. Y esas son vías abiertas para que se pueda especular sin fin. Aunque también creo que es propio de muchos casos, aunque la diferencia es la atención y el foco mediático que tuvo este caso y que la mayoría no tienen.

León Siminiani comparte con Oleaque que la mayor vía para la especulación sigue siendo la fuga de Anglés.

- La incapacidad de dar ningún tipo de noticia sobre su paradero, vivo o muerto, o cómo hizo lo que hizo, es un alimento sin fin para cualquier tipo de especulación.

- ¿Por qué, entonces, apenas la abordáis en la serie? Le pregunto a Siminiani.

- La fuga es tan ingente que es un contenido aparte. Podría ser un suplemento, podría ser una serie sola con Anglés. Nosotros nos planteamos que la digresión que marcaba su fuga era tan bestial que era mejor centrarse en las otras líneas narrativas y dejar esa para lo que pueda haber en el futuro.

Oleaque dedicó dos capítulos a esa fuga en su libro. Un flotador a la deriva en un puerto británico y un barco sin el polizón, es lo último que se sabe.

Es uno de los géneros clásicos no ya en el cine de humor, sino directamente en la historia de la comedia como gran género literario. Siempre que ha habido un producto cultural de éxito, ha habido alguien dispuesto a bajarle los humos a través de la caricatura, de reírse de su solemnidad, de sus lugares comunes y de sus errores.

Lo hizo 'El Quijote' y lo hacía el cine mudo. Y casi siempre, contando con el beneplácito del público, dispuesto a reirse de los que tienen el éxito de su lado. Sin embargo, la parodia siempre se ha considerado un género derivativo, dependiente de otras obras, y por ello, menor.

Pero a pesar de ello ha pasado por tres grandes fases en el cine moderno que analizamos en la nueva entrega de 'Todo es mentira en el cine y la TV'. De 'El jovencito Frankenstein' a los horrores que aprovechan el éxito de 'Scary Movie', analizamos su evolución temática y humorística.

Y también hablamos de por qué ya no tienen tanta gracia como antes. ¿Qué tiene 'Aterriza como puedas' que no tenga 'Scay Movie IV'? ¿Por qué Leslie Nielsen es tremendamente hilarante? ¿Cómo revolucionó Mel Brooks el género? Todo ello en un repaso a las películas que se ríen de muchas cosas, pero sobre todo, de otras películas.

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Vertigo echa el cierre. El mítico sello de DC Comics deja de existir en uno de esos volantazos editoriales que deja huérfanos a algunas de las mejores obras del cómic estadounidenses y sus respectivas adaptaciones. Porque, al igual que Marvel y DC, Hollywood no ha parado de hacer series y películas basadas en cómics publicados bajo este mítico sello (el último 'The Kitchen'). 

DC se deshace del sello para centrarse en tres líneas editorales: DC Kids, DC (los superhéroes y sus cabeceras “de toda la vida”) y DC Black Label, que está centrada a un público más adulto y en el que se mezclan títulos superheroicos con reediciones de clásicos de Vertigo (como ‘V de Vendetta’). Esto ya indicaba que el futuro de la línea estaba en el aire. 

Pero Vertigo no ha muerto. A Vertigo la han dejado morir. Tras la marcha de Karen Berger, fundadora del sello, en 2012 en DC no sabían bien qué hacer con ella y en los últimos siete años nos hemos encontrado con una serie de continuos relanzamientos y redirecciones que, si bien todos han tenido alguna serie destacada, han pasado sin pena ni gloria. 

Lo cual es una pena teniendo en cuenta que Vertigo ha sido la casa donde han vivido obras como ‘The Sandman’, ‘Hellblazer’, ‘La Cosa del pantano’ (‘Swamp Thing’), ‘La Patrulla condenada’ (‘Doom Patrol’) y han nacido ‘Predicador’, ‘100 Balas’, ‘Los invisibles’, ‘Transmetropolitan’ y tantas otras obras míticas. No solo en sus 26 años de historia oficial, sino en el decenio anterior. 

Los 80: fichando a Alan Moore, Neil Gaiman y Grant Morrison

Karen Berger acababa de salir de la universidad, no tenía ni idea de cómics y ya tenía su primer trabajo como asistente editorial en DC Comics. Bajo la tutela de Paul Levitz, empezó a trabajar codo a codo con Len Wein editando historias que, sin duda, viraban hacia un público más adulto. 

Esto incluía hacerse con el control de un pequeño título de un desconocido británico llamado Alan Moore: ‘La Cosa del pantano’. En el cómic (cuya truncada adaptación se ha estrenado hace poco), Moore hizo lo que mejor sabía: deconstruir un héroe y reconvertirle en un uno con la naturaleza. Un monumental cómic que se convertiría en una de tantas obras maestras del británico editadas en colaboración de Berger y de Wein.

Ahí estaba, claro, ‘Watchmen’. Otra deconstrucción de héroes, esta vez con los héroes de Charlton Comics cuyos derechos había adquirido DC poco tiempo atrás. La influencia de esta obra es innegable y supuso un nuevo modo de ver a los superhéroes que recibió una adaptación sin parangón.

A Berger le apasionaba el modo de ver y contar historias de los británicos y eso le granjeó un viaje a cazar talentos a Reino Unido. Un viaje que fue fundamental en la llamada “invasión británica”. Durante su breve encuentro con Neil Gaiman, este le vendió la idea para otra de las series fundamentales de Vertigo: ‘The Sandman’, del cual salió una década después un spin off titulado ‘Lucifer’ (que cuenta con una sana adaptación en televisión).

No fue el único: en la segunda mitad de los ochenta, la era “pre Vertigo”, surgirían el ‘Hellblazer’ de Jamie Delano, que se convertiría en la serie más larga de la editorial (protagonizada por un secundario de ‘La Cosa del Pantano’ llamado John Constantine); Grant Morrison relanzaría ‘La Patrulla Condenada’ y la transformaría para siempre en la versión surreal y metaficticia de la que tanto bebe la serie de televisión…

Un sello para reunirlos a todos y conquistar la televisión (y el cine)

Tras años conquistando al público adulto y a la crítica, Karen Berger convenció a los jefes de que tanto talento junto se había ganado formar un sello editorial aparte. Y así fue, en 1993 nacería Vertigo como tal, un lugar donde refugiarse en un momento en el que los superhéroes, con honrosas excepciones, vivían su peor momento. 

La libertad que se respiraba en Vertigo supuso que durante los años 90 surgieran otros clásicos del cómic: ‘Predicador’, en el que Garth Ennis y Steve Dillon nos ofrecían un cómic gamberro e irreverente y que Seth Rogen transformaría en una gran serie de televisión; ‘100 Balas’, en el que Brian Azzarello y Eduardo Risso se adentraban en un noir espeluznante; ‘Transmetropolitan’, la mirada sardónica y certera del periodismo político por parte de Warren Ellis…

Y en los albores del siglo XXI tendríamos ‘Y: El Último Hombre’, cuya adaptación televisiva lleva años a la espera de ponerse finalmente en marcha y que supone junto a ‘Fabulas’ (que también ha inspirado ciertas series de televisión) las últimas de las series “míticas” de la editorial.

Además, si hablamos de televisión, no puedo dejarme en el tintero la breve 'Human Target' (que con sus cambios evidentes bebía de la versión de Milligan del personaje) la sensacional ‘iZombie’, basada (“pobremente” como se suele decir) en el cómic de Chris Robertson y Mike Allred, una fantástica (y divertida) serie de zombis.

Con este cierre (que esta vez parece definitivo), DC no solo se carga toda una marca de referencia, sino a una que ha hecho historia del cómic y que ha influenciado a grandes películas de los últimos tiempos. Una decisión que ha dejado (temporalmente) sin hogar a grandes personajes del cine, televisión y cómic.

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Gil Barndollar -- a Marine veteran who served in Afghanistan, the Republic of Georgia, Guantanamo Bay and Bahrain, who also holds a PhD in History from Cambridge -- writes in USA Today about what a US regime change effort in Iran would mean, logistically speaking.

Barndollar observes that in "Hitler’s Germany, Ho Chi Minh’s Vietnam or Saddam’s Iraq," US air power was not sufficient to "topple a government," and also that America's regional Sunni allies, having "stalemated in Yemen" would not rush to serve as boots on the ground for an invasion and occupation of Iran, which will require enormous numbers of occupiers because "even if the Islamic Republic were to somehow collapse on its own, concerns about radiological material, the security of the Strait of Hormuz or another massive wave of refugees" would demand that the vacuum be filled.

America boasts of its "all volunteer" military (conveniently ignoring how much of that "all-volunteer" force is composed of people who face economic privation, or who hope for an increasingly unlikely path to citizenship through military service), but the volunteer force is dwindling: just getting the bodies to send to Iraq and Afghanistan required that the forces double their felony waivers for new recruits from 2003-2006.

The reality is that the "all volunteer" US forces are entirely dependent on mercenaries to get the job done (the ratio of soldiers to "military contractors" in Iraq was 50 times the ratio from the Vietnam War); and "getting the job done" is a charitable description: "The All-Volunteer Force was barely able to sustain two large, but low-casualty, campaigns [in Iraq and Afghanistan] — neither of which has resulted in anything resembling a U.S. strategic victory."

Meanwhile, Iran is the size of Western Europe, with most of the population concentrated in mountains that would stymie the US military with its dependence on aerial and motorized movement and supply. America will have to throw a lot of human bodies into Iran to secure a victory, and may very well fail.

And according to the Pentagon, "71% of Americans between the ages of 17 and 24 are ineligible to serve in the U.S. military, most for reasons of health, physical fitness, education, or criminality" -- and it's mutual, with those Americans being notably reluctant to don a uniform and risk their lives in military adventures.

For Barndollar, all this adds up to a reinstatement of the draft as literally the only way that "our modern Bourbons in Washington" can hope to stage the invasion of Iran that they're so eager to launch.

The force with which we would occupy Iran is also not as resilient as most Americans probably think. Even now, in a time when most troops are not seeing direct combat, the the volunteer force is struggling just to maintain numbers and standards. The Air Force, Marine Corps, and Navy are each short of a full quarter of their required fighter pilots. The Army recently announced that it is already 12,000 recruits behind on its recruiting goal for 2018 and will not make mission.

The Pentagon stated last year that 71% of Americans between the ages of 17 and 24 are ineligible to serve in the U.S. military, most for reasons of health, physical fitness, education, or criminality. The propensity of this age group to serve is even lower. The likely demands and casualties of a war in Iran would spell the end of the All-Volunteer Force, requiring the conscription of Americans for the first time since 1973.

There is ample evidence that American foreign policy elites haven’t learned much from Iraq or Afghanistan; one need only look at the latest headlines from Libya or Syria. But perhaps even our modern Bourbons in Washington can grasp one simple lesson from the post-9/11 campaigns: Wars have an uncanny tendency to take on a life of their own.

If we're headed for regime change in Iran, get ready for a military draft. We'll need one. [Gil Barndollar/USA Today]

(via Naked Capitalism)

The scale of the Atlantic Slave Trade is hard to imagine. It can be tempting to minimize it in order to alleviate some anxiety. One way of minimizing slavery assumes a kind of innocence in the enterprise, an “everybody was doing it” attitude. But, of course, not everyone in Europe profited from the kidnapping, sale, and lifetime captive labor of over 10 million African people in the Americas. Only few people on any continent really did, though the institution flooded the markets with often addictive consumer goods that raised the general standard of living for a few more.

Not only did slavery leave a lasting impact on the millions of descendants of enslaved people, but also on “the economies and histories of large parts of the world,” notes Anthony Hazard’s TED-Ed video above. Slavery was integral to the most formative periods of Western capitalist democracies in Europe and the U.S. “The crops grown in the new colonies, sugar cane, tobacco, and cotton,” were commodities traded in the first global markets and built dynasties of capital and wealth.

Slavery has occurred all over the world, with institutionalized inequality and some form of forced labor forming the basis of every empire. The Atlantic slave trade “stands out,” says Hazard, “for both its global scale and its lasting legacy.” At the time, African slavery resembled other forms of forced servitude existing contemporaneously in Europe and the colonies, such as indentured servitude and serfdom. European slave traders exploited tribal divisions, and the greed of African chieftains and kings led to an arms race on the continent.

Some African leaders profited, but a large part of the continent suffered demographic losses that have resonated into the present. “Not only did the continent lose tens of millions of its able-bodied population,” but these losses caused economies to collapse, and the warfare begun by competition for European capital continued, leaving African countries open to colonization. This despoliation and mass rendition of enslaved people was accompanied by racist propaganda that assuaged the consciences of Christians, as Ibram X. Kendi has exhaustively shown in his National Book Award-winning history, Stamped from the Beginning.

Slavery acquired its specifically racialized character. Africans, Europeans were told, were biologically inferior, thus slavery did not violate Christian ethics and, in fact, improved people’s lot by Christianizing and civilizing them. Before the age of printing and a popular press, however, few people in Europe knew what was happening in the colonies, or knew anything at all about African people, who might as well have been the monsters of sailors’ myth and legend in many people’s minds.

As literacy spread, and more people read and heard accounts and arguments, even from former slaves themselves, increasing numbers came to staunchly oppose slavery, as would happen a few decades later in the northern part of the U.S. Partly due to the activities of Quaker publishers and writers, British popular sentiment in the 18th century turned toward abolition in waves. “In 1788 over one hundred petitions were presented to Parliament,” wrote historian John Pinfold on the 100th anniversary of Britain’s abolition of the slave trade.

“A further wave of petitions followed in 1792,” Pinfold goes on, “when no fewer than 519 were presented, the largest number ever presented during a single session in Parliament. On this occasion every single English county was represented amongst the petitions, with some also from Scotland and Wales, and it has been estimated that around 400,000 people, roughly 13 percent of the adult male population of the time, had put their names to them.” It took another 15 years, but the slave trade was abolished in 1807.

Those numbers don’t necessarily indicate such widespread support for the total abolition of race-based slavery in the colonies. Racist ideology runs through abolitionist literature, as it did, and does, through the culture in general. But they tell an essential part of this hundreds-of-years-long story: one in which access to information swayed huge numbers of people to make what we universally (with exceptions unworthy of mention) believe to be the only moral course of action. Informing ourselves about this history shows us that Atlantic slavery was driven by the desire of a relatively small number of people for a massive accumulation of capital at the cost of millions of lives. And that it took the resistance of much larger numbers to end the indefensible practice.

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The Atlantic Slave Trade Visualized in Two Minutes: 10 Million Lives, 20,000 Voyages, Over 315 Years

Christopher Hitches Makes the Case for Paying Reparations for Slavery in the United States

Josh Jones is a writer and musician based in Durham, NC. Follow him at @jdmagness

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Head to your local bookshop and you'll find more books on mindfulness than you could ever manage to read. Mindfulness Plain & Simple. A Mindfulness Guide for the Frazzled. You Are Not Your Thoughts: The Secret Magic of Mindfulness. Mindfulness is everywhere, and practiced by all sorts, whether you’re Fearne Cotton, Russell Brand or just a run of the mill pleb with anxious tendencies.

I started practicing the m-word back in 2015 after a round of cognitive behavioural therapy. The idea, from the NHS, is that you can alleviate a panic attack by becoming mindful of it, and thus returning the mind to the present moment. How does it work? Well, that's up to you, but for me it involves going outside and counting the different colours I can see. Luscious leaves of viridian and green, various shades of blue in the sky, dark brown dog shit on the floor – that kind of thing.

Like many, I’ve found mindfulness helpful. I rarely have panic attacks anymore; instead, I'm just socially anxious (still not great, but better than feeling like imminent death is around the corner, which is how every panic attack before then felt). However, like the ocean, pre-sugar-tax Lucozade and TV series Arrested Development, one author posits that humans have found a way to wreck mindfulness.

In Ronald E Purser's new book McMindfulness: How Mindfulness Became The New Capitalist Spirituality, he describes how mindfulness has become the $1.1 billion dollar buzzword of the wellness industry and, as the blurb reads, "how corporations, governments and the military have co-opted it as a technique for social control and self-pacification".

I gave Ronald a call – me in London, him in San Francisco – to discuss the book and what exactly he means by McMindfulness, before its release next month.

VICE: Hey Ronald. So I guess it's best to start at the beginning. Where did the term McMindfulness come from?
Ronald: It came from Miles Neale, who wrote an article about it. Then I heard it repeated again by a neuroscientist at a conference and thought, 'This is a good meme or word.' That was the beginning of the critique.

I see.
I was also seeing the corporate mindfulness programmes emerging in Silicon Valley and Google and so on, and I started paying attention to that. I've also been a student of Buddhism for 35 to 40 years, so the combination of those two trajectories converged and I said, "Wow, I should see what’s going on with this."

To me, mindfulness is paying attention to things. Being mindful, basically. What makes McMindfulness different?
The term mindfulness now is so vague. It traces back to Buddhism but it's an English translation. The real meaning is not to pay attention to the present moment: the connotation is more to recollect and hold the mind in certain instructions and doctrines. The classic Buddhist teaching has four foundations and there’s really no mention of being in the present moment. The current definition, which is more therapeutic, is to pay attention in the present moment – like how Ram Dass mentions in his book Be Here Now.

You say in the book that mindfulness is being co-opted by capitalism. How so?
If a company says they’re practicing mindfulness, they’re saying they have a really caring work culture. Like: "We really care about the psychological needs of workers." Or here’s another way of thinking about it: it’s a new form of the Protestant work ethic. It’s a salve for tolerating oppressive working conditions. It promises better career success – you hear that all the time. It’s almost like neoliberal capitalism has a capacity to devour and invade these practices. That’s why I called McMindfulness the new capitalist spirituality.

You mention Ram Dass and Eckhart Tolle in the book. How do you feel about them? For example, Eckhart practices the Power of Now – is that the good side of mindfulness?
Well, yes and no.

They’re two of the most famous modern spiritual teachers!
One of the key issues I have is that Eckhart Tolle and many others have a big blindspot. The basic message is that all change comes from within. In other words, we can change our reality by simply going within ourselves, finding our authentic selves and so forth. That is problematic, I think, in that there are ideological components to that narrative that are under-appreciated.

Right. Eckhart ignores the fact that: yeah, you can look inside all you want, but there’s still a whole load of other shit happening around you that’s often outside your control.
Right. Tell an immigrant Latino woman with four kids working three jobs that all she has to do is focus on the now and everything will fall into place – it's a deeply politicised way of understanding these practices. It’s the ideology that it’s the individual that needs to adapt to socio-economic political conditions – the constant trope that only change comes from within – and that’s very ineffectual in dealing with our political cultural transformation. Many people in the mindfulness movement would say they agree, there’s problems with mindfulness. But they would say it’s part of the solution, not the problem.

When is mindfulness a problem?
It's a problem when it's disconnected from social critique. If it's promoting this highly privatised and individualistic worldview then it’s buying into the whole rhetoric that it’s the individual that has to self-optimise, to get their act together.

What needs to change to make things better?
These therapeutic practices need to expand their scope. If you look at a mindfulness programme it’s like a curriculum – it’s an eight week course. So I think there can be some more innovation with that. There needs to be a critical enquiry into the causes of stress and how they’re not just individualistic or biological, but embedded in the socio-economic political system. Those sorts of conversations aren’t happening in mindfulness training.

That's a good point. Okay, lastly, off topic but slightly relevant: do you like McDonalds?
I hate McDonalds.

Have you tried it before?
Sure, hasn’t everyone!

Correct. Thanks for chatting Ronald.

@ryanbassil

This interview has been edited and condensed for length and clarity.

Estas chicas no están aquí para dar ejemplo, pero sí están dispuestas a pegarle una buena patada en el culo al patriarcado. Están cabreadas y organizadas. Alcalde Schlomo, tenga cuidado. Ha llegado El club de las chicas malas.

Sweets, Wanda, Wendy, Pinky, Blackie y McQualude forman parte del mismo club: El Club de las Chicas Malas, una banda violenta que resuelve sus conflictos a base de mamporros, navajas y metralletas. También tienen un coche, Black Betsy, una preciosidad de volúmenes curvos, y un enemigo: el alcalde Schlomo, un cerdo corrupto y codicioso que hace y deshace a su antojo, mangoneando a un jefe de policía enviciado y haciendo buenas migas con el depravado párroco local y su diácono.

Es fácil, como pueden comprobar, que tras conocer a estas chicas una adquiera su lenguaje soez, le entren ganas de blasfemar, beber, fumar cigarrillos, menstruar y darle una buena paliza al patriarcado. Quizás, en vez de escribir este artículo, debería estar fundando mi propia banda, comprar una escopeta, unos tacones de aguja y teñir mi pelo de rosa. No me extraña que Schlomo y los suyos organicen una velada social en la parroquia bajo el cartel de “Club de las Chicas Correctas” para intentar mitigar la llamada de Pinky y cia para que más jóvenes se sumen a la causa. Dios, cuánto odio al alcalde Schlomo y a su cuadrilla.

Ryan Heshka (Canadá, 1970) es el verdadero fundador de El club de las chicas malas, un cómic sobre una banda de mujeres que se dedicaban a ajustar las cuentas al patriarcado y que originalmente formó parte de la colección 17×24, una serie de grapas de autores y temáticas variadas, de la editorial británica Nobrow. A todas luces, las 24 páginas originales eran muy poco espacio para tantas mujeres y tantos mamporros, así que ahora se han materializado en un cómic de 100 páginas que Autsaider Cómics ha tenido a bien traducir y realizar en una impresionante edición cartoné bitono en rosa flúor y negro. Es el amanecer rosa.

La figura de la mujer es una constante en la obra de Ryan Heshka, reconocido sobre todo por su trabajo como ilustrador para diferentes publicaciones. «Admiro a las mujeres porque son poderosas, siguen superando obstáculos todos los días y se unen para luchar por cambiar las cosas que siguen sin funcionar en la actualidad», apuntaba el artista canadiense en una declaraciones recogidas desde La Fiambrera, una de las galerías en las que se ha podido ver su obra en España.

A medio camino entre la femme fatale, la protagonista de La mujer pantera de Jacques Tourneur y el estereotipo de la pin-up, Heshka dibuja a mujeres poderosas, voluminosas y curvilíneas con un rostro cargado de mala leche y mucha fuerza. Esta imagen está muy alejada de aquella otra que se dio en el imaginario colectivo antes de la década de los 40 del siglo XX, cuando las mujeres eran representadas como seres infantiles, eternas menores de edad sin grandes acontecimientos existenciales. La evolución de la sociedad demostró que no eran así.

Todas las componentes de la banda mantienen un espíritu de tribu, de cuidado, alejado del del individualismo que impregna la sociedad actual

En El club de las chicas malas se ve una clara influencia del cine negro, aquellos cómics que formaron parte de “la plaga” y las revistas pulp, Jack Kirby, Tarpé Mills –una de las primeras autoras de cómics y creadora de Miss Fury, la primera heroína de acción creada por una mujer– o Bette Davis. Todas las páginas de este tebeo están cargadas con grandes dosis de simbolismo, parece que ningún detalle es baladí y el pasado de cada una de las componentes del club tiene mucho que decir sobre ello. Es el caso, por ejemplo, de la serpiente, que aparece incluso en la portada y que siempre ha estado asociado al pecado y la sexualidad. Sí, estas chicas son pecadoras, pero también son una nueva visión de la femme fatale.

Si tradicionalmente a estas mujeres solo les esperaban dos finales, la cárcel o la muerte en caso de asesinas o un accidente de coche en caso de infieles, para las Chicas malas hay otras opciones. De hecho, es posible que la figura de femme fatale ya no tenga mucho sentido en nuestra época y que las protagonistas del cómic de Heshka solo guarden de este estereotipo su estética mientras su actitud está más próxima a la figura del antihéroe. Al fin y al cabo, es cierto eso de que estas chicas no han venido a dar ejemplo.

Si hay algo que pulula por la atmósfera de todas las páginas de El club de las chicas malas, más allá de la violencia, es la sororidad. Todas las componentes de la banda, y alguna más que vendrá, mantienen un espíritu de tribu, de cuidado, que queda tan alejado del concepto de individualismo que impregna la sociedad actual. Se preocupan las unas por las otras, se mantienen unidas y juntas luchan, sin importar los medios, por un bien común. Un “por mí y por todas mis compañeras” llevado al extremo.

Es curioso que la salida del cómic de Ryan Heshka coincida en la estantería de novedades con otro título que, aún a años luz de estilo y público, promulgue las mismas ideas de sororidad, cuidado y diversidad. Se trata de una nueva entrega de Leñadoras, la serie creada por Shannon Watters, Grace Ellis, Noelle Stevenson y Brooke Allen, sobre un grupo de jóvenes adolescentes que pasan su verano en un campamento enfrentándose a toda clase de situaciones fantásticas y paranormales –desde sirenas que habitan en un lago y tienen una banda de punk a gatetes mágicos o pájaros que convierten a la gente en piedra– . Aunque la serie está destinada a un público infantil, lo cierto es que cualquiera puede disfrutar de ella y es interesante ver cómo las ideas de una sociedad igualitaria, que empodera a las mujeres y que apunta a que tienen que ser ellas las que se cuiden unas de otras están presentes en obras tan distintas. Anda que no sería bonito, en un mismo salón, ver a los adultos disfrutar de los mamporros y la mala leche de las chicas de El club de las chicas malas, mientras la muchachada se lo pasa en grande con Leñadoras.

La 2 emite, en un montaje exclusivo y enriquecido con material de los archivos de RTVE 'Lo que hicimos fue secreto', documental de David Álvarez que revisa la historia de la música punk en la capital española, un trayecto más accidentado y menos previsible de lo que pudiera parecer. Para ello, Álvarez entrevista a una serie de nombres destacados del movimiento desde sus mismos inicios (algunos tan insospechados como Ramoncín, que no tenía nada de punk en el sonido pero sí en la actitud) y traza una sinuosa trayectoria rebosante de experiencias en primera persona. 

En hora y media ruidosa y llena de testimonios, el documental cuenta cómo se plantó la rebelión sónica que es el punk en la capital y cómo se desvirtuó o desnaturalizó en muy poco tiempo, para reencontrarse poco después a través de los movimientos sociales. ¿El motivo? La Movida, siempre la maldita Movida: aunque podamos considerar algunos de sus grupos como influidos por el movimiento (KK de Luxe, Pegamoides, Parálisis Permanente), y aunque muchos exhibieron indudables valores musicales, 'Lo que hicimos fue secreto' explica cómo la elevada clase social de sus cabezas visibles desactivó parte de la rabia punk genuina. 

Por suerte, el documental no se olvida de lo que sucedía en las alcantarillas del rock madrileño, pasando revista a grupos tan variados como Larsen, Tarzán y su Puta Madre o los monumentales OX POW, esos grandes desconocidos del punk de primera generación de la ciudad. Y encuentra gracias a la llegada de los movimientos de resistencia, las bandas muy movilizadas políticamente, la influencia vasca y el fenómeno de la okupación lo que realmente quiere contar: cómo el punk sobrevive en Madrid gracias a cuestiones ajenas a la música y muy alejadas de los tiempos de la Movida. 

Más allá de eso, el documental es necesariamente parcial, porque hay cientos de grupos que cubrir y 'Lo que hicimos fue secreto' no tiene ánimo enciclopédico: una enumeración de bandas habría sido excesivamente prolija, así que opta con buen juicio por escoger a unas cuantas voces destacadas y veteranas y que hablen no solo sobre la historia del momento, sino sobre las inquietudes, políticas e influencias que había detrás.

Por supuesto, queda mucho que contar si esto estuviera enfocado a cubrir la historia estrictamente musical porque el punk en Madrid, como el del resto de España, siguió evolucionando. A finales de los ochenta llegaron sonidos más afilados, agresivos y acelerados, que aquí se mencionan con grupos como Panadería Bollería Nuestra Señora del Carmen. Estos se ramificaron en múltiples bandas bajo las que germinó una escena muy activa que se trata parcialmente en el documental. En los noventa llegó la invasión del power-pop y un punk más frívolo influido por el indie. Y por supuesto está la revitalización actual de la escena, con una cantidad apabullante de nuevos combos.     

'Lo que hicimos fue secreto': Un documental que ha llevado diez años

Sin embargo, nada de eso se echa en falta en el documental, que suple con sencillez y conocimiento de causa sus inabarcables y asumidos vacíos temáticos. De hecho, el proyecto ha dado vueltas durante más de una década en formatos muy distintos. Nos cuenta Álvarez que  "Ivar Muñoz-Rojas y yo habíamos estrenado 'Dios salve al rock de estadio', un documental sobre las complicaciones de montar una gira europea autogestionada para un grupo de hardcore punk. Me quedé con las ganas de contar más cosas sobre la autogestión, y empezamos a hacer entrevistas en 2011 para un documental sobre la escena punk estatal".

Pero entonces sucedió lo inesperado: "Aquel año surge el 15M, y vimos que muchos de los mensajes y proclamas que había en las manifestaciones, la forma de organización horizontal, o determinadas cuestiones que aparecían en los debates que se daban en las asambleas, estaban muy relacionadas con lo que habíamos visto en el punk de los noventa, cuando éramos adolescentes". De ese modo se centró el tema algo más: "decidimos centrar la investigación en Madrid, y concretamente en la relación que tuvo la escena punk con los movimientos sociales madrileños". 

Pronto, el proyecto creció en una dirección inesperada: "como hicimos más de 70 entrevistas, haríamos también un webdoc dividido en 6 ó 7 capítulos de unos 20 minutos cada uno, utilizando el material que no utilizásemos en el largo. De hecho, llegamos a montar los dos primeros capítulos. Pero una vez terminamos con el largo, nos dimos cuenta que no tenía mucho sentido, porque el largometraje era casi un resumen de los primeros capítulos. Decidimos re-orientar el proyecto".

En este punto, entra en juego TVE: "nos ayudaron a replantear la narrativa del webdoc, y optamos por elaborar pequeños capítulos centrados en personajes específicos que tocasen temáticas que no habíamos explorado en el largometraje. De ahí salió el webdoc de 'Lo que hicimos fue secreto' que estrenamos en enero de 2018 y que sirve de complemento al largometraje". Esta nueva versión ha contado con el apoyo del Ente como coproductor: "Utilizábamos imágenes de archivo, cerca de 80 canciones, más de 200 fotografías… cuyos permisos había que gestionar uno a uno. Gracias a la participación de RTVE, hemos podido utilizar el material de archivo que utilizamos en el documental".

Esta nueva versión que se va a ver en TVE tendrá leves modificaciones con respecto al montaje que se vio en festivales como In-Edit: "Hemos incluido algunas imágenes inéditas que no habíamos visto nunca (por ejemplo, de la okupación de Amparo 83), y hemos añadido cortes de entrevistas". El resultado es un producto imprescindible para entender la evolución del rock en Madrid por debajo de los grandes medios, con un punto de vista distinto y alejado de los tópicos sobre la noche y la frivolidad de la Movida habituales.

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La noticia 'Lo que hicimos fue secreto': el documental sobre el punk en Madrid que replantea los tópicos del rock, los okupas y la Movida fue publicada originalmente en Espinof por John Tones .

Unprofessional, obnoxious, rude, boring, bullying—all adjectives that can apply when middle-aged men comment incessantly on a woman’s looks, when that woman has met with them to talk about her career. The cringe-factor is magnified a thousandfold when it’s broadcast over airwaves, or fiber and 4G. The actresses and singers who have endured such abuse in front of audiences spans the history of radio and TV.

Blondie’s Deborah Harry got the treatment. Subjected to “years of superficial, tedious, and demeaning questions from journalists,” notes documentary production company Public Interest, she finally “devises a brilliant way to turn interviews on their head.” The video above pulls together a montage of interview clips in which both male and female talking heads start nearly every conversation with Harry by referring to her as “a reincarnation of Marilyn Monroe” or something to that effect. She is visibly annoyed but keeps her cool, which a couple interviewers take as an invitation for near-harassment.

Some might claim the crude interest in Harry’s looks was justified, given her early persona as a punk-rock pinup, but note that most of the interviewers never get around to talking about the music—the reason we know and admire her in the first place. Instead, one British TV presenter follows up the Marilyn Monroe question (if it can be so called) by asking if Harry is “thinking about going into marriage.”

The questions aren’t always lecherous but they are always inane. Harry is clear about one thing. It’s an obligation; she’s there to sell a product. How does she turn the tables? A stuffed animal mascot, a few well-placed “can you believe this shit?” looks at the camera, and a flat-out refusal to answer any questions about Madonna, for a start. Lou Reed and Bob Dylan get credit for being some of the crankiest interview subjects in rock and roll, but Harry had more reason than either of them to hate this part of the job.

See how she handles it, and for contrast, read an interview she did with Bill Brewster in 2014, when Blondie released the reunion album Ghosts of Download. Brewster keeps the focus on the music, and she seems totally thrilled to get the chance to talk about it.

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Hear Debbie Harry’s Stunning Ethereal Vocal Tracks from “Heart of Glass,” “Call Me,” “Rapture,” and “One Way or Another”

Watch Iggy Pop & Debbie Harry Sing a Swelligant Version of Cole Porter’s “Did You Evah,” All to Raise Money for AIDS Research (1990)

Blondie Plays CBGB in the Mid-70s in Two Vintage Clips

Josh Jones is a writer and musician based in Durham, NC. Follow him at @jdmagness

How Blondie’s Debbie Harry Learned to Deal With Superficial, Demeaning Interviewers is a post from: Open Culture. Follow us on Facebook, Twitter, and Google Plus, or get our Daily Email. And don't miss our big collections of Free Online Courses, Free Online Movies, Free eBooks, Free Audio Books, Free Foreign Language Lessons, and MOOCs.

 

 

MARTA CORRAL | Ferrol | Miércoles 19 junio 2019 | 14:36

Cuando los marineros ferrolanos se echaron a la mar en el amanecer de aquel 19 de junio de 1568 no imaginaban la catastrófica estampa que les esperaba en puerto una vez recogidos sus aparejos. La villa marinera que era aquel Ferrol de mediados del siglo XVI terminó prácticamente destruida por un incendio que duró unas siete horas y se tragó 370 casas, dejando solamente en pie 30 edificaciones.

La unión y el trabajo de los vecinos sumado a la rebaja de los impuestos que pelearon ante la Corona logró levantar el pueblo de sus cenizas en una hazaña que ha pasado desapercibida para la mayoría de los ferrolanos. Este miércoles, cuando se cumplen 451 años de aquel terrible suceso, nos sumergimos en la historia para revivir el día en el que Ferrol casi sucumbe bajo las llamas.

Una fotografía de Ferrol a mediados del siglo XVI

No es sencillo encontrar grabados o cartografía que se conserve de la villa de Fe Role -como lo nombraron los ingleses en el mapa que hemos usado para ilustrar este artículo, 21 años después del incendio-, así que estamos obligados a dejarnos llevar por las descripciones de los historiadores.

Juan A. Granados Loureda, en el artículo Un arsenal para el rey; Ferrol en el Antiguo Régimen (SS. XVI-XVIII), habla de la fisionomía «del viejo Ferrol» previa a las nuevas poblaciones borbónicas. No es sencillo hacer una fotografía para situarnos, apunta, por la inexistencia de documentación, pero da algunas claves tomadas del profesor Vigo Trasancos y su estudio del plano de 1732 firmado por el ingeniero militar Francisco Montaigú.

La villa se asentaba en un saliente de tierra que se adentraba en la ría formando un espolón con el vértice orientado al sur. Hacia el este, siguiendo la línea de la costa, había edificaciones. Así, en la primera zona se encontraba la iglesia parroquial de San Julián y la segunda zona de expansión finalizaba en el convento de San Francisco -donde se encuentra ahora la iglesia castrense del mismo nombre y la capilla de la Orden Tercera-.

Los dos núcleos convergían en la plaza vieja -actual Praza Vella-, que antiguamente estaba abierta al mar y donde se celebraba ya, por aquel entonces, una feria mensual. Existía una muralla que lo cercaba, al menos, en el sector sur. Estaba defendida -según un inventario de 1621- por dos cañones de bronce y otras piezas. Además, recoge el mismo artículo, «parece que buena parte de las calles estuvieron porticadas como cobijo de las inclemencias del tiempo, de manera similar a la de otras muchas villas del litoral gallego».

Los ferrolanos de 1568

Para saber cuántos habitantes tenía Ferrol en aquella época es importante aclarar que los censos se realizaban por unidades familiares y no por habitante. María del Carmen Saavedra estudió varios documentos para averiguar cuántos vecinos conformaban la villa y, así, por ejemplo, un informe remitido en 1597 por el alcalde al Consejo de Hacienda apunta que se mantuvo la demografía calculada diez años antes: «240 vecinos [unidades familiares] y son de ellos pobres 200, en que entran 35 viudas».

José Montero Aróstegui, que describió exhaustivamente el incendio en su Historia de Ferrol, cifró en 400 unidades familiares y unos 2.000 habitantes la población de la villa, con lo que comprobamos que 30 años después todavía no se habían recuperado. Imaginemos aquel Ferrol como una población modesta constituida por pescadores y trabajadores de la salazón. La estratégica situación geográfica de la ría la predisponía para el comercio; pero las guerras de Carlos V contra Francia y posteriormente de Felipe II contra Inglaterra cortaron el flujo comercial e hicieron del pueblo un almacén incontrolado de subsistencias para los ejércitos del Rey.

Ferrol se quema

«La pluma se nos cae de la mano al querer describir las angustias porque nuestros mayores pasaron aquel aciago día», comienza la crónica de Montero Aróstegui, que sitúa el incendio a las seis de la madrugada del sábado 19 de junio mientras Vigo Trasancos señala que pudo comenzar a las cinco o seis de la tarde.

Lo que sí sabemos con exactitud es que el fuego se inició en la ferrería de Alonso López Rodríguez y «sus llamas se propagaron tan rápidamente que poco tiempo tardó el pueblo en verse entregado al fuego más devorador». El viento soplaba de levante y en siete horas 370 inmuebles de los 400 existentes se quedaron reducidos a cenizas. No obstante, no figuran defunciones en ningún documento consultado.

«De todas las aldeas limítrofes acudieron gentes al punto de la catástrofe; pero el mal ya era tan grande, tan espantoso, que no tenía remedio. Solo la confusión, los lamentos y el desorden reinaban en aquel día fatal.(…) Los ancianos atribulados y las madres con sus tiernos hijos en brazos, apenas tenían tiempo para lanzarse a las calles con el fin de salvar sus vidas», relata Montero Aróstegui.

La reconstrucción

Además de unas 25 viviendas y negocios, se salvaron de las llamas la iglesia de San Julián -derruida posteriormente en 1762 con las obras del Arsenal-, el convento de San Francisco, el Hospital del Espíritu Santo -precedente del Hospital de Caridad, un sanatorio destinado a los peregrinos del que no se conserva documentación-, la Puerta del Castro -que cerraba por el oeste la plaza vieja- y el antiguo edificio del ayuntamiento, ambos derruidos en 1826.

La Real Audiencia de Galicia, después de las peticiones de ayuda para reconstruir la villa, comisionó al guardián del convento de San Francisco, el fraile Juan de Briviesca, para ir a la Corte a pedir que se eximiese al pueblo, por algunos años, del pago de tributos que permitieran invertirlos en la recuperación de sus hogares y negocios.

Las gestiones fructificaron y la Real Orden del 23 de octubre de 1568 rebajaba por tres años en 50.000 maravedíes la alcabala (una carga de un 10 % sobre el valor de venta de todo tipo de bienes) y otros 30.000 al servicio común por un año. Los daños que había provocado el incendio fueron calculados por una comisión nombrada por el Ayuntamiento que los cifró en más de 150.000 ducados -el equivalente a más de 4 millones de euros-.

«Aunque aquella calamidad hubiera sin duda concluido con otro pueblo de escasos elementos, era tanta la importancia que ya entonces tenía el puerto de Ferrol y tan grande el fomento de la salazón, cuya industria constituía su comercio, no solo con las ciudades de Betanzos y Coruña sino con el interior de la península, que interesados todos en su reedificación no pasó mucho tiempo sin que se hubiesen en parte reparado las grandes pérdidas que había sufrido».

¿Qué diría Montero Aróstegui ahora, cuando todavía no hemos sido capaces de levantar Ferrol Vello de sus (nuevas) cenizas?

O mercado de Amio tivo hoxe unha protagonista de excepción, unha vaca cruzada de asturiana e parda alpina con máis de 1.000 Kg. e que viña da Ganadería Benjamín (A Fonsagrada), unha explotación recoñecida no sector polo seu bo facer co gando. O animal, de 12 anos e criado en extensivo, levaba 3 anos sen […]

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Unas obras para renovar el alcantarillado y meter bajo tierra el tendido eléctrico han sacado a la luz la que podría ser la sauna de época castreña mejor conservada del noroeste peninsular. La estructura, compuesta en principio por cuatro estancias cuadrangulares y de unos tres metros y medio de altura, se hallaba sepultada bajo arena de playa, entre casas habitadas y oculta por el firme asfaltado de la rúa do Faro, en el paradisíaco enclave de la península de A Atalaia (Cervo, Lugo). La construcción, de dimensiones monumentales, se encuentra en el corazón de este territorio de seis hectáreas, cercado por las playas, que primitivamente fue una isla solo unida a tierra firme por una lengua arenosa a merced de las mareas.

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KIEV, Ukraine – A seemingly depressed Eugene Hütz, frontman of gypsy punk band Gogol Bordello, experienced little to no outward joy last night whilst swinging from a chandelier in a Kiev brothel, concerned onlookers reported.

“Sure, he has his ups and downs… but I’ve never seen Gene like this,” admitted bandmate and violinist Sergey Ryabtsev. “Honestly, it was one of the saddest things I’ve ever seen — a grown man, layered in scarves, vests, and old timey watches stuffed in every pocket, dangling with a giant frown on his face from a chandelier, until it came to a dead stop. He just hung there, looking down at the floor for about 30 seconds before slinking off it. Usually he goes absolutely nuts on our European tours… but lately, he stays in the hotel and reads Sylvia Plath.”

Madame Ulyana Doroshenko, proprietor of the Obolon Hive brothel, grew concerned about Hütz and his complete lack of enthusiasm.

“Eugene used to drink Khortytsia by the bottle, gleefully biting the cap off and pouring it in the mouths of anyone nearby,” recalled Madame Doroshenko. “But today, he sat at the bar, ordered a Perrier, and nibbled on complimentary peanuts. He didn’t flip one table over… and he’s usually good for at least three table flips. It really killed the whole vibe.”

When asked for comment, Hütz let out a hearty sigh and shrugged before admitting something was wrong.

“It’s like… I don’t know. There’s no one big thing that’s wrong, but it feels like every aspect of my life is a little off,” admitted Hütz, adopting a hushed American accent. “I’ve been chasing pleasure for so long, I never learned how to just sit in my feelings. I need to go journal.”

Diehard fans admitted they have also noticed a change in Hütz through his music.

“Gogol Bordello just released a single featuring Sufjan Stevens and produced by Bon Iver, which was a huge red flag,” said fan Kayla Wilkenson. “It might as well be an entirely different band. [The single] is mainly just Eugene and Sufjan weepily whispering about softly touching someone’s palm over a muted string section. A real far cry from ‘Think Locally, Fuck Globally.’”

At press time, Hütz was last seen in the corner of the brothel, hunched over his phone and tweeting for his followers to “…send pics of your doggos plz. Having a rough day.”

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SIOUXSIE originally appeared on MyConfinedSpace NSFW on June 19, 2019.

Compostela, 19 de xuño do 2019 – O Centro Social A Gentalha do Pichel presenta mañá xoves o documental Pacto de Irmãos sobre os manuscritos máis antigos escritos en galego portugués. A cita, as nove da noite no Pichel en Santa Clara, contará coa presenza do director, Rafael Janeiro, e Issac Lourido (professor da UDC). [...]

No 2018 naceron 16.550 nenos e nenas en Galicia, cun descenso do 10% con respecto ao ano anterior. Dende a entrada en vigor das medidas da Xunta para o fomento da natalidade, hai tres anos, os nacementos reducíronse nun 14,8%

Otro evento interesante que añadimos a la agenda de conciertos es el Comeback Fest. Este festival de pequeño formato pero gran cartel se celebrará el próximo 19 de octubre en la Sala Habana 75 de Lalín, Pontevedra, con la presencia de Peter and The Test Tube Babies, Guitar Gangsters, Keltoi! y Bule.  Grupos: Peter and...

Aún queda poco más de un mes para que 'The Boys' se estrene en Amazon Prime Video, pero, después de ver su nuevo tráiler, creo que la esperada adaptación del cómic homónimo Garth Ennis y Darick Robertson acaba de convertirse en mi serie favorita de este 2019. Y es que no todos los días podemos ver a Karl Urban arrancándole la cabeza a un tipo al ritmo de las Spice Girls y utilizando un bebé como arma.

Una salvajada a la altura del original

Con su nuevo avance, la producción del guionista y shorunner Eric Kripke —'Supernatural'— se reafirma como el revulsivo perfecto a filmes y series superheróicas dominadas por el PG-13, con lo que promete ser una orgía de sangre, vísceras, lenguaje malsonante y personajes en el límite de la moralidad. No podíamos esperar menos si tenemos en cuenta el material original.

Junto al mencionado Urban, que dará vida a Carnicero, estarán Jack Quaid en el papel de Hughie —nos quedamos con las ganas de ver a Simon Pegg interpretándole—, Laz Alonso como Leche Materna, Tomer Capon como El Francés y Karen Fukuhara haciendo las veces de La Hembra.

'The Boys' debutará en Amazon Prime Video el próximo 26 de julio con un episodio piloto dirigido por Dan Trachtenberg —'Calle Cloverfield 10'—, y se ambienta en un mundo en el que los superhéroes campan a sus anchas cometiendo todo tipo de atrocidades escudados por su condición de celebridades adoradas por el público; marco en el que Billy Butcher capitanea a un grupo encubierto de la CIA conocido como "The Boys" para controlar a los súpers... con salvajes resultados.

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La noticia El brutal nuevo tráiler de 'The Boys' enamora con sus salvajadas superheróicas al ritmo de las Spice Girls fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Neste primeiro luns como alcalde de Santiago, Sánchez Bugallo presentou os cargos de cada concelleiro e concelleira. Para el resérvase a área de Promoción e Desenvolvemento Económico e explica o por que: “é unha área que me gusta e ademais xa traballei nela en cooperación con algunha vila portuguesa”. Bugallo di que Compostela debe aprender do Eixo Atlántico e adoptar o modelo turístico e económico.

Os novos concelleiros e concelleiras son: Mercedes Rosón Ferreiro (Concellaría de Urbanismo, Vivenda e Cidade histórica e Concellaría de Acción Cultural), Gumersindo Guinarte Cabada (Concellaría de Presidencia, Relacións Institucionais, Turismo e Delegado do Ano Santo 2021), María Milagros Castro Sánchez (Concellaría de Políticas Sociais e Saúde e Concellaría de Medio Ambiente, Parques e Xardíns), Gonzalo Muíños Sánchez (Concellaría de Mobilidade e Seguridade cidadán e Concellaría de Festas), Marta Abal Rodríguez (Concellaría de Economía e Facenda, Persoal, Contratación e Modernización da Administración Local), José Manuel Pichel Patiño (Concellaría de Medio Rural), Noa Susana Díaz Varela (Concellaría de Educación, Mocidade e Concellaría de Políticas de Igualdade e Políticas Lingüísticas), José Javier Fernández Martínez (Concellaría de Centros Socioculturais e Concellaría de Barrios e Obras) e María Esther Pedrosa Carrete (Concellaría de Deportes e Benestar Animal).

O artigo Xosé Sánchez Bugallo reparte áreas e queda coa de Promoción Económica publicouse primeiro en Nós Televisión.

In Western culture, nearly all individuals possess at least one given name (first name), together with a family name (last name, surname).

Another naming convention that is used mainly in the Arabic culture and in different other countries of Africa and Asia is connecting the person’s given name with a chain of names, starting with the name of the person’s father and then the father’s father and so on, usually ending with the family name (tribe or clan name). However, the legal full name of a person usually contains the first three names with the family name at the end, to limit the name in government-issued ID.

Some counties (Russia, Ukraine, Belarus, Greece, Bulgaria), also add patronymics or matronymics.

In some nations, many people are known by a single name (Bhutan, Myanmar, Indonesia).

In Iceland and Malaysia, nearly all people possess at least one given name, together with patronymics.

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A Policía confirma que o bebé, agora baixo tutela da Xunta, foi entregado en adopción ilegal apenas dous días despois do parto e despois de que a muller continuase "sendo explotada sexualmente" durante o embarazo

If you love Jeff Lee Johnson's Blue Plate Special (previously on Neatorama), then you'll love his next installment in the series: The Grand International Hotel (larger version here - you'll need it to fully appreciate Johnson's masterpiece).

See if you can find the gentleman with the goat hooves, the giant spider, and the giant rat.

Can't wait for the third installment!

Don't forget to visit Johnson's Deviant Art page for more neat artwork.

La larga agonía llega a su fin. En el año de su centenario, Factorías Vulcano dice adiós a su larga trayectoria en la construcción naval. En cuanto entregue el ferri de Transmediterránea al que estos días se le dan los últimos retoques, el astillero fundado en el año 1919 por Enrique Lorenzo Docampo​ y el ingeniero belga Ludovico Morlon solicitará la liquidación voluntaria. Los sindicatos tratan de buscar una solución 'in extremis' en la que quieren implicar a la Xunta, pero esta vez todo apunta a la desaparición de una factoría que ha sido durante décadas símbolo del sector naval y seña de identidad del populoso barrio vigués de Teis.

Vulcano es un astillero dedicado al diseño y construcción de buques de gran tonelaje y doble casco en acero, colosos de entre 80 y 170 metros de eslora como el que estos días se ultima en sus gradas, pero también a todo tipo de estructuras flotantes en general. Su historia está estrechamente vinculada a la lucha obrera en una ciudad con una larga tradición de duras reivindicaciones en la industria. Vulcano se sumó a la histórica huelga general de 1972 y tuvo un destacado protagonismo en las movilizaciones contra la reconversión naval de los años ochenta. Fue entonces cuando la adquirió Fernando Santodomingo, miembro de una familia vinculada al astillero desde su fundación que sigue controlando la mayor parte del accionariado.

Tras superar dos concursos de acreedores en los últimos 20 años, ahora Vulcano está inmerso en una tercera crisis de la que no es capaz de salir, lo que la conduce de forma inexorable a la liquidación definitiva. Será la puntilla para una compañía con una plantilla que llegó a alcanzar el millar de trabajadores pero que en la actualidad mantiene solo 73. Eso no impide que su cierre vaya a causar un duro impacto en el sector y en la ciudad, tanto en lo económico, por su influencia en la industria auxiliar, como en lo social, ya que ha sido emblema de un barrio eminentemente obrero.

Será la puntilla para una compañía con una plantilla que llegó a alcanzar el millar de trabajadores pero que en la actualidad mantiene solo 73

A Vulcano se la puede considerar una víctima tardía de la crisis de la pasada década. Fue en 2006, en pleno 'boom' económico, cuando se embarcó en una operación de la que todavía hoy, 13 años después, no se ha repuesto: la adquisición de Factorías Juliana. La compra de la heredera de los activos en Gijón de Izar Construcciones Navales fue una decisión completamente equivocada, como reconocieron los dueños del astillero vigués, que pensaban que la burbuja que también inflaba la construcción naval duraría siempre. Por aquella operación, el Tribunal Supremo ratificaría una condena de 25 millones de euros y la inhabilitación de José Domínguez, José Luis Méndez y Fernando Santodomingo para administrar los bienes ajenos, así como para representar o administrar a cualquier persona para el mismo periodo.

Tras cuatro años sin registrar un solo periodo, Vulcano solicitó en 2011 el concurso de acreedores, el segundo en apenas una década, con una deuda de 186 millones de euros de proveedores a los que arrastró con su crisis: se les aplicó una quita del 80%. La parte que debía pagar se fue retrasando a través de sucesivos convenios, mientras el accionariado sufría distintos cambios, siempre con los Santodomingo como referente, representados a través de La Mecánica. La firma del contrato con Transmediterránea para el Villa de Teror, que estos días se ultima en sus instalaciones, fue un último balón de oxígeno. Desde entonces no han entrado nuevos pedidos y la actividad es extremadamente escasa.

Los trabajadores han estado seis meses sin sus nóminas mientras se explora la ayuda de una Xunta que no está dispuesta a gastar más energías

La construcción de ferri ha estado repleta de vicisitudes. Decenas de auxiliares llevan meses sin cobrar o lo hacen a cuenta gotas, mientras los trabajadores del astillero han llegado a sumar seis meses sin percibir sus nóminas. Las difíciles negociaciones con el Banco de Santander, para acabar el que con toda probabilidad será su último barco, han marcado los últimos meses, mientras se explora la ayuda de una Xunta que ya no está dispuesta a gastar más energías en Vulcano. Lo anunció días atrás el 'conselleiro' de Economía, Francisco Conde, cuando afirmó que el Gobierno gallego ya había hecho "todo lo posible" por salvar la empresa. La prioridad ahora es entregar el ferri y la solución ha de venir "de parte de la propiedad", agregó. Otra vez los auxiliares se llevarán un duro castigo, después de haber renunciado al 25% de sus deudas por la construcción del Villa de Teror, un barco que acumula un retraso de un año en su construcción y que estaba presupuestado en 60 millones de euros.

La situación pudo haber sido mucho peor para Vulcano si el Tribunal Supremo no la hubiera librado en mayo de la devolución de 7,6 millones a un acreedor inglés que se opuso a la quita. La compañía británica PGS Geophysical recurrió a la justicia para que le eximiese de la condonación de una deuda millonaria al astillero, pero la sala de lo civil del TS desestimó su petición. Los británicos reclamaban 7,9 millones de un crédito a Vulcano y otros 1,6 subordinados y rehusaron someterse a una quita que redujo su deuda a solo 1,9 millones. Lo intentaron incluso con embargos, que fueron levantados por la Audiencia Nacional.

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A diferencia de otras crisis anteriores, este estertor parece el definitivo. Lo es hasta tal punto que la Autoridad Portuaria de Vigo no oculta sus planes para los terrenos que liberará el astillero. La institución que preside Enrique López Peña desliza públicamente su interés en acaparar las instalaciones para el almacenamiento de contenedores, a pesar de que dispone de margen para casi duplicar el movimiento de mercancías actual y las estadísticas marcan una evolución claramente a la baja.

El Puerto se hará automáticamente con la concesión de Vulcano, a la que le restaban siete años para su caducidad. La operación dependerá en todo caso de que la histórica factoría naval salve esta nueva bola de partido, lo que parece poco posible, y de que ninguna otra empresa realice una oferta para hacerse cargo del astillero, otra opción poco probable sobre todo por una cuestión burocrática: la imposibilidad de prorrogar la conexión sin la convocatoria de un nuevo concurso.

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