In 1995, Sylvester Stallone put on a plastic codpiece designed by Gianni Versace, then smirked and bellowed his way through 96 minutes of nearly 20 years' worth of Judge Dredd comic storylines mashed together into a gaudy highlight reel of a motion picture. It was a commercial and critical flop, emerging at the tail end of one of the worst creative slumps that the UK comics industry had ever seen.
Yet somehow, 2000AD persevered. Founded in 1977 and continuing to this day as a weekly British sci-fi anthology comic, no other title has evolved and survived trends in comics, society, and culture quite like it. It's why it endured long enough to see its principal character Judge Dredd again revived on screen—this time successfully—by Karl Urban in 2012's Dredd. But it isn't the spin-off films and video games that have placed 2000AD in the comic book firmament. Born out of punk and political frustration, that all started in the 1970s, when it first began to shake up newsstands.
2000AD is the Black Mirror of comics, able to give a dark and absurdist inversion to whatever cultural or social ill is terrifying the British public on any given day.
Future Shock: The Story of 2000AD is a new documentary that chronicles why 2000AD has been able to call itself "the galaxy's greatest comic" since 1977. Among those interviewed for the documentary—alongside Neil Gaiman, Alex Garland, and Portishead's Geoff Barrow—is the founder and first editor of the title, Pat Mills. Still writing for the comic today, some of his creations—Nemesis the Warlock, The A.B.C Warriors, Slaine—are among the most popular of the comic's near-40 year run.
"It's the last man standing, isn't it?" he says. "It's the last significant British comic. There's a great affection towards British comics, and a lot of people grew up reading 2000AD and they're going to carry that onward into adulthood. It's subversive in a way that mainstream American comics are not. It has a....particularly British quality."
Among Mills' launch stories in the first issue of 2000AD was Invasion!—a twisted what-if scenario where the "Volgons" (a rather transparent analogue for the Soviet Union) invaded Britain and gunned down "Dame Shirley Brown" (an equally transparent Margaret Thatcher stand-in) on the steps of St. Paul's Cathedral. The story then follows a shotgun-wielding East End truck driver Bill Savage as he resists the occupation. The story was the exact kind of violent and paranoia-stoking stuff that 2000AD used the pretense of a science-fiction banner to deflect criticism.
Space Girls, 1997
But it hasn't been an easy ride for 2000AD. As the 1990s rolled in, the comic's former publishers decided to move with the times, chasing lad-mag titillation and cheap headlines. The effects were disastrous. Fans are divided as to exactly when the comic truly hit rock bottom—some say it's the universally—loathed Space Girls, a sexualized parody of the Spice Girls (but in space), with nicknames Baby, Scary, Sporty, Posh, and Ginger replaced by Deep, Inner, Hyper, Free, and Wide-Open Space (a blonde nymphomaniac with the superpower of being irresistible to all men).
Others, however, argue that its real low was the self-referential satire B.L.A.I.R.1—a hellishly unfunny amalgam of 2000AD's own 1970s Six Million Dollar Man rip-off, M.A.C.H.One, and the then-Prime Minister Tony Blair. It featured a bionic Blair fighting an evil supercomputer by the name of Dr. Spin. The subversive, degenerate, but above all intelligent comic that had once been an incubator for the cream of the industry's talent had been reduced to peddling cheap shots, cheap cleavage, and sterile cinema adaptations.
"Hellishly unfunny" B.L.A.I.R.1
In 2000, however, the comic was bought up by video game developer Rebellion. "What the readers wanted was
2000AD," Pat Mills remembers. "They didn't want Loaded, they didn't want it to be a disciple of NME. In the past, all of those publications had an unwarranted influence of 2000AD. But we didn't need them—so we decided that basically, they could just fuck off."
So in 2004, he rebooted he rebooted his Invasion! storyline with truck driver Bill Savage making a return in the titular Savage. Updated so the occupation allegories now echo the British involvement in Iraq and Afghanistan rather than Cold War paranoia fantasies, Savage has covered abuse of power by occupiers, the morality of Abu Ghraib-style torture facilities, and more recently, mechanized drone warfare. Although this being 2000 AD, the drones aren't flying missile pods, but 12 ft tall hammer-wielding war robots at the command of a Richard Branson-esque figure called Howard Quartz. Who, incidentally, eventually gets killed by his own creations and became a talking brain in a jar.
"There's a fascination that people have with alternative histories, and the idea of an enemy occupying Britain has always been of interest," says Mills. "But even in the original Invasion!, there was always an element of science-fiction as well. When I began the reboot, I felt we could retain that noir element with little bits of science fiction."
The original Bill Savage, 1977
As the clock ticks past another year in the real world, so does it with the comic's main character Judge Dredd. His origin in the middle of the 70s punk explosion might have been as a parody of Thatcherite authoritarianism, but compared to the conservative nature of his transatlantic rivals, Dredd is as progressive as comic book creations get. In Dredd's world, there are none of the flimsy reboots and reimaginings that sees Marvel and DC's flagship characters die, marry, and stay encased in inky-amber. Stories in 1977 depicted a young Judge who still believed in maintaining the letter of 2099's oppressive laws; Dredd in 2015 is an old man in the year 2137, hardened by the practicalities of decades on the streets and a more nuanced understanding of the difference between law and justice. It's how a comic can continue to push boundaries when a generation has been raised since its inception being able to watch the worst that the real world has to offer on LiveLeak.
Take the recent story of 'The Beating'—over the past month, 2000AD has run a Dredd story where Dedd is filmed beating a suspect to death, with the footage going viral over social media and the consequences threatening to destabilize the entire justice system of Dredd's world. It covers surveillance culture, privatization of public services, police corruption, citizen journalism, and delivers a twist to give Dredd's behavior a less brutal, but no less sinister motive to our modern mindset. And it does it in just 18 pages of strip.
"One of the arguments is that kids today don't look at comics; that they're more interested in video games. That there's changing technologies, and changing demographics," Pat scoffs. "That's all weak and rather pathetic excuses for complacency... if you maintain the style and give the readers what they want, you will never lose them."
It's that kind of pragmatic approach that has made 2000AD the Black Mirror of comics, able to give dark and absurdist inversion to whatever cultural or social ill is terrifying the British public on any given day—if that means running a story where gang riots are melded with Cronenburg-esque body-horror, or illustrating the horrors of autocratic states via swashbuckling Russian lothario Nikolai Dante then 2000AD will, and has, done it.
2000AD is—and always will be—just that kind of comic.
This is what you get when you google the word "Hipster." Image via google
Enough time has passed since the world was at Peak Hipster for us to look back at it as a movement, or a craze, or a meme, or whatever the fuck it was and try to take stock of what it all meant, if anything. So this week we're doing exactly that in a short collection of stories.
When I accepted my boss's request to write an article about how the hipster became mainstream, I figured the best way to go about it would be to find a famous hipster and ask them what it felt like to be mainstream. I made attempts to get in contact with Ezra Koenig of Vampire Weekend; Ryan Schreiber of Pitchfork; the guy who wrote The Hipster Handbook; two different authors of books on the concept of coolness; noted academic and turntablist Jace Clayton aka DJ / rupture; Chuck Klosterman; noted punk and cultural critic Ian Svenonius; Carles from Hipster Runoff; as well as both Fred Armisen and Carrie Brownstein of Portlandia. The closest I got to any of them was Brownstein, whose publicist at IFC referred me to a different publicist, who asked if I'd gotten anyone else to talk to me for my article and then when I said "no" stopped responding to my emails.
I thought about hipsters for several days, puzzling and pondering how I could possibly accomplish this task. I read books, articles, and essays. I interviewed non-famous hipsters about being hip. I tried writing about subcultures and their relationship to commerce, media, and technology, and how hipsters, with their access to the internet and the shrinking gap between mainstream and underground, accelerated the process of discovery and subsequent saturation. It sucked. Then I interviewed my friend who was a hipster during the early 2000s and knew Adrian Grenier and the Yeah Yeah Yeahs and shit before they got famous. Problem was, that only explained what it was like to be the type of hipster who knew the Strokes before they got big. The domain of hipsterdom is too vast, too hazy to try to pin it to what it was like to be alive in New York at the turn of the century. So I rewrote this article a third time, trying to nail down just what a hipster was, and how that very large definition of a hipster meant it was unfathomable for hipster not to become mainstream. Only that article sucked too. At some point, I realized the only way I could write accurately and truthfully about the mainstreaming of the hipster was to write about myself. So now, that is what I am going to do.
I will spare you the details of my mainstream hipster resume, whose bona fides are so plentiful in number that I dare not list them here—though rest assured that they are all embarrassing and many of them involve v-neck t-shirts. I am a 26 year-old white male from the backwoods of North Carolina. I have spent the majority of my adult life writing about hip-hop for various VICE-owned publications. I did not single-handedly hammer the nails into the coffin of hip, but I certainly helped. I am equipped for writing about the mainstreaming of the hipster in the same way that a fish with hands would be equipped for writing about water.
A portrait of hipster Mickey and Minnie on sale at Disneyland; pixel art and mason jar Christmas decorations on sale at Target; and faux-vintage record players on sale at J.C. Penney. Photos by Jamie Lee Curtis Taete
I first realized I was a hipster in 2008, right around the time that I started denying that I was a hipster to my hipster friends. I was attending college in North Carolina, and I came by my inauthenticity in the most honest way possible—through reading VICE. Your first year of college is, for many, the first time that you really come into your own as a person. You try on new attitudes, new poses, new selves. Though I was initially drawn to the magazine for its record reviews—which seemed to have access to channels of music not accessible to freshmen in University of North Carolina dorms—I quickly found that VICE served as a bible for all things hipster, offering suggestions on how to dress, party, eat, fuck, and anything else that an impressionable 19 year-old might want to know about life. Between reading VICE and Pitchfork—which delivered incisive commentary on what a human being might want to put into their ears at any given moment—I learned how to act and what to talk about.
If I had to guess, I was not the only young person around this time who was influenced by these publications in this way. If you ask a proto-hipster who was around in the early 2000s what it was like to be a hipster, they'll probably tell you that they were trying to be punk and failing, or that they were just trying to live their life and stop calling them a goddamn hipster. But this nascent movement was obsessed with documenting itself in ways that would help establish a template for the hipsters that came after them, through sites like Cobrasnake, VICE, Last Night's Party, and even music like LCD Soundsystem, whose first album largely served as an opportunity for James Murphy to take stock of the hipness all around him.
If nothing else, reading VICE and Pitchfork helped me play catch-up, transforming me from a nervous, generic-looking-and-acting freshman into someone who looked and acted in a way that was socially acceptable to the legions of tight-pantsed smart-asses from cities who seemed hopelessly smarter, cooler, and, well, hipper than I could ever hope to be. Adopting hipster fashions helped me create a visual language for myself, signaling to potential friends that I, too, was hip, and therefore worth becoming friends with.
The author, age 18, in North Carolina
In a way, the hipster became mainstream precisely because the term "hipster" was so hard to define. After pouring more research and thought into the topic than I care to disclose, I've developed the theory that there are actually two types of hipsters, and they are both totally legitimate and sort of uniquely hateable.
There are Hipster-Creators: genuine artists, writers, and musicians, as well as those who belong to a large number of subcultures that produce art and ideologies through a collective mindset (this includes punks, ravers, fashion kids, crusties, literary nerds, cool academics, etc., and unfortunately often discludes the genuinely impoverished and marginalized). These are the people who, if they're good at what they do, have their work recognized, often by the mainstream. This can be in the form of James Murphy being hit up to work with Britney Spears, or it can be in the form of a collective like Odd Future gaining organic traction on the internet to the point that they become an undeniable cultural force. (Not that James Murphy or Odd Future would identify as hipsters, but then again, part of being a good hipster is not being a hipster at all). As Hipster-Creators gain recognition, they often get written off by others in the underground for selling out, appealing to too many people and therefore becoming hipster bullshit. And even if they don't, there is a certain snobbery, or at least sense of discernment, that comes hand-in-hand with being this type of hipster.
Then you've got Hipster-Consumers, who, loosely, are regular-ass people trying to live their lives but who take cues from artists and subcultures who scan as "hip," simply because they're too busy with their own lives to join a subculture or put a lot of thought into the art, culture, and fashion they consume, so they just wear whatever's on sale at Urban Outfitters and consume whatever culture people are talking about on the internet. Culture moves fast, and the time between something getting sucked up to the mainstream and spat out to Hipster-Consumers is quick. But depending on how you feel about it, this, too can be disingenuous, simply because it's easy to argue that people like this are just letting others do the legwork in acquiring their identity (and god forbid people ever acquire identity through a means other than what they consume). In an essay in Wag's Revue, the writer Robert Moor explained the anger toward this type of hipster, saying, "Without a postmodern philosophical backing and resistance to capitalism, hipsterism quickly devolves into just what it always appeared to be to the uninitiated: a shallow, meaningless, vain, hyper-consumerist, self-hating and poisonous system of living."
More than anything, being a hipster to me has always been more of an attitude rather than a specific set of signifiers. To be hip is to view the world through a specific lens that, even if you can't necessarily describe it, is still uniquely distinct. It encourages people to look at the world through new eyes and assemble a self through incorporating the flotsam and jetsam that have washed up on the shores of modern culture. For my money, it doesn't quite matter if the hipster is talking about Justin Bieber or Stan Brakhage, because consumption itself becomes the radical act, rather than the object or activity being consumed.
This blurring of creator and consumer is, to me, an essential part of the hipster as a social movement. Let's call it, as writer and self-admitted aging hipster Christian Lorentzen described to me over the phone, the "thrift store aesthetic." Lorentzen characterized it as "a method of throwing off the class codes that you grew up with in order to confuse people that just took a look at you as to whether you might have grown up rich or poor."
So essentially, hipsters were too good at creating more hipsters, and therefore became irrelevant by being too cool. At some point, calling someone a hipster essentially became a way of calling them young. And that, I guess, is where we're at now.
Hipster Hello Kitty on sale at the Sanrio Store; plaid shirts on sale at Old Navy; and craft soda (whatever that is) on sale at Best Buy. Photos by Jamie Lee Curtis Taete
As college wore on and I became a better and better hipster, I eventually stopped reading VICE and Pitchfork and became the arbiter of my own tastes. I prided myself on being an early adopter to the imminently cool—my friends and I were the first people we knew to be into Four Loko, Lil B, and rolling our own cigarettes. We were convinced that we and only we knew the correct way to process such ultimately banal pop culture ephemera as the Wu-Tang Clan, Flavor of Love, World of Warcraft, and Seinfeld. I attended parties where the point was spray painting the walls of someone's bedroom so that he would get high off the paint fumes as he went to sleep. I competed in professional air guitar tournaments. My friends and I made a website based on both communism and partying. I DJ'd a show at the campus radio station in the dead of night. Sometimes I would sing along to Prince songs, live on air.
In 2011, I graduated college and, as many hipsters before me have done, moved to Williamsburg, Brooklyn, North America's holy land of hip. To be honest, the move didn't really feel like a choice; it seemed like something that had to be done if I wanted to be a writer (I did) and was a hipster (I was). True to the tradition of the millions of hipsters who came before me, I arrived to Williamsburg too late: by the time I got there the party had, for the most part, already packed up and moved to Bushwick. But I settled into my apartment off of the Bedford L train stop and started to fulfill my destiny. I began hanging out with a cabal of writers and started interning at what can best be described as a "hipster video game publication." By the fall of 2012, I was working for VICE's music site Noisey, covering hip-hop full time.
In the years I was busy transforming from a little alt pupa to a full-on hipster butterfly, agents of mainstream culture began co-opting the hipsters themselves. When Justin Bieber's career needed a kick in the pants, he called up Diplo, the master of repackaging underground music in ways that club kids vibed with. When Adidas wanted to inject some cool into its brand, they enlisted Jeremy Scott, fashion's chief interpreter of the willfully weird and outlandish, to throw some wings and/or a teddy bear on a pair of high-tops. Perhaps the most significant photographer of the 2000s is Terry Richardson, whose chief skill involves stripping his subjects of their greater context and presenting them in the same naturalistic, understated scene, over and over, whether they're a megastar or somebody he grabbed off the street. VICE, meanwhile, is, uh, did you guys know we're gonna have a TV channel?
It's not that this practice is anything new. Madonna lifted voguing from ballroom culture back in the 80s, Malcolm McLaren was a huckster whose entire aim was to profit off the Sex Pistols, and before he played Gilligan, Bob Denver played Maynard G. Krebs, some TV executive's best guess at a beatnik. It's just that when you co-opt your cool from people whose chief skill is co-opting the cool of others, you essentially cannibalize culture, accelerating the rate at which subcultures develop and then flame out to hyperspeed. Think of something like Seapunk, which became mainstream so quickly that it didn't even have a chance to go from being a joke to becoming an actual subculture.
A "Portland" shirt on sale at Target; a Chipotle bag featuring an illustration of a fixed gear bike; and a "local brews" section, also at Target. Photos by Jamie Lee Curtis Taete
There's not anything necessarily wrong with this—subcultures have always been on the cusp of becoming mainstream. It's arguable that countercultures must always exist in opposition to something, and that opposition will always swallow it up and co-opt whichever elements it thinks it can sell. That can mean a lot of things, like Volkswagen marketing itself as the car of the hippies, Fugazi's Ian MacKaye complaining that so many people were dressing like punks that nobody even understood the original reasons for dressing like a punk in the first place, or Geffen breaking grunge by buying a pre-Nevermind Nirvana out of their contract on a label, Sub Pop, whose name if we need to be pointlessly literal means "below pop."
Similarly, the idea that the hipster is undefinable in the present tense is not unique. In a recent Baffler piece on the public perception of punk, Eugenia Williamson wrote, "the people present at the beginning of punk had only nominally political and social aims, and the moral imperative to forswear major labels, money, and fame asserted itself only in retrospect." Indeed, it seems like punk, one of the most casually politicized social movements of all time, didn't truly take on the political bent we associate with it until guys like Ian MacKaye and Keith Morris took over, unleashing pointed invective to go along with the sonic squalor.
There is one difference between the hipsters and the countercultural movements of the past, though. Unlike the hippies replacing the beats and the punks replacing the hippies, hipsters haven't been replaced by anything other than more hipsters. The hipster is elastic, a catch-all for countercultures that came before it, a bubble that instead of bursting, simply expands.
And so, here we are, in the age of the mainstream hipster, or perhaps the close of the epoch of alt. In the three years I worked at Noisey, I watched as music blogging completed its transition from sites telling their readers about cool stuff they didn't know about to simply telling their readers why the stuff they were already listening to was cool. I am in no way special for being around for this. If I had never existed, VICE would have hired another young hipster for the same job that I had, and if VICE never existed, I would have watched the hipster go mainstream for some similar entity.
I guess what I'm saying is that at a certain point, subcultures just become culture, and at that point they become bigger than any one person or organization, and the archetypes and values which were once unique to one group become present in society at large. The actions of the hipster, the person for whom art is consumption and consumption is art, has become replicated through the very fabric of technology and society. We communicate in retweets and reblogs, likes and shares, references and early adoptions. The true hipsters, meanwhile, have become too mainstream to remain hip, and the mainstream itself has reacted by picking up that which was once alt. The ethos of the hipster has spread throughout culture to the point that the hipster is no more.
I fully understand that this essay opens me up to a ridiculous amount of criticism, namely that I am a hipster dipshit for even writing it at all. But then again, I'm just fulfilling the function of the hipster, pointing out patterns that already exist. And you're just fulfilling yours by getting mad. So who's the hipster now?
Enough time has passed since the world was at Peak Hipster for us to look back at it as a movement, or a craze, or a meme, or whatever the fuck it was and try to take stock of what it all meant, if anything. So this week we're doing exactly that in a short collection of stories.
These days, you could be a Juggalo in a Garth Brooks tribute act and someone will still accuse you of being a hipster. In fact, perhaps the only genre of music you can be into without someone, somewhere, accusing you of being a hipster is metalcore, and even that's iffy. This is because the term "hipster" denotes an identity that's hard to nail down, but is probably negative and definitely disingenuous somehow(i.e., two dudes can be wearing the same Bad Brains T-shirt, but the one you like and think is "for real" is a punk, and the one you think is a filthy hobbyist is a hipster). Bad faith and trend-hopping is the default assumption in music, because god forbid anyone like anything ever.
Bear in mind that we're fans of pretty much all these genres (many of which probably aren't actual genres at all), but our fondness for the music and acknowledgement that the term "hipster" is mostly meaningless will not, cannot stand in the way of our need to document them as the purview of The Hipster, and make cheap jokes at their expense.
This list is purposefully not comprehensive. True to the spirit of hipsterdom, we embrace arbitrary exclusivity and louche laziness. Enjoy!
Acceptable Country Years Active: 1968-Present Defining Artist: Sturgill Simpson In the years before and after alt-country (see below), we just called this type of music "Gram Parsons," but anyone with liberal politics and conservative views on mixing slide guitars and synths is encouraged to apply. More critics have died fighting over Kacey Musgraves than all the lives lost during all the Hundred Years War combined.
Acceptable Emo Years Active: 1990-1998 Defining Band: Antioch Arrow Pre-screamo, before "emo" denoted college-rock misogyny with prog gestures and gross guitar tones; "smart" hardcore meant pants so tight, belts so white, and lyrics so willfully obscure that it was like Lord Byron himself rose from his mausoleum to scold you for slam-dancing and wearing suede kicks.
Acceptable Pop Years Active: 2010-Present Defining Artists: Beyoncé, Taylor Swift Some day a few years ago, maybe it was a Tuesday, we all woke up, shook the artisanal fairy dust out of our hair, and decided that mainstream pop music was not as bad as we'd assumed all along, but was in fact good. Perhaps it was because we realized Justin Timberlake's FutureSex/LoveSounds was sort of like LCD Soundsystem if James Murphy was singing about his dick. Or perhaps it was because Diplo finally got so famous we had to admit he was mainstream. Perhaps it was because of nothing at all. Regardless, on that fateful day, music nerds made a secret pact that, every few months, they'd claim some random, mercenarily constructed teen-pop album was actually high art, and we've been cursed with an avalanche of half-assed thinkpieces ever since.
Acceptable Pop-Punk Years Active: Jersey-Present Defining Artists: The Menzingers, pre-out-of-fashion Gaslight Anthem Hardworking Bruce-ian ballads about working in the Miller High Life mines and daddy being a hard but fair man. And cars, so many cars. Everybody misses kissing you on a rooftop, drunk, the moon hitting your Off with Their Heads hoodie just so. Much like Gym Hardcore (aka non-hipster hardcore) could not exist without betrayal and brotherhood, without kissing on rooftops in the twighlight of our youth, there would be no Acceptable Pop Punk. Everybody involved in this scene is impossibly nice.
Alt-Country Years Active: 1990-1994 Defining Artist: Uncle Tupelo Hipsters of a certain age used to be really into Uncle Tupelo, but haven't listened to them in so long that they'd probably have to Google "Wilco guy first band" to remember the name.
Alt-Rap Years Active: 1999-2010 Defining Artist: Aesop Rock Listening to dudes rap polysyllabically about skateboarding out of an alien's amniotic sac on Jupiter only to find out they've been dumped has never been cool, but there was a time before the internet flattened the divide between hip-hop's under- and overground when there genuinely was a rap scene three or four parsecs left of center. Alt-rap was born when Eminem dissed Cage on the Slim Shady LP, it died when El-P shuttered the mighty Def Jux, and it died again when I couldn't figure out how to shoehorn Rhymesayers and anticon references into this paragraph.
Thirty years ago today, on December 13, 1985, the movie Clue premiered, reimagining the classic board game as a zany, irreverent murder mystery with so many jokes that you can hardly catch them all the first time around.
More importantly, though: 30 years ago today, Madeline Kahn's "flames on the side of my face" speech premiered, striking eternal joy and admiration into our hearts.
The infamous moment happens in one of the film's false endings, in which Kahn's character, Mrs. White, admits to killing off all her annoying husbands. In Adam Vary's excellent BuzzFeed feature on how Clue was made, Kahn's co-star Michael McKean recalled the day the actress performed one of the most GIFable scenes of all time:
All that was written was, ‘I hated her so much that I wanted to kill her,’ or something like that. But [Kahn] just kind of went into a fugue about hatred. She did it three or four times, and each time was funnier than the last.
It was also the only improvised moment in the entire movie.
Madeline Kahn was an acerbic treasure, and every day without her is a farce
Clue's cast is the stuff comedy dreams are made of, notably featuring Tim Curry as the butler, Christopher Lloyd as Professor Plum, and McKean as the sputtering Mr. Green. They all spit out writer Jonathan Lynn's quick wordplay and absurdist twists with a wink, helping a once-embarrassing box office flop (Clue only made $14.6 million in theaters) become a beloved cult comedy today.
But for all the cast's skill, no one — not even Curry — could touch Kahn's cool confidence.
An accomplished comedic actress, Kahn was routinely the best part of whatever production was lucky enough to have her. (She died of cancer in 1999.) If you have more time than the few seconds it takes to watch her "flames" speech, you can find proof of her prowess in this show-stopping Blazing Saddles number as an exhausted prostitute:
For Clue, Kahn takes what Lynn lateradmitted was a two-dimensional character and settles into the role with a detached grace, like a cat stretching on a cushion, barely deigning to acknowledge anyone else's presence.
Then, with her particular brand of pointed comedic timing and unhinged energy, Kahn rips into Mrs. White's simmering rage with salivating relish. She's ferocious and calculated, chaotic and deadly.
The "flames on the side of my face" speech, this "fugue about hatred," is only about 10 seconds long — but you wouldn't know it from the way people still respond to it even 30 years later. And as Kahn frames her face, hands shaking with latent fury, you can almost feel the heat creeping up your own neck in solidarity. It takes one hell of an actor to evoke that kind of visceral sympathy, and Kahn was one for the ages.
You're the Worst does not suggest depression can be defeated. It suggests, instead, that it can be lived with.
She kept saying she was going to do it, so I told her to just go ahead and do it already.
I was 19. She was 18. It was college. We were "dating," but that can mean many things at that age. We talked all the time on the instant messenger program ICQ, the little flower in the corner of our screens blossoming with a cutesy "uh-oh" every time one of us had a riposte for each other. I had always been a bit terrified of missing out on something exciting happening elsewhere, so that I spent so much time talking to her should have told me something my brain took a long time to catch up with.
I was in love with her desperately. I just didn't know it yet. I had just told her to kill herself. It was the worst, the most evil thing I had ever done, will hopefully ever do.
The "uh-ohs" stopped coming, then started again after a lengthy interval. It was that they started again that clued me in — she had gone away for a long time, and then come back, to tell me something, to settle accounts. I had that sucking feeling inside of me, the one you get when something's wrong but you can't pinpoint it. It's somewhere off, over the horizon.
I should tell you here that I did what I thought was the right thing then, that I sprinted upstairs all those flights to her room. She tried to walk away, leaving me to read the note on her computer screen, but the second I saw, "Dear Todd," I knew, knew, knew, in that icy black water in your gut sort of way, and I ran, pulling her into a hug before she got to the door, and she pulled away, sliding down against the wall. I stooped down to pull her up, resurrect her.
I was sure in that moment that her life might be saved, but our relationship would have to be done. Forever, probably.
I was too young and too stupid, both to handle something as momentous as depression and to have met the love of my life. The only thing I could do was get her to an ambulance and cut ties. Her parents could care for her. Her therapist could care for her. I hadn't the foggiest.
But I followed the ambulance to the hospital anyway, where we found out that the pills wouldn't have killed her, would have just made her sick for days, where she apologized for the paramedics destroying the T-shirt of mine she had been wearing, where I decided to stay for the night, at least.
Reader, I married her.
Around the middle of the first season of FXX's sardonic, lovable romantic comedy You're the Worst, Jimmy (Chris Geere), who has fallen in love with Gretchen (Aya Cash), only his brain doesn't know it yet, goes over to her apartment for the first time. It's a mess, trash strewn everywhere, no real sense of how a person might conceivably live a life there. It's the first clue the show would offer to viewers that it was going to turn into one of TV's finest portrayals of clinical depression later on down the line.
A lot of viewers and writers took it as another sign of the show's quirky sense of humor. Gretchen is pretty messed up, right? Both of these people are messed up, and that makes them perfect for each other, huh? It's an anti-romantic comedy, get it?
But the reason You're the Worst works stems from the way it treats its characters with complete and utter sincerity. It takes Jimmy and Gretchen's emotions seriously, and it is wiser than they are. Where it takes them two whole seasons to admit how desperately they love each other (in the second season finale), the audience knows from roughly episode four. It gets, as that finale is titled, that the heart is a dum-dum.
So when I saw Gretchen's apartment for the first time, I didn't think, "Oh, how interesting and unusual and funny!" Nor did I think it was just a funny plot complication when she accidentally burned down the apartment in the first-season finale, necessitating a move-in with Jimmy that both were unprepared for. Nor did I think her tendency to carry all of her stuff around in garbage bags and pile them in a corner was some sort of goofy character trait. And I didn't even see her tendency to be able to reduce any person she was talking to to emotional rubble with a single well-placed line as another sign of her fundamental nature as "the worst."
There's something about a TV show that hits you right in the gut, something that no other medium can quite touch. You grow with these characters over years. You get to know them intimately. They come into your home, for goodness' sake. And when you connect with a series, it's like building a real relationship, with someone who will let you get to know them and also maybe help you better understand yourself.
So when I saw Gretchen's apartment for the first time, I didn't think it was a one-off character trait, never to be seen again. No, I thought, "Oh, I know this person. I love this person."
Depending on your point of view, You're the Worst dedicating a substantial part of its second season to examining Gretchen's clinical depression has either been a masterstroke or something that has tanked a once funny, charming show.
I'm much closer to the former camp than the latter, but it's also been something far more important to my wife and me: something bracing and funny and real that feels like it knows us. Since we met at 18 when she walked into my dorm room and, in the words of my mother, "seemed like she just set up camp," she has been like Gretchen many, many times — bold and funny and rage-filled and sunk inward with sadness and constantly uncertain of her own considerable potential. And I have been Jimmy far too often, hurling myself into a belief that I can fix a person I love, because that's what you do, right? You find the Band-Aid. (Here, I should let you know, lest you worry, that my wife has read every draft of this piece and encouraged me to write it.)
The reason so many have argued You're the Worst "stopped being funny," I think, is that comedies are supposed to resolve in punchlines, and depression is irresolvable. The show has made great comedy out of this central fact, with a lengthy, very funny montage of Gretchen's friends trying to pull her up out of her dismal spirits when she spends an entire day lying on a couch, staring at nothing in particular. She's a hollowed-out shell, and Jimmy keeps trying to fill her back in, not realizing this is impossible and all he can do is be there for her and wait.
Comedy is, of course, filled with characters who believe they can accomplish a goal and keep falling short. One of our most common human failings is to bite off more than we can chew and end up stuck in an endless cycle of miniature cataclysms. Comedy can help us laugh at that tendency within ourselves and at how we never quite know when to quit. But failure is a kind of resolution, isn't it? And Wile E. Coyote wanting to catch the Road Runner, for instance, is light-years away from Jimmy trying desperately to pour the woman he loved back into the shell she left behind.
Both You're the Worst and Gretchen herself keep telling Jimmy that he can't save her, but he insists he can. And why wouldn't he? That's what life and conventional wisdom and fiction keep telling us. If you can just cheer somebody up, if you can remind her that life is worth living, then you'll help her. You're the Worst is using our own longing for resolution in comedy to force us to think about how weak we can feel in the face of a loved one's mental illness.
Because here's the thing: Reminding someone that life is worth living is — 99 percent of the time — pretty good advice! A depressed friend of mine says he gets through suicidal moments by reminding himself of all of the upcoming movies he's looking forward to that he won't get to see if he kills himself. It's silly, he admits, but it works, because it reminds him there are things he loves that are worth living for, no matter how much evidence his depression presents to the contrary. And when you're someone who loves a person with mental illness, the best thing you can do is simply hold onto her and let her know you're there, even if it doesn't do anything.
Jimmy doesn't heal Gretchen. But he finds a way to reach her in the depths of a cave. Instead of making an assignation with an attractive bartender he's spent Gretchen's bleakest moments making out with, he chooses to stay at home and try to help. He brings in her friends, who are as powerless as he is to pull her back from the brink. He reminds her of people who care about her.
And, finally, he builds a pillow fort around her, so they can be together. And he just holds her, and she cries. And it works — sort of. The depression lets go a little bit. For a time.
If You're the Worst has come in for criticism in its second season, it's been in its depiction of depression as featuring just as much rage as sadness. Sure, TV's most famous other sufferer of clinical depression and anxiety was that rage monster Tony Soprano (though, tellingly, he was never officially diagnosed — his therapist danced around it). A few people have argued to me that the show's depiction of depression has focused too much on Gretchen's angry outbursts at her friends and at Jimmy, things that would be rare in a real depression sufferer.
Maybe this is true for some, but it has never been true for my wife and me. Yes, You're the Worst has neatened some things and sanded off some corners in the name of making compelling fiction, and it has intentionally heightened certain aspects of Gretchen's depression for dramatic effect. But her rage rings terrifyingly true to me.
Every time you've loved someone long enough, you know enough about that person to carry nuclear options into any argument you have, things you could say that would either tear the relationship asunder entirely or harm it so badly that it would take weeks to repair. They're things your partner is insecure about or secretly fears about herself. They're old slights that you've agreed to bury. They're monsters under the bed you've signed a mutual pact to ignore.
When my wife gets into an argument — any argument, but especially one when she's in a depressive episode — these are the areas she immediately leaps to. And she knows she can say them to me, because I know her well enough by now to know that it's not her who's saying them, not exactly, and that when, after the fight, I explain to her how bad she made me feel, she'll apologize endlessly, through tears. We'll be back together then, the cord that has bound us since 18 as strong as ever.
But in the moment of that terrible fight, all she wants to do is push me off the cliff, so I'll join her and push some button I can't un-push, so we'll just blow everything up, mushroom clouds billowing on the horizon. And because I am the kind of person who fights by trying his very best to pretend he's not in the middle of a fight, it drives her even more to anger, creating a horrible, self-perpetuating loop. She yells. I whisper. She yells louder. We forgive each other.
But sometime, maybe, we won't. Sometimes, we barely outrun that outcome, can feel its ragged, hungry breath on our backs, almost smell its snarl. Sometimes I wonder if I can have children with someone who turns even the smallest of disagreements into the continuation of a long, serialized argument we've been having for more than a decade.
She tells me that the depression wants to corner her, isolate her, get everybody away from her. And over the course of our marriage, she's learned coping skills that have kept the wolves at bay more and more often, have made us the happy, functional couple we are when things are good far more often. We can fight without blowing up the world. Until I misjudge something, or she misjudges something, and it's the end of Dr. Strangelove all over again.
But, hey, the heart is a dum-dum, right?
The question from many who aren't intimately acquainted with depression is this: Why would anybody ever put up with that? Isn't it abusive? Jimmy runs into this, too. Why go back? Why not run off with the seemingly normal, nice bartender? Why not try for a life that doesn't exist alongside the constant possibility of chaos?
Jimmy's own father advises him to leave Gretchen. Jimmy's mother, the old man says, was like Gretchen, and that was fun for a while, but when push came to shove, they just couldn't make it work. They were doomed to fail before they even started, and on some level both of them knew it. (You're the Worst might know this too. The theme song's most constant refrain is: "I'm gonna leave you anyway.")
The fact of the matter is that loving someone with a mental illness is to invite an unseen third into the relationship, who's always just off to the side, a bad houseguest you can't get rid of. This is, I suppose, not as sensitive to the mentally ill as I could be, but then neither is the fact that I am exhausted by my wife's depression sometimes, even as I accept that it's inextricable from all of the things that make me love her. I want to say, sometimes, what about me? What about all of the people who love someone who can turn at any moment into a hurricane? What do we get to say?
We don't talk about mental illness in the United States, not really. We'll quote statistics, or we'll point out that the number one cause of gun deaths is suicide (my wife refused a gun in our home even when we lived in the far more gun-happy Midwest for this reason), or we'll talk about how we need better mental health care in the US, but we don't do anything, because we believe, on some level, that we can snap people out of it. The thought that a problem can't be fixed, only diverted, isn't just harrowing — it feels wrong somehow. We are at once too polite about it and at a loss.
So if we don't talk about mental illness, we really don't talk about those who lived beside it and recognized it and didn't know what to do, those who have lost and been lost. Or, as Jimmy and I might think, we can't talk in polite company about how you can see her lying there, not looking at anything. You know she's there, but she's gone. And who's going to come to comfort you?
To its credit, You're the Worst does not suggest depression can be defeated. It suggests, instead, that it can be lived with. In the second season finale, Gretchen reveals she hasn't been on medication, and Jimmy, agog, insists she renew her prescription and start taking it again.
Gretchen's excuse is, more or less, that she knows how to handle her depression. It comes and goes (my wife calls it a sine wave), and when you're in the middle of it, it consumes you whole, but when you're not, you can go to the grocery store or make love or take a shower. You can be a human being, instead of depression wearing a human being suit.
And this is probably true. Medication, therapy, all those sorts of things — I sometimes wonder if they're more for those of us who love people with depression than they are for those who actually struggle with it. My wife's medication makes her so much better than she's ever been. She has an amazing job, and she's a wonderfully attentive spouse, and when we fight, we just fight like normal married people do. But would she be on it if she weren't trying to placate me on some level?
Every depressed person I've talked to fears on some level, deep down, that maybe the depressed self is their real self, that medication is a sort of cheat or brain hack that evades the reality of their actual personality. We are so accustomed to believe in living our truest possible lives, and in most cases this is a good thing. We Americans can love whom we love openly. We can argue and shout and express ourselves and still like each other. We can openly divulge our political preferences or even our deeply felt thoughts on toothpaste.
It doesn't surprise me, then, that so many I know fear the medication is a kind of lie of themselves, a crutch they shouldn't need, maybe just a better pair of running shoes to outrun the dogs. And as You're the Worst moves into its third season, it can't simply say Gretchen is "fixed" because she's on meds. It has to acknowledge that learning to live with depression is like learning to live with someone you love — you have to figure out how to make all of your stuff fit in the same space.
Here is what I've learned:
A friend once told me that loving someone else is easy, that it's harder to learn to accept yourself as worthy of being loved. As someone with his own baggage (as we all have), this spoke deeply to me. Loving my wife was easy. Letting myself believe she loved me — even in the worst times — was hard. Once we got there, I could truly help her — not to get rid of the depression but to find her way through the mazes it keeps throwing up.
Also, maybe this:
Loving someone is seeing the best possible version of her superimposed over the actual person at all times, even when you hate her. I loved my wife for too long not necessarily for who she was, but for who I knew she could be. And maybe that was terribly unfair to her — okay, it was terribly unfair to her — but it was how I stayed and how we made it through the wilderness.
Also:
Being loved is fearing, on some level, that you are not worthy of that love. It is terrifying and vulnerable, and if you fell in love on the first day of college, it makes a great story so long as you can pretend part of it wasn't a horror movie. But being loved is good when you can trust that the other sees you, yes, but also sees the flaw in the photograph that superimposes your own best self over your rotten, stinking core.
(FXX)
And, above all else:
When you boil it down, life is just physical processes. You don't even have to think about them, about the way you breathe in and out, or the way your heart beats, or the way my fingers type these words even as I think them. Your brain is so good at all of this that it knows how to tune out the sound of your heartbeats.
But if you try, if you really try, you can hear your heartbeat. You can stop the process of your breath. I can keep my fingers from typing.
Depression isn't just a condition or a disease or a mental imbalance. It's a process, a series of them that you can replace with other processes that don't get rid of depression but build better ways of dealing with its lies.
In "Avant Gardener," one of my favorite songs about depression (or, at least, I think it's about depression — it's probably just about a respiratory ailment), singer-songwriter Courtney Barnett sings about a day that starts with her staying in bed too late, before going out to dig up weeds in her garden. "All of a sudden," she sings, "I'm having trouble breathing in."
This is what it is, I think, for both of us, maybe for Jimmy and Gretchen too. It's realizing that you can tell yourself to breathe, that you can, on some level, find a way past this, whether around or through, that even if the medication is a lie, we are all the sum of lies we tell ourselves anyway.
Finally, this:
Here you are. Feel yourself. You are the sum collection of all your joys and fears and disappointments and losses. You are both that and something else. Breathe in. Hold.
Think of her laugh. Think of her smile. Think of the person you were, and the better person she has helped you become. Think of the time she, in the depths of a depressive phase she tried not to label as one, adopted two 10-day-old kittens and bottle-fed them for months, because she doesn't want anything, ever, to have to die. Think of how you used to go, in the middle of the night, to Wendy's drive-thrus and listen to Coast to Coast AM to eavesdrop on people who had constructed their own alternate realities to undergird the universe. Think about how you do the same thing every day, both of you, but it makes things better, because it's what we all do to survive.
Confidence in national government Switzerland 75% India 73% Norway 70% Luxembourg 66% Indonesia 65% Russia 64% New Zealand 63% Germany 60% Sweden 56% Turkey 56%
This Kurdish combat mashup, showcases the women of the YPJ in combat against ISIS, and they are extremely effective.
The women of the YPJ are some of the most feared, and respected fighters in the war against Daesh. They have picked up weapons, and decided that enough is enough.
They’re effectiveness is two-fold. Not only do they bring much needed (wo)manpower to the battlefield for the Kurds, but they also strike fear into the heart of Daesh. This is primarily because Daesh fighters believe that if they are killed by a woman in combat, they will not be granted access to their twisted version of heaven.
Yekîneyên Parastina Jin (YPJ) stands for the Women’s Protection Unit. They were established in 2012 in order to support their brothers in the YPG, and assist in keeping the Syrian Civil War from spilling over into what they consider their territory.
Since their establishment they have seen combat in 14 major Kurdish offensives against ISIS, to include Aleppo, Kobani, and Sinjar. Keep up the good work ladies, we’re all rooting for you to crack as many Daesh-bag skulls as possible.
Robert Dougherty y Darwin Kastle, 2015 – White Wizard Games
2 jugadores, 10 minutos
Tú no conoces a una tal Serra, ¿verdad?
En 2014, dos hall-of-famers de Magicdecidieron sacar su propio juego de cartas: un juego ligerito de construcción de mazos que tuviera algo más de enfrentamiento de lo habitual y muy combero. El resultado fue Star Realms, juego que fue un auténtico pelotazo y que los cuatro que no os lo pillasteis en su momento podéis ya comprar en español gracias a Devir. La cosa es que con el éxito de Star Realms los buenos de Robert y Darwin se vinieron arriba y pensaron: “oye, ¿y por qué no sacamos nuestro propio Magic?” Y hala, Kickstarter que te crió y al rato ya teníamos rondando este Epic. Que sí, que es muy baratito y cabe en un bolsillo pero, ¿merece la pena?
En Epic interpretamos el papel de unos… ¿dioses? Sí, creo que son dioses. O magos. O lo que sea, da igual. La cosa es que tenemos un mazo de cartas con criaturas campeones y hechizos eventos y los jugamos para atacar al oponente y dejarle sin puntos de vida. Sí, ya sé lo que estáis pensando. Y tenéis razón.
Siempre hay una frase de los Simpsons para cualquier situación.
Si ellos no lo ocultan, tampoco voy a guardar yo nigún secreto: Epic es Magic. O casi; en lugar de una copia directa como Force of Will, Epic es un “Magic de bolsillo”, con la idea de que los jugadores del juego padre tengan algo para pasar el rato entre torneo y torneo o una experiencia parecida que poder compartir con amigos no iniciados sin destrozarlos demasiado. Y la pregunta ahora sería, ¿y para qué me voy a comprar un mazo de Epic pudiendo pillarme un par de duel decks por más o menos el mismo precio, o un gritón de cartas comunes por cuatro perras?
Pues porque Epic es eso, épico. Cualquiera que vea una carta al azar de las 120 que componen el mazo pensará: “esta carta está rotísima”. Y lo mismo cuando mire otra, y otra más. Epic es lo que podría ser una ampliación de Magic diseñada por Charlie Sheen: todo excesivo, exagerado e increíblemente descompensado. ¿Me bajas un Demonio Desangrador Comemundos? Pues te lo mato con un Impacto de Cometa de Uranio. Si Magic es un café, Epic es un combo de Red Bull y cocaína.
Esta es la gracia y el defecto de Epic. Curiosamente, han conseguido hacer una copia de Magic que tiene un sabor distinto sin dejar de recordar claramente al juego original. No vas a tener la toma de decisiones ni los quebraderos de cabeza a la hora de encontrar la curva de maná perfecta cuando construyas un mazo (aquí sólo hay dos costes: gratis o una carta por turno), pero puedes sacar el paquetito, marcarte un draft con tres colegas en quince minutos, juntar todas las cartas a capón y ponerte a jugar y te lo vas a pasar pipa al ver que cada carta es más increíblemente burra que la anterior, lo que le da un extraño equilibro dentro de la descompensación y hace que no sea tan automático y aleatorio como pueda parecer en un principio.
Eso sí, el juego bebe muchísimo de su papá y en muchas ocasiones toma por sentado que sabes cosas que no tendrías por qué saber si para ti Magic es simplemente un juego más o incluso algo a evitar porque viene en sobres y es el Mal, y esto hace que si nunca antes has probado este tipo de juegos de duelos de cartas quizá te convenga echarte un par de partiditas para ver si ese estilo de juego te atrae. Pero si ya sabes que te va el rollo, o si eres de los que se alejaron en su momento del mundillo porque no te daba la vida para mantener el ritmo, aquí tienes un buen chute rápido con el que pasar el día.
Created by comedian and writer Adam Conover as a series of four videos for CollegeHumor, Adam Ruins Everything features a (somewhat) exaggerated version of Conover debunking common beliefs.
This year the series made the leap to cable on the Tru TV channel. The original videos were reshot (except, so far, the dogs one) with better production and guest experts and folded into episodes where "Adam Ruins" everything from Giving to Sex.
Some TV episode segments and excerpts are also uploaded to YouTube, so you can watch Conover take on things like the TSA and Wine Snobs.
In true punk rock fashion, Portland-based party dudes Mean Jeans like to put out singles, and they’ve released enough 7″s on various underground labels that most of the band’s fans have had a hard time tracking them all down.
But Mean Jeans completists rejoice! The band has heard your cries and responded with Singles, a 20-song collection of the single sides, compilation tracks, and scattered covers that didn’t appear on the group’s first two albums. Singles brings together plenty of fast, loud, and purposefully goofy numbers that haven’t appeared on LP before, along with one special previously unreleased track.
Featuring tunes like “Stoned to the Bone,” “I Think U Stink,” “Freaked & Geeked,” “Cool 2 Drive,” and “I Miss Outer Space,” Singles is a great way for…
…Mean Jeans fans to catch up on the stray tracks they’ve missed, as well as a solid and snarky introduction to the group’s early work.
1. Stoned 2 the Bone
2. Total Creep
3. Invisible Bugs
4. WTFA401K
5. License 2 Chill
6. Bogus Memories
7. I Think U Stink
8. Tears in My Beers
9. Cool 2 Drive
10. I Remember How (White Wires)
11. RU Mental
12. Forever Young (Sparks)
13. Freaked and Geeked
14. Let’s Go B4 I Blow My Brains Out
15. Gonerfest Theme
16. Possessed to Party
17. Terminally Twisted
18. I Miss Outerspace
19. Since You Left (Big Eyes)
20. Keystone Light
La gente vota, principalmente, por un único motivo: sentirse bien.
Este afán de postureo tan sumamente esPPPPPPPañol es el que, por desgracia, va a conducirnos el próximo 20 de diciembre a la constatación de que un partido político edificado sobre los sólidos y milenarios pilares del cuñadismo vaya a administrarnos por vía rectal una dosis todavía más pura de la misma medicina que llevamos
Es uno de los mayores expertos en drogas y contracultura de nuestro país. Juan Carlos Usó (Nules, 1959) es autor de clásicos como 'Spanish Trip', 'Píldoras de Realidad' y 'Drogas y cultura de masas'. Ahora publica un nuevo libro, tan claro como profusamente documentado: '¿Nos matan con heroína'? Sobre la intoxicación farmacológica como arma de estado" (Libros Crudos). Un texto donde aporta contexto histórico, desmonta mitos izquierdistas y aboga por la despenalización como salida al sufrimiento social relacionado con los estupefacientes.
Después de su lectura, resulta imposible tomarse en serio a quienes defienden que "el sistema" inundó el Primer Mundo de drogas para neutralizar las rebeliones juveniles. "Tuve una doble motivación para escribir este libro. Por un lado, contribuir a desmitificar uno de los aspectos más controvertidos de la historia contemporánea y, por otra parte, hacer justicia a todas las personas que ya no están para poder decir “tomar drogas fue una decisión mía”... Y yo añadiría, tan respetable como cualquier otra", explica.
Pregunta- Una de las tesis centrales del texto dice que, desde ambientes underground hasta la izquierda ilustrada, ha calado la falsa certeza de que los poderes públicos usaron la heroína como arma para desmovilizar a la juventud occidental. ¿Cómo es posible que una premisa falsa sobreviva tanto tiempo?
Respuesta- Por el poder que posee el mito... Hay una cita de la escritora Clara Usón, que he utilizado al comienzo del penúltimo capítulo de mi libro que ilustra perfectamente esta idea: “El mito tiene una fuerza lírica y una belleza estética de la que la historia carece. El mito rectifica la historia, es como si dijera: puede que las cosas no sucedieran de este modo, pero así es como debieran haber sido, como queremos recordarlas, y una derrota heroica es más digna de memoria que una victoria dudosa”.Los humanos somos proclives al autoengaño y el mito consigue hacernos más tolerable la realidad. Sin la ayuda del mito, la realidad se nos indigestaría.
P- La polémica llega hasta nuestros días con una querella que el sindicato de policía pone Juan Carlos Monedero, que en unas declaraciones acusaba a la fuerzas de seguridad del estado de inundar España con heroína durante la Transición. ¿Crees que un libro con tantos datos como el tuyo puede zanjar esta polémica o que los partidarios de la “conspiranoia” son ajenos a cualquier tipo de argumento? ¿Se tendrá que resolver esto por vía judicial?
R- Mi tocayo es uno más de los muchos que se han expresado en ese sentido. Lo que sucede es que contra la gente de Podemos hay una operación de acoso y derribo desde los orígenes de la formación francamente impresentable... No creo que mi libro acabe con la “conspiranoia”, ni mucho menos. Sería tan ingenuo como pensar que la historia puede acabar con la mitología y, de paso, con la mitomanía. Me extraña que los “conspiranoicos”, tan seguros como están de la existencia de un plan oculto para la diseminación calculada de heroína desde altas instancias, no hayan llevado el caso al Tribunal Internacional de La Haya. Por lo demás, no creo que nada de todo esto acabe dirimiéndose en los tribunales.
P- Demuestras que en el caso del País Vasco, la heroína fue arma arrojadiza entre los dos bandos: se acusó a ETA de tráfico para comprar armas y a la policía de fomentar el consumo para dirigir a la juventud hacia paraísos artificiales ajenos a la militancia. De hecho, ETA se tomó tan en serio la lucha contra esta supuesta trama que atentó profusamente contra “camellos” y salas de fiesta. ¿Cómo se llega a este punto de locura? ¿Cómo se dio marcha atrás?
R- Verás, creo que suele confundirse la aparición o la creación del fenómeno heroína, con su instrumentalización. Durante años en Euskadi se vivió un conflicto político y social muy acusado, que algunos autores han llegado a calificar de guerra de baja intensidad. En todas las guerras modernas, una de las batallas más enconadas suele ser la de la propaganda. De tal manera, los dos bandos enfrentados hicieron todo lo posible e imposible por instrumentalizar el fenómeno en su beneficio. No hubo marcha atrás. En cuanto se decretó el alto el fuego, se acabó la propaganda y los intentos por instrumentalizar el consumo y tráfico de heroína.
P- Otra conclusión muy potente del libro es que la heroína no fue un problema tan general y extendido, sino que hubo mucho de folclore mediático y exageración por parte de los partidarios de la teoría de la conspiración. El problema llega incluso a novelas de escritores actuales como Javier Cercas. ¿Fue el potencial dramático de esta droga, más que su impacto real, lo que nos hace percibirla como un problema central de la Transición?
R- Estoy absolutamente convencido de ello. No hay más que hacer un seguimiento de los barómetros del CIS para llegar a la conclusión de que el llamado “problema de la droga” es más mediático que real. En el caso concreto de la heroína, te diría más... Su potencial dramático no estuvo tan vinculado a la sustancia en sí como a su principal vía de empleo: la ruta intravenosa, sin duda la más aberrante y, por tanto, memorable que existe.
P- Afirmas que, en el fondo, todo este debate se debe enmarcar en lo que el filósofo Pascal Bruckner ha descrito como una tendencia a la infantilización y a la victimización de toda la sociedad occidental. ¿Por qué vías se pueden evitar caer en estas dos dinámicas?
R- No soy filósofo, desde luego, pero sólo se me ocurre una fórmula magistral para eludir esa peligrosa deriva: una buena dosis de responsabilidad sazonada con unas gotas de amor propio.
P- Analizas a fondo La Movida, con una inquietante frase de Alaska que dice que “la nuestra no fue una generación biológica, sino una generación de descartes” y otra de Sabino Méndez (guitarra y compositor de Loquillo) que señala que se trata de cierta juventud que “se acostumbró a ignorar las diferencias entre el capricho y las primeras necesidades”. ¿Cómo valoras ese fenómeno cultural ahora que tenemos más perspectiva?
R- A mi juicio la tan cacareada Movida no fue sino la versión madrileña de la explosiva vitalidad que estalló en España tras la muerte de Franco. He de precisar que mi visión surge en la periferia. En este sentido, mi valoración del fenómeno siempre fue muy positiva, pues mientras los medios de comunicación tuvieron puestos los focos de atención sobre lo que sucedía en Madrid, en Valencia y su zona de influencia –que es por donde yo me moví durante los 70 y los 80– pudimos gozar de una libertad fuera de lo común.
P- Otra aportación crucial del libro es señalar un factor muy poco debatido: la escasa preparación y presupuesto de la policía española, que pudo llegar a confundirse con tolerancia e incluso fomento del tráfico de drogas. ¿Hasta qué punto llegó esta precariedad y cómo empieza a resolverse?
R- Si no estoy mal informado, el primer aparato de rayos X que hubo en el aeropuerto de Barajas se instaló en 1982. Ese dato lo dice todo acerca de la precariedad de medios policiales. Diez años más tarde, a partir de la celebración de los Juegos Olímpicos de Barcelona y la Expo de Sevilla, llegó a España la modernidad y comenzaron a suplirse todas esas carencias.
P- ¿Dirías que vivimos una desdramatización de las drogas en la cultura popular actual?
R- Creo que la desdramatización de las drogas y su incorporación a la denominada cultura popular es algo que comienza durante los años 20 del siglo pasado, cuando se constituyen en el tema central de canciones, novelas, cuadros, viñetas gráficas, películas... Otra cosa es que durante los últimos años esta dinámica se haya acelerado. En este sentido, me permito recomendar el libro del psicólogo social David Pere Martínez Oró: 'Sin pasarse de la raya. La normalización de los consumos de drogas' (2015).
P- En el texto te muestras como un firme partidario de la despenalización de las drogas. ¿Podrías resumir tus argumentos y explicar en qué estado se encuentra esta batalla? Parece que, con la crisis, hay algunos gobiernos más proclives a tomar en serio esta posibilidad.
R- Antes de la prohibición el control y la dispensación de drogas estaba en manos de profesionales de la salud: médicos y farmacéuticos… y también drogueros, que eran los mayoristas, los que suministraban a los boticarios. Al imponerse la política prohibicionista, o sea, Después de la Prohibición el control pasó a manos de la policía –y demás cuerpos de “seguridad”– y la dispensación a manos de criminales. Y así nos va. Me parece un argumento más que suficiente para abogar por la despenalización. Por eso mismo, ahora la punta de lanza del movimiento antiprohibicionista ha pasado de Europa al continente americano, donde se concentran los países más castigados por los efectos perversos de la prohibición.
P- En el texto no hablas de tu experiencia con las drogas, ni de la de tu círculo. No sé si te animarías a explicar un poco cómo ha sido tu trayectoria de uso o de rechazo y cómo crees que ha influido en las tesis que expones. Al menos, de dónde nace el interés por el asunto que te ha llevado a convertirte en uno de los máximos expertos españoles.
R- Mis experiencias con drogas no han influido directamente en mi obra, aunque sí indirectamente. Me explico. Normalmente, cuando se habla de drogas, se cargan las tintas sobre la oferta, dejando de lado la demanda. Es más, a los consumidores se les suele presentar como víctimas involuntarias, una especie de buzones, que están ahí para que se traguen lo que les echen. No se tiene en cuenta para nada su voluntad, porque se supone que no tienen, que su cerebro está químicamente secuestrado. En las sociedades consideradas libres, las decisiones de las personas son respetadas en materia de sexo, política, opinión, religión… pero no en materia farmacológica. Es absolutamente denigrante e inadmisible... Por otra parte, en 1914 Herbert Clark Hoover, que más tarde sería presidente de los EEUU, declaró que la Harrison Narcotics Tax Act era “el mayor experimento moral de la Historia”. Lo cual convierte la prohibición de las drogas en un asunto de mayor envergadura que las cruzadas, la evangelización en América, las Guerras de religión, etc. Demasiada golosina para un historiador, ¿no te parece que mi interés por el tema está más que justificado?
Have you ever seen a perfectly positioned and filtered shot of a girl in the cutest OOTD and wondered exactly how she got that shot? Well, no. It wasn’t with a $700 camera, a tripod, and all of the experience she gained from taking some photography classes for “fun” in college.
It was because she is in possession of the very covetable, Instagram husband. He’s a walking, sometimes talking, selfie stick there purely to make her #flawless against that brick wall.
He’s there, snapping away from behind a silver 6S Plus just praying he gets the perfect, “candid but impeccably angled and begging for an inspirational caption” shot so they can get out of this fucking alley and go home.
He’s there, potentially annoyed but sitting politely and silently as she creates QUITE the scene taking pictures of her food instead of fucking eating her food.
He’s there, taking a centered shot of an air plant in her manicured, cupped palms and doesn’t even question it even though without Instagram, no one would give a shit about air plants.
He’s there, taking pictures of his shoes in the middle of traffic even though we know he doesn’t give a shit and even though everyone else is pretty sure standing under a stoplight like that is illegal.
He’s there, scaling walls and risking life and limb for the craziest and most impressive picture. Because god FORBID that damn photo get less than 400 likes.
He’s there, letting her selfie, letting her Google Mumford and Sons lyrics for the perfect caption, reminding her where they put the music note emoji after the update, and letting her obsess between Valencia and Crema. And he takes it all in stride like the goddamn champ his is.
So here’s to you, Instagram Husband. We recognize that your life is not nearly as perfectly filtered as your Insta-Wife’s page would have us believe. But we thank you for making our procrastination in the pharmacy line all the more aesthetically pleasing.
Description: Mai-chan's Daily Life: The Movie is presented in Japanese with no English language option or subs. Understanding the spoken (and written) word is not really important to your enjoyment of this film. I'll help you along with the screenie captions, but this is really all you need to know:
Mai-chan can heal quickly from horrendous injuries and mutilations, including the ability to regenerate lost appendages, limbs, and organs. She gets a job as a maid with a sadistic 'Master', and he has others mutilate her for his own gratification.
It’s no secret that Jared isn’t handling his quarter-life crisis well, but you had hoped it would take the form of excessive Snapchatting or a sudden obsession with juicing. Hell, maybe he’d even consider taking a yoga class together. But, no. Jared just kept buying hookahs. Here are the five hookahs your now-ex-boyfriend bought for reasons even he can’t articulate.
It started simply enough. You came home one day and found this hookah on the living room floor. Huh, you thought to yourself. I guess we own a hookah now. And in that moment, it was sort of pleasant. You imagined having another couple over, showing them the hookah. It’s a great gateway to asking other couples if they know where to get weed, you thought to yourself. It seemed innocent enough. But it wasn’t at all. It was a golden two months of revelry before you came home and found…
2. The Octagon ($164.95, Mya Hookah)
This totally different hookah. “That’s okay,” you said aloud to yourself. “This is all okay.” It was a nicer hookah. It’s totally normal for your boyfriend to buy a luxury hookah. The couple with the luxury hookah, you thought to yourself, I can be that, right? And then came:
3. Patron XO Café Liquor Bottle Hookah ($95, Hookaholics.com)
Three hookahs. You guys now collectively own three hookahs. “What the fuck, Jared?” you asked him. He didn’t say anything. “Too many hookahs, Jared,” you elaborated. This amount of hookahs could only lead to…
4. Ciroc Batman Hookah ($95, Hookaholics.com)
The stupidest hookah ever conceived. A hookah that celebrates buying alcohol, playing flip cup, pre-gaming at stupid dorm parties, and your boyfriend and his friends lounging around like idiot kings. Visages of hookahs haunted your dreams, delicious rose-flavored demons tearing at your psyche. Just when you thought it couldn’t get any worse, you walked into your room one night and found…
5. The Skull Hookah ($125, Etsy)
I can’t believe Jared would invite this kind of evil into the apartment, you thought to yourself. What an idiot. You have to get out of there. The hookah energy in the apartment is reaching critical mass. “Goodbye, Jared,” you want to tell him, but instead he offered you a toke of his bomb-ass new hookah.
Jared belongs to the hookahs now, to a cheap symbol of his fading youth, and he’s probably out there somewhere, still eyeing an ugly, overpriced hookah on eBay.
When the temperature drops and tree branches are bare, there is only one thing that can cheer me up: Harry Potter. I started reading the books at ten years old (the same age as Harry at the beginning of the first book!), and quite literally grew up with the characters. At midnight on July 21st, 2007, I went to Borders Books (RIP), bought the final book in the series, drove straight home, and locked myself in the living room. Hours later, I emerged, soaked in tears. The series had ended, but my love (and dreams of tasting butterbeer) never would.
Mentioned in passing in previous books, it's not until things get real in the last book that Harry gets his first taste (and mentions it quite a bit... It was a really stressful time, I don't blame him). Much like Muggle whiskey, it makes the drinker feel warm, bold, and very drunk.
The firewhisky seared Harry's throat. It seemed to burn feeling back into him, dispelling the numbness and sense of unreality, firing him with something that was like courage.
Diagon Alley's premier scoop shop was a safe haven for Harry after escaping from the Dursleys before his third year at Hogwarts, and he spent the tail-end of his summer vacation eating sundaes and getting some helpful history lessons on wizardry during the dark ages from the scoopmaster himself.
[...]Harry scribbled everything Florean Fortescue had ever told him about medieval witch-hunts, while wishing he could have had one of Fortescue's choco-nut sundaes with him in the stifling classroom.
Aunt Petunia's masterpiece of a pudding, the mountain of cream and sugared violets, was floating up near the ceiling. On top of a cupboard in the corner crouched Dobby.
"Then Dobby must do it, sir, for Harry Potter's own good."
The pudding fell to the floor with a heart-stopping crash. Cream splattered the windows and walls as the dishshattered. With a crack like a whip, Dobby vanished.
Harry's favorite dessert. He loves it so much, it's what he smelled when exposed to the world's strongest love potion.
[...] a gold-colored cauldron was emitting one of the most seductive scents Harry had ever inhaled: somehow it reminded him simultaneously of treacle tart, the woody smell of a broomstick handle, and something flowery he thought he might have smelled at the Burrow. {...]
"It's the most powerful love potion in the world!" said Hermione. [...] "it's supposed to smell differently to each of us, according to what attracts us."
[Madam Puddifoot's Tea Shop] was a cramped, steamy little place where everything seemed to have been decorated with frills or bows. Harry was reminded unpleasantly of Umbridge's office.
"Cute, isn't it?" said Cho happily.
"Er... yeah," said Harry untruthfully.
"Look, she's decorated it for Valentine's Day!" said Cho, indicating a number of golden cherubs that were hovering over each of the small, circular tables, occasionally throwing pink confetti over the occupants.
There were shelves upon shelves of the most succulent-looking sweets imaginable. Creamy chunks of nougat, shimmering pink squares of coconut ice, fat, honey-colored toffees; hundreds of different kinds of chocolate in neat rows; there was a large barrel of [Bertie Bott's] Every Flavor Beans, and another of Fizzing Whizbees, the levitating sherbet balls that Ron had mentioned; along yet another wall were "Special Effects" sweets: Drooble's Best Blowing Gum (which filled a room with bluebell-colored bubbles that refused to pop for days), the strange, splintery Toothflossing Stringments, tiny black Pepper Imps ("Breathe fire for your friends!"), Ice Mice ("Hear your teeth chatter and squeak!"), peppermint creams shaped like toads ("Hop realistically in the stomach!"), fragile sugar-spun quills, and exploding bonbons.
"Anyway—Harry," said the giant, turning his back on the Dursleys, "a very happy birthday to yeh. Got sumat fer yeh here—I mighta sat on it at some point, but it'll taste all right."
From an inside pocket of his black overcoat he pulled a slightly squashed box. Harry opeened it with trembling fingers. Inside was a large, sticky chocolate cake with Happy Birthday Harry written on it in green icing.
¿Es posible entender lo que implica Drácula en el género del terror? David J. Skal lo intentó explicar y salió vivo del intento. Estamos ante una de las historias más enrevesadas de nuestra historia cultural reciente. Este libro arroja algo de luz sobre una de la figuras más complejas del género.
El crítico cultural y cineasta David J. Skal (1952) es el artífice de Hollywood Gótico (1990), el primer ensayo del autor y que, sorprendentemente, permanecía inédito en castellano a pesar de que otras obras suyas posteriores sí habían visto la luz. Y digo sorprendente porque el tema tratado es indudablemente atractivo. Como se indica al comienzo, es posible que el mito de Drácula sea uno de los más conocidos dentro de la cultura pop:
“Aunque desconozcamos por completo los orígenes del mito, la mayoría de nosotros somos capaces de recitar sin que nadie nos las sople las características más destacadas del vampiro: que duerme durante el día para alzarse de su lecho-ataúd con la llegada del crepúsculo y nutrirse con la sangre de los vivos; su facultad de asumir la forma del murciélago, el lobo o la niebla; que puede ser destruido atravesándole el corazón con una estaca y rechazado eficazmente mediante el uso del ajo, el acónito, el crucifijo o el poder de la Eucaristía. Hemos recibido la información, no mediante la experiencia directa sino a través de una curiosa transfusión cultural… y sin embargo, a determinado nivel psicológico, debe de reflejar alguna especie de conocimiento universal, por muy velado o recóndito que sea.”
En esta “enmarañada historia de Drácula” el autor se propone dar luz a esas sombras de hechos no tan conocidos y que conforman la historia del personaje, e incluso ahonda en las razones de su atractivo; está claro que Drácula añade una sutileza al monstruo que nos aterroriza: su capacidad de convertirse en una persona normal y corriente, perop con la capacidad de ser subyugadora y seductora:
“El atractivo de Drácula es decididamente ambiguo. La negra capa y la enfática corbata blanca, tan llamativos a primera vista, rápidamente despliegan infinitos matices de gris. La mayor parte de los monstruos despojan y aplastan. Únicamente Drácula seduce y a menudo corteja antes de matar. Al contrario que otros monstruos, no siempre resulta reconocible como tal. Drácula parece en demasiados aspectos uno más entre nosotros. Con sus zapatos de charol y su pelo no menos acharolado, se burla de nuestros conceptos de civismo y sociedad, utilizándolos como atrevido camuflaje para acechar mejor entre nosotros, sus lectores, sus espectadores, su presa. Drácula no empezó en Hollywood, pero viajó hasta allí llevado por un impulso inexorable. El propio medio del cine tiene sus orígenes en los atavíos del ocultismo.”
El propósito del norteamericano, por lo tanto, fue desgranar la figura desde sus inicios, y no podría hacerlo de mejor forma que yéndose al texto que supuso la consagración y, al mismo tiempo, inicio de su fama:
“Éste no es el primer libro que se escribe acerca de Drácula y tampoco será el último, pero hasta la fecha la mayoría de los enfoques han ignorado en gran medida la fascinante historia –que en la actualidad abarca más de un siglo- de los hombres y mujeres cuyas vidas acabaron entrelazadas con el peculiar poder del mito. Drácula ha ejercido una atracción irresistible y, en ocasiones, faustiana sobre numerosos individuos que se han servido de la cada vez más poderosa maquinaria de la edición, la dramaturgia y la cinematografía para explotar el poder de la historia y extender su influencia.
Al margen de cualquier cosa que pueda ser, Drácula resulta uno de los textos más obsesionantes de todos los tiempos, un verdadero agujero negro de la imaginación. La historia parece rejuvenecer con el paso del tiempo, extrayendo vitalidad de su longevidad y atrayendo a un público cada vez más amplio.”
Para ello analiza la obra de Bram Stoker desde un punto de vista bastante imparcial. No duda en reconocer que el autor posiblemente no fuera un verdadero estilista ni un innovador; ello no fue óbice para creara uno de los textos más influyentes y obsesivos en el género:
“La novela de 1897 de Bram Stoker, Drácula, presenta uno de los rompecabezas más fascinantes de la historia de la literatura, un libro que ha alcanzado el estatus de clásico menor en base a su obstinada longevidad y a su perturbadora resonancia psicológica, más que por sus logros técnicos o narrativos. Stoker no era un innovador ni un estilista distinguido –incluso sus críticos más devotos no pueden evitar la palabra “plumífero” en relación con sus obras menores- y, sin embargo, Drácula sigue siendo una de las novelas más leídas de finales del siglo XIX. Nunca ha dejado de estar en circulación. Sus adaptaciones teatrales y cinematográficas se cuentan entre las más indelebles e influyentes del siglo XX, y el legado de Drácula sigue creciendo en el XXI.”
No se queda ahí Skal, sino que intenta explorar las influencias que le llevarían a la creación de su obra en particular; señala como texto fundacional El vampiro de John Polidori, que inicialmente se atribuyó a Byron:
“Un amigo íntimo de Byron, el doctor John Polidori, insufló nueva vida al villado de Lamb cuando tomó el nombre prestado para su propio misterio romántico: ‘El vampiro’. En este relato de 1819, Polidori introdujo por vez primera varios de los motivos que vincularían para siempre a Byron con los vampiros; de hecho, en su primera edición, incluso la autoría del mismo fue atribuida de manera fraudulenta a Byron. “
También considera que Le Fanu y su obra Carmilla (1871) debieron ser una influencia decisiva a la hora de configurar definitivamente su personaje:
“Una obra que sin duda cautivó la imaginación de Stoker fue la elegante novela corta ‘Carmilla’ de Joseph Sheridan Le Fanu, en la que el lesbianismo de buen gusto añadía picante al guiso literario vampírico. Le Fanu, otro dublinés con cuyos refinados relatos de fantasmas Stoker muy probablemente debía de estar familiarizado, relata una historia de talante onírico en la que los recuerdos de infancia, el vampirismo y el amor homosexual se desarrollan con la lógica surrealista de un cuenta de hadas. Laura, una joven que reside en una especie de castillo de cuento en la provincia austríaca de Estiria, es la narradora de la historia.”
Me fascina especialmente el análisis que realiza de la obra de Stoker:
“Los enigmas interpretativos a los que esto da pie son prácticamente incontenibles. Si Stoker no pretendía aportarle a su novela un mensaje implícito, ¿es legítimo intentar imponérselo a posteriori? Drácula, por ejemplo, ha acabado siendo considerada en muchos ámbitos como una incitante piedra Rosetta para los aspectos más oscuros de la psique victoriana y ciertamente cumple tal función de manera admirable, tal como atestiguan cientos de artículos y estudios académicos. Pero Drácula también puede ser fructíferamente leída como una alegoría (o parodia) del cristianismo, como parábola de la xenofobia cultural, como texto ocultista o como un escasamente velado tratado darwinista e incluso marxista. La conclusión ineludible es que Bram Stoker, trabajando de manera en gran medida intuitiva, pero sin duda impulsado por no pocos demonios personales, fue a dar con un pozo artesiano de motivos arquetípicos tan profundo y persistente que es capaz de adaptarse a la forma de prácticamente cualquier contenedor crítico.”
Consciente o inconscientemente el británico dotó a su obra de una miríada de posibles interpretaciones que sirven para enriquecer aún más el fenómeno. Tantos niveles de lecturas no hacen más que engrandecer un texto tan polisémico como este y lo llevan más allá de simplificaciones generalistas.
Quizá una de las cosas que menos se espera el lector del ensayo es la detallada descripción de la lucha de derechos que se desencadenó tras el éxito de la novela y es ahí donde todo se enmaraña, como dice el subtítulo de la novela; buen ejemplo es el siguiente fragmento acerca del estreno de una adaptación de la novela, Nosferatu, sin contar con la viuda:
“Thring siguió leyendo para averiguar que el acontecimiento en cuestión era una versión cinematográfica alemana de la novela Drácula, de Bram Stoker; “una adaptación libre”, según el programa, afirmación airadamente ratificada por la viuda de Stoker, que ni había dado su autorización ni había recibido pago alguno por ‘Nosferatu, eine Symphonie des Grauens’. Esta “sinfonía del horror” era la primera película de una empresa llamada Prana-Film y parecía una producción bastante elaborada, si bien tremendamente morbosa. El estreno había sido suntuoso, con acompañamiento orquestal en directo, y había recibido una generosa cobertura por parte de la prensa cinematográfica. Era evidente que no estaban escatimando en gastos.”
Inevitablemente, en estos casos siempre surgen las típicas figuras de aquellos que consideran que no puede ser interesante adaptar al cine a cierto personaje o a cierto género y lo disfrazan con las opiniones de un público que suponen conocer. El tiempo revela que tal cosa no es así: Drácula es una de las figuras más fascinantes del cine de terror y no solo no pierde vigencia sino que sigue renovándose:
“Freedman añadió que tuvo que ‘conseguir interesar en el proyecto a varios directores y a uno o dos productores individuales’ antes de que Universal accediera, a finales de junio, a comprar ‘Drácula’ por cuarenta mil dólares. Según explicaba Freedman años más tarde, ‘conseguí cerrar la venta a pesar de la tajante oposición, por escrito, del señor Laemmle padre.’ Tal como afirmó este último ante un entrevistador, refiriéndose a ‘El Doctor Frankenstein’ (James Whale, 1931), producida por Universal al año siguiente: ‘No creo en las películas de horror. Son morbosas. Ninguno de nuestros directivos está a favor. El público no desea este tipo de producto. Junior es el único que está empeñado.’
Hablar de Drácula es hablar de Bela Lugosi. Skal es muy consciente de lo que supuso el actor para la consolidación del mito y lo compara con Marilyn Monroe. Ambos se convirtieron en arquetipos: tal fue la identificación de actor y personaje que a veces es difícil distinguir los límites entre personaje y vida real. Sexo y muerte confluyen de manera inversa en ambos para quedarse eternamente unidos en el subconsciente colectivo:
“Pero la víctima más dramática y desdichada de cuantas cruzaron sus caminos con Drácula fue sin duda Bela Lugosi, cuya abrumadora identificación con el personaje desdibuja los límites entre la ilusión y la realidad, el vampiro y la víctima, e incluso entre la vida y la muerte. La tragedia de Lugosi solo palidece, quizás, ante la de Marilyn Monroe como ejemplo de intérprete completamente atrapado por una imagen arquetípica. (De hecho, varios conservadores de archivos y colecciones de todo el país afirmaron ante el que esto suscribe que los recuerdos relacionados con Bela Lugosi son los que mayor tendencia tienen a ser robados… por detrás de los de Monroe. Estos iconos gemelos del sexo y la muerte poseen, al parecer, una misma capacidad de incitar el deseo y la posesividad de los monomaníacos. En la adoración de Drácula encontramos la muerte a través del sexo; en la idolatría postmortem de Monroe encontramos el sexo a través de la muerte.”
Es Pop Ediciones, a través de la figura de su editor y traductor, Óscar Palmer, vuelve a seleccionar otro de esos textos que no pueden permanecer olvidados y que interesará a todos los aficionados al género o, simplemente, a aquellos interesados en discernir los derroteros por los que avanza una buena parte de nuestra cultura. El texto que extracto a continuación es una buena manera de concluir esta crítica:
“Sombras, se diría, persiguiendo sombras.
Tal como observó Bram Stoker en ‘La joya de las siete estrellas’, ‘es en los arcanos de los sueños donde las existencias se funden y se renuevan, cambian para seguir siendo las mismas, como el alma de un músico durante una fuga’.
Y en los arcanos de Drácula, una fuga de luces y sombras, el siglo XX forjó algunos de sus sueños más perturbadores y sin embargo irresistibles, visiones urgentes que deben ser afrontadas, asimiladas, imágenes de violencia y oscuridad, sustancia y alma, identidad y sangre.
La sangre, después de todo, es vida. Y Drácula es la corriente sanguínea que nutre los sueños que nunca terminan.”
Drácula sigue y seguirá nutriendo nuestros sueños, aquellos sueños terroríficos que nunca terminan.
Los textos provienen de la traducción de Óscar Palmer Yáñez de Hollywood Gótico de David J. Skal para la editorial Es Pop Ediciones.
Esto que veis aquí es una deliciosa y refrescante bebida mexicana. Por el color podeis deducir que se trata de cacao... pero en realidad os sorprendería porque no sabe exactamente como las bebidas de cacao habituales por Europa:
se toma fría (a ser preferible muy fría)
es de agua
se tiene que tomar con espuma, mucha espuma (es lo que veis arriba)
tiene posos, y de hecho parte de la tradición es comerse esos posos al terminar la bebida
A mi me gusta mucho, pero en general, por lo que pregunto a conocidos, a la mayoría de la gente no le entusiasma nada esta bebida, y para muchos es incluso desagradable. A mi que me gusta, os indico que tiene un poder refrescante sorprendente. La bebida no se suele preparar muy dulce y con el sabor amargo del cacao y el frescor del agua, queda uno sin sed.
Nota importante, esta hecha con cacao, no con chocolate: es la semilla de cacao entera molida, con lo que tiene tanto el polvo de cacao como la grasa. Además lleva otras semillas, maiz, ... así que sabe más bien harinoso.
Aunque os he dicho que es tradicional, muchos de los mexicanos no conocen ni han probado esta bebida. He preguntado a muchos amigos si conocían el tejate, y cuando les explique que era una bebida de cacao Oaxaqueño, ellos pensaron que me refería al chocolate oaxaqueño (que es una cosa bien distinta, que se parece más al chocolate caliente que tomamos nosotros).
Mi versión casera no es muy tradicional, es de un preparado ya en polvo:
Que no penseis que es fácil de conseguir, como os he dicho antes, no es una bebida muy popular fuera de los pueblos y regiones de donde es originaria. Pero bueno, de cuando en cuando uno se encuentra con vendedores ambulantes que venden productos regionales (si ya se que esta foto parece de un producto industrial, pero lo compré en un puestecillo ambulante).
Nota, no existe un sólo tipo de bebida de cacao... si no que en varias regiones de México se hacen bebidas parecidas, pero con ingredientes y nombres diferentes. Vamos a repasar unas cuantas:
Tejate (Oaxaca)
Oaxaca es un estado caluroso, así que el tejate fresquito es una necesidad. Especialmente en los pueblos y lugares pequeños. No solo se considera un refresco saludable, si no que tiene connotaciones religiosas y de orgullo indigena para los Oaxaqueños.
Ingredientes: harina tostada de maiz, granos de cacao fermentados, semilla de mamey y flor de cacao
Bebida de Cacao (Tlaxcala)
Si, ya se que se hace raro que en Tlaxcala no tengan un nombre propio sonoro para esta tradición: la llaman sencillamente bebida de cacao o agua de barranca.
Ingredientes: cacao tostado, maiz tostado, haba tostada, canela, anis y azucar
Si el tejote tiene espuma, me atrevería a decir que en Tlaxcala, aún tiene más espuma. Nota, a pesar de que lleve anís, no es muy intenso... el sabor es parecido al tejate, sólo se le nota más el sabor a canela.
Otra cosa llamativa, es que si bien el tejate es de ingredientes típicamente americanos, la de Tlaxcala es mestiza: la haba, la canela y el anís llegaron con los conquistadores.
Pozol (Chiapas, Tabasco y Yucatan)
En el sur (las zonas de cultura Maya) se prepara tambien una bebida que puede llevar cacao (o no). Se llama pozol.
Ingredientes: maiz (nixtamalizado) y cacao
Yo no he podido probar Pozol aún (o eso creo, a lo mejor si que lo probé y pensé que estaba tomando un tipo de tejate), pero se me hace que esto va a ser bien diferente. Fijaos que si bien las otras dos bebidas se hacían con maiz tostado, en este caso se hace con pasta de maiz (ya no tiene el sabor amargo y ahumado de lo tostado). Además no incluye ya ni otros ingredientes ni especias, debe ser un sabor mucho más sencillo.
Popo o chiroo (Puebla/Veracruz/Oaxaca)
El popo es otra variante de este tipo de bebidas, que tampoco he probado. Tendría que visitar esta región de México, porque nunca he visto nada de este estilo en la ciudad (puedo investigar, pero sospecho que no llega a Ciudad de México).
Otra vez más la receta es mestiza porque tiene productos que no son originarios del nuevo mundo: arroz, canela y anís, pero por contra ingredientes autóctonos como el cacao y el axquiote.
Por aquí me tenéis de nuevo en la serie de artículos que escribo para Orgasmatrix.com, esta vez tirando al suelo otro de esos mitos del porno: Las corridas falsas.
Y es que aunque parezca mentira, un tanto por ciento muy elevado de la sagrada ambrosía que veis en pantalla es simplemente lubricante blanco, crema hidratante o incluso medicamentos para la tripa. Si, habéis oído bien.
¿Quieres saber los variados motivos por los cuales que se fingen las corridas? ¿Qué tipos de mejunje se utilizan para simular el nectar divino? ¿Los trucos más cotizados dentro de la industria?
Mucho se ha especulado en esta página sobre el tamaño real de los miembros viriles de los actores porno y veo que pocos se quejan de una de las prácticas más establecidas dentro la industria: las corridas falsas. Primero y antes de nada hay que analizar el porqué de este fenómeno. ¿Qué lleva a una compañía a querer falsear el semen?
El primer caso es el más obvio: el actor no se puede correr. Por el motivo que sea (no está in the mood, es la tercera escena que hace ese día o simplemente el cuerpo no responde correctamente a la llamada) se hace necesario fingir el climax.
La segunda opción viene dada por los requerimientos prácticos de la escena. Hay compañías especialmente dedicadas a los “big loads”, así que muchas veces hay que falsearla para que cumpla con los estándares de la productora.
El tercer caso es el más temido por los camarógrafos de la industria: la eyaculación no se ha grabado por problemas técnicos. El actor se ha corrido como dios manda pero o bien alguien ha tapado el plano (La actriz ha puesto la mano en medio, el actor se ha movido y ha bloqueado la toma, etcétera) o bien la tarjeta de memoria se llenó en el peor momento, o bien la cámara se quedó sin baterías para desgracia de todo el equipo. Como no puede repetirse la corrida, toca fingirla.
En la cuarta categoría incluiré lo que yo llamo “creampies perdidos”. El actor se ha corrido de verdad dentro de la chica pero por algún motivo el semen no acaba de salir del sagrado orificio, así que hay que utilizar otros medios para demostrar al espectador que en efecto, ahí ha habido un orgasmo.
Parecía que todo iba a quedar en agua de borrajas, pero finalmente el líder de Def Con Dos se sentará en el banquillo de la Audiencia Nacional por unos cuantos mensajes en Twitter. Estas canciones nos sirven para desearle muchos ánimos… y también para constatar que la libertad de expresión en España retrocede peligrosamente. Porque, cuando salieron editadas, nadie levantó una ceja.
Cualquiera diría que los delitos de opinión son cosa del pasado, y que hoy en día cualquiera puede permitirse desbarrar en las redes sociales sin miedo a más represalias que unas cuantas respuestas airadas y un vapuleo (merecido o no) a su imagen pública. Pero que si quieres arroz, Catalina: pese a haber sido previamente desestimada por no hallarse en ella indicios de delito, la Audiencia Nacional ha reabierto la causa contra César Strawberry tras un recurso de la Fiscalía. De esta manera, según leemos en Eldiario.es, el líder de Def Con Dos irá a juicio acusado de enaltecimiento del terrorismo y vejación a las víctimas. Unos cargos que podrían costarle un máximo de tres años de cárcel, más una multa de 12 a 18 meses, y a los que Strawberry se ha hecho acreedor… por seis tuiteos y un retuiteo.
La decisión de la Audiencia Nacional nos parece ciertamente triste, no sólo porque cree precedentes muy escamosos (el retuit como acto delictivo) sino también porque revela un hecho preocupante: en España, la libertad de expresión está en franco retroceso. Para demostrarlo, hemos reunido 20 temas muy floridos y muy granados del repertorio de Def Con Dos, esa banda que Strawberry y Julián Hernández (Siniestro Total)fundaron en 1988 con la intención de ser “una copia mala y cutre de Public Enemy” y que, durante toda su trayectoria, jamás ha escatimado octanosa la hora de entregar sus pildorazos de sátira contra todo bicho viviente. Disfruta con estas canciones y recuerda que, cuando fueron publicadas, casi nadie levantó una ceja.
La cotorra criolla
Aunque Def Con Dos nunca han gozado de una estima especial en los círculos del hip-hop ortodoxo, conviene recordar que su maqueta Segundo asalto (1989) contenía esta versión de nada menos que el primer rap de la historia en lengua castellana. El tema en cuestión fue grabado por el comediante venezolano Perucho Conde en 1980, cuando la combinación de beats y rimas era aún una novedad incluso en EE UU, y resulta una maravilla tanto en el original como en esta adaptación brutota y casera. Dado el contenido social de su letra y su país de origen, muchos hoy la interpretarían como una pérfida maniobra de propaganda bolivariana.
Quiero la cabeza de Alfredo García
Otra joya del Segundo Asalto, de desvergonzada y libérrima letra y que ya adelanta algo que veríamos estallar con asombrosa contundencia en el Tercer asalto: el rotundo gusto de la banda para samplear no solo a los obvios Public Enemy, NWA y demás hitos del hip-hop old-school, sino también a un Michael Jackson que viene que ni pintado. En este caso, la referencia es el clásico ultraviolento de Sam Peckimpah, y las rimas completamente hilarantes, “Ande yo caliente y ríase la gente” y “Ay ay ay ay canta y no llores” incluídos. Ha sido regrabada por la formación actual de Def Con Dos, pero se echa de menos la asfixiada voz del Padre DJ Karras.
J.I. Joe
Un chiste sin mayor trascendencia, pero que hace un uso fantástico del sampleado de fragmentos de la serie de dibujos animados original (“Vamos a destruir a G.I. Joe sin tu ayuda“) para satirizar las completas líneas jugueteras de la época, llenas de vehículos, complementos, nombres en código ridículos y en general una épica militar para todos los públicos que, bueno, cuyas mieles estamos saboreando hoy. Así que igual tan intrascendente no era.
Los discursos de Lenín
Sí: “Lenín”, con acento en la “i”. Así se pronunciaba el nombre del líder soviético en la España de la II República, y así lo pronunciaron Def Con Dos en la maqueta Primer asalto(1989), cuando soltaron esta retahíla de chistes a costa de un comunismo que por entonces ya se colapsaba. Si saliese a la luz hoy en día, a según quiénes les faltaría tiempo para invitar a sus responsables a que se mudasen a Corea del Norte.
Edipo Rey
Temblamos ante la sola idea de lo que un juez o un fiscal podrían hacer en 2015 con la letra de esta canción contenida en Tercer Asalto (1991): temas tabúes (¡pedofilia incestuosa, y encima previo pago!), escatología por doquier y un uso libérrimo de los samples que mezcla a Radio Futura con las eximias Labelle y su Lady Marmalade. Claro que, de darse esa situación, ese bonito estribillo que reza “Edipo Rey, mamá putón / Te borré de mi foto de primera comunión” tendría destinatarios evidentes. Y preferimos no tirar más del hilo, que nos conocemos.
Veraneo en Puerto Hurraco
“España ya no es roja, España no es azul / España ahora y siempre es negra como el betún“: así comienza este pedazo de temazo, en el que DCD llaman a la superación de pasados antagonismos políticos en favor de un valor tan nacional como es la brutalidad indiscriminada y pueblerina. Una letra que podrían hacer suya sin problemas los inenarrables Ortega y Pacheco de Pedro Vera, y que, a fecha de hoy, hace pensar que los autores no sólo dieron en la diana, sino que se quedaron cortos.
Concurso
Nos dejamos de seriedades por un momento, para brindaros esta joyita de minutaje brevísimo en la que Def Con Dos se metían con un blanco muy peligroso. Y no hablamos de ninguna institución del Estado ni ninguna testa coronada, sino de Jorge Martínez, el cantante de Ilegales. Afortunadamente, Jorge no tomó medidas legales…
La princesa está triste
Uno de los temas estrella de Tercer asalto, esta canción ponía en el punto de mira nada menos que a una Elena de Borbón y Grecia que por entonces aún no era la señora de Marichalar (y mucho menos la hermana de una imputada en el caso Nóos) pero que ya daba pruebas de una sensibilidad muy especial. Seguro que el joven Felipe Juan Froilán de Marichalar y Borbón estaría de acuerdo con muchos puntos de este programa político tan avanzado.
Miedo a un Planeta Def
Def Con Dos, como buen grupo de rap canónico (porque los Def Con Dos, dentro del canon, eran excelentes), componen como nadie himnos autoalusivos a su capacidad para dejarte hecho un cirio después de una buena somanta de palos por ninguna razón en concreto. Esta era una de las primeras veces que lo hacían, en su monumental Tercer Asalto. Y entre guiños a los más grandes (el título es un obvio homenaje al Fear of a black planet de Public Enemy, y con el que Negu Gorriak, por cierto sampleados con mucha intención al principio del tema, también barrerían para casa) se desgrana una letra fresca y de una agresividad de tebeo que aún hoy funciona como un cañón.
Sigo siendo heterosexual
Los años han pasado, el matrimonio igualitario ha sido legalizado… pero muchas destacadas personalidades de la derecha española siguen considerando que la homosexualidad es una cosa fea que se hace en privado, para no molestar a las personas decentes. Justo como el protagonista de este tema, aparecido en Armas pal pueblo (1993), aunque en su caso lo comprendemos: según da a entender la letra, sus hábitos amatorios son para echarles de comer aparte.
Juguemos con objetos punzantes
Antes de su incursión ya definitiva en los dominios del metal-rap con Alzheimer, Def Con Dos aún tonteaban con códigos del hardcore punk americano (y que luego Strawberry recuperaría en su proyecto Strawberry Hardcore). En esta maravillita mórbida y siniestra se combinan las altas velocidades del género, un sampleado del Our house de Madness alucinante y rimas como “Dejad que los niños se acerquen a los juegos de cuchillos“.
Que te fagorishen
Siempre atentos al pulso de la actualidad, DCD relatan en este tema tan galaico la historia del fallecido José Tojeiro, aquel señor que se hizo famoso gracias a Arturo Pérez Reverte y su programa de TVE Código Uno. Pocas veces la historia del jubilado avariento y las prespiputas que le echaron droja no colacao ha sido relatada con tanta gracia. Por desgracia, ignoramos si el iracundo académico le da el visto bueno a la letra.
Pánico a una muerte ridícula
¿La canción por antonomasia de Def Con Dos? Probablemente: con una absoluta falta de sensibilidad, Strawberry y sus muchachos desgranan aquí una larga serie de situaciones en las que el óbito se convierte en motivo de choteo, con especial deleite al recordarnos a aquel señor de Orense que falleció, aplastado por un derrumbe, mientras le hacía cariñitos a una gallina. ¿Cuántos colectivos y asociaciones podrían montar hoy un esparabán en protesta por este tema? Mejor no planteárselo.
Coprofagia
El álbum Alzheimer (1995) tiene algunas de las letras más cuidadas y mejor recitadas de la discografía del grupo, y este caso es sencillamente redondo. Dejando de lado las reivindicaciones de un grupo cada vez más politizado, Coprofagia solo pretende repugnar al oyente, y lo consigue con lindezas como “Cuando llega el rancho te avisa la almorrana“. No subestimes la calidad de Coprofagia por su temática: conceptos tan potentes como “Comer de lo comido, beber de lo bebido” no salen así como así.
La culpa de todo la tiene Yoko Ono
Otra letra icónica de Alzheimer, y que asombró en su día por la sencillez con la que Def Con Dos se referían a las penurias del día a día sin por ello renunciar a un sentido del humor que explota en la frase del título, pura iconoclastia Def Con Dos (John Lennon ha sido, desde siempre, una de las bestias negras del grupo). A nosotros nos recuerda a una versión áspera de la mítica Economía sumerxida de Os Resentidos, y solo por eso, tiene toda nuestra devoción.
Quemé el Liceo
El 31 de enero de 1994, a causa de un deplorable descuido, el Gran Teatro del Liceo de Barcelona sufría un incendio que le provocaba graves daños, y que conmocionó a la alta sociedad de Barcelona, su público natural. Ajeno a cualquier tipo de amor por la alta cultura, el grupo de César Strawberry aprovechó para entregar esta fábula musical sobre el mundo de la ópera y sus corruptelas. Unas corruptelas que, como sabemos ahora, no sólo tenían lugar entre las bambalinas del coliseo barcelonés, sino también en sus palcos.
Ultramemia
Desde hace años, todos los discos de Def Con Dos oscilan en torno a un tema que suele hacer referencia a esta Españaza nuestra. Ultramemia apela a la dejadez con la que todos nos dejamos llevar por una sociedad que usa, precisamente, nuestra desidia para controlarnos, y abre una fase que los fans de Def Con Dos de largo recorrido (nosotros incluídos) encuentran menos interesante. Aún así, hay oro aquí y allá, y la letra y el frenético compás de Ultramemia es una buena muestra.
No me han invitado
Recargando (2004) no es gran cosa, pero francamente, ese groove a la hora de recitar “Ahora pertenezco a esa corriente extraña que los fachas llaman los anti-España” es una delicia. No me han invitado es un chiste que guarda bajo sus flecos una auténtica bomba que explota en todas direcciones: de los chaqueteros políticos a las clases altas, pasando por las convenciones sociales más mugrientas.
España es idiota
Def Con Dos volvió hace no demasiado con Dos tenores, un disco que, posiblemente, es lo mejor que ha parido el grupo desde los tiempos de Alzheimer. Ácrata y furiosísimo, incluyendo ya abiertamente las influencias hardcore con las que Strawberry seguía haciendo música desde hacía años, despliega una violencia verbal y muy poco conformista que nos recuerda que, como todo grupo de largo recorrido ha tenido sus altos y sus bajos, pero la esencia sigue muy viva en sloguns tan necesarios como “Bigote, ceja o barba cana, vota al soplagaitas que te venga en gana“.
El cazador de elefantes
Poner a caer de un burro a la Corona no es especialmente original, pero lo cierto es que pocos como Def Con Dos para agarrar la metáfora del Rey Cazador para convertirlo en un palpitante vómito sobre la institución. Por supuesto, el estribillo es “Lo siento mucho, me he equivocado” y partes como la que rezan “Viajando con sus amantes en una juerga constante consigue desconectarse de su rutina estresante” conectan a la banda con el punk español más callejero e inconformista. Ese que, en el fondo siempre han defendido Def Con Dos a base de guitarras histéricas y pareados de antología.
Daniel Estulin (1966, antigua Unión Soviética) habla como escribe:
directo y sin tapujos. Para muestra, un botón: "los
anglo-estadounidenses, en connivencia con los ricos países
petroleros árabes liderados por Arabia Saudí, han creado un
ejército del Califato con los yihadistas que han salido de la guerra
de Siria. Algo que los yihadistas nunca habrían logrado por sí
solos".
Esta
es la teoría que vertebra el último libro de este ex agente de la
KGB:
Fuera de Control
(Planeta, 2015). Estulin ha dedicado los últimos años a investigar
el llamado Club Bilderberg, un gobierno en la sombra que mueve los
hilos de la política y economía mundial. Sus investigaciones le han
llevado a ser nominado al Premio Pulitzer 2014 y al Premio Nobel de
la Paz 2015.
En
Fuera
de control
,
su obra decimotercera, asegura que son los EEUU, Inglaterra, la OTAN,
Israel y Arabia Saudí quienes están detrás del terrorismo islámico
internacional. VICE ha hablado con Estulin sobre esto.
VICE:
¿Quiénes exactamente? ¿Sus gobiernos, las grandes corporaciones,
la industria armamentística...?
Daniel
Estulin
:
Es la estructura supranacional. Estamos hablando del control del
terrorismo internacional donde tres países son los que lo llevan a
cabo principalmente: Arabia Saudí, que en los últimos 35 años ha
gastado 87.000 millones de dólares en financiar al terrorismo
internacional.
Los
británicos, que son la sede central de los grupos terroristas de
todo el mundo. Es el lugar al que los lugartenientes de Osama Bin
Laden llaman su casa. Es el país que creó todos los estados en
Oriente Medio, que creó y montó el
wahabismo
como concepto.
Y
Estados Unidos, que usa el terrorismo internacional obviamente para
sus fines.
¿Qué
fines perseguiría Estados Unidos con un supuesto apoyo al Estado
Islámico?
Si
nos alejamos de conceptos como Oriente Medio, ISIS o terrorismo
islámico, y nos centramos en el objetivo de toda esta historia,
vemos que el terrorismo no es un fin. Es simplemente es un medio para
llegar a un fin concreto: el control del planeta, de sus recursos
naturales, del territorio. El terrorismo internacional es sólo una
de las muchas herramientas que se promueven para balcanizar y
controlar ciertos territorios, en este caso Oriente Medio.
En
su libro tilda a Londres de ser el centro neurálgico del terrorismo
islámico.
Londres
financia a todos los grupos terroristas y usa luego ese caos para
mantener el control.
¿Cómo
logran eso?
Desmontan
países, crean territorios cada vez más pequeños para poder crear
conflictos y dominar todas las partes de éstos. Y lo han hecho
siempre. Vea si no los acuerdos de
Sykes Picot donde crearon todos estos nuevos países en oriente medio.
Otro
ejemplo: Pakistán. A partir de India crearon a Pakistán, en el 47.
Necesitaban controlar a la India y el flanco sur de la Unión
Soviética. Y a su vez tener un país débil y necesitado de
inteligencia y apoyo financiero británico. De hecho, el servicio de
inteligencia pakistaní es 100% dependiente no sólo de la CIA, sino
también del MI6 británico. Es únicamente un ejemplo del
modus
operandi
de Inglaterra.
Se proporcionan las armas a los grupos terroristas con el entendimiento de que EEUU o Inglaterra bombardearán y borrarán de la faz de la tierra a estos grupos en el momento que más lo necesiten.
¿Esto
es lo que está pasando en Siria?
Siria
ha aguantado todo este tiempo porque Al Assad demostró que es mucho
más que un Gaddafi de turno, o un Hussein. Por mucho que quieran
pintar en Occidente a Al Assad como un dictador, no lo es. Es un tipo
elegido de forma legítima por casi el 70% de aprobación mucho más
que un Rajoy de turno.
Una
población que siempre ha sido laica, muy diversa, donde todo el
mundo siempre ha vivido en paz. Esto es lo que quieren desmontar, de
la misma forma que han desmontado la vida pacífica entre diversos
grupos muy distintos en países como Irak.
¿Y
cómo se llega a apoyar y financiar a grupos como Al Qaeda y el
Estado Islámico?
Se
crea una dialéctica de control. Se controlan los acontecimientos
dentro de un espacio cerrado, como si se tratara de un parque
infantil donde juegan los niños y hay unas verjas para que éstos no
salgan. Entonces, es posible calcular las probabilidades de cualquier
tipo de situación entre ellos. Cualquier conflicto o choque, pero
sin que éste salga de la dialéctica establecida. Mientras esto es
así, no hay ningún problema porque todo está muy calculado.
¿Pero
cómo se pacta esta "dialéctica"? ¿Cómo se lleva a cabo la
comunicación entre EEUU o Inglaterra y los grupos terroristas?
No
se trata de teorías de la conspiración. No son cuatro viejos en una
sala oscura mirando una bola de cristal, planificando el futuro del
mundo. El mundo es un lugar muy complejo. No es que Obama llame a Al
Bagdadi (líder del Estado Islámico) y le diga oye "mañana tienes
que invadir tal país o tal lugar". No funciona así.
¿Entonces
como funciona?
Se
proporcionan las armas a los grupos terroristas con el entendimiento
de que EEUU o Inglaterra bombardearán y borrarán de la faz de la
tierra a estos grupos en el momento que más lo necesiten.
¿Así
sin más? No es extraño que ISIS o Al Qaeda entren a este juego?
Cuando
tienes terroristas que están cruzando el desierto en cientos de
Toyota sin ningún tipo de obstáculo, a lo mejor habría que pensar
que están apoyados por los mismos que supuestamente están luchando
en su contra.
A
raíz del apoyo a ISIS por parte de los aliados árabes y de la
colaboración entre ISIS y los rebeldes sirios "moderados", que
fueron armados por Estados Unidos, no sería descabellado asumir que
Estados Unidos y los vuelos de la coalición a zonas del Estado
Islámico podrían haberse convertido en líneas de suministro
clandestinas.
Por
ejemplo, según los medios de comunicación estadounidenses, un avión
de EEUU dejó caer un cargamento de armas y material para los
militantes de Estado Islámico en Al Dour, en la provincia siria de
Salahuddin. Se publicaron fotos de militantes del ISIS recogiendo las
armas. EEUU admitió la incautación, pero dijo que era un error.
¿Y
en este escenario, en esta dialéctica, también se prevén atentados
como el de París?
Esto
está totalmente promovido, entendido y sabido de antemano por esta
supraélite mundial. Los 130 muertos de París son daños
colaterales, nada más que eso. Y permiten recortar derechos y toda
comunicación libre.
El
84% de los franceses de forma voluntaria han entregado esos derechos.
Derechos por los que llevamos cientos de años luchando a cambio de
protección y del fin del terrorismo internacional. Pero como decía
Benjamin Franklin, si estás dispuesto a cambiar lo uno por lo otro, al
final no tienes ni seguridad ni libertad.
Después de Siria va a venir Irán y tras Irán, Rusia y la tercera guerra termonuclear.
Su
libro habla de como Arabia Saudí ha financiado a Estado Islámico a
través de fundaciones benéficas. Sin embargo,
Loretta Napoleoni asegura que el dinero no les llega de fuera, que los
impuestos y la venta de petróleo son las principales fuentes de
financiación de Estado Islámico.
Esa
es una parte del dinero de Estado Islámico. En el libro hablo de
Brad Birkenfeld, un analista del banco UBS en Suiza que descubrió
19.000 cuentas a nombre de la CIA, el MI6 británico y el Mossad
israelí con dinero destinado a grupos terroristas.
Hay
dos puntos de apoyo económico al terrorismo. Uno es UBS en Suiza y
el otro el banco HSBC en Dubai. En los emiratos árabes hay 160.000
millones de dólares que provienen, según la revista Forbes, del
acuerdo de 1985 conocido comoAlyamamah,
literalmente petróleo por armas, entre el gobierno británico y
Arabia Saudí. Los últimos 30 años, se han amasado 160.000 millones
de dólares de dinero sucio.
También
se ha dicho que los terroristas han encontrado 400 millones de
dólares en el Banco de Mosul. ¿En un banco de Irak 400 millones de
dólares? ¿De dónde ha salido este dinero? ¿Nos quieren hacer
creer que en Mosul hay 400 millones de dólares esperando a ISIS?
¿Cuál
es el papel real de Rusia en el escenario sirio?
Repito,
el terrorismo islámico es una herramienta para proveer los intereses
occidentales supranacionales. Lo hemos visto en Afganistán, después
vino Irak, Libia y Siria. Y después de Siria va a venir Irán y tras
Irán, Rusia y la tercera guerra termonuclear.
¿La
tercera guerra termonuclear?
Los
EEUU y los demás países de la OTAN quieren meter tropas en el
terreno. Las tropas de la OTAN no van a luchar contra ISIS lo harán
contra al Assad y contra Rusia. Si llegamos a este punto estaremos a
las puertas de la tercera guerra termonuclear.
¿Pero
qué razón hay para ir contra Rusia y no contra Estado Islámico?
Los
rusos han demostrado que tienen tecnología superior y no tienen
ningún problema en meterse en un conflicto armado. Al fin y al cabo,
el objetivo es desmontar a China, que es una potencia económica, y a
Rusia que es la potencia militar. Por eso Putin ha entrado en Siria a
desmontar esta dialéctica de control establecida.
Pero
sin embargo ahora EEUU e Inglaterra están bombardeando junto a Rusia
posiciones del Estado Islámico.
No
están bombardeando. Nos están contando que están bombardeando.
Tienen que fingir que están bombardeando porque los que lo están
haciendo son los rusos. Los Estados Unidos no pueden quedarse fuera,
entonces tienen que fingir.
¿Que
han estado haciendo este último año? Nada. ¿Por qué se han metido
ahora? Porque están los rusos, no porque realmente quieran hacerlo.
Ya se ha destapado el juego.
Este
hallazgo nos ha dejado tiritando, amigos. ¿Conocéis a Antonio
Orozco? Es el autor (aunque, visto lo visto, ahora ya hasta lo
dudamos) de 'Devuélveme la vida', una de las más bellas
canciones de la historia del pop español. Es también una especie de
Alejandro Sanz II y el cerebro tras el ingenioso título del álbum
'Cadizfornia'. Un músico superventas de la radiofórmula, jurado
del
talent
show
'La Voz'. Y vosotros pensaréis: "¿Qué necesidad tiene
alguien así de plagiar a Refused?".
¿Conocéis
a Refused? Son unos suecos que en 1998 menearon los cimientos del
hardcore
con 'The Shape of punk to come', convirtiéndose en grupo de
culto hasta que se cagaron en el convento con el manifiesto
antisistema titulado 'Refused are fucking dead' y desaparecieron
del mapa un tiempo. Su líder, Dennis
Lyxzén, con
el que paseamos por la
Gran Vía de Madrid hace unos años, nunca debió resucitar recientemente a su
banda para recaudar en festivales como Coachella. Más que nada,
porque se ve que su música ha llegado a un público masivo y ha
caído en manos de Orozco (o algún lince de su equipo), que parece
haberles plagiado sin escrúpulos el
riff
(y algo más) de su canción 'Liberation Frequency'. Juzga tú
mismo:
Este
es el videoclip de 'Mírate', el nuevo single de Antonio Orozco.
Fíjate bien en el
riff
del principio.
La
puesta en escena, indumentaria y guitarras también huelen a los
Refused actuales.
Y
esto es 'Liberation Frequency', la canción de Refused que parece
haber plagiado descaradamente. Suena a broma, ¿verdad?
The original Bill Savage, 1977
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In true punk rock fashion, Portland-based party dudes Mean Jeans like to put out singles, and they’ve released enough 7″s on various underground labels that most of the band’s fans have had a hard time tracking them all down.
