Snob

Es una de esas imágenes crepusculares que iluminan un momento, el tránsito de una época a otra. Una chica skinhead toma su mano y besa a su héroe Muhammad Ali / Cassius Clay durante una visita del famoso boxeador a Londres. Porque el puño de hierro negro, el imbatible Clay, el hombre de las mil y una respuestas, amaba Londres.

A comienzos de los sesenta, cuando en Estados Unidos se convertía en un símbolo del orgullo negro y de una dignidad que se resistía a claudicar, peleó en Londres hasta en tres ocasiones en un espacio de tres años. En 1963, durante el enfrentamiento con el temible Henry Cooper (su primera pelea fuera de Estados Unidos), con los primeros rayos de sol por vez primera se paseó por las calles de Londres. Las instantáneas que se conservan de aquel momento son abrumadoras y emocionantes; en ocasiones las calles parecen semidesiertas y, en otras, vemos a una multitud de fans que sueña con un autógrafo o, mejor aún, que su ídolo le regale una de sus hábiles frases, esas que caían como rayos. Ali, inagotable, no duda en interpelar a los transeúntes, bromear, saltar vallas, correr desafiante. Se viste como un dandy. Presume de elegancia. Sabe que es imbatible. 

Luego, la segunda y tercera de las visitas, se produjo en poco menos de tres meses. ¿Henry Cooper? En la quinta ronda, Clay vapuleó a Cooper y de su ceja brotaba sangre sin parar. La pelea acabó siendo detenida, otorgándosele el triunfo a Ali por nocaut técnico. The New York Times, en la crónica del combate, afirmó que «en dos minutos y quince segundos» había estado cerca de «arrancarle la cabeza» al británico. Ali reinaba en Londres.

Volvemos a la maravillosa fotografía de la chica skinhead que besa al campeón. Desconocemos la fecha o el autor, aunque el año no pudo ser 1963. Los primeros skins comenzaron a verse por Londres alrededor de 1969, cuando el estilo de los mods evolucionaba hacia algo más duro y urbano, una rudeza que dio lugar al habitual pelo rapado, tirantes y botas. Muchos de los primeros skinheads eran «hard mods» y, por entonces, el nuevo movimiento se dividía entre amantes de la cultura negra (tomaron del rude boy el amor por la música jamaicana y la imagen del hampa) y las futuras tropas del fascismo callejero. Ese mismo año de 1969 se registraron las primeras agresiones contra paquistanís en pleno centro, mientras otra facción rechazaba esa violencia. Posiblemente la imagen haya sido tomada mucho más tarde, en 1976, durante una nueva visita a Londres, esta vez para promocionar su libro Muhammad Ali. The Greatest. My Own Story, publicado a finales del año anterior.

¿Qué había hecho Ali, para quien sus mejores años ya habían pasado, aquel mismo año? Combatir contra Buddy Wolfe, que no era boxeador, sino  luchador profesional y, por supuesto, ganar. El legendario ídolo se paseó por barrios de gran presencia negra y jamaicana, como Notting Hill, donde a finales de aquel año los negros protagonizarían duros enfrentamientos con la policía y que inspiraron a The Clash y su canción «White riot».

Disturbios en Notting Hill durante los carnavales de 1976

En un momento dado, una seguidora suya, la enigmática skin girl, se abalanza sobre su coche y no duda en posar para una eternidad solamente reservada a los heraldos y heroínas de un siglo repleto de amores y de odios. Igual que Ali. ¡Bumaye!

 

Mechoulam during a lecture, with the structure of Tetrahydrocannabinol behind him, circa 1964. Courtesy of Zach Klein, from his documentary 'The Scientist'

This article originally appeared in the Colombian edition of VICE Magazine.

In 1980, a team of investigators from the Sao Paulo Medicine Faculty of Santa Casa published a study that should have changed the lives of 50 million epilepsy sufferers around the world—but never did.

The findings of the investigation, carried out alongside the Hebrew University in Jerusalem, were, at the very least, encouraging. Researchers administered daily doses of 300 milligrams of cannabidiol, the most important non-psychoactive component in marijuana, to a group of eight epileptic patients. Four months into the treatment, four of them stopped having seizures and three others saw the frequency of their seizures decrease.

"Who cared about our findings? No one!" says Raphael Mechoulam, frowning from his sofa. "And that's despite many of the epilepsy patients being kids who have 20, 30, 40 seizures a day. And what did they do? Nothing! For 30 years, no one has used cannabis to treat epilepsy."

I'd been searching for Mechoulam for a year. Just like anyone else interested in medicinal cannabis, I'd formed this mythical image of him, like a sort of Karl Marx or Syd Barrett figure, a revolutionary mind who defies the conventions of his time and alters, forever, our perception of the world. A few months ago, Norton Arbeláez, the Colombian businessman who designed the medicinal cannabis regulatory system in Colorado, told me that this organic chemistry expert's investigations had added scientific weight to his regulatory lobbying in the United States. Meanwhile, Juan Manuel Galán, a senator from Colombia's Liberal Party, told me last November that he had traveled to Jerusalem to meet the scientist in his laboratory while he was working on the draft for his proposal to have medicinal marijuana legalized, which was approved by the Colombian Senate in December and will be debated in the House of Representatives this March.

Everyone I spoke to about the scientist agreed on one thing: Mechoulam is the father of modern cannabis.

Mechoulam at his current lab, at the Hebrew University, Jerusalem. Photo by Elior Rave

The 85-year-old lives in a small, sober but elegant apartment in West Jerusalem, where the marble buildings and the trees in the front gardens make you forget momentarily that Israel is a military state on a permanent state of alert. Every day he drives his silver Peugeot to his lab on the outskirts of the city, where he's spent the last five decades deciphering the chemical mysteries of marijuana, and more importantly, the way in which the human body interacts with the compounds found in the plant. Raphie, as his colleagues like to call him, isolated and deciphered the molecular structure of the "cannabinoids," the chemical compounds in marijuana. In particular, tetrahydrocannabinol (THC), the molecule responsible for the cannabis high, and cannabidiol, the main non-psychoactive compound of the plant, carrier of countless medicinal qualities.

At the start of the 20th century, with the gradual prohibition of marijuana in the US, the modern world turned its back on the researching of a sacred and powerful plant used by doctors, shamans, and druids for over three millennia. The Pen-T'sao Ching, the oldest pharmacopoeia in existence, records the use of cannabis in China around 2700 BC as treatment for rheumatic pain, constipation, female reproductive disorders (such as endometriosis), and malaria. Similarly, the father of Chinese surgery, Hua Tuo, developed an anesthetic composed of wine and weed during the first century BC. Similar accounts appear in documents and witness accounts from India, the Middle East, Africa, and even Europe, where in 1838, William Brooke O'Shaughnessy, an Irish doctor, published—following experiments on animals and patients—a book titled On the Preparations of the Indian Hemp, or Gunjah. In Tibet, cannabis was used in tantric Buddhist rituals to "facilitate meditation," while Assyrians used it as incense in the sixth century BC.

Raphael Mechoulam didn't know any of this when he began his research over 50 years ago. The son of a Jewish Bulgarian couple persecuted by the Nazis (his father, a distinguished doctor, survived a concentration camp), Mechoulam left Europe in 1949, soon after the formation of the state of Israel. There, he studied chemistry, completed a masters in biochemistry, served in the army, busied himself studying pesticides, and completed his doctorate in 1963 at the Weizmann Institute in Rehovot—the same place he would later discover the secrets of cannabis.

"I was 34 when I started looking for research subjects," he tells me when I ask about the origins of his interest in cannabis. I'm expecting his answer to relate to the hippie era of the 1960s—"I was smoking a joint one day in my lab, when..."—but Mechoulam, who has only consumed cannabis once in his life, gives me a very straight response: "A scientist has to pick an original subject, one that doesn't have another 50 people working on it. The subject must also be substantial and with social impact. Around that time, I read plenty of articles in English, Russian, French, and German to try to discover some unexplored problem, until I realized the scarce chemical knowledge about the compounds in cannabis. I found it very surprising: While morphine had been isolated from opium and cocaine from the coca leaf, no one had studied the chemistry of the marijuana plant. It was very odd."

One day, the young chemist showed up in the office of the institute's director and asked for his help in procuring some weed. The director didn't think twice. He picked up the phone and called the police, who donated 5 kgs of Moroccan hash officers had recently seized coming in from Lebanon (Mechoulam tells this anecdote in a very amusing way in the biographical documentary The Scientist, directed by Zach Klein). Some time later he had isolated, one by one, all the compounds in the plant.

Which of these compounds was the cause for all the mental stimulation that had terrorized governments and legislators in the 20th century? Was it just one, or a combination of all of them? To answer this question, Mechoulam and his team tested each individually on monkeys. The first surprising discovery was that only one of them, tetrahydrocannabinol (THC), had any effect whatsoever. The primates looked drunk, sedated.

Mechoulam had discovered the psychoactive compound responsible for the marijuana high. To confirm it, he took a big dose of THC home with him and asked his wife, Dalia, to add it to her cake recipe. That day, the father of cannabis got high for the first and only time. He was also able to prove a phenomenon that today guides investigation into medicinal cannabis: Each person reacts differently to THC. He knew it when he looked around him: One of his friends talked non-stop, another appeared to be in a trance, a third friend had the giggles. Only one of them looked paranoid.

As I listen to the anecdote, I remember a panel on medicinal cannabis I once attended as an observer, as part of the National Psychiatry Congress in the Colombian town of Armenia. There, three psychiatrists said they were worried about how the mass media talked about medicinal marijuana, particularly how the Colombian Health Ministry has signed a decree regulating it. The growing political sympathy toward medicinal cannabis was, according to the panel members, generating a false sense of security about marijuana. For the psychiatrists, the new media frenzy generated by this political debate has obscured studies that prove that one in ten adolescents who try marijuana develop psychotic episodes and addictive behaviors.

I communicate the panel's worries to Mechoulam.

"Neither THC nor cannabidiol are toxic. However, since the sixth century, we have known that marijuana can provoke psychotic episodes. In addition, there is evidence that 10 percent of marijuana consumers develop an addiction, although not as strong as one to morphine. But beyond psychiatric disorders or the possibility of addiction, there is no evidence of any illnesses caused by cannabis."

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That whole debate corresponds purely to the recreational use of the drug, Mechoulam tells me. To him, it is one thing to debate the risks involved in smoking cannabis to get high, and another very different thing to explore the potential medicinal applications of its compounds, particularly THC and cannabidiol. The former is something sociologists can do and doesn't concern him much. The latter, however, has occupied a large chunk of his life and those of the members of the International Society for the Investigation of Cannabinoids, a growing network of academics that, under his tutelage, has confirmed in their labs the reasons behind the historical usage of this plant.

It's likely that Mechoulam's greatest discovery isn't actually THC or cannabidiol. After all, following a short frenzy during the 1970s, and while practically every police force on the planet chased the cultivation, commercialization, and consumption of weed, science gradually lost interest in cannabinoids. But Mechoulam did not stop asking questions. In the late 80s, he began to investigate the ways in which THC interacts with the nervous system.

"After we discovered THC, we began to study the metabolism and the ways in which the human body reacts to this compound," he says. "A team in Oxford had claimed that THC works in a non-specific manner. But we, alongside a young researcher, showed that, in reality, it is very specific."

The researcher is Allyn Howlett, doctor in neuroscience, who in 1988 discovered that most animals' brains have a receptor in the nervous system designed specifically to interact with THC. She called it CB1. Finding CB1 was like finding the lock for a particular key—a finding that was followed by an unsettling question: How was it possible that the nervous system had a receptor designed specifically to react with a marijuana compound? Had the human body evolved to interact with a specific plant? Was God (or Darwin) suggesting that man and marijuana were created for one another?

The answer Mechoulam found generated a scientific maelstrom which, to this day, fueled by billions of dollars from big pharma, is still growing larger.

"Our nervous system has many neuronal receptors, and those receptors are linked to some substance produced by our body ," he says. "But these receptors were not created to link up with a shrub. If that was the case, we would have millions of them, one for every species of plant on the planet."

In other words, if the human body has specific receptors for cannabinoids, it means our bodies produce them.

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In December of 1992, Mechoulam reported the discovery of a compound produced by the human body, located in and around the brain, which linked perfectly to the receptor he'd discovered years before. It was as if, suddenly, he had found another key that perfectly fit the lock. The discovery was so important that the molecule deserved a worthy name. A member of the team, a Hindu enthusiast, baptized it Anandamide, from the sanskrit "ananda," meaning supreme joy.

With the discovery of CB1 and Anandamide (and the later discovery of a similar receptor, CB2), it became evident to Mechoulam and his team that the human body contained a system of receptors and compounds very similar to those found in marijuana. They named it the endocannabinoid system. Since then, two matters have kept them up at night: What function does that system fulfill within the fragile and quasi-perfect balance that keeps humans healthy? And how can marijuana be used to treat illnesses related to that system?

"The endocannabinoid system is very important. Almost all illnesses we have are linked to it in some way or another. And that is very strange. We don't have many systems which get involved with every illness," says Mechoulam, patiently explaining what he's no doubt explained many times before.

Which illnesses would we be talking about?

"All sorts! Lung, heart, liver, and kidney diseases: It all depends on how intensely the receptors become stimulated. Take dopamine, for example. If our bodies have too little dopamine, we can develop Parkinson's; if they have too much, we can suffer from schizophrenia. It's the same thing with cannabinoids. Receptor CB2 is a protector. It protects the body from a multitude of things. CB1 works in different ways, depending on whether the dosage is high or low. In other words, as long as the levels of Anandamide—and other endocannabinoids since discovered—remain stable, the human body will perform many of its functions correctly. If these compounds become unbalanced, science could use cannabinoids like THC and cannabidiol, naturally occurring in marijuana plants, to cure many ailments.

The professor even assures me that there are some hints this system is related to certain types of cancer.

"But we are not certain," he says, frowning. "We don't have proof because those clinical studies are not being carried out! We know of people who consume THC and have claimed that they were cured of cancer. But beyond that we know nothing. We need more research! We need more clinical studies."

This is a sentiment he repeats at every talk, interview, or class he gives. For Mechoulam is a cannabis science activist. A wise old man who, despite being ignored for decades, insists that humanity is not worthy of what cannabinoids have to offer. Today, he sounds slightly more optimistic thanks to the recent interest in research from academics and pharmaceutical companies.

"I'm curious," I say at the end of our interview. "How come a money-making machine like the medicine industry has ignored all these findings?"

"It's simple", he replies. "Who would want a New York Times front page saying, 'Merck Makes Millions from Marijuana'"?

Unos parásitos están suplantando las identidades de medio Japón. Son los taxistas, son los profesores, son los policías,  son los cargos parlamentarios. Lo que no son es veganos, pues los muy cabrones se te comen la cabeza de un bocao si te pillan a solas y con hambre. Son letales que te cagas. Matan a los políticos, matan a los jueces y a los militares. A los alcaldes. Sencillos y honrados alcaldes. Shinichi es un adolescente que por cosas del azar ha establecido una relación de simbiosis con el parásito que quería instalarse en su chola; ninguno suplanta al otro, quedan ambos conformando el único locutor válido que existe en la guerra por la supervivencia que se ha desatado entre humanos y andaluces parásitos. Un locutor válido al que los suplantados expondrán sus ideas y perspectivas sobre la existencia -y lo mucho que sobran los humanos por mucho que se crean especiales e incluso mejores que ellos- y que sopesará todo en cívica escucha activa, sí, pero que también tendrá que dejar el diálogo de lado en ocasiones para cortarles el pescuezo. Un locutor válido que tiene que seguir yendo a clase,  que ha de ocultar que su mano sea un alienígena polimorfo y que es el Peter Parker nipón de cuando el traje simbionte. Hete ahí la principal influencia para el manga original junto a The Body Snatchers de Jack Finney y La Cosa de John Carpenter en una adaptación que, debido a lo que ha tardado en hacerse (por una movida con los derechos que no ejerció New Line Cinema en los diez años durante los que pudo hacerlo), puede parecer deudora de ese grandísimos jit de la posesión de instituto que fuera El Diablo Metió La Mano o de aquel bodrio de la invasión alienígena sibilina que resultó ser Dreamcatcher cuando no del Agujero Negro de Charles Burns cuando en realidad sucede que es del revés, que todas estas obras se nutren claramente del manga de Hitoshi Iwaaki de la misma forma que sus creaciones alienígenas de las cabezas de los japoneses. Hasta James Cameron admite haberse fijado en el manga para idear al T-1000 de Terminator 2.

Películas sobre la paranoia y la pérdida de identidad individual y de la masa  hay miles, destacando esa The Blob -y el fantástico remake de Chuck Russell, El Terror No Tiene Forma- que haría las delicias de Ortega y Gasset al ver sus teorías sobre la disolución de la identidad y la voluntad de un modo tan gráfico. Sobre la penetración de entes oscuros y/o alienígenas en las instituciones, valga la redundancia con lo que se entiende en España sobre el ejercicio de la política, también está la soberbia Estás Vivos de John Carpenter. Pero películas que mezclen alegremente la conspiranoia de instituto (a lo The Faculty, en esencia otro plagio del manga original de Iwaaki que circunscribe el ámbito de acción de la historia a ese microcosmos que supone todo instituto yanqui)  con cierto tono serio para tratar según qué episodios traumáticos y las ganas de abrir vías de reflexión sobre el papel del ser humano en la naturaleza pocas, la verdad. Y si encima la gran diferencia reside en que los parásitos pueden expresarse y se les deja, se les escucha, no aparece ningún Fiscal que les priva del habla vía apelar a la Ley Antiterrorista, pues para qué más. Porque esa es la gran diferencia respecto a todas sus semejantes: que cada parásito, a su manera todos exactamente iguales en pretensiones de origen –las que vienen impresas en su ADN- pero que van divergiendo conforme los cuerpos que habitan no desahucian por completo a su remanente humano, es un ente diferenciado, un algo con su propia opinión formada sobre si los humanos han de ser exterminados o estudiados o lo que sea. E igual al rato de explayarse sobre por qué te quieren comer la cabeza de forma literal dejan la oratoria y proceden al cuchillazo biológico y la predación, pero oye, McReady y compañía cuando lo de la base en el ártico ni un ”oye, tete, que lo hago por esto, sin acritud, eh” o un ”lo siento” por parte de La Cosa, así que algo es algo.

Una saga ésta, la de Parasyte, acometida por un experto destrozataquillas (que hasta ha dirigido pelis de Doraemon y de Shin Chan en imagen real)  que cuenta con mayores licencias respecto al manga original  de las que toma su muy recomendable y cuasi paralela adaptación anime por los lógicos problemas de condensar la obra original en un minutaje más reducido pero satisfactoria de pleno, con efectivos FXS que aunque sean CGI y ni de coña puedan emular la fisicidad de los originales de Rob Bottin que toma por ejemplo y con momentos emocionantes, algo extraño en este tipo de materiales; tal es así que mientras que en la primera parte de la saga se administran en casi dos horas de metraje tan sólo dos grandes pasajes dramáticos, en el transcurso de lo que dura la segunda no pasan más de cinco minutos sin que ocurra algo tipo cliffhanger final de temporada televisiva, llegando al punto de dudarse si el suspense se ha administrado de esa manera porque hay intención trágica, paródica o a causa de que el modelo en el que se basa Tashaki Yamazaki no es otro que Menudo Es Mi Padre, aquella serie televisiva de El Fary con un índice de desgracias por minuto que ni una bomba de cuenta regresiva.

No obstante, y al margen de lo palomiteras que resultan las cuatro horazas de saga entre sus dramones, romances, venganzas y FXs ultragore a lo Nishimura, el protagonismo absoluto va hacia los personajes. Migi, el simbionte, pasa de unos inicios siendo el marciano malaje de Mi Novia Es Una Extraterrestre en modo asperger (algo lógico en cualquier no humano al que se le diese la facultad del habla salvo en esa excepción que suponen los perros, que dirían ”te quiero” lo primero y luego se irían a esperar a Fry si es menester el tiempo que haga falta y más) a un ser más entrañable que Los Caraconos o Alf al que incluso le vence el sueño en ocasiones. Y la evolución del humano a preponderancias conductuales inherentes al parásito -y viceversa- a consecuencia de la vida en simbiosis es de una congruencia tal con los temas que se exponen que solo queda aplaudir pero con cuidado de no hacer daño a Migi. Si el simbionte es el carisma, Reiko es el que experimenta la transformación más fascinante, pues de su asperger innato y connatural pasa a desarrollar primero una curiosidad por los humanos –medio morbosa medio científica- para, tras dar a luz a una criatura medio humana, recorrer uno por uno todos los check points que le confieren la categoría escolástica no sólo de persona, sino también de madre coraje: Reiko aprende lo que es la risa, entiende lo que es la venganza y su mecanismo y, sobre todo, ya más mamífero que plasmodio, desarrolla un sentimiento que le lleva a sacrificar su vida por proteger la de su bebé, algo inédito en el mundo parásito hasta justo ella. La buena señora, matiz arriba matiz abajo, recorre la misma senda que el personaje de Scarlett Johansson en la sublime Under The Skin con la añadidura de quedarse preñada. Al contrario, Hirokawa es un humano que se aúpa a la alcaldía de Fukuyama gracias al poderoso lobby parásito es decir, un pedazo de mierda ya del todo al margen de la guerra por la supervivencia y con posicionamiento sólo pro dinero, un hijo de puta equiparable a aquellos que hacen fortunas aprovechando los grandes conflictos bélicos o las coyunturas más desfavorables. Yamazaki juega muy bien el no aclarar si Hirokawa es humano o Suiza justo hasta que le abaten las fuerzas especiales, pues justo cuando se da ese dato la pulla al gremio político dice la RAE que es casi más de escribirse con y griega que con elle.

Una saga que reabre el debate sobre si sobramos los humanos exponiendo dicha verdad incómoda a la manera de la serie Utopia cuando sus conspiraciones que soslayaban teorías Malthusianas sobre lo insostenible de lo demográfico, solo que en entretenido en lo retórico y en espectacular en lo formal Lo primero porque un parásito le espeta al prota antes de un combate que sí, que ellos se comen a la gente, pero que al menos no permitieron la producción y emisión de 63 episodios de Aladina. Y lo segundo porque todas las escenas de acción, en un rizar el rizo de reivindicar la autoría original, en lo que viene siendo su conjunto de set pieces, son Terminator 2. Tal cual.

Relato de las andanzas de un famoso delincuente juvenil de Barcelona. Juan José Moreno Cuenca, alias "El vaquilla", es abandonado por su familia nada más nacer. La madre no tarda en encontrar otro hombre y el niño debe buscarse la vida por sí solo. Esta es la historia de este conocido delincuente, que pasó la mayor parte de su vida encerrado.


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Legendary game series Civilization is 25 years old this year, and Dean Takahashi reports on its long journey from revolutionary god game to a cultural touchstone in its own right.

Few game franchises live to see a 25th anniversary, but Civ, as most gamers and industry folk call it, is thriving. It has 33 million copies in sales to date, including 8 million for its latest, 2010’s Civilization V and its expansions. Meier’s teams at MicroProse and Firaxis have created 66 versions of the game across all platforms, and based on extrapolations from sales on the Steam digital distribution and community platform, the Civ series has been played for more than a billion hours.

Many hours were lost to this game, but my most enduring memory of its early iterations was the fact that city names had a short character limit. I thereby found, as a young teenager, that it honed my creative instincts for devising succinctly offensive city names. This "economy of stupidity" has proven a most valuable skill.

If you, like me, were a stoner teen in the days before there were online tutorials about how to smoke weed out of literally anything, you are likely familiar with the process of desperately fashioning pipes and bongs out of anything you possibly could: apples your parents packed you for lunch, milk crates from the cafeteria, old plastic vodka bottles, the list goes on. I remember once rolling a joint using a page from my biology text book on one particularly dispairing day. My friends called me Marijuana MacGyver.

Though I was stoned pretty much everyday of my high school experience (how could I have survived otherwise?), I never purchased a real weed smoking device until I graduated. I became such a pro at making pipes and bongs out of every day objects, and enjoyed the process so much, that I actually thought it would be a waste of money to buy one.

Over the years, I have accumulated plenty of pricey weed smoking devices, but I still sometimes make my own pipes and bongs for the nostalgia value. Here are a few of my favorites.

The Carrot Pipe

The carrot pipe is a classic, in my book. This was my go-to makeshift pipe from ages 14 to 17 due to the fact that my stepdad packed a whole carrot wrapped in tinfoil in my lunch every single day. I don't know why he did this, really. I guess he thought I liked eating the carrots because I never told him otherwise, but the tinfoil I still can't explain. As far as I was concerned, he might as well have included a note that said, "Please turn this tinfoil and carrot into a weed smoking device." While other kids in my high school were piercing plastic water bottles with pocket knives to quickly MacGyver a bong between classes, I was busy painstakingly shoving a long metal straw through the shaft of an organic carrot.

Unless you like the feeling of ash in your mouth, I would not recommend smoking out of carrot. But this pipe has some serious nostalgia value for me, so overall I would rate it a 5/10.

The Coconut Ice Cream Pint Pipe

Let me begin by saying that I don't normally consume coconut milk ice cream. I am an ice cream purist. I do not generally feel morally okay with supporting companies that disrespect real ice cream the way this company does. As far as I'm concerned, coconut ice cream is not only complete bullshit, but a disgrace to mankind.

That said, I was recently stoned enough that I ate this entire pint in one sitting without realizing it was coconut ice cream, not real ice cream. So I took my shame from eating this horrible sham that they dare to call "ice cream" and channeled it into the beautiful piece of art you see before you.

Just like the ice cream that once resided in it, the pipe was shitty. An important aspect of homemade pipes is to choose a container that is completely sealed aside from the weed hole and the mouth hole. The top on this fraudulent pint of ice cream didn't fit tightly enough and smoke escaped from the container, making it very difficult to get stoned. This pipe would likely be better if there was still "ice cream" in the container, which you could hollow out and you with a straw the way I did with the carrot.

I give this pipe a 2/10.

The Cake Pipe

I've been baking a lot recently. Baking is an easy way for me to ignore my everyday responsibilities and deadlines in favor of doing an activity that results in me putting calories in my face. Now, I know what you're going to say about this pipe: "Mira, why didn't you just add weed to the cake batter so you could eat it and get stoned, instead of making this insane and disgusting contraption?" Well, to answer your question, I have bad judgement and I never think ahead. I don't even know what I am going to be doing ten minutes from now. All I know is that I made a pink and blue cake, and then a few days later I decided I wanted that cake to make me stoned. Is that so terrible?

While this pipe was more effective than the coconut ice cream pipe, I still would not call it "good" in terms of the amount of weed smoke you get from it. Due to the porous nature of cakes, most of the weed smoke escaped into the air pockets of the cake itself instead of down into my eager throat. However, this is by far the most stylish pipe of all. There's a big "wow" factor here, and you can do this with any cake. This would be a great thing to do with your wedding cake, for example. Also, if you decorate the top with sprinkles like I did, your mouth will be covered, stylishly, in rainbow food dye after you take a hit.

I give this pipe 6/10.

The Xanax Prescription Bong

The most important thing to remember when making a Xanax prescription bong is to REMOVE THE XANAX FIRST. I forgot to do this and now all my Xanax is wet and covered with weed ash. That said, this is probably the most effective weed smoking device I made. If you have a long stemmed bowl like I do, and you angle it downward, you can actually add a little water to the bottom of the bottle to create a sort of mini-bong.

Admittedly, I might be biased toward this pipe. I added a bit too much water the first time I smoked out of itand my Xanax was still in thereso I ended up inhaling a good amount of Xanax water. It did not taste great, but I enjoyed the effect immensely and I think it changed my experience with this pipe for the better.

I give this pipe 8/10.

The 'Infinite Jest' Pipe

Let me begin by saying that the Infinite Jest pipe is a huge personal achievement for me. I hope the Infinite Jest pipe is written about in my obituary and becomes the main focus of my Wikipedia page. I might even name my first child "Infinite Jest Pipe."

Creating a pipe like this is not easy. It takes care, precision, and time, but most of all, dedication to your craft. To make this pipe, you will need a power drill, a straw, some tape, and a copy of Infinite Jest by David Foster Wallace.

This was the first time in my 23 years of existence that I have ever used a power drill, and likely my last too. I am simply not to be trusted with power tools. In my first draft of this article, I actually encouraged readers to get stoned and use power tools because, damn, it is so much fucking fun. (It's especially rewarding if you are drilling a hole in a book that you absolutely could not finish and that has been haunting your bookshelf, taunting you, and making you feel guilty about your millennial attention span for, like, six years.) But now that I am rethinking the situation sober, I do notI repeat, DO NOTrecommend using power tools while stoned, no matter how fun it is. (It's very fun.) I refuse to feel responsible for some stoner with poor judgement sawing someone's arm off while using a chainsaw to make a pipe out of an oak tree.

Anyway, to make an extremely long process short, what I essentially did here was drill a hole through the top of the book with a power drill. I then put a straw through the side of the book and taped the pages closed around the edges. The straw makes it easier to inhale all the smoke and the tape creates an airtight seal.

I give the Infinite Jest bowl a 9.5/10. I would've given it a 10/10 if it was a book I actually read and enjoyed, and an 11/10 if the book wasn't written by a white dude.

Editor's note: An initial version of this story referred to the Infinite Jest bowl as a "bong." We are truly humbled and regret the oversight.

Antes de comenzar... "¡Aguas!" en México berrase para avisar de perigro (e ten unha orixe curiosa). E usoa no título, porque o aguachile é un prato ben picante.... pero estoume adiantando.

Hai anos quedei ben sorprendido ó descubrir un plato xaponés: sunomono. Fíxoseme ben curioso a idea de combinar pepino e productos do mar. Eu pensei... que curioso, coma se lles ocurriría esta cousa. Pois vaia, non foi ós unicos que se lles ocurriu. A 11000 kilómetros de distancia na outra punta do Oceano Pacífico, no norte de México, naceu outro plato que combina tamén:

• marisco (camarón ou moluscos)
• acido
• pepino 

Os ingredientes son moi sinxelos: camarons, cebola, chile (serrano), pepino e moitos limóns (si, son limas, pero xa dixen unah vez, aquí son limóns).

 Na batidora, zume de limón (moito), chile, allo, sal e pementa. (Nota, eu licueino todo esta vez, pero coido que a receita auténtica leva o chile en cachos grandes).

Os langostinos (crús) hai que pealos.

E logo hai que abrir os langostinos, e sacarlles a tripa (ese fío negro que teñen dentro).


Poñense nunha bandexa ou prato os langostinos así abertos.


Poño cebola, engado toda a mezcla de zume e chile.


Logo poñolle os pepinos enriba. (Nas recetas veredes que o pepino ponselle coma unha cama e os camaróns enriba, pero bueno, eu quería que a salsa cubrise os camaróns, e non me preocupaba tanto que lle dera ós pepinos: logo á hora de servir xa os poño por baixo).

Ainda que non é tradicional, eu vinlle isto nun restaurante e gustoume moito: poño uns tomates pequenos. Son moi ácidos, e peganlle ben ó sabor do plato.


E con 20/30 minutos, coma vedes, os camaróns grises/blancos, de repente collen a cor rosada coma se os houberas cocido. Xa está para comer.

Troy Parker y Matt Stone  lo sabían bien: nada como coger algo asociado a la infancia, como los títeres, y ponerlos a hacer cosas de persona para shockear al personal. La secuencia más recordada de la estupenda Team América era aquella con las marionetas echando un acrobático polvo. No fueron los primeros, claro: durante la época dorada del porno, Gerard Damiano ya había realizado una película porno, utilizando unas espantosas marionetas que aún causan pesadillas a los cuatro gatos que la vieron.

Damiano es el hombre detrás de la legendaria Garganta profunda (1969), un hitazo XXX del que él vio muy poco dinero. Lejos de conformarse con repetir el éxito de su ópera prima, el tipo trataba de convertirse en un autor. El diablo en la señora Jones era un ejercicio de porno artie y existencialista, y en Let My Puppets Come (1976), decidió tocarle los huevos a los fans de Los Teleñecos con una fábula neoyorkina repleta de sexo explícito. Entre muñecos. Y de paso lo llenó con números musicales, humor grueso y chistecitos sobre el mundo el cine.

Los guiñoles de Damiano eran absolutamente espantosos, burdos y malhablados, como podéis comprobar. Entre el reparto de la película encontramos, directamente, un falo y unas vaginas, parlantes y con ojos que hacen coros a un Pinocho cantante de glam rock. Como lo leéis. Los fabricantes de los muñecos estos no tenían experiencia en su labor, por lo que improvisaron como pudieron la construcción de sus protagonistas. Así les quedaron: en los pequeños presupuestos que movía (y mueve) el porno no se podía pedir más.

El film trata de una empresa en peligro, cuyo consejo de administración está desesperado por salvarla de las garras de su prestamista, Mr. Big (que es enano, jaja). Tienen que conseguir medio millón de dólares en apenas 24 horas. ¿Cómo lo harán? Jimmy, el mensajero de la empresa tiene una idea: haciendo una peli porno.

Jimmy se imagina rápidamente como podría ser: con una rubia tetona montándoselo con un perro de peluche. “La audiencia se sentirá identificada con el perro”, dice el chaval Por supuesto, una escena así sería censurada en los EEUU, pero como son muñecos, pues ahí tenemos al chucho dándole a la lengua, cual perro de la mermelada de Ricky Martin.

Los miembros del congreso también proponen sus propias ideas, que consisten en tríos con prostitutas o tirarse a enfermeras con espectaculares y pringosos resultados. Uno llega hasta a proponer una escena entre él mismo y un pez marioneta que le hace una felación. La idea al final es traer a un muñeco llamado “Pornochio”, con nariz creciente incluida.

La producción de la película ya os podéis imaginar como va: de puta pena. A diferencia de ‘La Gran Superproducción’ de Superlópez, aquí la mayoría de gags son putaténicos “to the max”, abundando los “cameos” de famosos paridiados, como una cantante negra llamada “Diana Boss”, por ejemplo.  Entre numeritos musicales, porno marionetil y visitas a bares de topless con humanas de verdad, la producción sale a duras penas adelante, pero a nosotros nos da lo mismo. Los chistes son TAN MALOS, y el aspecto general del film tan sórdido, que los apenas 75 minutos del film se llegan a hacer largos y hasta incómodos.

Queda claro que Let My Puppets Come la intención es la de hacer reír, y no trata en ningún momento de excitar al espectador (aunque hay gente para todo). Así, las escenas sexuales, aunque bizarras e incómodas, al menos son cortitas. El problema es que la comedia de la película no funciona. El hilo argumental es más delgado que Abraham Mateo, y la película transcurre como una sucesión de gags con poco que  ver, como si fuera una película de Martes y 13 o Cruz y Raya. Y en general, con la misma gracia: o sea, ninguna. El Pinocho este se dedica a reproducir el chiste ese de “Miente pin y, eso sí, se marca un numerito de rock 70s a lo T-Rex producido por el mismísimo Alan Silvestri, por entonces un joven técnico y compositor de un estudio de sonido de Nueva York. Las fanfarrias de Regreso al futuro quedaban aún lejos.

Por si fuera poco, está dirigida  con una desgana y falta de imaginación alarmante. El plano fijo con los personajes saliendo de una mesa funciona en Barrio Sésamo porque los sketch de los muñecos duran 3 minutos, pero aquí tenemos una hora de plano fijo, o poco más, con algún zoom o primer plano ocasional y arreando. Si el guión era malo, la realización lo hace aún más infumable, con los sosísimos números musicales sufriendo especialmente. Esto no lo aguanta ni Kevin Smith con su profundo amor por los chistes de pollas.

En aquel lejano 1978, nadie se interesó por la película. Clasificada X por sus escenas explícitas (aunque fueran muñecos), el público habitual de las salas porno le dio la espalda. La gente iba a lo que iba. Poco después, se intentó de nuevo, en una versión con las escenas más grimosas recortadas: una vez más se saldó con la indiferencia del público. La idea de ver a una polla con ojos cantando music-hall no parecía demasiado interesante para la época, y pronto quedó relegada a su estatus de rareza. Que no de peli de culto, puesto que este coñazo sin gracia había poco que rescatar.

Damiano volvió a hacer porno chic del que le molaba y no tuvimos más marionetas irreverentes hasta El Fabuloso Mundo de Los Feebles de Peter Jackson, muchísimo más divertida. No: no había ningún “gora Alka-Eta” aquí… por desgracia. Eso sí: entonces igual no estaba en youtube para que lo viera cualquier incauto.

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¿Películas de natación sincronizada? ¿Westerns musicales con caballos sabios? ¿Curas y rabinos asesorando a los estudios? En ¡Ave, César!, la nueva película de los Coen, aparecen muchas cosas que parecen absurdas, pero que son historia de del cine.

Nos ha gustado. Nos ha gustado muchísimo, de hecho: con ¡Ave, César!, su nueva película, Joel y Ethan Coen (hermanos, judíos y de Minnesota) ofrecen un nuevo trabajo realizado desde la más contumaz cinefilia, que en esta ocasión no sólo abarca su técnica o su modo de contarnos una historia. Para este relato sobre el Hollywood de 1951, con secuestros, complots y muchos números musicales, los autores de Sangre fácil, Fargo y El gran Lebowski han decidido plasmar un muestrario de todo aquello que el celuloide de aquella época podía ofrecerle al espectador. Algo que da pie a numerosos ejercicios de estilo (Ethan y Joel siempre han sido unos maestros del pastiche, entendiendo la palabra en su acepción más noble) y también para un quintal de referencias a cosas muy ridículas y muy increíbles… que no responden sólo a la habitual obsesión coeniana por la estupidez, sino a anécdotas, personajes y géneros cinematográficos rigurosamente reales. Aquí te ofrecemos un muestrario de todo ello.

El ejecutivo ‘arreglalotodo’

El estresado capataz de estudio al que interpreta Josh Brolin en esta película no se llama “Eddie Mannix” por casualidad. Aunque el personaje de carne y hueso tiene poco que ver con el de celuloide en cuanto a apariencia y temperamento, un auténtico Eddie Mannix existió en la realidad, y su oficio fue el de ‘fixer’ (“arreglador”) para la Metro-Goldwyn-Mayer. ¿En qué consistían sus tareas? Pues en ocultar los deslices y las tropelías de las estrellas para que así el estudio mantuviese una imagen saneada. Las competencias de Mannix iban desde sacar a un actor de la comisaría tras un arresto por embriaguez pública hasta arreglar un discreto aborto para una intérprete femenina, pasando por sobornar periodistas o contratar matones a sueldo que tapaban bocas indiscretas mediante la coacción u otras medidas más físicas. Como era de esperar, su carrera estuvo jalonada por asuntos muy turbios (como el de la starlet Patricia Douglas, violada durante una fiesta de la productora en 1937, o la misteriosa muerte de George Reeves, el intérprete televisivo de Superman), pero aun ahora se le considera uno de los hombres más importantes de la historia de Hollywood, para bien o para mal.

El péplum bíblico

En buena medida, el argumento de ¡Ave, César! gira en torno al rodaje de una película ficticia titulada… pues, precisamente, ¡Ave, César! Se trata de un filme ‘de romanos’ sobre la conversión de un tribuno, cuya fuente de inspiración directa parece haber sido Ben-Hur (William Wyler, 1959), pero para cuya puesta en escena los Coen podrían haberse fijado más en los Monty Python y La vida de Brian. Aun pese al tono paródico que preside la cinta, no nos confundamos: si bien este subgénero épico-religioso, tremendamente en boga durante los 50, produjo trabajos bastante dignos, como la propia Ben-Hur o Quo Vadis (1951), buena parte de sus títulos fueron pestiños tan gigantescos como La túnica sagrada (1953), Sansón y Dalila (rodada por un Cecil B. DeMille ya muy anciano en 1948) y El cáliz de plata (1954), una película cuyo protagonista Paul Newman la odiaba tanto que llegó a pagar anuncios en la prensa en los que suplicaba al público que no viese sus pases televisivos. Échen un vistazo a esas cintas, y comprobarán cómo su ampulosidad y su tono kitsch dejan a los de ¡Ave, César! en mantillas, por mucho que en ellas no aparezca George Clooney desorbitando los ojos.

Los censores religiosos

Cuando Eddie Mannix (el de ficción, claro) se muestra preocupado porque su péplum cause las iras de la Legión Católica de la Decencia, uno puede pensar que se trata de una broma de los Coen, y que en la vida real jamás pudo existir una organización con ese nombre. Pero sí existió, y fue una de las instituciones más temidas de Hollywood: fundada en 1933 por John T. McNicholas, arzobispo de Cincinatti, la Legión funcionó como un organismo paralegal de calificación de películas, condenando aquellos filmes a los que consideraba como “corruptores de la juventud”. Los estudios tenían buenas razones para procurar congraciarse con esta piadosa liga, ya que sus requisitos morales eran aún más estrictos que los del llamado ‘Código Hays’ (la normativa de autocensura implantada por los estudios en 1922), y uno de sus veredictos negativos podía restarle muchos dólares a la taquilla de un estreno. Entre las películas que padecieron sus iras podemos citar La reina Cristina de Suecia (1933), Los olvidados (la obra maestra dirigida en 1950 por Luis Buñuel) y, ya cuando el organismo daba sus últimas boqueadas, Viernes 13 y American Gigoló (ambas de 1980).

El ‘cowboy’ cantante

Bastante más joven (27 años) y mucho menos conocido que sus compañeros de reparto, Alden Ehrenreich supone una de las sorpresas más agradables de ¡Ave, César! con su interpretación de Hobie Doyle, un antiguo peón de rancho metido a actor y especializado en protagonizar westerns musicales. Si bien muchos concluirán que el personaje es una nueva manifestación de locura coeniana, estamos de nuevo ante un detalle tomado de la más estricta realidad. Porque Hobie Doyle es un trasunto de Gene Autry y Roy Rogers, entre otras estrellas que se desenvolvieron por igual en el cine y en la música country, protagonizando éxitos de taquilla y volviendo popular el arquetipo del ‘singing cowboy’. En cuanto a Whitey, el inteligentísimo caballo que acompaña al personaje en sus películas, es un homenaje a Trigger, la estrella equina que acompañaba a Roy Rogers en sus filmes. Dado que este personaje es uno de los que aparecen retratados de forma más tierna en ¡Ave, César! (incluyendo, pásmense, un pequeño guiño a Toy Story 2), sospechamos que Ethan y Joel guardan un sincero amor por este subgénero en algún rincón de sus frios corazones de Minnesota.

El director ‘sofisticado’ (y en el armario)

¿Se han fijado en ese personaje al que Ralph Fiennes interpreta de forma tan paródica? Hablamos de un director de modales europeos, especializado en comedias ‘de teléfono blanco’ y que hace gala de aquello que los clásicos definirían como “más pluma que una almohada antigua”. Pues, una vez más, se trata de un arquetipo con muchos correlatos en la historia de Hollywood: Laurence Laurentz, que así se llama el cineasta, nos trae ecos de George Cukor (Historias de Filadelfia), de Vincente Minnelli (El padre de la novia, en la foto), de Mitchell Leisen (La Muerte de vacaciones) y de tantos otros autores obligados a llevar su vida personal más o menos en secreto mientras rodaban películas exquisitas. Por supuesto, la Meca del Cine contaba por entonces con un submundo gay muy concurrido, y, a veces, muy despendolado. Pero una cosa eran aquellas ‘pool parties’ repletas de gigolós y de jóvenes aspirantes a actor, y otra muy distinta vivir las propias apetencias de forma abierta y sin complejos.

La estrella de la natación

Aquellos que disfruten con el cine añejo se reirán a gusto cuando vean el número musical extremadamente kitsch protagonizado por una Scarlett Johansson con cola de sirenita. Porque este guiño, uno de los más directos que se han permitido los Coen, remite a la edad dorada de los llamados ‘aquamusicals’, filmes que hicieron furor durante los 40 y los 50 ofreciendo al público espectaculares imágenes de natación sincronizada. El personaje de Johansson, de hecho, remite a Esther Williams, nadadora de nivel olímpico que se convirtió en ídolo de masas gracias a películas como Escuela de sirenas (1944), La hija de Neptuno (1949) y, atención, Mojada y peligrosa (1953). Además de ser una gran atleta, Williams ha pasado a la historia como una sagaz mujer de negocios y una periodista deportiva de mérito. Pero, aunque su vida personal no estuvo exenta de turbulencias, no consta en ninguna parte que fuese tan malhablada como Scarlett en esta película.

El musical con subtexto gay

Hoy en día, viendo a Channing Tatum derrochando ritmo en un número musical de marineros bailarines (que bailan unos con otros, queremos decir), no nos cabe duda de que la escena evoca un homoerotismo muy evidente y muy hortera, digno de un vídeo de Village People. Los Coen lo saben, nosotros lo sabemos… pero el público de 1951, seguramente, no lo pillaría tan de primeras. Según señalan documentales como el imprescindible El celuloide oculto (1995), la homosexualidad estaba tan excluida del imaginario público durante esa época que muchas películas cargadas de referencias gays pasaban totalmente desapercibidas. Dejando aparte que (como bien sabe Neil Patrick Harris) el teatro y el cine musical hayan contado siempre con un numeroso fandom LGBT, y que estrellas del género como Gene Kelly y Judy Garland tengan mucho de iconos para dicho colectivo, ver a un grupo de recios hombres de mar cantando “yo bailaré contigo / y tú bailarás conmigo / cuando estemos en alta mar” deja poco espacio para las dudas.

La periodista carroñera

¿Qué es mejor que una Tilda Swinton? ¡Dos Tilda Swinton! Los directores de ¡Ave, César! son conscientes de ello, y por eso le han adjudicado a la actriz inglesa el doble papel de Thora y Thessaly Thacker, dos hermanas gemelas que ejercen de periodistas de cotilleos, desenterrando los secretos más morbosos de Hollywood, y que se profesan un odio de esos que sólo pueden darse entre parientes cercanos. En la vida real, Hedda Hopper y Louella Parsons no tenían ningún vínculo de sangre (salvo por el hecho de que a cada una de ellas le hubiera gustado beberse la sangre de la otra), pero su falta de escrúpulos, su hipócrita conservadurismo y su talento para chantajear a estrellas, directores y productores a cambio de primicias y exclusivas las convirtieron en las reporteras de temática ‘rosa’ más temidas de Hollywood. Señalemos, eso sí, que tanto los modales imperiosos de las Thacker como su llamativo fashionismo las vinculan más con Hopper, una ex actriz aficionada a los sombreros de fantasía que llamaba a su mansión de Beverly Hills “la casa que construyó el miedo” y cuyo papel en la caza de brujas anticomunista fue muy significativo.

La montadora infalible

Tratándose de una película de los Coen, la aparición de Frances McDormand en ¡Ave, César! se daba (casi) por supuesta. Ahora bien, que nadie se sorprenda si dicha aparición la pone en el rol de una montadora que, desde su inmundo cuchitril, empalma y funde planos con precisión milimétrica. Porque, durante muchísimos años, el montaje fue uno de los pocos sectores de la industria del cine en el cual una mujer podía hacer carrera: por una parte, se trataba de un trabajo de poco lucimiento, duro y mal pagado, y, por otra, se daba por hecho que a las chicas tendrían maña con las tijeras, aunque fuese para cortar celuloide. Así, profesionales como Dorothy Spencer (La diligencia), Barbara McLean (Eva al desnudo) o las ilustrísimas Anne V. Coates (que montó Lawrence de Arabia y cuyo último trabajo ha sido Cincuenta sombras de Grey) y Telma Schoonmaker (la compañera habitual de Martin Scorsese en la sala de edición) hicieron historia del cine sin que apenas se reconocieran sus méritos. Normal que, en esta película, McDormand muestre esa cara de mala uva…

Los guionistas comunistas

Aun sin entrar en spoilers, puede decirse que ¡Ave, César! concede un generoso espacio a la obsesión por excelencia de Joseph McCarty y otros promotores del ‘terror rojo’: que Hollywood, y en especial sus círculos literarios, era un nido de rojos que ejercían como quinta columna a sueldo de Moscú. Si bien el punto de vista de los Coen (que no desvelaremos) es mucho más liviano y humorístico de lo acostumbrado al abordar el tema, no esquiva dos hechos ciertos. El primero de ellos, que algunos de los guionistas represaliados, como Dalton Trumbo (Vacaciones en Roma) simpatizaban con la extrema izquierda y trataban de incorporar ese ideario a sus obras. El segundo, que la reacción del gobierno de EE UU y de la industria, materializada en el Comité de Actividades Antiamericanas y en las listas negras de los estudios, fue un crimen contra la libertad de expresión que mutiló muchas carreras brillantes. Habrá que esperar al estreno de Trumbo, el biopic en el cual Bryan Cranston da vida al escritor, para ver una visión más seria de esta historia.

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Estacionar no beiravía dunha autovía para practicar sexo coa túa parella do outro lado do valado de protección de animais non parece unha boa idea por moita tensión sexual que repentinamente se desatase. Pero hai un par de días soubemos, por La Voz de Galicia, que a Raúl F.R. si llo pareceu. E nesas andaba, gozando de algo máis que da idea, cando foi sorprendido por outra parella aínda máis sorprendida, a da Garda Civil de Tráfico. Ocorreu preto de Xinzo de Limia, no quilómetro 197 da A-52.

Raúl evitaría moitos problemas, entre eles a multa de 4.320 euros e a perda do carné de conducir, de saber que en poucos quilómetros á redonda tiña 92 ‘sexagochos’, enxeñoso palabro co que agora se coñecen aos picadeiros de toda a vida. E non nos referimos aos de cabalos, senón a eses lugares íntimos, tranquilos, agochados, case sempre escuros, algúns incluso con espectaculares vistas, en que se pode practicar sexo sen ser molestado e de costas ao resto do mundo. Iso si, romanticismo, pouco.

Pois Raúl e a súa parella tiñan ao seu redor nada máis e nada menos que 92 lugares para os seus xogos máis íntimos, que son os que os propios usuarios recomendan en Ourense despois de probalos. E se nese intre de paixón desatada se atopasen en Lugo disporían de ata 169 opcións noutros tantos espazos, que serían 304 se estivesen en Pontevedra. E onde seguro que non terían ningún problema para dar cun ‘sexagocho’ sería na Coruña, que leva a palma con 412 picadeiros, unha rede de tal magnitude que a converte na cuarta cidade de España con máis espazos empregados para a luxuria despois de Madrid, Barcelona e Sevilla.

Toda esta información e moita máis é posible atopala nunha web chamada mispicadores.com, que localiza ata case 1.000 lugares en Galicia (10.000 en toda España) para practicar sexo, coa particularidade de que todos eles están testados e engadidos polos propios usuarios.

Hai ducias deles nas principais cidades galegas, pero tamén nas contornas. E os usuarios dan, ademais, todo tipo de recomendacións. Así, por exemplo, o parque de Santa Margarita, na Coruña, recoméndano polas súas “grandes sombras e vistas”. Ou a rúa Vista, ao lado da Casa das Ciencias e detrás do Muíño, pola  “intimidade case absoluta. No inverno coas follas das árbores e vese, pero de madrugada non hai ninguén”.

Aparecen lugares insospeitados, en que nin sequera é preciso o coche, como a parte superior do “colector que hai ao lado do centro comercial dos Rosales”, igualmente na Coruña. Ou as escaleiras do aparcadoiro do Papagaio, “que non emprega case ninguén porque todo o mundo baixa en ascensor”.

E así en case todas as cidades e provincias. En Ourense, por exemplo, recomendan ata as escaleiras da ponte do Milenio, pero tamén a contorna de campos de fútbol (o do Couto, por exemplo) ou de mercados gandeiros. E o mesmo en Lugo e Pontevedra.

Ao final, case 1.000 ‘sexagochos’ ao longo e ancho de Galicia que lle evitarían a Raúl e a súa compañeira un bo susto, unha cuantiosa multa e a perda do carné de conducir.  Pero outra vez será.

E para mostra, catro ‘sexagochos’ de Ourense que aparecen la lista de preto de 1.000 en Galicia.

De arriba abaixo: Oira (un clásico); Cachamuíña (unha postal); aparcadoiro do supermercado Dia (unha novidade) e Montalegre (outro clásico).

 

 

 

 

 

El enigma de la cuarta temporada de Orphan Black seguirá siendo el mismo hasta que empiece en el mes de abril: ¿Delphine está viva? Hasta ahora, la BBC America había lanzado varios teasers de la cuarta entrega de la serie, pero la incógnita seguía en el aire. Hoy, desgraciadamente, tampoco se han despejado nuestras dudas, pero la cadena americana ya ha dado a conocer el tráiler oficial de la cuarta sesión de Orphan Black y AL MENOS se menciona el nombre de Delphine. Cómo no, Cosima es la encargada de decir en voz alto lo que nos está carcomiendo a todas: “Necesito que me digas que Delphine está viva”.

Fundido a negro, y a otra cosa. Al menos ya tenemos una fecha fijada para que empiecen a despejarse las dudas: el 14 de abril Orphan Black vuelve a la BBC America. La pregunta ahora es: ¿serán tan amables de decirnos en el primer episodio qué ha pasado con Delphine, o mantendrán la intriga durante buena parte de la cuarta temporada? ¡Hagan sus apuestas!

Vía: AfterEllen

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It's a few years old, but if you missed McDonalds explaining not only how to make a Big Mac but disclosing the specifics of its "secret" Big Mac sauce, you'll enjoy Mickey D Executive Chef's Dan Coudreaut's video.

Big Macs are delicious. Evil, but delicious.

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Over at the New York Times, psychologist Lisa Damour theorized that the eye rollthat singular, cutting gesture of contemptwas the champion and only recourse for the oppressed teen in the face of a total lack of autonomy. "By rolling her eyes while putting away the plates, the girl establishes that she's an independent state electing to yield, for now, to the regional power," Damour writesthe "regional power" being the parents.

Though evolutionary theories suggests that the ocular motion is actually a fundamental strategy that women employ to express dominance over other women specifically. Unlike men, researchers say, women act out aggression in less overt ways. The tactics they tend use are categorized as indirect aggression, a category that includes behaviors like "criticizing a competitor's appearance, spreading rumors... and social exclusion." It also, of course, encompasses a pointed eye roll.

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"I suspect that women around the world roll their eyes," says Dr. Tracy Vaillancourt, a professor at the University of Ottawa who conducted a 2013 study on the use of indirect aggression by women. "It's a lower-risk aggression strategy. Evolutionary psychologists think that women use low-risk aggressive strategies over high-risk aggression strategies because, historically, women have needed to survive for our offspring to survive."

In other words, men (as non-essential as they are to the child-rearing process, biologically speaking) can react to competition by fighting it outand risking deathbut women have historically preferred to signal to other women that they're the head bitch in charge by using more risk-averse options. This function is said to have primarily evolved for finding, and keeping, a partner. The fictional world of Mean Girls wasn't too far off.

An eye roll can trigger our flight-or-fight system.

"Women typically don't use verbal or physical aggression," Vaillancourt explains. "There's many different reasons for this, but I think that there would have been some selection pressure involved. There are more benefits to indirect aggression. For example, you could harass competitors, and attract more mates, all without engaging in a physical confrontation."

And while this might seem savvy, for every aggressor there's someone who has to play the aggressed; this type of psychological warfare can have distressing effects on adolescent girls. Women and girlsso used to fighting with subterfuge, apparentlyhave physiological reactions to the mere motion of the eye roll, Vaillancourt says, whereas guys aren't as sensitive to it. "An eye roll can trigger our flight-or-fight system," she says, adding that "there are studies to suggest that the most commonly used tactic."

Yet the eye roll endures as protest, petulance, the original shorthand for "I don't fuck with you"and it's not just for teens. "We need to do some research at a seniors complex to see if they're still rolling their eyes," Vaillancourt jokes, "but I strongly suspect they are."

"When we started developing the recipe for the Ultimate I.P.A., back in 2004, we had one goal: to concoct an ale so utterly undrinkable that the craft-beer community would have no option but to shower it with praise." [SLNewYorker]

Wil Wheaton, on depression.

It shouldn’t be hard to make movie theater-style popcorn at home. Pop popcorn, mix it with melted butter, shower it with lots of salt, and there you have it: the perfect snack to eat while watching movies at home.

Not so fast: When I tried to recreate theater-style popcorn at home, I learned that I needed an ingredient not found in my pantry, not found in grocery stores, and not even found in the natural world.

Because—on top of recommendations for specific poppers and kernels—what really makes movie theater popcorn taste (and, very importantly, smell) like proper-noun Movie Theater Popcorn is something called "Flavacol."

And even when I tried to make the best batch of popcorn I could, it couldn't hold court with the Flavacol-flavored version. (Skip down to the read results of my test or read on for all the details.)

A creation of Gold Medal Products Co., Flavacol—which you can purchase on the internet—is the self-proclaimed “secret ingredient” to selling more popcorn (or, for consumers rather than theater attendants, to eating more popcorn).

And the online community seems to agree. A 386-comment Reddit thread, tucked under the "You Should Know" Subreddit, is entitled "You can make movie theater popcorn at home, with this one ingredient.”

“Hearing the word makes me shudder,” writes user mayorbryjames.

I worked at a theatre for years. Flavavol would come in a 20lb bag inside a cardboard box [sic]. For a batch of popcorn (a 20fl oz cup of seeds) we would use a tablespoon of the stuff. It's designed to smell like "movie theatre popcorn" and draw people from the mall (or the street) inside. It's mostly sodium, but not technically salt. I used to get it under my fingernails. The smell of it raw in concentrated amounts...oh god.

Despite resounding evidence from food blogs (like this one and this one) and online consumer reviews (Amazon and other online retailers) that the flavor of movie theater popcorn is the flavor of Flavacol, I still wondered if I could make it at home.

Flavacol is composed, after all, of only four ingredients: “salt, artificial butter flavor, FD&C Yellow #5 Lake (E102) and Yellow #6 Lake (E110)”; the latter two “give popcorn a bright, appealing yellow color for maximum sales."

With no interest in maximizing my sales, I disregarded the yellow dyes. That left me with "salt" and “artificial butter flavor” and “salt.”

Salt is the primary ingredient in Flavacol (one teaspoon contains 2740 milligrams of sodium; for context, the 2010 USDA guidelines recommended reducing sodium to less than 2300 milligrams per day) and the product's unique flavor is attributed, at least in part, to how it's produced. The Alberger process, patented way back in 1915, yields fine flakes of multi-faceted crystals, which have "outstanding adherence, blendability and solubility compared to cube-shaped granulated salt." In other words, this salt sticks to the food better and releases a delicious, addictive flavor in your mouth more quickly than standard table salt.

The second ingredient I had to tackle was the "artificial butter flavor" (A.B.F. for short). But there's almost no way to know what's in A.B.F., let alone recreate it at home. The company is permitted to list it on the packaging without disclosing its specific make-up. As Peter Kim, the Executive Director of the Museum of Food and Drink, where the current exhibit is all about flavor, explained...

Proprietary "recipes" [for flavorings] are quite valuable. That said, even if the flavoring were disclosed on an ingredient label, it would arguably be too much information for a consumer to digest. Dozens or even hundreds of chemicals can be used to create an "artificial flavor" or "natural flavor."

Basically, there's just no way to know what makes Flavacol taste good, said food scientist Harold McGee, without knowing exactly what's in it. And even if there were a way to figure out what is in Flavacol and somehow recreate it at home (rather than in a science lab), it might be even more off-putting.

Back in 2007, butter-flavored popcorn made the national news when the New York Times reported a relationship between vapors from the pungent yellow flavoring diacetyl (a naturally occurring organic compound that's added to some foods, like margarine, to impart a butter flavor) and a life-threatening lung condition in workers at flavoring factories. While Gold Medal assured a concerned consumer that Flavacol does not contain diacetyl, what "artificial butter flavor" is made up of remains a mystery to us consumers.*

Since A.B.F. and Alberger-processed salt were out of the question for a typical home kitchen, I explored alternative avenues to theater-style popcorn. I learned that others had success popping the kernels in coconut oil and using clarified butter (rather than standard melted butter) as the "dressing." And to recreate fine-flake salt that would thoroughly coat the kernels and dissolve quickly on the tongue, I used a tip from friend of Food52, Josh Dobson, and sprinkled my popcorn with salt that had been finely ground to a powder in a mortar and pestle.

And so, with these 3 tricks up my sleeve—coconut oil, clarified butter, and pulverized salt—I set out to make popcorn just as good as the theaters'.

The Test:

I made two batches of popcorn, the only difference being that, to one pot, I added 1/4 teaspoon of the neon orange Flavacol along with the coconut oil. But that 1/4 teaspoon made a marked difference.

Of the Flavacol-flavored popcorn (which was also darker in appearance), my tasters (the Food52 staff) said:

• It's "everything I want in a movie theater popcorn."
• "I love this."
• It has "a deeper, more complex flavor profile."

Of the DIY, all-natural alternative, they said:

• It would serve as "a good foundational popcorn," but needs more flavor.
• "It tastes more salty and oily, whereas the other popcorn [the one made with Flavacol] tastes more like butter."
• It's "saltier."

So both bowls of popcorn were made with the exact same amount of actual clarified butter, but the popcorn made with the fake butter tasted more buttery. And while many of my taste testers said they would gladly eat either bowl, multiple people asked me where they could purchase Flavacol (and someone, who will remain anonymous, called dibs on our office stash). I, too, was pleased—and amazed!—to have recreated such a landmark flavor (the taste of Monsters Inc. and Boyhood and Grizzly Man and all my other favorite movies). It tasted great. It tasted like a feature presentation.

In the end, I had made a pretty good bowl of popcorn with the natural tricks, but the Flavacol-flavored popcorn tasted like the movies. And my DIY version—even though it was the best batch of popcorn I'd ever made—did not.

I think I'll save movie theater popcorn for the movies. But I might save myself a little bit of Flavacol, for when the craving hits.

* Curious about the difference between "natural" and "artificial" flavors? While artificial and natural flavorings may be chemically identical, and both may very well be manufactured in science labs, the difference is in the source of the chemical compounds. According to Peter Kim, artificial flavors "include chemicals that come from non-botanical sources," whereas natural flavors are generally derived from botanical sources. "The key fact," said Kim "is that this has no bearing on the actual chemical composition of the final product."

For more on the difference between natural and artificial flavors—and why natural is not necessarily better—check out this article from Scientific American.

Movie theater popcorn: Pure gold or purely gross? Tell us in the comments below.

Seth Bogart is better known by fans of rip-roaring garage punk as Hunx, as in Hunx & His Punx, a group responsible for a bunch of killer singles and two albums in the 2010s. He also released a record as just Hunx, which was a touch more introspective than the Punx albums. One might think that by stepping out from behind the Hunx name and making an album as himself, Bogart may have made the final step into making mature, forthright singer/songwriter music. Wrong! Seth Bogart is even goofier, looser, and more fun than any record he made as Hunx. Forgoing the glammed-up garage punk in favor of a sparkly electro-pop sound made on cheap keyboards, Bogart and a bunch of his friends have made a party album plain and simple. A party with a few moments of…

320 kbps | 105 MB  UL | MC ** FLAC

…introspection, but a party still the same. Bubbling beats, shimmering synths, silly songs about sex and dancing, with Bogart presiding over the proceedings with the gleeful air of a guy having the time of his life. He treats his vocals with Auto-Tune, and speeds them up and compresses them into a squeaky whine, with guests like Kathleen Hanna, Tavi Gevinson, and Chela providing some nice balance. The songs are as strong as anything he’s done in the past. He proves just as good at slinky disco (“Supermarket Supermodel”) as he is at ’50s pastiches, as sly and sassy on the plastic R&B ballad (“Lubed”) as he is on rollicking garage rockers. His light and frothy approach translates easily to this ready-made pop sound, making it the most enjoyable album he’s done yet. The few moments when he brings the lights down a little and gets moody, like on the late-night synth pop-influenced “Forgotten Fantazy” or the album-ending “Sunday Boy,” show he’s not a one-dimensional party animal and they give the record a little bit of gravity.

Just a little though; mostly it’s a Technicolor explosion of pop silliness and sneaky-sharp, hook-filled bubblegum. It’s not quite Hunx and it’s definitely not punk, but Seth Bogart is a blast.

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Es solo rock'n'roll pero me lo esnifo. Con esta frase se podría resumir la vorágine de depravación que vomitan los 100 minutos del episodio piloto de Vinyl, definitivamente la serie que necesitaba HBO para sacudirse el dominio aplastante de Netflix del último año. La combinación de los ingredientes anunciada por la cadena ha superado las expectativas de las tochas más doctas: una serie ambientada en la salvaje industria musical de los 70 en Nueva York, con Mick Jagger, Martin Scorsese y Terence Winter -guionista de Los Soprano- implicados, solo podía desembocar en un aquelarre a velocidad terminal de perico, whisky, nihilismo y guitarrazos a un volumen ensordecedor. Y vive Dios que han hecho todo lo que estaba en sus narices para conseguirlo: hacía mucho tiempo que una serie no ofrecía en un solo episodio tanto vicio, tanta farlopa y tanta jodida locura.

Los primeros 5 minutos de Vinyl son una declaración de principios en modo radical. El protagonista, visiblemente borracho, se agencia 5 gramazos en plena calle y se hinca un tiro de blanca que le pone los globos oculares como pelotas de baseball. Acto seguido se mete en el Mercer Arts Center y, enzarpado hasta las cejas, descube a los New York Dolls. Durante unos segundos, parece que el puto mundo se cae en pedazos en un ragnarok setentero de glam, punk, sipiajos, ala de mosca y mugre. Resulta imposible decirle que no a la serie con semejante galletón inicial: si te esnifas esa puntita querrás meterte todo el episodio por la napia, pasar el dedo por los títulos de crédito y frotarte la dentadura con los restos.

Vinyl sigue las tribulaciones por el lado salvaje de Richie Finestra, un ejecutivo discográfico que está intentando vender su sello a Polygram, utilizando el fichaje de Led Zeppelin como anzuelo para convencer a los peces gordos. El marco no puede ser más jugoso. La Nueva York de los 70 es una ciudad dura, infestada de drogas, pero con una efervescencia musical en sus intestinos que deja sin aliento.

En este sentido, se ha cuidado tanto la estética de la locura farlopera como el rigor de la banda sonora. Scorsese, Jagger y Winter han puesto sobre la mesa todos sus conocimientos para servir al espectador la lección musical más entretenida de la ficción televisiva actual. De hecho, la fecha está elegida con suma inteligencia: estamos en 1973, una época en la que el rock se ha consolidado por completo. Las drogas forman parte integrante del proceso creativo y ya están aflorando nuevos estilos. No es gratuito que entremos en un concierto de Zeppelin o de los Dolls, como tampoco lo es que accedamos a una de las míticas fiestas de Kool Herc, donde se fragua un nuevo y extraño sonido llamado a convertirse en el rock'n' roll del siglo XXI: el hip hop.

Junto al aporte nutricional sonoro, la serie se revela también como una autopsia enloquecida de la industria de la música de los 70, un escenario que nada tiene que ver con la profesión en la actualidad. Los excesos no solo eran competencia de los grupos de rock. Los ejecutivos, locutores de radio y demás liendres de la industria eran iguales o peores: charlatanes, cocainómanos, puteros irredentos, fumadores crónicos, arrogantes, capaces de estar más de 48 horas despiertos masticando paranoia de la buena, alimentándose solo de rayas y whisky... Estos saludables hijos de puta eran los tipos que dominaban el negocio musical de los 70: mucho menos profesionalizado, más intuitivo y permanentemente tempurizado en boliviana; un mercado descontrolado e hinchado de dinero en el que se amasaban fortunas indecentes simplemente vendiendo discos... No como ahora.

La serie aborda el asunto de la cocaína con la misma ingenuidad (y voracidad) que imperaba en la época. Ahora, la farlopa se consume a hurtadillas y en secreto, pero hace 40 años, el polvo era habitual, se esnifaba a la vista de todos e incluso se consideraba una elegante arma para socializar. Esa urgencia por bucear en perico, sentirse Dios y no pensar en el futuro queda perfectamente plasmada en un capítulo piloto que debió de agotar todas las existencias de azúcar glass de Beverly Hillls. Y en esta maraña espasmódica de gentuza, narices irritadas, groupies, hipodérmicas, patillas y punk, Finestra se mueve como un depredador, un imán poderosísimo tallado a la perfección por un Bobby Cannavale en estado de gracia.

El piloto de Vinyl es Scorsese sin cortar. El motor siempre a tope. El viejo Marty recurre al pulso histérico y a la hipérbole drogota del Lobo de Wall Street –curiosamente el guión del film también era de Terence Winter-; le confiere al personaje de Cannavale el aura de un Don Drapper acanallado; y salpica la trama con apuntes mafiosos y humor negro -no puedo evitar pensar en Uno De Los Nuestros y en Ray Liotta al borde del colapso farlopero, buscando helicópteros en el cielo-. El veterano director consigue excitar hasta su horizonte final los componentes de un cóctel molotov que no se ciñe estrictamente a la radiografía sonora, pues ambiciona también convertirse en un fresco social. Diablos, hasta sale Andrew Dice Clay haciendo de magnate de la radio cocainómano y hay un guiño al cine de catástrofes de los 70 en un final demoledor, en el sentido más literal del adjetivo.

Todo indica que Vinyl está destinada a marcar una época. Es de culto antes de serlo. Es una serie muy loca y viciosa, y no será la única regresión musical a Nueva York que veremos este año. Netflix ya tiene su réplica preparada. Se llama The Get Down, se estrena en verano, tiene a Grandmaster Flash como asesor y nos llevará directamente al Bronx de los 70 para que presenciemos el nacimiento de la cultura hip hop.

Mientras tanto, en los próximos meses seguiremos bajando al infierno neoyorquino con Richie Finestra, su papela, los New York Dolls, Robert Plant y la madre que los parió a todos. En una era como la actual, dominada por los DJs de laboratorio, la música digital y los artistas-empresa hiperprofesionalizados, Vinyl reivindica el primitivismo animal del rock'n'roll con las tripas desparramadas sobre la mesa, en toda su jodida fealdad. El piloto es como una raya de palmo de perico, un solo de guitarra de Tommy Iommi a 12000 decibelios y una corrida en las tetas de una groupie... ¡todo al mismo tiempo! Coke'n'roll en estado puro. Purísimo.

Han dejado de tener gracia, si es que alguna vez la tuvieron. Hace tiempo que se le ven las costuras al engañabobos de la modernité capitalina superviviente de la Movida. Esto no podía sostenerse mucho más en un país cuyas nuevas generaciones, afortunadamente, están cambiando de referentes. En una reciente entrevista promocional de Fangoria para El Confidencial, Alaska y Nacho Canut no solo hicieron una exhibición bochornosa de postureo, sino que también tuvieron tiempo para bajar de su púlpito y tirar de las orejas a la gente que no ha podido hacer frente a la hipoteca y se ha quedado de patitas en la rúe.

Después de asegurar, con el aval de su amiga Alaska, que somos un país victimista, Nacho Canut soltaba esto: “Si te has metido en una hipoteca no pidas luego que el Gobierno te saque”. Si la frase viniera de alguna tertulia de Intereconomía, sería hasta divertida, un tópico autoparódico. Lo chocante es que proceda de una fuente para muchos tan inesperada. Era de prever, pues, que una declaración de semejante crueldad levantara a la fieras justicieras de Internet y le acabara pasando factura al grupo. Se han cargado salvajemente las tintas contra Fangoria, no dudo que ha habido ataques injustos y desproporcionados –su legado musical es indiscutible-, pero en los tiempos que corren, un enunciado tan crudo y falto de sensibilidad no va a quedar impune, y Canut debería haberlo sabido. Entiendo que el leit motiv del nuevo disco de Fangoria, Canciones Para Robots Románticos, es la carencia de sentimientos, la artificialidad, pero era del todo innecesario mostrar semejante falta de empatía.

Nada bueno se desprende de la frase. No es ni graciosa. Distanciamiento de los problemas reales de la gente, culpabilización de las víctimas, cuñadismo neoliberal, arrogancia… Culpabilizar al trabajador de las fechorías de bancos y políticos es mezquino. Acomplejar a la gente, tratarla de codiciosa y hacerla responsable de su propia derrota social, desde el púlpito del éxito y con la vida solucionada, es de una ignorancia y una frialdad que asustan. Ni una referencia en la entrevista a la situación de ahogo creada por los bancos. Ni una mención al rescate más escandaloso: el del gobierno a los bancos. ¿Los políticos? ¡Ni de coña! La culpa, la tienes TÚ.

La enésima muestra de frivolidad de Fangoria ha dado lugar a algo que Alaska y los suyos no sentían en mucho tiempo: el rechazo generalizado. Aunque la horda de las Redes Sociales haya sacado los rifles justo ahora, esto es algo que se viene cocinando a fuego lento desde hace años. Alaska ha defendido programas como El Gato al Agua de Intereconomía, una tertulia misógina, homófoba, ultracatólica, machista y de extrema derecha. Ella y su marido se confiesan fans de Esperanza Aguirre (bochornoso, lo sé). Alaska no ha tenido reparos en trabajar con Federico Jiménez Losantos, uno de los locutores más feroces de la derecha radical. Que ella y su marido hayan caído simpáticos tanto tiempo, juntándose con tanto miembro del Tea Party español, hay que aducirlo a muchos factores. Una omnipresencia mediática asfixiante. La lente magnificadora de un reality que se ha encargado de transmitir una imagen entrañable, simpática y deliciosamente extravagante de Alaska y Mario. La imagen de Alaska como abanderada de una transición cultural que en realidad fue puro humo. La percepción errónea de que todo lo que dice la cantante es misa (cuando sus apreciaciones y referencias culturales megacool no pasan de las de un nerd advenedizo)… La declaración de Canut al Confidencial es desafortunada, pero la trama viene de lejos. Hace mucho que Alaska y compañía son los modernos del sistema; el perfil de agitador cultural inane con el que sueñan todos los gobiernos.

España ha creado sus propios monstruitos; la culpa del encumbramiento de estos personajes es también nuestra. No obstante, si hemos tenido el poder de endiosarlos, también tenemos el de sepultarlos y pasar página. La sensación actual es que Alaska y su séquito están desfasados. Van camino de la fosilización. Lo de la Movida ya no es garante. Hay que presentar algo más que el carnet de Pegamoide para ganarte el respeto en 2016. De hecho, lo único que hizo aquella escena fue llenar de nadería el hit parade y vomitar una serie de grupos formados en su mayoría por gente de posición social holgada y mucho tiempo libre. A saber cuantos de ellos han tenido problemas con la hipoteca.

Hay que presentar algo más que el carnet de Pegamoide para ganarte el respeto en 2016

A mi modo de ver Alaska, Mario y compañía se han enrocado en la posición de modernos oficiales de un país que ya no está para gilipolleces. En los 90, seguramente les funcionaba esa actitud de frivolidad impostada en la que venerar la estupidez, el cutrerío y el pelotazo era algo supermolón. Pero no están ahora los tiempos para aguantar las salidas de tono de los despojos neoliberales de la Movida. Una cosa es decir que Losantos mola mucho, que Espe es superchachi, y otra muy distinta culpabilizar a la gente de la codicia de los bancos en un alarde cósmico de ignorancia y desprecio, por mucho que Canut y Alaska hayan intentado arreglar el desatino en entrevistas posteriores.

En las charlas promocionales de “Canciones para robots románticos”, Alaska y Canut aseguran que las decisiones importantes deberían tomarlas robots, que lo ideal sería que los gobiernos estuvieran formados por máquinas inteligentes. Imagino que si en el gobierno hubiera robots, a Alaska no le habrían concedido un programa en La 2 subvencionado con nuestros impuestos. Quizás, si los robots fueran nuestros alcaldes, no gastarían el dinero del contribuyente contratando a Fangoria para las fiestas mayores de su ciudad. Alaska tendría que pagar las hipotecas vendiendo sus pelucas y alquilando el teclado de Canut para bodas, bautizos y comuniones. A lo mejor hasta tendría que pedir al gobierno que la rescatara. A lo mejor hasta tendría que decirle a su amigo que la próxima vez, mejor calladito.

La entrada Fangoria, hipotecas y robots: cansados de Alaska aparece primero en Mueran Modernos.

By Tara Marie  Published: February 16th, 2016 

By Nathan Williams  Published: February 17th, 2016 

A woman's hair has long been regarded as the key to her femininity and a potent symbol of her sexuality. Whether kept long, short, natural, braided, or dyed, a massive amount of emphasis is placed on a woman's hair. Because of this, the image of a shaved head signifies a certain defeminization and is still a look with the power to shock.

A bald head is a look as ancient as history itself, from Ptolemaic beauty regimens to Hindu funereal traditions. The symbol of a shaved head has signified devotion, rebellion, and even sometimes, a sign of a mental break. Women have shaved their heads out of convenience, to stay clean, and as an act of repentance. While the function of a buzzcut ranges widely, the effect is powerful: A bald head subverts what has come to be a traditional and patriarchal idea of what a woman should look like.

Ancient to Medieval Times: The Pretty, Pious, and Punished

The first recorded instance of a shaved head is rooted in ancient Egypt, where both men and women shaved their heads in order to beat the heat and stay clean. Tweezers, knives, and razors were unearthed in the tombs of Egyptian women, indicating that the process of removing hair was an arduous but prioritized task.

Skip ahead a few centuries to the Late Middle Ages and early colonial period: when upheaval in the Catholic church, widespread famine, and the outbreak of the Bubonic Plague gave way to violent conflicts, filthy living conditions, and inhumane methods of punishment. One of the most well-known icons of the era is the young and inexorable French rebel, St. Joan of Arc, who kept her hair cropped and wore men's clothing in order to avoid the sexual advances of men throughout her military career. Ultimately, it resulted in her receiving the death sentence in 1431, after she was convicted of heresy by cross-dressing at barely twenty years old. Executioners forcibly shaved her head and burned her, not once but three times, at the stake.

Another feverish young saint, St. Rose of Lima, shaved her own head when her beauty began attracting suitors. In penance to God, she tortured herself in various waysfasting; whipping herself; wearing a crown of thorns with 99 barbs, which she rotated regularly "so that all parts of her scalp would remain perpetually wounded"; and smearing her face with pepper to dispel potential suitors. She died early in her thirties, presumably because her body was weakened from the habitual abuse and torture she inflicted on herself, single but devoted to her cause.

St. Rose of Lima with the Baby Jesus. Image via Wikipedia.

Teens and Tondues

The Progressive Era saw remarkable changes in urban environments after the Industrial Revolution gave way to rapid expansion in city populations, which was matched by a rise in poverty and squalor. Unemployment put many young women on the streets for work or otherwise, making them perfect candidates for religious conversion. One of these women was Annie Sigalove, who in the 1890s was plucked from the dance floor of a club on Coney Island and taken into custody by Episcopalian nuns. Against her will, Sigalove was enrolled at The House of Mercy at Inwood, a reform school for "fallen women", where sex workers, club dancers, and rebellious teenagers alike were kept under lock and key with the aim of converting them into respectable women.

According to historical documents, conditions of the home were deplorable, and the nuns took to shaving the girls' heads when they misbehaved. Because of this, Sigalove filed grievance and became the center of a scandalous news story. "We find the girls do not like to lose their hair," one of the nuns told a reporter, "and that the fear of having it cut off tends to make them more obedient." The house was shuttered by the 1930s and demolished soon after.

We find the girls do not like to lose their hair and that the fear of having it cut off tends to make them more obedient.

The dramatic act of shaving a woman's entire head forced her to physically wear her contrition in a way that was highly visible, marking her like Hester Prynnea woman outside of society. It wasn't merely a religious punishment: After World War II, for instance, French women accused of sleeping with German soldiers were publicly humiliated by having their heads shaved. (Interestingly, many of their prosecutors were German collaborators themselves, hoping to distract from their own crimes.)

"Les femmes tondues," or "the shorn women," were paraded through the streets bald and stripped to their slips with swastikas painted on their chests and foreheads, oftentimes with their own lipstick. Some 20,000 women were reported to have committed "collaboration horizontale" and were shorn accordingly. Sadly, what is absent from these reports is whether or not these women consented to their crimesmeaning that many women may have been punished and shamed for their own rapes.

French women accused of collaboration. Image via Wikipedia.

Bold and Bald

During Women's Lib and beyond, the look of a shaved head came to be associated with control and nonconformity, as women took to buzzing their heads themselvesnot so much in loyalty to a divine patriarch, but to destabilize notions of traditional femininity and to embrace radical notions of gender performance.

Enter Grace Jones, the inimitable eighties pop icon who presented a gender-bending and powerhouse persona that transcended social norms and aesthetic boundaries. In her memoirs, titled "I'll Never Write My Memoirs", Jones says of her look, "My shaved head made me look more abstract, less tied to a specific race or sex or tribe. I was black, but not black; woman, but not woman; American, but Jamaican; African, but science fiction." She goes on to say that shaving her head lead directly to her first orgasm. How's that for erotic power?

My shaved head made me look more abstract, less tied to a specific race or sex or tribe.

An equally dynamic and controversial star, Sinead O'Connor, shaved her head after record executives wanted her to take on a softer, more sexualized look by wearing shorter skirts and keeping her hair long. She refused, and went straight to the barber to get the rest of her hair buzzed off. O'Connor is quoted as saying she intended to opt out of the male fantasy, saying that "it was dangerous to be a female" in the male-dominated music industry she had entered at the tender age of seventeen.

Grace Jones at Studio 54. Image via Flickr.

It's Britney, Bitch

Perhaps the most recognizable image of a woman with a shaved head in recent history is that of Britney Spears during her famous 2007 meltdown.

After weeks of bizarre behavior, Spears cruised to a local salon in Tarzana, California with a trail of paparazzi slime behind her, where she demanded to have her head shaved. The owner, Esther Tognozzi of Esther's Haircutting Studio, refused, suggesting that Spears was having a "hormonal moment". According to an eyewitness, Spears was heard saying, "I don't want anyone touching me. I'm tired of everybody touching me," while she took control of the clippers and emotionlessly buzzed her entire head.

It's worth noting that up until that point, Spears' longest relationship had been the one between herself and the public; raised by Disney and groomed for sexual stardom, she was arguably poised to snap.

Later in the weekend, after getting a tattoo and physically attacking a photographer's van with an umbrella, Spears booked herself into a treatment facility, citing exhaustion. Strands of her hair swept from the salon floor later appeared on Ebay and allegedly reached $1 million in bids before the auction was removed. A later report announced that Spears cut her hair to avoid a drug test, but this claim has been disputed.

Image via New York Daily News.

The Bald Truth

Throughout history and around the world, women have parted with their hair for various reasons. Religious purification by way of a buzzcut enabled young saints to transcend a world of temptations while that same hairdo forced scrutiny on women who misbehaved and were penalized. A woman's sexuality is often seen as a threatening force and removing her hair is thought to neutralize its potency. In response, many women shave their heads as a statement of power by reclaiming control over their bodies and celebrating the right to express themselves how they choose.

Getting off can be so hard sometimes. Don’t let your partner’s incompetence get you down. Take a little advice from Martha Stewart and Country Living: do it yourself! Here’s how to combine your love of crafting with your desire for orgs.

 

1. Tin Can Reading Lamp

Who doesn’t love to get cozy on the couch with a torrented copy of Pride & Prejudice, a warm wool blanket, a cup of Earl Grey tea, and a vibrator? After you work yourself up crafting this tin can reading lamp, you can get the lighting just right for getting off while simultaneously imagining Colin Firth going down on you.

 

 

2. Natural Laundry Detergent

Making your own biodegradable laundry detergent never felt so dirty! Once you’ve finished mixing up a batch of fresh lavender detergent, throw about ten towels in, set the washer to heavy duty, sit on top of said washer, and let Kenmore do the rest.

 

3. Mason Jar Christmas Light Lantern

This one almost seems TOO simple. And that’s because it is. But sometimes, simple and straightforward is all you need to round the point of no return. You’ll be wet just picking out the mason jar from your kitchen cabinet, “oh my God, so close” stuffing those lights in a jar, and finished before you can even plug those babies into the wall. Some people may think it’s weird that you get off to two-step DIY home crafts, but hey—don’t look a gift orgasm in the mouth!

 

4. Plastic Bottle-Legged Bed

How many times have you thought to yourself, “What am I going to do with all these two-liter bottles besides recycle them?” Fret no more. Use those bottles of RC Cola, Canada Dry, and Crush to prop up your bed. Boom—DIY shock absorbers for your nightly humpathon. Squirt’s not only a tasty hybrid of Sprite and 7UP; it’s something you can do yourself!

 

 

5. Rustic Twig Frame

When you really need to relieve some tension, try reconnecting with nature. Wander around your local park or neighborhood and collect some twigs that remind you of who you were before all the mess, back when you were younger, simple, and free. Bring those tiny branches back to your house, whip out the hot glue gun, and start making a square. The gentle, repetitive motion of gluing in a geometric shape will prime you for the final step: Paste in the photo of the Joe Boxer model from page 3 of last Christmas’s Target circular. Mmm, memories…

 

6. Felt Ball Wreath

The best way to get your hot mail carrier to knock on your door is to make that door look as alluring as possible. Buy a wreath from your local wreath store and glue soft, sensual felt balls on it—this will subtly remind him of his own balls. Your mailman will be knocking down your door to know where you bought that amazing, ball-like ball wreath. And when you tell him that you made it, he’ll have no choice but to quit his job and pleasure you for the next 72 hours. Thanks, UPS!

 

Remember to have fun, and don’t worry if your project doesn’t turn out exactly how you imagined. Practice makes perfect!

As time moves on and the genuine bluesmen slip into historical archives, it is a cause for celebration when someone makes the effort to reconstruct the music of one of the true innovators in the blues genre. Produced by Jeffrey Gaskill, God Don’t Never Change: The Songs of Blind Willie Johnson, is a contemporary tribute to this seminal slide guitarist who was also unique in his imaginative vocal interpretations and compositions of gospel blues. Blind Willie Johnson (1897-1945) recorded thirty tracks for the Columbia label between 1927 and 1930 in sessions done in Dallas, New Orleans and Atlanta, preceding the heralded recordings of blues guitarist/composer Robert Johnson in San Antonio, by nine years.

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Though his songs have not had the influence and impact of Robert, Blind Willie has left an enduring legacy which is carried on by modern slide guitarists and gospel singers.

It is of course the job of the producer to get the right people for such an undertaking, and this project is no exception. Tom Waits opens with “The Soul of a Man,” a raucous holy roller that brings to mind the fire and brimstone preachers who know how to shake up the congregation. “Nobody’s Fault But Mine,” possibly Johnson’s best known and most covered song is given the royal treatment by Lucinda Williams, who possesses one of the most distinctive voices in music. Derek Trucks is widely recognized as a brilliant slide player, and he is joined by his wife Susan Tedeschi handling the vocals on “Keep Your Lamp Trimmed And Burning,” which eases into “Jesus Is Coming Soon,” by the Cowboy Junkies. The Blind Boys of Alabama, were the obvious choice for “Motherless Children Have a Hard Time,” and they deliver a soul shaking rendition.

Sinead O’Connor might be the surprise artist here, but she rises to the occasion on “Trouble Will Soon Be Over,” followed by Luther Dickinson, guitarist of the North Mississippi All Stars who assembled an interesting fife and drum band to perform “Bye and Bye, I’m Going to See the King.” Lucinda Williams returns for an inspirational version of “God Don’t Ever Change,” and Tom Waits does an encore with “John the Revelator.” Maria McKee raises the roof with “Let Your Light Shine On Me, and Ricki Lee Jones closes the repertoire with the somber toned “Dark Was the Night, Cold Was the Ground.” This final song was initially done by Johnson as a moaning hymn accompanying himself on an eerie slide guitar, Jones accomplishes an impressive take and does justice to the memory of the original.

This is an interesting record, and one that was literally years in the making, as producer Jeffrey Gaskill, back in 2002, began the search for the legend of Blind Willie Johnson, going back to his native Texas roots to get the real story. Though the recordings of Johnson are readily available and have been reissued on various labels, this compilation is a labor of love in not only recognizing a unique American artist, but serves as stimulation to go check out Johnson’s music. The blues is where it all began and these primordial performers deserve enduring appreciation for their contribution.