Ojalá haya otra temporada de “Ylenia y siete personas más de las que ya no me acuerdo”.
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"Up until the 1700s, dentists tended not to focus on trying to make teeth straight. They had more pressing issues, like rampant tooth decay and shoddily constructed dentures. If you had all your teeth, and they weren't falling out, who cared if they were straight? But as dentistry became more and more successful at keeping people's teeth in their mouths, the desire for a straight smile started to take hold, and not just among the highest classes."
Hay pocas cosas mejores que la realidad cuando hablamos de crímenes, de odio, de venganzas, de la bajeza humana, y Ferdinand von Schirach lo sabe. Lo vive cada día en los juzgados. Abogado defensor penalista en Berlín, Schirach palpa cada día una realidad que a muchos nos incomoda y de la que preferimos vivir aislados. Asesinatos, violaciones, estafas, venganzas, injusticias, Schirach se encarga muchas veces de defender lo indefendible, o lo que a primera vista está ya sentenciado.
En 2009, Schirach decidió poner por escrito algunos de sus casos y los plasmó en Crímenes, que contiene once de los más de setecientos casos que ha defendido a lo largo de su carrera. El libro fue un éxito y estuvo cuarenta y cinco semanas entre los más vendidos en Alemania.
Un año después escribió Culpa, que contiene quince casos reales más que se encargó de defender. Culpa también fue un éxito y de nuevo fue uno de los libros más vendidos en Alemania.
Culpa es uno de esos libros incomodos de leer por la realidad que nos pone delante, que una cosa es leer ficción, y otra muy distinta es leer, ver, la cara más oscura del ser humano. Cuesta leer, por ejemplo, la violación de una jovencísima camarera que por un resbalón se derrama una jarra de cerveza encima de la camiseta y sobre sus pechos, detrás del escenario en una fiesta mayor. Y como después, un grupo de músicos borrachos, la viola en grupo para después tirarla debajo del escenario y salir a tocar sin el menor cargo de conciencia. Y aunque eso sea realmente atroz, la peor parte es la que tiene que ver con la justicia, cuando a Schirach le encargan defender a los músicos.
¨Había fotos de la joven, de su cuerpo vejado, su rostro hinchado. Nunca había visto nada igual. Sus declaraciones eran confusas, no permitían formarse una idea de lo ocurrido, cada páginas de los procedimientos dejaba traslucir la rabia, la rabia de los policías, la rabia del fiscal y la rabia de los médicos.¨
Culpa nos hace reflexionar una y otra vez sobre la propia figura de Schirach, la de abogado defensor, porque no es lo mismo defender a esos músicos que violan a una muchacha a sabiendas de que es un acto atroz y brutal, que defender a una mujer que, al parecer, ha asesinado a su marido después de diez años de soportar palizas, vejaciones y violaciones sistemáticas y que el marido amenazaba con empezar a hacer lo mismo a la hija de ambos que justo cumplía diez años en pocos días.
La justicia no tiene moral, la justicia es ciega y muchas veces sorda. Los abogados y los jueces y los jurados han de cumplir las leyes, aunque muchas veces la ley es de todo menos justa.
Schirach nos muestra en estos apenas quince casos, muchas de las caras del ser humano a las que se tiene que enfrentar, y muchas de ellas contradictorias. Defender a violadores brutales, defender a una asesina que defendía la integridad de su hija, defender a una adolescente acusada de asesinato por dejar a morir a su bebe, que ni siquiera sabía que llevaba en el vientre, fruto de ser violada por un vecino, ayudar a un hombre rico a librar a su hermano de la cárcel una y otra vez, defender a un hombre encarcelado durante años por el error de un policía…
Duros, agridulces y alguno premonitorio, como el del conductor que defendió Schirach por atropellar y matar a un tipo, que salía de su coche para asesinar a una mujer, los relatos que componen Culpa nos hacen valorar y temer la justicia en toda su envergadura, nos hacen participes de las luchas que se suceden en los juzgados a diario por parte de los abogados, los fiscales y los jueces, muchas veces contra las cuerdas y atados por unas leyes obsoletas, absurdas o demasiado recias. Pero también nos enseñan que no todo es blanco o negro, que no siempre la víctima es realmente una víctima de igual manera que un acusado con todas las pruebas en su contra, puede no ser culpable.
Fascinante también es la manera de narrar que tiene Schirach, su estilo es absolutamente neutro, desprovisto de cualquier juicio y sentimiento, una voz imparcial y fría, que no mecánica, que nos cuenta todo lo sucedido con una voz directa y sin florituras, sin apenas adjetivos, tan de moda últimamente, una voz que nos expone los hechos desnudos para que seamos nosotros quienes hagamos el ejercicio del juicio y de la reflexión.
Relatos duros y perturbadores, eso es un Culpa, pero sin llegar al regocijo y a la gratuidad de la que hacen gala muchas novelas últimamente, que más que contar historias parecen un catálogo de miserias y de violencia y sexo sin sentido. Schirach es ante todo respetuoso con el lector y solo escribe lo estrictamente necesario para entender el caso más allá del mero atestado judicial.
Desconocía a este abogado alemán descendiente de una de las figuras más terribles del oscuro reinado Hitleriano y, demonios, no será este el único libro que lea suyo.
Culpa
Ferdinand von Schirach
Ed. Salamandra 2012
153 páginas.
How do we learn to eat? It may seem like an obvious question, but it’s actually quite a complicated process. Who decided that mushed-up vegetables were the perfect first food—and has that always been the case? What makes us like some foods and hate others—and can we change? Join us to discover the back story behind the invention of baby food, as well as the latest science on flavor preferences and tips for how to transform dislikes into likes.
They say “Beauty is pain,” and they are correct. If you want to look sexy and appealing, you must feel physically bad right down there in your body. Here are the best beauty trends to make your body super hot while simultaneously making it say, “Oh no.”
Lasers
The permanence of laser hair removal makes this treatment very convenient. You will feel shiny-smooth from head to toe forever. You will also feel like “ouch” because it will feel bad when they put lasers on your body, because lasers are sharp sticks of science-fire. Which are bad for the human nerves that you have. Also, you may have to inflict this pain multiple times for the effects to be permanent. Owwie!
Hair Bleach
Putting chemicals on your head for good looks is an ancient tradition. Hurty, burny liquids are real good at making you aesthetically better, but they will give you pain. Oh well! Once you wash it off, you will be very good to look at. Until then you’ll say things like, “Boy is that a bad feeling,” and “I don’t like this one bit.” Your poor, hot, sexy head!
Extractions
When you want to remove toxins and impurities from the skin on your face, head straight to a facialist to have them violently force any trace of debris out of every single one of your pores. And when you leave, just be like, “OH GOD OWWWW!!!” to express how much your pretty, pretty face hurts. From now on, people will like to see your body, but you won’t like to live in it!
Plastic Surgery
There are a whole lot of surgeries that can make you look better than you look now. But someone has to cut you with a knife and you’ll bleed. And then when you wake up, it will feel like you’ve been cut with a knife and bled. You know, like you’ll feel the same as the victim of a stabbing would. For beauty! “We find that our clients want to look better, which we accomplish by cutting their little faces with sharp knives,” says plastic surgeon Dr. Joseph Malk. So take it from him: Go get a pretty injury! You’ll be saying “ow, ow, owwy, ow, ow” in no time!
Mascara, if it Gets in Your Eyes
AAAAAAAAHHHHHHHHHHHHH!!!! I CAN’T GET IT OUT!!!
High heels hurt, and suck-in undies hurt, and hairpins hurt, and everything hurts. But all that pain will be worth it when beauty shows up on your ouchie body! You’ll be turning those “OW”s into “AH-WOOOOO-GAH!”s in no time! Or eventually. Hopefully. If you can stop crying long enough to get out into the world where people can see you.
With so much on our plate these days, often the only me-time we get is when a friend dissolves into a melted pile of human feelings. Sure, in a perfect world we would all be able to provide the time and attention needed to comfort an emotionally unstable friend, but sometimes we’ve got to multitask, especially if we’re juggling work, relationships, and a backlog of Scandal episodes. In the likely event that your eyes glaze over during your friend’s breakdown sesh, here are some go-to words of advice that fit any situation.
“You’re not crazy.”
This phrase works great no matter what your friend is scream-crying about. Whether she is speculating about why Anthony didn’t text her back, or if she’s simply repeating “Am I crazy? I feel like I’m crazy. I want to kill someone! Please hold me. I’m not crazy right?” this is the perfect line to use when you’re really thinking about which wall of your bedroom would make the best accent wall.
“I hate that you’re feeling like this.”
This is a wonderful phrase for when you’re halfway through mentally planning your weekend and haven’t quite surmised what she’s upset about. Right when you get to Saturday night is usually the self-pity apex in a friend’s freakout. This is also a great option if you notice in your peripheral vision that she’s moved into silent sobs while you’re trying to decide between two diners for post-clubbing. If only this friend weren’t so depressed and would come out with you guys more often!
“I have no words.”
This phrase is useful because it lets you simulate frustration with your friend’s problem without saying anything of substance. It’s also a foolproof option for when you’ve just emerged from deep meditation. You’ve been meaning to meditate every day, and how often are you sitting in one place? She’d understand.
“I completely understand.”
There’s a good chance your friend has descended into incomprehensible gibberish by now. She’s repeated herself so many times that her words have lost all meaning. That doesn’t have to stop you from reassuring her that her outlook on why she got passed up for a promotion is valid and well-thought-out. Reciting this platitude will give you time to fully remember every detail of the last time you hooked up with Seth. Woah, you should call Seth!
The next time your friend comes to you in tears and your brain automatically goes into sleep mode, try out one of these helpful sayings. And for those who’ve mastered these tricks, try kicking it up a notch by nodding your head every four seconds. Have fun!
Before I get into this, I want to address the title of today’s column which implies that geekdom is inherently male. That’s actually a deliberate choice, because while we’ve made serious improvements in increasing diversity over the years, the geek community tends to still conduct itself like it’s a men’s locker room.
…and frequently smells about the same.
The problem is simple. The way many geeks conduct themselves not only reinforces all the negative stereotypes about geeks (including ones that geeks perpetuate themselves – more on this in a bit) but it also chases women away. Not, mind you, just from the community, but from people as well. Let’s be honest: unless you’re an absolute sociopath, you ain’t compartmentalizing the way you act on Reddit from the way you act in the rest of your life. Angry, shouty neckbeard or manchild isn’t a good look on anyone, so why perpetuate it even further?
But hey, if appealing to your sense of community doesn’t work, I’m always willing to lead people by their balls instead, because these behaviors are like a magic trick: they make sex disappear. So let’s talk a little about those nerd behaviors that drive women away, so we can quit doing them…
Let’s start with one of the most obvious: when your identity is based on the things you consume rather than what you do. Now I’ll be the first to acknowledge the irony of this coming from someone who calls himself Dr. NerdLove but stick with me a second.
Ultimately, being a geek is about how you relate to the things you love. It’s not just that you watch sci-fi movies but how they inspire you to express how you love them. Maybe you’ll cosplay as the characters. Maybe it inspires you to write your own sci fi epic. Regardless, it’s about the interaction and pursuits of your passions, not just the act of consuming it. One of the biggest mistakes geeks and nerds make is in the way they have a tendency to make their consumption part of their identity. It becomes a major touchstone of who they are; they don’t just play games, they are a gamer. Sometimes it goes even further – they’re not just a gamer, they’re one of the Glorious PC Gaming Master Race, rather than one of those dirty console peasants.
Because why not take a facetious joke and wear it with unironic pride?
You have your otaku, your grognards, your Marvel zombies, your hard SF-fans, your Twihards, your Bronies, your whatever-the-hell-Steven-Universe-fans-call-themselves. While it’s one thing to be a fan of something – even a devoted fan – it’s another when your identity is all about what you consume.
Thing is though: consuming something takes no effort. You’re the end point in the production line. You didn’t create the property, you didn’t influence it (outside of “buying it” or “not buying it”) and you certainly don’t own it. This means that functionally, your identity is in the hands of someone else and they ultimately don’t care about you outside of you ponying up more money for whatever they’ve rubbed their balls on. Let’s be honest: do you really think that Disney gives two shits about Star Wars fans in particular? Certainly not beyond “they give us money.” They have no emotional investment in the quality of the story or the narrative purity, they just want your money. This is why they’ve sworn to make a new Star Wars movie every year: to keep those box-office receipts rolling in so that Bob Iger can take another lap in his money bin. If the beancounters at Disney decide there’s more money to be made turning Star Wars into a Regency comedy of manners instead of space opera, they’ll do it and jettison the fans in a heartbeat.
But it’s that over-entitled sense of ownership that gets people into trouble. I mean, as long as we’re talking about Star Wars, look at how quickly we all turned on George Lucas. Yeah, the prequels are objectively bad movies and he gave us Jar Jar Binks. Those were still his toys do do with what he chose. But ask a geek and you’ll hear about how Lucas’ stewardship of his own creation was a crime on the same level as the torpedoing of the Lusitania. It’s absurd. But it’s that same misplaced sense of ownership and entitlement that will lead to some of the most insane meltdowns you will ever see.
The Force Awakens makes so much more sense when you realize it’s about fanboys…
The author of multiple novels in the Star Wars extended universe got death threats because her version of the Clone Troopers didn’t match up precisely with the visions that some fans had in their heads. A Steven Universe fan artist on Tumblr was hounded to the point of suicide because her depiction of Rose Quartz didn’t look exactly “right”. ((The dogpile was, in fact, started by someone who was jealous that said artist was dating someone the hater had a crush on, but it was the “she’s fanning wrong!” war cry that inspired the fandom to rise up en masse)). The Sad Puppies and Rabid Puppies tried to sink one of the oldest fan awards in SF/F fandom because they didn’t like that books they didn’t read were winning awards.
But even those behaviors pale when you see how vehemently folks will try to defend the “purity” of their identity as consumers. After all, when your identity is based around consumption, the more people who take part in it, the less “special” you are. You need to reaffirm your specialness at all costs, either by excluding them by definition or actively driving them away. Religious wars aren’t fought as vehemently as “gamers” defending their beloved hobby against supposed invaders. Watch how many “hardcore” gamers lose their shit when someone who plays Angry Birds and Candy Crush Saga calls themselves a gamer or when “walking simulators” like Gone Home or “SJW Hugboxes” like Undertale get popular. The fact that gaming companies are no longer catering specifically to them damages their identity. It dilutes the “specialness” of their identity by opening it up to everyone, which they resent. They feel that their love and consumption of the product means the creator “owes” them, and opening up to new audiences is some form of betrayal. In reality: companies love money and recognize that accessing new markets means even more money.
Of course, this leads us rather handily into the next part:
Remember what I said about geekdom acting like a men’s locker room? This is in no small part because of how damn hard some nerds work to try to turn it into the He-Man Women Hater’s Club. Even when they insist otherwise.
Almost every woman I know in the geek community has had some variation on this conversation:
BOY: I wish more girls liked video games
GIRL: I like video games
BOY: no you don’t. fuck you. what’s the length of Mario’s inseam.— Albro (@bromanconsul) January 21, 2016
Women who show even vague interest in geek communities or properties often have to fight in order to just take part without being chased away. They’re “allowed” in under specific and limited circumstances – as something for the boys to enjoy, but God forbid they voice an opinion or even set up their own corner of fandom. Their presence is suspect because geekdom has long been artificially labeled as a “male domain” through market segmentation. Ignore the fact that women have been part of geekdom from the beginning, often being the ones who created fandom in the first place, and instead ensure that they know their place by making sure that anything that might be seen as being “for girls” is at the low end of the totem pole. Treat Twilight fans at SDCC as unto a plague of locusts instead of people taking their first steps into urban fantasy and geekdom. Shows with heavy female audiences are treated as lesser and mocked. Fannish activities with a high female contingent like fanfic and Tumblr boards are made out to be inherently stupid and worth less. Geekbros treat women as foreign invaders when the content producers start to notice that women have a market presence and disposable income.
And then they rage when they realize those women aren’t going away. In fact, their presence is starting to make serious changes in geek media. And it drives many geek bros crazy.
Remember what I said about making your identity about what you consume? It’s inevitable that the people who make the things that geeks consume will recognize that there’re other audiences and start to cater to them too. At the end of the day, they care about the audience only in as much as what the audience can do for them (ie. $$$). When more companies recognize that women are a new and vibrant market, they’ll start to make content for them as well. Marvel isn’t featuring a Pakistani-American Ms. Marvel because they’re being forced by the Diversity Illuminati, but because it sells to a market that previously had no interest in comics. Capcom isn’t editing out R.Mika’s buttslap emote because of a sinister cabal of SJWs with their mind-control rays, but because it’s starting to be bad business to look like sexist douchebags.
“What was that? I’m sorry, couldn’t hear you over the increase in quarterly profits!”
But to many geek guys, it’s not a case of the market responding to consumers but women coming in and trying to make it all about them – never mind the way Bronies took de facto ownership of a cartoon meant for 9 year old girls. So to them, women are suspect – only in it for shady reasons. They’re Fake Geek Girls who’re only in it for the attention. Cosplayers are just looking for easy money and nerdboy drool. Ignore the hours upon hours of effort it takes to create those costumes and make them work in 3d space. How many cosplayers have gone on to professional careers – not just selling prints on DeviantArt but proper careers? There’s Yaya-Han and…
Yaya-Han and…
Anyway.
In the face of this “threat” (and we’ll get to that in a second), women are threatened, diminished and harassed unless they subsume their identity into the anonymous collective stereotype of the white male geek or leave entirely. They need to prove they’re one of the “good” ones, the nerd equivalent of Gillian Flynn’s Cool Girl who’s just One Of The Guys and Doesn’t Mind Sexy Characters and Makes Dick Jokes.
Because everyone knows gamers can’t possibly be attractive or speak in anything other than swears.
Of course this becomes part and parcel of
There are few things more tedious than when geek bros decide to have a nerd dick-measuring contest. Much like when hipsters attempt to establish dominance by cocksmacking each other over their taste in music, geeks try to make the depth and intricacy of their knowledge into stages of the social hierarchy. The idea that the deeper you are into your geekery, the more dominant you are in the social scene. Therefore, nerds will whip out their cred at any opportunity like sage grouse inflating their throat-sacs at rivals during mating season.
“I beat Battletoads! No cheats! I beat Battletoads!”
The problem is that this behavior tends to be about as welcome as finding Jack Black behind the counter at the record store. Back when there were record stores, anyway.
“Oh, you bought your music on iTunes? That’s on, not everybody’s able to handle the purity of a lossless format like FLAC.”
After all, establishing one’s superior taste and social status is more important than bonding over the things you do have in common. But alpha nerding gets especially obnoxious when it becomes part and parcel of gatekeeping behavior. As many women have discovered, mentioning that you’re into some geeky property is an invitation to have a male geek challenge the very idea that you actually like the thing you like. Mentioning that she reads comics or likes The Avengers treats her to an inquisition of increasingly obscure trivia as geek men try to prove that she’s another dreaded “fake geek girl” trying to infiltrate the party. Other times alpha nerding behavior acts like the geek equivalent of the neg – trying to bring down the female by implying she couldn’t possibly be a “real” geek and thus make her try to earn his approval. Still other times alpha nerd behavior serves to reinforce the idea that women are inferior – automatically discounting that she could actually know her shit until it’s been confirmed by a guy.
Needless to say, alpha nerding drives people away from the community. Equating the depth of one’s interest in a subject or property with the memorization of obscure trivia ignores the vast array of ways people celebrate their love of their geeky favs. That girl with the Triforce tee may not have memorized the divergent timelines in The Legend of Zelda, but she has learned how to play the Ballad of the Goddess backwards and forwards on the violin. The woman with the asymetrical haircut and hipster glasses may not have cracked a comic, but she’s watched the Marvel movies more times than she’s had hot meals and can quote every line Tom Hiddleston ever uttered. The woman with the Batman tattoo may not know who fixes the Batmobile1 but she’s studied parkour because she was inspired by Catwoman. Fan art, fanfic, cosplay, even arguing about your One True Pair are all legit ways of taking part in the things you love.
Moreover, alpha nerding ignores a simple fact: the person they’re pestering may be a new fan. Nobody was born with an encyclopedic knowledge of Rex the Wonder Dog or Japanese sentai shows; everyone had to start from the beginning, same as everyone else. But when geeks badger them in the name of preserving the “purity” of fandom, they often end up chasing away someone who wants to learn more. These status games are tedious and tiresome and ultimately are born out of a sense of insecurity that seems to infest the geek community.
What do I mean? Well that actually leads to the last part:
One of the most frustrating aspects of geekdom is how eagerly geeks seem to rush to embrace the worst of their own stereotypes. For a long time, geekdom and nerdiness were seen as being unmasculine in the traditional sense. Being into geeky or nerdy things marked you as being “lesser” than others. Geeks and nerds generally (not always, but frequently) lack the physical prowess of the athletes or the social accomplishments of the “cool” or popular kids. Their interests don’t have the same social cachet as others, and they’re frequently seen as pathetic failures, weak and undesirable, uncool in the extreme. Many geeks come from backgrounds of romantic frustration, and social awkwardness is rampant, leaving them feeling isolated and cut off from the rest of the world. For those, the geek community becomes a sort of refuge, where men2 who don’t conform to stereotypes of masculinity can find a place where they can be top dog. It gives a sense of freedom and fraternity that lets geeks finally have a place of their own where they can be authoritative while defining their own value.
Such as CPM, lane-pushing, metagaming and superior jungling skills. (credit: logoboom / Shutterstock.com)
The problem is that even as geeks try to define themselves and their own value, they still buy into their own stereotypes and limitations. Geeks and nerds, despite consciously stepping outside of traditional masculinity, see themselves as being lesser than dominant, “alpha” men, still buy into the idea that geeks are unattractive social misfits by definition. It’s a fascinating exercise in cognitive dissonance; geeks will simultaneously decry jocks, fratboys, Stans, etc. as idiots and inferiors while simultaneously placing themselves lower on the social ladder. Geekboys still fetishize the tropes of toxic hypermasculinity with its gender policing, fetishization of violence and abhorrence of showing emotion or any form of “weakness”. Poke through any comment thread on Kotaku – start with the ones on my articles, in fact – and count the number of times someone is referred to as a pussy, a cuck, told to man up, find his balls, etc. Geeks may place themselves laterally from so-called “normies”, “mundanes”, “citizens”, “muggles” or what-have-you but they still won’t leave the bullshit behind. Even within the bounds of their own community, they still tacitly agree to believe the worst about themselves.
This internal conflict is a major part of why the geek community is so often a raging garbage fire; they’ve imported the fragility of toxic masculinity and appended it to new arbitrary values of “maleness”. Because so many geeks see geekdom as a “male refuge”, the fact that women also share geeky interests threatens their identity. Women can’t be geeks because geeks are men, by definition; therefore women are suspect, invaders into a “male” space. Because the stereotype of nerds and geeks still involves being slovenly, unattractive and socially awkward, the more conventionally attractive a woman is, the more suspect her claims to the geek identity.
Go through any stock photo repository and see if you can find any photos tagged “geek” or “nerd” that aren’t some variation on the Steve Urkel/ Revenge of the Nerds look
Then there’s the fact that many geeks come from a background of romantic rejection and frustration – after all, being a dateless virgin is part of the nerd stereotype. Many geeks carry around their bitterness and resentment at being rejected like a badge of honor – the anger of the Nice Guy is often part and parcel of the geek identity. When you combine this with the entitlement many men feel to female attention, the bitterness and resentment towards women lead towards the explosion of sewage that so frequently defines the geek community. But to many, this shitty behavior – the harassment, the shit-talking, the elitism, tribalism and gatekeeping – are part and parcel of the community. This is how it should be – one giant tire fire of a community, mirroring the same bullying behavior that drove them to find it in the first place. It turns what should be a community based around shared passions and mutual love of cool shit into a giant anxiety disorder of social policing and fights for status; what David Schwartz calls the “Nerd Box”.
Small wonder geek behavior drives women away.
But we can be better than this. By consciously rejecting the stereotypes, by losing the defensive status games and focusing on the joys of our shared mutual interests, we can fix geek culture, make it more open and welcoming. It can be a celebration of our passions instead of another way of limiting ourselves and pushing away people who would otherwise share in the things we love.
The post Geek Behaviors That Drive Women Away appeared first on Paging Dr. NerdLove.
Hace poco, esta sección publicaba un demoledor artículo sobre el pop-rock de los ochenta. La excusa era el reality 'A mi manera', que emite La Sexta, pero las conclusiones del texto iban mucho más allá. Venía a decir que aquella era la década más narcisista, autocomplaciente y mimada por el poder de la historia del pop español. ¿Cuántas mentiras nos han colado sobre esos años? Por ejemplo, pasaron a la historia como un periodo progresista, cuando muchos de sus iconos defienden posiciones claramente a la derecha, caso de Fangoria con su última entrevista para El Confidencial. ¿Hasta qué punto sobreviven los tópicos sobre esos años? Examinamos los cinco principales.
Patricia Godes, periodista cultural que vivió la época en primera fila, niega la mayor: “Empecé a interesarme por la música popular entre 1966 y 1967, cuando radio española comienza a programar artistas pop con melodías bonitas y bien cantadas: The Four Tops, Michel Polnareff, The Mamas & The Papas…Era artesanos que creían en el trabajo, la dedicación y el mimo a la hora de hacer canciones. La Movida ofrecía justo lo contrario: chicos que apostaban todo a la inspiración, muy por encima del esfuerzo. A demasiada gente se les dijo que eran genios a una edad muy joven. No digo que no hicieran alguna cosa buena, pero la mayoría no se pueden escuchar hoy porque estaban mal cantadas y mal grabadas. Pienso por ejemplo en 'Para ti', de Paraíso, el grupo de Fernando Márquez, “El Zurdo”. La producción es una mierda. Hay canciones bonitas de Carlos Berlanga que Pegamoides estropearon por la manía de acelerarlas para hacerlas sonar punk”.
También salva 'La chica de ayer' y el primer elepé de Radio Futura, 'Música moderna' (1980), no así las siguientes grabaciones del grupo de los hermanos Auserón. “Las letras no tienen sentido y a la música le falta swing. Hace falta más salero para hacer música latina. Santiago Auserón pasó de decir en un manifiesto que él no era español a copiar a Los Coyotes la idea de ser latino es lo que tiene más estilo del mundo. Si no eres un gran músico, puedes imitar a una punki como Poly Styrene, como hacía Alaska, pero no a alguien de la talla de Benny Moré”, señala. Por supuesto, se trata de la visión de una persona, pero revela que los ochenta no han sido debatidos a fondo (ni tampoco en la superficie). ¿Cuántas veces habían leído ustedes un cuestionamiento de la calidad de Radio Futura? ¿Quién había denunciado que apenas hubo buenos cantantes en La Movida? ¿No va siendo hora de hacer una verdadera revisión crítica de aquellos años? “Algo revelador de mitos de los ochenta es que la mayoría hacen el mismo tipo de canciones a los 52 años que las que hacían a los 22. No han aprendido nada en tres décadas”, lamenta Godes.
Los ochenta se venden como el paraíso de los sellos independientes, los francotiradores culturales y la creatividad juvenil. En realidad, pocas veces los artistas han tenido tanto apoyo desde los despachos del poder. Es ya clásica la frase de Rafael Sánchez Ferlosio: “Cada vez que el PSOE escuchaba la palabra cultura, sacaba la cartera”. También recordaremos el grito de guerra de Tierno Galván, en 1984, antes de un concierto en el Palacio de los Deportes: “¡Rockeros, el que no esté colocao que se coloque… ¡y al loro!”.
¿Un ejemplo sonrojante de la complicidad absoluta entre PSOE y Movida? Sin duda, la presentación que hizo en TVE Paloma Chamorro de un concierto gratuito de The Smiths en el paseo de Camoens. “Desde hace unos años, en Madrid estamos disfrutando de una fiestas de San Isidro, que son nuestras fiestas del pueblo, que son la sensación y la envidia de toda España y parte del extranjero. Pero lo que deberían envidiarnos es el alcalde que tenemos, que es el verdadero responsable de esto y de muchas otras cosas. Desde que el primer madrileño es un hombre tan antiguo y con tanta experiencia, tan educado, sensible, culto y tierno, resulta que San Isidro está bailando de alegría al compás de los ritmos para todos los gustos que estos días invaden Madrid. Para los más exigentes, San Isidro y San Tierno nos han traído a los Smiths”. Ríanse ustedes del NO-DO. La alabanza y el jabón eran la manera de mantener la poltrona televisiva, mientras que cualquier cuestionamiento político se traducía en corte del grifo.
El caso más claro fue el programa infantil 'La Bola de Cristal', dirigido por Lolo Rico, que fue suspendido en 1988 por tensiones con Pilar Miró por emitir contenidos a la izquierda de la ideología del PSOE. También fue la época en que los ayuntamientos premiaban con jugosos contratos a los músicos en sintonía con el partido y castigaban a los díscolos. Por ejemplo, a Javier Krahe tras componer 'Cuervo ingenuo', donde criticaba el cambio de postura de Felipe González en el referéndum de la OTAN. "En aquella época los ayuntamientos contrataban mucho y a mí los del PSOE me dejaron de contratar, e incluso anularon conciertos ya firmados", explicaba el afectado poco antes de morir. "Me contaron que Felipe González estaba enfadadísimo conmigo y que había dicho unas cosas de mí que no se atrevían reproducir”. En un artículo de 'El País' en 2011, un miembro de Barón Rojo desvelaba cómo les cortejó el ministro Javier Moscoso. "En la campaña de 1982, el PSOE nos ofreció actuar en cuarenta actos electorales. Nos negamos y lo pagamos: cuantos más discos vendíamos, menos conciertos de aquellos que patrocinaban los ayuntamientos”, explico el bajista José Luis Campuzano, alías Sherpa.
Godes vuelve a la carga: “Nos metieron en la cabeza que irse de juerga era contestatario. Fue una idea impulsada desde arriba, con las columnas de Umbral o la sección de Cultura de 'Diario 16', por ejemplo. Nos hicieron creer que lo máximo que se podía hacer políticamente era luchar por tu derecho a divertirte. Eso es alienante y llevó a una generación perdida, llena de yonquis. Por eso tantos acabaron tan mal” ¿No tuvo, entonces, ningún aspecto positivo? “Como no había tiendas de ropa moderna en España, la gente tenía que hacerse sola sus vestidos, así que eso fomentaba la creatividad. Te lo hacías todo tú o tus amigos. Pero, en realidad, se trataba de copiar a Siouxsie y a otros ídolos ingleses, así que tampoco sirvió para mucho”, explica Godes. Si hablamos de estética, los ochenta tuvieron tantos dogmas como cualquier otra época. “Si te gustaba el blues, la gente moderna se escandalizaba porque era una cosa de antiguos y de progres. En el entorno de la crema de la crema en que yo me movía no se podía hacer nada que oliera a progre: ni yo me atreví a decir que era de izquierda cuando me preguntaron para el libro de José Luis Gallero sobre la época”, recuerda.
¿Tuvo La Movida más aspectos positivos? No hay duda de que contribuyó a visibilizar sexualidades no normativas, como los gays, bisexuales y lesbianas. Fue como una revolución sexual con treinta años de retraso respecto a Europa y Estados Unidos. Pero supuso un avance de las costumbres solo si se compara con los dogmas del franquismo, aunque toda la rebeldía sexual exhibida en el escaparate mediático ya existía plenamente en la Barcelona underground y contracultural de los setenta, donde estaba conectada a movimientos libertarios (véanse los textos y entrevistas de Nazario). El problema es que en los ochenta la homosexualidad pasó a ser una actitud totalmente desconectada de la emancipación política. “Fue una liberación equivalente a bailar borracho encima de una mesa o hacer topless en los sanfermines. Esa era la libertad de La Movida”, recuerda Godes.
Posiblemente la idea que menos se sostiene. Con el paso del tiempo, está claro que su papel fue ejercer la banda sonora de la llegada a España del capitalismo posmoderno y warholiano. Basta recordar apologías del consumismo como “Quiero ser un bote de Colón/y salir anunciado por la televisión”, el himno de los Pegamoides. O 'Enamorado de la moda juvenil', de Radio Futura, con sus letra que parece hecha a medida de una campaña de la planta joven de El Corte Inglés. “No se puede decir que el botellón sea un movimiento cultural. No había ninguna inquietud política. La gente salía de la universidad y se iba a divertir. Todos los grupos odiaban que a aquello se le llamase movimiento y se reían de los reportajes que salían en los periódicos. Quienes consiguieron venderlo como algo cultural fueron los mayores, esos que nosotros llamábamos los reciclados y que tenían tribuna en los medios”
¿Se refiere a Diego Manrique, Jesús Ordovás y otros periodistas emblemáticos de la época? “Sí, también otra gente que ahora no se recuerda, como Maíllo de 'Diario 16'. Era todo gente mayor porque no existía la figura actual del becario al que se pone a escribir sobre música porque es lo que menos importa”. También estamos ante una escena profundamente narcisista y reclusión. Basta escuchar himnos tan asociales como 'No mires a los ojos de la gente' (Golpes Bajos), 'Perdido en mi habitación' (Mecano) o 'Autosuficiencia' (Parálisis Permanente). El pop de los ochenta, en realidad, no supuso un desafío a ninguno de los dogmas de la derecha. La mayor confirmación es la actitud de Esperanza Aguirre, que en 2005 destinó un millón de euros de dinero público para celebrar un homenaje a La Movida y cuatro años más tarde concedió a Alaska la Gran Cruz de la Orden del Dos de Mayo.
Como explica Santiago Auserón, es cierto que La Movida fue un movimiento interclasista, que creó espacios donde los pijos podían mezclarse con quienes venían de los barrios populares. “Me he expresado a menudo con desconfianza con respecto a La Movida, en la que participé con un pie dentro y otro fuera. No porque ella misma se complaciese en mostrarse como insustancial y entregada al placer efímero, sino porque no alcanzó a sostener, a lo largo de las décadas siguientes, los retos que planteó. La notoriedad, el dinero fácil, las drogas y la cultura del bienestar debilitaron el desarrollo de un arte popular incipiente, visionario, pese a su aparente inconsciencia. (…) La Movida de los años ochenta representa el acceso de los hijos de las clases trabajadoras a la cultura, a sus medios de producción y difusión, por primera vez en la historia de España. La banda sonora de ese peliculón está mayormente hecha, por cierto, con la herencia de los músicos negros”.
El problema de La Movida, o más bien de sus popes mediáticos, es que contribuyeron a la exclusión de otras corrientes juveniles que consideraban vulgares, plebeyas o panfletarias. Es el caso de la marginación del Rock Radikal Vasco (invisible en la prensa de la época), la condena al ostracismo de los cantautores (con sus versos de trinchera antifranquista), el rechazo de la Ruta del Bakalao (que percibían como poco artística), la mirada despectiva al rock urbano (les olía demasiado a barrio obrero) o la burla hacia el circuito de casetes de gasolinera (aunque les hicieran gracia Los Chunguitos, el resto de artistas fueron condenados a una especie de apartheid cultural).
Cada vez que alguien intenta hacer un análisis a fondo del pop rock de los ochenta, se topa con la división acorazada Brunete de La Movida (sus críticos afines), que repiten que la historia ya esta escrita y que las nuevas generaciones no tienen derecho a aportar su punto de vista. Queda claro en esta columna de Juan Puchades, exdirector de la revista 'Efe Eme': “No es creíble pensar que detrás de aquellas canciones, de aquellos discos, de aquel derroche de talento, de imaginación, de ingenio, estuvieran Felipe González, Alfonso Guerra, Javier Solana o el alcalde de Madrid Enrique Tierno Galván. No, quienes hicieron posible esas canciones fueron los que las escribieron e interpretaron y sus motivaciones no tuvieron nada que ver con delirantes teorías conspiratorias. Que los políticos intentaron arrimar el ascua a su sardina y hacerse la foto, por supuesto, pero lo mismo pasa hoy con, pongamos por caso, un triunfo deportivo de una selección nacional o equipo local: el político de turno no duda en estirar el cuello para aparecer en primer plano en la imagen. (…) Seamos serios, podrán gustarnos más o menos determinadas músicas, estéticas o movimientos, pero dejemos la historia como está y no tratemos de manipularla torticeramente a nuestro antojo” (28 de diciembre de 2013). ¿Quién está manipulando aquí? Puchades intenta desactivar cualquier cuestionamiento del pop-rock ochentero diciendo que Narcís Serra no escribió 'Cadillac Solitario', cosa que nadie ha afirmado en ningún sitio. ¿Cabe imaginar un argumento más chusco?
No importa cuántas horas de tu vida pases haciendo yoga y meditación: a veces lo único que puede calmarte los nervios es soltar unos cuantos tacos de esos que te salen del alma en voz bien alta. Cuando te das un golpe en el dedo pequeño del pie, te pillas los huevos con la cremallera o estás atrapado en un atasco... La respuesta es desahogarte con insultos y juramentos. Si es posible, lo ideal es culpar a los demás por tu desgracia, pero recuerda que recurrir a las manos no es la solución. Un insulto bien seleccionado puede doler mucho más que un puñetazo.
Los insultos están tan arraigados en la raza humana que, de hecho, son el vínculo que nos une a todos. Sin embargo, nuestra forma de lanzar improperios varía enormemente según el idioma en que se profieran. Por eso quisimos investigar más sobre el tema y pedimos a los compañeros de otras oficinas de VICE de Europa que nos hicieran una lista en la que se recogieran los insultos y juramentos más populares de sus respectivos países.
Uno de los aspectos más fascinantes del lenguaje ofensivo italiano es su tremenda variedad. De hecho, podrías tener una conversación con alguien solo a base de insultos. Las palabras malsonantes en Italia suelen usarse en sustitución de interjecciones o de frases exclamativas enteras para expresar una amplia gama de estados de ánimo: cazzo o minchia (polla), merda o figa (coño) son palabras con las que expresar decepción, sorpresa o satisfacción extrema. Pero si lo que quieres es ofender, la mayoría de los insultos deben ir dirigidos a los miembros de la familia del sujeto en cuestión: figlio di puttana o mortacci tua (algo así como "me cago en tus muertos") son solo unos ejemplos.
También es muy común mentar a Dios o la Virgen María, acompañando el juramento con alguna otra palabra ofensiva o el nombre de algún animal. La regla en estos casos es: cuanto más largo y complejo sea el juramento, mejor.
Sin embargo, el mejor insulto en italiano es originario del centro del país y reza así: " Le mortacci tua, de tuo nonno, da tua madre e dei ¾ da palazzina tua ", cuya traducción sería: "Me cago en tus muertos, los de tu abuelo, tu madre y de ¾ partes de tu escalera". Casi "ná".
Alice Rossi
Si Serbia es rica en algo, es en insultos. El prestigioso lingüista serbio Vuk Karadzic, responsable de una reforma íntegra del idioma serbio y autor del primer diccionario y la primera edición del Nuevo Testamento en esta lengua, también emprendió la tarea de recoger todos los juramentos y las palabras malsonantes tradicionales serbios.
Las ofensas en Serbia también van dirigidas a nuestros seres más queridos: la familia y, más concretamente, nuestras madres. Jebem ti mater (me follo a tu madre) es, junto con sus variantes, el insulto por excelencia. Por lo general, los juramentos en Serbia giran en torno a la vagina: Pizda ti materina, por ejemplo, que sería "Me follo el coño podrido de tu madre". Algunas variantes son: "Me follaré a tu maldito hijo en un coño" o "Que un perro se folle a tu madre". Si quieres ofender la virilidad de un hombre con un insulto de lo más homófobo, podrías decirle que "Los coños te darán asco y solo querrás pollas". Otra opción simplemente es llamar a alguien "teta apestosa".
Pero si lo quieres hacer bien, tienes que maldecir a toda la saga familiar de tu oponente: "Me voy a follar a todos los muertos de tu familia, a tu descendencia y a tus ancestros", o el más clásico "Me cago en tu sangre, tu semilla y tu tribu" o el siniestro "Me cago en todos los de la primera fila de tu funeral".
Hay otros juramentos algo más educados (si eso es posible) aunque igual de efectivos, como "Me cago en tu boca" o "Me cago en tu espalda". Pero el insulto más loco de nuestro idioma es: "Me follo a tu polla metida en un coño". Generaciones de expertos han intentado sin éxito dar una explicación a este insulto.
Magda Janjic
Los insultos en francés de ahora son bastante cutres comparados con los que se solían usar en la Francia de la Edad Media. En aquella época, y hasta el siglo XVIII, todo el mundo, desde campesinos a aristócratas, usaba términos como gourgandine (prostituta) o sacrebleu, cuya traducción literal sería "sagrado azul" y se usaba metafóricamente para evitar la blasfemia de mencionar a Dios. Aquella era una época más emocionante, en la que los franceses se decían cosas como Jean-foutre, un término bastante complejo cuyo significado podría simplificarse como "mala persona".
Actualmente, los franceses han perdido capacidad creativa a la hora de soltar tacos y se limitan a proferir insultos homófobos como PD, fiotte, tarlouze o cosas más básicas como connard (gilipollas), pute o salope (zorra). Todavía se conservan algunas expresiones un poco más elocuentes como Va te faire mettre (que te den).
Julie Le Baron
La cultura del insulto en Rumanía se sustenta sobre tres pilares básicos: el sexo oral, las madres y Cristo. La palabra ofensiva más extendida es muie, que podría traducirse como "chúpame el pene". También solemos usar la expresión "mi polla" para dar más énfasis a nuestras frases en conversaciones normales.
El insulto más creativo en rumano es Să mă fut în mă-ta, que vendría a ser "quiero follarme dentro de tu madre". Teniendo en cuenta esto, no es de extrañar que uno de los términos más buscados en PronHub en Rumanía sea "madre".
Muchos de los insultos más polémicos del rumano están relacionados con la religión. Pese a que el 81 por ciento de los rumanos se consideran cristianos ortodoxos, el insulto futu-ți Cristoșii și Dumnezeii mă-tii (me follo a todos los Dioses y Cristos de tu madre; sí, sí, en plural) es de los más extendidos.
Mihai Popescu
Al contrario que en la mayoría de países del este y sur de Europa, en los Países Bajos no se lleva tanto eso de insultar a la madre del otro. Nosotros preferimos un enfoque más directo y deseamos toda una sarta de enfermedades al objeto de nuestro odio. Así, los insultos relacionados con el cólera (klere), la peste, el tifus o la tuberculosis (tering) han sobrevivido a lo largo de los años y son muy populares.
Desde hace relativamente poco, el insulto por excelencia en holandés es kanker (cáncer), aunque también el más controvertido, dada la virulencia de la enfermedad en el mundo moderno. Se trata de un insulto de lo más versátil, que puedes usar, por ejemplo, cuando te das cuenta de que has cerrado la puerta de casa y te has dejado las llaves dentro (Kanker!), o en combinación con otra palabra. Así, un tío que no te cae bien es un kankerlul (polla cancerosa) y su contraparte femenina, una kankerhoer (una puta cancerosa).
Todas esas enfermedades también pueden usarse para expresar algo en grado superlativo e incluso con sentido positivo. Si el gimnasio está a tope de gente, diríamos que está teringdruk (lleno nivel tuberculosis), y si te lo has pasado muy bien con alguien, puedes decir que ha sido kankergezellig.
Twan Stoffels
En Austria, cuando algo nos cabrea mucho, gritamos "Hure!", cuya traducción es "puta" y equivale al "joder" español.
Una categoría bastante importante de los insultos en Austria está basada en las partes del cuerpo. A veces llamamos a la gente beidl, que significa "escroto", aunque en ocasiones se usa como sinónimo de polla. Además, como ocurre en tantos otros países del mundo, también insultamos haciendo referencia al culo o al orificio del culo.
Muchos austriacos usan la palabra schwuchtel o mongo –gay y discapacitado mental, respectivamente– para insultar. Pero estas dos palabras también pueden usarse para calificar cosas. Ellos creen que los objetos inanimados pueden ser gais o discapacitados. Como veis, los austriacos son lo peor y se merecen que los mandemos a la mierda o, como dicen ellos, "Geh scheißn!".
Markus
Lust
Todos los insultos chungos en danés implican ser devorado por cosas espantosas. Es habitual oír a un danés decir satanedme (Satán, cómeme) o kraftedme (cáncer, cómeme). Imaginemos que te tropiezas con un tío que te tira el libro de cuentos de H. C. Andersen que estás leyendo: en esa situación podrías decir: "¡Esto ya es demasiado 'Satán cómeme'!".
Después tenemos un montón de expresiones de lo más lamentable, la mayoría traducciones literales de los insultos en inglés que aparecen en los subtítulos. Me refiero a perlas como skidespræller (retuercemierdas), kors i røven (una cruz por el culo) o røvbanan (plátano en el culo), que son la versión simple y efectiva de tacos como "joder", "mierda" o "gilipollas".
Esto está pasando y necesitamos ayuda. Gente del mundo, si estáis leyendo esto, por favor, enviadnos vuestros insultos superiores. Los niños daneses os lo agradecerán.
Alfred Maddox
Grecia y los insultos con como las dos caras de la misma moneda. Una de nuestras palabras más comunes es malakas, que significa "gilipollas", pero que, sin embargo, se usa con el sentido de "amigo", "colega". Otra expresión menos agradable sería "mierda en tu tumba", que no debe usarse a la ligera porque podrías acabar con la nariz rota o un ojo morado.
Otro juramento bastante frecuente es: "gástatelo en médicos". Si, por ejemplo, quieres comprar algo en una tienda pero es demasiado caro, podrías decirle al dependiente que, cuando alguien le compre ese artículo, se gaste el dinero en médicos para curarse de la enfermedad. Na se pane tesseris es otra expresión que no tiene una traducción precisa, pero que hace referencia al momento en que cuatro personas transportan tu féretro hacia la tumba. Vamos, que te están deseando la muerte.
Por último, hay una frase que los griegos solían usar mucho durante los ochenta y los noventa: "Que se te queme el reproductor de cintas de vídeo". Si no eres consciente de la magnitud de este insulto es que no sabes el valor que tenía un reproductor de cintas de vídeo VHS en aquella época.
Pavlos Toubekis
A pesar de lo que la mayoría esperaría por la dureza de su fonética, el vocabulario ofensivo del alemán resulta bastante aburrido y soso. Generalmente, los juramentos en alemán suenan como si un niño intentara decir algo malo y no supiera cómo. Ejemplos de ellos son Dumme Kuh (vaca estúpida), Pissnelke (palabra que designa al diente de león o a una chica insulsa y mojigata) o Flachzange (alicates planos o idiota).
A diferencia de otros países, Alemania se centra en el aspecto escatológico y en los culos, más que en lo sexual. La primera palabra en alemán que aprende todo el que viene de fuera es Scheiße. Arschloch también es muy popular.
Cabe señalar que nuestros mejores insultos se han ganado un puesto de honor en nuestro idioma gracias al rap en alemán. A los raperos debemos la introducción de conceptos como el de follarse a la madre del prójimo, sintetizado en la palabra Hurensohn (hijo de puta) y expresiones como Ich ficke deine Mutter (me follo a tu madre).
Barbara Dabrowska
Traducción por Mario Abad.
Hijo y nieto de magos, su abuelo creó en 1873 la ilusión de la levitación. Jasper Maskelyne solicitó de forma continuada su ingreso en el ejército tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial. Tenía 37 años y no había recibido instrucción militar, por lo que no fue alistado hasta que en 1940 logró el ingreso en la Academia de Camuflaje dependiente de los Royal Engineers (Regimiento Real de Ingenieros). El destacamento no había obtenido ningún resultado apreciable en combate, algo que cambió cuando Jasper, como prueba de fuego, decidió crear la ilusión de un acorazado alemán avanzando por el Támesis. Era el inicio de la magia al servicio del arte de la guerra.
El truco le valió el destino a la campaña de África donde tuvo que enfrentarse a los temibles Korps de Rommel. Sus mandos no le tomaban en serio y terminó entreteniendo a la tropa, hasta que la unidad de contrainteligencia le dio su gran oportunidad. Jasper formó un equipo de catorce hombres especializados en diferentes campos que recibió el título oficial de Sección Experimental de Camuflaje, pero que Jasper y los suyos rebautizaron como la «Magic Gang» o el «Ejército Fantasma».
Logo oficial de la «Magic Gang» o el «Ejército Fantasma»
La unidad se mantuvo a la espera hasta que le llegó su primera misión oficial: defender el puerto de Alejandría, puerta de los pozos petrolíferos de Egipto y enclave fundamental para la entrada de suministros del ejército aliado al que Rommel y sus Afrika Korps se acercaban cada día más.
Miembros de la unidad militar a las órdenes del mago
En junio de 1941, tras estudiar detenidamente el puerto y en contra de la maniobra de ocultación que, vista su experiencia, se esperaba de él, Jasper decidió cambiar de lugar el puerto así como todos los buques y barcos que en el permanecían atracados.
Con este objetivo, la Magic Gang creó, utilizando barro, cartón y lona, un falso puerto de Alejandría el cual emplazaría en la cercana Bahía de Maryut, un accidente geográfico muy parecido desde el aire al puerto que trataba de defender. Al ser por la noche cuando la aviación alemana tenía costumbre de realizar sus bombardeos, Jasper replicó de forma exacta todo el sistema de alumbrado del puerto de Alejandría. También hizo uso de cargas de explosivos con las que simular los previsibles aciertos de los Stukas alemanes.
Imagen aérea del falso puerto de Alejandría
Llegada la noche, las luces del puerto de Alejandría se mantenían apagadas mientras que se encendían las de la Bahía de Maryut donde, finalmente, la aviación alemana estuvo bombardeando durante tres noches sin percatarse del engaño.
A esta le siguieron muchas misiones en las que Jasper y su Magic Gang solventaron con éxito la situación, dándole a los aliados las tan necesitadas victorias en el frente de África. A pesar de ello, Rommel y sus Korps mantenían un imparable avance en el teatro de operaciones, y se le encargó una nueva misión que podía ser determinante para el desarrollo de la contienda: la operación Bertram.
En todas sus anteriores misiones se había utilizado a Jasper y a su Magic Gang como medio de defensa, pero esta vez el general Montgomery decidió poner a Jasper a la ofensiva. Con el control del petróleo en juego, Jasper simuló la preparación de un ataque a las líneas alemanas por el sur, cuando el verdadero ejército permanecía en las posiciones del norte a la espera del movimiento alemán.
Para fingir esta ofensiva, la Magic Gang instaló un incontable número de maquetas de carros de combate, aviones, artillería e infantería, así como simuló la existencia de una línea de ferrocarril y también de un oleoducto. Para dar mayor veracidad a la operación, Jasper empleó también carros de combate reales que luego mandó al frente del norte empleando los ya utilizados escudos solares. Cuando el ejército alemán concentró la mayor parte de sus tropas frente a la ilusión de Jasper, Montgomery y el grueso de su ejército avanzaron por el sur sin dar tiempo a las tropas de Rommel a variar su posición, lo que a la postre supuso su derrota definitiva.
Instrucciones para crear un falto tanque
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| Vi Subversa |
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| Poison Girls |
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| Poison Girls |
Warning: Spoilers ahead.
Liking things ironically is, on general principle and by definition, a bullshit proposition. And one I've, since my early 20s, largely managed to avoid. I like what I like and I defend it, because I like it. Until now. Oh, Vinyl, you inarguably kind of suck, but I dig you. Maybe I'm a middlebrow motherfucker. Some people think Sonic Youth is high art and Juno was clever—I think Vinyl is a satisfying drama. The show is, if not my Waterloo, then my "Disco Duck." But it doesn't seem "so bad it's good"—it just seems bad, and I enjoy it.
Much has already been mocked of Vinyl's use of cocaine as raw ingredients for a ROCK 'N' ROLL MACHO MAN FRENZY vision quest, and the second episode is where the grist for that really takes flight. Record man Richie Finestra (Bobby Cannavale), having survived the historically inaccurate collapse of the Mercer Arts Center totally on cocaine and whiskey, kills the sale of his label to the staid and massively unhip Germans and re-devotes himself to the fire god spirit of rock music. It's all very phoenix-like or at least like sitting in a basement green room, drinking the headliner's beer, while a phoenix talks your ear off about Raw Power. Not everyone's idea of fun, but I've had worse times.
Initial reviews aside, people seem to really dislike Vinyl. I understand this. I don't enjoy professional wrestling and the amount of sweaty manliness and improbable plot twists is commensurate. From Richie karate-chopping his business partners to a flashback of then-fiancée Devon (Olivia Wilde) giving Richie the inevitable slap before they fuck on a sink, Vinyl episode two skips the starter pistol and is off to the wacky races. While reminiscing about said sink-fucking (for extra fun, pretend Cannavale is reprising his role in Sex in the City as the dude with "funky spunk"), Devon forgets her kids at the diner. You can't put your arms around a memory and still be a good mom, apparently.
The main weakness of Vinyl, for me, remains the music. Which, as it's somewhat about music, is a bit of a problem. The music cues work, as music cues are designed to, and rarely feel like emotional cheats but, man, the rerecorded punk/pre-punk songs are woefully modern-sounding. They sound like the compressed post-grunge America was awash in after Nirvana. Like, people who have heard punk but have nice studios and love power chords more than, say, Robert Quine. I didn't even realize that the Nasty Bits' songs were rerecorded songs originally by underappreciated but not that underappreciated band Jack Ruby, because the Nasty Bits, though supposedly terrible, are actually perfectly passible pub-punk. And, despite the heroin (!) and fisticuffs (!), they don't seem all that dangerous. They seem like what makes up so much of punk music—and rock, in general—an acceptable second-on-the-bill on a Wednesday night at CB's. It's one thing to care about a nascent Dead Boys; it's another thing entirely to be emotionally invested in Slaughter and the Dogs or, worse, the Goo Goo Dolls as Williamsburg indie rockers fronted by a pissy, pretty Englishman played by the son of Mick Jagger.
Still, the acting remains solid. Ray Romano, as Richie's hapless and put-upon partner, continues to be a pleasure to watch. He may seem to be in a particularly dark episode of Curb Your Enthusiasm, but it's still delightful to watch him existentialize his way through preparations for an overpriced Bat Mitzvah as his financial world collapses. John Cameron Mitchell plays Andy Warhol and does us all the favor of making Warhol seem actually likable and odd rather than the freakish elf he's portrayed as in most rock movies. Seeing Warhol show some of the charisma that would have been necessary to inspire sycophantic behavior is a refreshing change from the usual unpleasant caricature.
'Vinyl.' Photo by Macall B. Polay/courtesy of HBO
Not much actually happens in the second episode besides coke freak-outs and husbands exploring the spectrum of alpha-to-beta husband behavior, but I wouldn't say I was bored per se. Largely, I found this episode soothing after the hectic first one, not unlike the relief one feels when a crazy and wild and fun friend cancels plans.
Is Vinyl a good show? Nah. To enjoy something ironically is necessarily alienating, and I hope it remains so. I don't want to go through life archly enjoying over the top dramas like some third-rate John Waters wannabe, yelling up is down, a dog is a cat, the hideous is cute if you look at it right and vice versa. God willing, Vinyl will be my sole guilty pleasure. But, for now, I'm into it. I enjoy being pedantic about the music and I enjoy rolling my eyes at the drugs and sex and hagiography. Of course I'm not proud of being enthusiastic in the incorrect way about art so earnestly made. But I can also believe that series creators Scorsese, Jagger, Cohen, and Winter know this shit is pretty funny. Hell, maybe they do and the joke is on me, on all of us. Maybe this is all campy, wry commentary on the rockism and the mythologizing of popular music and young(ish) men's libido. In which case I'll change my mind probably and stop pushing the show. After all, nobody likes being laughed at.
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Vinyl airs on Sundays at 9 PM on HBO.
No sabemos cuántos jóvenes estadounidenses se enrolaron en los Marines tras ver 'If I Turn Back Again' (1989) -videoclip en el que Cher se contorneaba en cueros en la cubierta de un buque repleto de marineros rotos por la testosterona-, lo que sí sabemos son otras cosas:
a) La canción fue el regreso triunfal de la diva tras siete años de retiro.
b) Su letra no tenía nada que ver con la marina…
En otras palabras: Miley Cyrus y Nicki Minaj no han inventado la pólvora sexual, más bien han agudizado una tendencia ochentera. Dentro cita:
“El surgimiento del vídeo musical y el auge de la televisión por cable (MTV) transformaron la canción de amor en un género visual. La canción de amor cambió inevitablemente frente a esta perturbación en la industria de la música. Las discográficas siempre habían favorecido el talento unido a la belleza y a la sensualidad, pero estos atributos ahora se volvían primordiales”.
Y no lo dice un cualquiera, sino Ted Gioia, eminencia mundial en balada romántica y música 'sexy' gracias a 'Canciones de amor', que publica ahora Turner, historia de la música amorosa que viaja desde Mesopotamia y la antigua Roma hasta la generación YouTube.
En efecto, el pop de los ochenta se convirtió en un “espectáculo multimedia” y artistas como Madonna acompañaron sus melodías de aparatosas coreografías erótico-festivas. Gioia lo explica así:
“Las canciones creaban un ambiente de romance y erotismo, pero este papel era bastante modesto en las costosas producciones que maximizaban el atractivo sexual de la estrella . Algunos se quejaban de que la música se estaba convirtiendo en un espectáculo de choques y restregones (en honor a la verdad, muchos de los movimientos de baile de los vídeos de éxito se originaron en los clubs de 'striptease' y espectáculos de 'burlesque'). Sin embargo, la propia naturaleza del medio exigía que la canción de amor se transformara en una demostración física, y la naturaleza compacta del vídeo musical, por lo general de tres o cuatro minutos, hacía casi imposible comunicar los matices de una historia de amor… El vídeo requería que los artistas fueran al grano y, en materia de amor, esto significaba menos cortejo, menos sensualidad y más embestidas de cadera y pelvis en plano”. Y luego que si el reggaeton tiene la culpa de la 'torridización' del pop…
Decíamos que la canción de Cher del 89 no tenía nada que ver con enrolarse en la marina; de igual modo, cuando uno va a la guerra es más fácil que se encuentre con la muerte que con una diva pop semidesnuda. No obstante, pese a que el atuendo de Cher en 'If I Turn Back Again' “era más adecuado para hacer un 'lap dance' que para cualquier actividad náutica”, el vídeo tenía una lógica aplastante en el contexto ochentero: el erotismo había lanzado tal opa al pop que empezó a importar menos qué decían las canciones y más de qué iban vestidas.
“No todas las canciones en los vídeos de la MTV trataban de amor y sexo, pero una vez terminados el 'casting', la coreografía y el vestuario, hasta las canciones menos románticas, como 'Walk Like an Egyptian' (Bangles) o 'Express Yourself' (Madonna) quedaban notablemente erotizadas. Un recurso cada vez más común era reunir a hombres completamente vestidos, a menudo en atuendo formal o uniforme militar, con mujeres en ropa interior o bikini”, se cuenta en el libro.
Hombres en uniforme y mujeres en bikini… Sí, más básico imposible, aunque la música pop nunca fue el culmen de la sofisticación intelectual...
Cuenta Gioia que “la mayoría de las controversias de la época surgieron a raíz de las imágenes visuales, no de las canciones como tal”, y apunta hacia una banalización de las composiciones: “A menudo, la grabación se concebía desde el inicio en conjunto con la realización de un vídeo. Cualquiera que estudie la partitura quedará casi siempre decepcionado por la simplicidad barata de los cimientos musicales de estos éxitos, pero, una vez que el equipo de expertos y manipuladores creaba el producto final, la endeble canción experimentaba una trasmutación mágica, convirtiéndose en un extravagante vehículo para su intérprete estrella”.
Ejemplo 1 de dicha tesis: “Las letras de 'Simply Irresistible' y 'Addicted to Love' de Robert Palmer no podían ser más banales, pero los espectadores quedaban cautivados por las imágenes parpadeantes del artista, vestido de banquero de éxito, escoltado por un séquito de beldades sin sostén y en minifalda, que parecían todas clonadas a partir del mismo ADN”. Apoteosis de la estética ochentera, por tanto.
Ejemplo 2: “La canción 'Rhytm Nation' parece una torpe vocalización para un país imaginario que no podía permitirse un verdadero himno nacional, pero Janet Jackson al frente de una sensual tropa paramilitar de bailarines lo convirtió en uno de los vídeos más fascinantes de la época, una especie de 'steampunk sexy' para la audiencia de la MTV”.
Resumiendo: “La cultura popular había cambiado y el mismo atuendo que alguna vez hubiera provocado un arresto por subvertir la moral pública ahora contribuía a que las mujeres alcanzasen el estrellato como divas bailarinas”. Y en esas seguimos...
Ocurre que tanto va el cántaro a la fuente... que puede acabar roto en mil pedazos. Así que, tres décadas después de la irrupción de Madonna, la fórmula para seguir vendiendo canciones ha sido la exacerbación de la vía 'sexy', liderada por divas como Miley Cyrus y Micki Minaj, que basculan entre el desnudo frontal y la cuchufleta sexual (por exceso). ¿Ejemplo más característico? El vídeo 'Anaconda', de Micki Minaj, épico canto conceptual al movimiento de nalga.
Pero, ojo: lo crean o no, el escándalo sexual pop ya vivió sus primeras crisis -¿cómo ir más allá cuando uno ya lo ha enseñado casi todo?- en los años ochenta, como explica el libro:
“Dada la infinita repetición de estas fórmulas eróticas, resultaba cada vez más difícil para los artistas alcanzar los niveles de conmoción y escándalo que pedía el público. ¿Cómo podía una megaestrella rebasar los límites de los establecido sin caer en desgracia ante los censores de la MTV? Madonna descubrió que la combinación de erotismo e iconografía cristiana suscitaba algunas protestas, y una saludable dosis de publicidad y ventas”.
En efecto, lo que pasa ahora es parecido a lo que pasó en los ochenta: los escándalos porno pop de Miley Cyrus no son tan diferentes a los de Madonna (sí, las canciones de la primera Madonna son mucho mejores que las de Cyrus, pero esa es otra historia). Las diferencias tienen que ver más bien con el grado: ahora vemos más carne y la vemos todo el rato. Es un poco como la diferencia entre una pistola y una bomba nuclear: los vídeos erótico-festivos llegaban entonces con cuentagotas, ahora llegan sin descanso y en aluvión.
“Un estudioso de este fenómeno podría ver vídeos musicales actuales de éxito durante horas y no encontrar ni uno solo que no incluya contenido erótico, que hace apenas unas décadas no hubiera podido salir por televisión. 'El sexo vende', como he oído decir una y otra vez. Quienquiera que sea el autor de esa cínica divisa comercial debió de trabajar en la industria de la música. Pero incluso el sexo -o al menos la música sexualizada- exige variedad, y las estrellas emergentes han de encontrar el modo de introducir nuevas variaciones sobre el más viejo de los temas... Rihanna lanza vídeos de contenido erótico con todo, desde el sadomaso hasta la ruleta rusa...”, razona Gioia.
El papel jugado por internet y la globalización cultural en la sexualización del pop es evidente: al tener que trascender fronteras, diferencias y gustos para llegar a todo el mundo, se tiende a ir hacia lo que funciona en todas partes sin distinción de credo, raza o clase: la agitación del impulso sexual. “Nada lo logra mejor que la fuerza bruta de la biología”, zanja Gioia.
Como no podía ser de otro modo, 'Canciones de amor' se cierra analizando el ya mítico perreo de Miley Cyrus a Robin Thicke en la gala de la MTV en 2013: “Unos movimientos de baile que sin duda pretendían ser sensuales pero que producían una extraña impresión mecánica y ritualista, más como ceremonias de cortejo de marionetas… Cyrus acompañaba sus movimientos 'de baile' agitando un gran dedo de gomaespuma, emparentado con las exageradas representaciones fálicas del arte antiguo y sacando la lengua”.
Tras describir así la pintoresca 'perfomance', al autor se le enciende la bombillita: el 'twerking' de Cyrus cierra dos círculos, el de su libro y el de la historia de las canciones de amor.
“De algún modo, hemos vuelto donde empezamos nuestra historia. Como recordarán cuando analizamos los cantos de los ritos de fertilidad en la antigua Mesopotamia, nos topamos con que muchos estudiosos se formulaban la acertada pregunta de si estos merecían realmente ser llamados canciones de amor. Los elementos sexuales estaban tan exacerbados y su envoltura romántica tan ostensiblemente ausente, que vacilamos en aplicar la palabra amor a estas actividades. Hoy nos enfrentamos a esta misma pregunta en relación con las más exitosas 'canciones de amor' y nos vemos obligados a reflexionar sobre cómo, miles de años después, hemos regresado al punto de partida”.
Gioia ofrece entonces una conclusión con más preguntas que respuestas, pero no por ello menos interesante: “¿Es este, pues, el final del juego para la canción de amor? ¿Estamos viendo la validación última del postulado de Darwin de que es el impulso de procrear quien pone el ritmo y el resto de nosotros no hace sino bailar al son de este latido primario? ¿Es la supervivencia de los más 'sexies' la regla inexorable de este tiempo, y de todos los tiempos por venir, la fórmula de la música popular que siempre tendrá mejores estadísticas?”.
Entonces es cuando el autor tira de romanticismo para intentar ir más allá; al fin y al cabo, hablamos de un libro sobre el amor:
“Yo no estoy listo para renunciar al romance. Los rituales de cortejo y la embriagadora euforia de la entrega emocional son, a su modo, tan fascinantes como las provocativas invitaciones sexuales de nuestros vídeos virales y, acaso, con más potencial para la transformación estética. El discurso del amor, con sus infinitas complicaciones y resoluciones, ofrece más variedad que la que podría inventar la cortesana más experta ni contener el Kamasutra digital… La canción de amor sentida, sí, la debilucha canción de amor, ha salido vencedora en los peores lances hasta ahora y, si ha logrado remontar obstáculos religiosos, políticos y culturales a lo largo de los milenios, encontrará su camino por entre los algoritmos de YouTube y la filosofía convencional de nuestra hormonal industria de la música. El amor ha alentado muchas revoluciones musicales antes de ahora. Y cuando el huracán llega, cuando el amor finalmente invoca a la canción, esta casi siempre viene de donde menos las esperamos: de los bohemios, de los parias, de los excluidos, de las personas más marginadas y menos poderosas y de los sitios más ocultos”.
Lo dicho: un romántico.
Cuando hablamos de los efectos de la ropa que llevamos, solemos pensar en cómo afectará a los demás: qué llevar a una entrevista de trabajo o cómo parecer más guapo. Ese tipo de cosas.
Pero, como explica Karen J. Pine, autora de Mind What You Wear: The Psychology of Fashion, la psicología ha prestado poca atención a cómo la ropa influye en quien la lleva. Estos son algunos de los estudios que se han acercado al tema:
Los sombreros de frutas y la confianza
La psicóloga Emily Balcetis llevó a cabo un divertido pero cruel experimento entre sus alumnos. Les pidió que recorrieran un camino transitado dentro del campus de la universidad. Algunos lo hicieron con su ropa habitual y otros se vieron obligados a vestirse como Carmen Miranda. Este disfraz incluía un vestido de hierba, un sujetador de cocos y un sombrero de frutas tropicales.
Después les preguntó cuánto creían que medía el trayecto recorrido. Los disfrazados de Miranda tenían la impresión de que habían caminado mucho más que quienes llevaban su propia ropa. Pero hubo unos cuantos a quienes el trayecto les pareció más corto que a nadie: quienes se habían presentado voluntarios para disfrazarse. El tiempo pasa volando cuando te diviertes.
De hecho, cuando estamos a gusto con lo que llevamos, ya sea un disfraz de Carmen Miranda o un traje gris, nos sentimos con más confianza. Este es el motivo principal para escoger la ropa que nos ponemos, según una encuesta entre 400 personas realizada por Karen J. Pine.
Después de la sensación de confianza, vienen la comodidad y la expresión de la personalidad. La moda y el aspecto profesional son los siguientes motivos. Solo entonces se menciona “llamar la atención”, “parecer sexy” y “mostrar mi cuerpo”. Estas razones externas no son las mayoritarias a la hora de elegir lo que nos ponemos: nos vestimos, sobre todo, para nosotros mismos.
En este sentido, también conviene recordar un trabajo de Christoph-Simon Masuch y Kate Hefferson que recoge Pine en su libro. Estos dos psicólogos vieron que la gente con un estado de ánimo bajo tiende a usar la ropa para “camuflar el cuerpo” y a usarla como “un escudo protector”, optando por prendas más oscuras y discretas. Según Pine, esto podría ser contraproducente, al reforzar este sentimiento negativo.
La curiosa relación entre los bañadores y las matemáticas
La psicóloga Barbara Fredrickson puso a hombres y mujeres a hacer problemas de matemáticas. La mitad de ellos llevaba un jersey ancho y la otra mitad iba en bañador. Las mujeres en bañador obtuvieron peores resultados. En los hombres no se notó esta diferencia.
"Como los cuerpos de las mujeres están siendo evaluados continuamente por los demás -en especial por los hombres-, las mujeres acaban adoptando la perspectiva de los observadores sobre sus propios cuerpos. Miran su cuerpo como lo haría un hombre", escribe Pine. Y "cuando su cuerpo está siendo observado, las mujeres se preocupan por cómo los demás lo están evaluando", lo que contribuye a agotar sus recursos mentales.
¿Formal o informal?
Si te vistes con ropa más formal de la que sueles llevar, pensarás de forma más abstracta, probablemente debido al mayor sentimiento de poder, según un estudio de la Universidad de Columbia y de la Universidad Estatal de Nueva York.
Uno de los autores del trabajo explica en The Atlantic que esta forma de pensar propiciada por trajes y corbatas también ayudaría a no tomarnos las críticas de forma personal y a evitar las decisiones impulsivas. Teniendo en cuenta que en el trabajo vestimos cada vez de forma más cómoda, este investigador opina que la influencia de la ropa elegante podría incluso crecer en los próximos años, al reservarse para las ocasiones más especiales.
Los trajes no solo influyen en nuestro comportamiento, sino también en cómo nos vemos a nosotros mismos. Las investigadoras alemanas Bettina Hannover y Ulrich Kuhnen hallaron que cuando vestimos como para ir a una boda tendemos a describirnos con adjetivos formales (pulcro, certero, estratégico), mientras que cuando llevamos prendas informales usamos adjetivos más relajados (agradable, tolerante o incluso torpe).
El peligro de los uniformes
Hablando de ir a trabajar en traje, Pine recuerda en su libro el experimento de Philip Zimbardo. En 1971, este profesor de psicología reclutó a 24 estudiantes (otra vez alumnos), que fueron divididos aleatoriamente entre prisioneros y guardias en una prisión falsa montada en el sótano de la facultad de psicología de la Universidad de Stanford. Los participantes perdieron el control, aplicando medidas autoritarias y llegando a la tortura psicológica. El experimento se tuvo que cancelar al cabo de seis días.
Estos comportamientos fueron provocados por la estructura de poder que se creó, una estructura en la que también influía la ropa. Pine recuerda que los guardias y presos iban vestidos de forma similar a como lo harían en una cárcel de verdad. Y “cuando nos vestimos igual que los demás nos sentimos menos responsables de nuestras acciones”.
En otro experimento, Zimbardo les dijo a las mujeres participantes que debían provocar descargas eléctricas (que no sabían que eran falsas) a otra persona (compinchada), al estilo del famoso experimento sobre la obediencia de Stanley Milgram. La mitad de ellas llevaba una chapa con su nombre y la otra mitad vestía una túnica larga y capucha (sí, imitando al Ku Klux Klan). Además, el investigador se dirigía a ellas con un número en lugar de con un nombre. Las descargas que aplicaba este segundo grupo duraban, de media, el doble que las del primero. Según explica Zimbardo, el anonimato y los uniformes contribuían a la “desindividualización” de las participantes.
El efecto de los uniformes no es necesariamente negativo: en 1979 se replicó este estudio, pero con mujeres vestidas de enfermeras. Estas falsas enfermeras eran menos agresivas a la hora de administrar descargas que quienes no llevaban los uniformes.
Si quieres resolver un problema, ponte una bata blanca
Si te dan una bata blanca de laboratorio y te dicen que es de un médico, tu atención se verá incrementada. De hecho, cometerás la mitad de errores que si te dan la misma bata y te dicen que es de un pintor, según un estudio de la Universidad Northwestern, que muestra que la influencia de la ropa depende en gran medida de su significado simbólico, siempre y cuando este significado sea claro.
¿Significa eso que deberías llevar una bata blanca a los exámenes? No creo. Te mirarán raro. Pero en todo caso y tal y como apunta The New York Times, se trata de un ejemplo de “embodied cognition” (que a menudo se traduce por “cognición incorporada”). Otros experimentos en esta línea muestran que “la experiencia de lavarte las manos se asocia con la pureza moral y los juicios éticos” y que “si llevas una carpeta, te sentirás más importante”. Eso sí, hay que añadir que los autores del estudio hablan en el caso de la bata de “enclothed cognition”, cognición “en la ropa”.
¿Y si voy de Superman?
Lo hizo Karen J. Pine con sus alumnos porque, al parecer, estudiar Psicología supone pasar por una serie de humillaciones constantes. Quienes respondieron a una serie de tests vistiendo una camiseta de Superman se consideraban superiores y más atractivos que sus compañeros, que vestían o bien su ropa normal o bien una camiseta azul lisa. Estos supermanes también aseguraron que podían levantar más peso (de media) que el resto. Pine no les obligó a hacer pesas, pero a lo mejor habría funcionado, como revela otro experimento, esta vez con ropa roja.
Si vas a hacer deporte, prueba con el rojo
Unos atletas vestidos de rojo levantaron de media más peso que quienes iban de azul, según un experimento publicado por el Journal of Sport and Exercise Psychology en 2013 (y por Scientific American en 2016). Eso sí, cuando los pusieron a practicar lucha, enfrentando a uno de rojo con otro de azul, el color no influyó en el resultado, como sabrán quienes hayan seguido los altibajos de la selección española de fútbol. Eso sí, los investigadores aclaran que la muestra era pequeña: 28 personas en total.
El rojo es sexy y el negro es agresivo
Los efectos de vestir de rojo se llevan estudiando desde los años 80, pero sobre todo desde el punto de vista de cómo nos ven los demás cuando llevamos este color. Pero en 2010 tres investigadores de la Universidad de Liverpool llevaron a cabo un estudio que reveló que los participantes consideraban más atractivos a quienes vestían de rojo, aunque no vieran la camiseta. Incluso calificaban de menos atractivos a los modelos vestidos con una camiseta blanca retocada para que pareciera roja. Por este motivo, los autores concluyeron que vestir de este color influye tanto en el observador como en quien lo lleva. Hace que nos sintamos más guapos.
En cuanto al negro, en 1988 se estudió su efecto en los jugadores de hockey sobre hielo. Los participantes vieron fragmentos de partidos en los que un equipo vestía de negro y otro de blanco, y consideraron al equipo de negro más agresivo. A otros participantes les pusieron camisetas negras o blancas y les preguntaron qué estrategias de juego seguirían. Los que iban de negro optaban por tácticas más agresivas. Es decir, el negro también influye tanto en quien lo lleva como en quien lo ve.
Las falsificaciones te convertirán en un tramposo
Los accesorios también tienen su peso. A los participantes de un estudio les dieron gafas de sol de marca y les pusieron una serie de tareas diseñadas para que pudieran hacer trampas en algún momento. Algunos optaron más a menudo por estas trampas. La diferencia: antes les habían dicho que sus gafas eran imitaciones (aunque no lo eran). No solo eso, también percibían el comportamiento ajeno como más deshonesto y menos ético. Es decir, es mejor llevar ropa barata que falsificaciones.
Ponte gafas para sentirte listo
El estereotipo del intelectual con gafas es tan efectivo que el mero hecho de ponernos gafas ya puede hacer que nos creamos más inteligentes, aunque obviamente seamos igual de listos (o de tontos) que antes. En 1982 los psicólogos Joan M. Kellerman y James D. Laird pusieron a varios estudiantes a completar una serie de tests. A la mitad de ellos les dieron gafas (sin graduar). Ninguno de ellos las llevaba habitualmente. Aunque las lentes no influyeron en los resultados reales, los participantes con gafas se describieron como más competentes, inteligentes y cultivados que el resto.
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(Photo: Oklahoma Historical Society)
A century ago, grocery shopping in America was very different from the way that it is now. Customers approached clerks who worked behind counters and asked for specific items. The clerks measured out the desired goods, then handed them to the customers, who placed them in handbaskets.
This necessarily created a limit on how much money a customer could spend because he could carry only as much as he could hold in a basket.
Late one night, Sylvan Goldman, a grocer in Oklahoma, suddenly had an idea for a solution: what if you stacked two baskets on top of each other and put them on wheels?
Goldman built a dozen carts and placed them in his grocery stores. They were, though practical, not popular. Women protested that they already had enough of pushing carts--that is, baby carriages--around. Men took the idea that they needed help carrying heavy loads as an affront to their masculinity.
Goldman found a solution: he hired attractive-looking actors to walk around his stores with shopping carts. This made using them socially acceptable. Zachary Crockett explains at Priceonomics, where he traces the history of this invention:
Finally, Goldman enlisted his own employees (and hired a team of actors — both men and women) to push the carts through his stores with beaming smiles, picking items off shelves with ease. Before long, herd mentality took hold: shoppers gradually began to accept and cherish the cart.
Once his stores were thriving with merry cart-pushers, Goldman filmed his success and showed it to other grocers. Soon, the carts were in high demand: Goldman sold them for $7 each, and quickly amassed a two year backorder.
Goldman and other inventors refined the shopping cart design to include telescoping baskets that fit within each other, thus saving space. The shopping cart became ubiquitous across the country and the world. Eventually, it became iterally iconic of consumerism:
-via NotCot
La Parejita, de Manel Fontdevila (2000, El Jueves)
La Parejita, de Manel Fontdevila (2015, Orgullo y Satisfacción)
Blues & Ballads: A Folksinger’s Songbook is the solo album Luther Dickinson has been hinting at for half a decade. In 2010, Home Sweet Home, a collection of old-time folk and blues standards, appeared by the South Memphis String Band (a collective of Dickinson, Alvin Youngblood Hart, and Jimbo Mathus). Two years later, its follow-up, Old Times There…, was one of three Dickinson-related albums released on the same day; the others were Hambone’s Meditations (solo guitar instrumentals inspired by Jack Rose and the Takoma School) and Go on Now, You Can’t Stay Here: Mississippi Folk Music, vol. 3 (with the Wandering, an acoustic vocal group featuring Dickinson, Sharde Thomas, Amy LaVere, and Shannon McNally).
320 kbps | 178 MB UL | MC ** FLAC
Most of the aforementioned are present here, as are appearances by Mavis Staples, Jason Isbell, Will Sexton, JJ Grey, and others. Dickinson has been collecting songbooks and sheet music throughout his life. Though he wrote or co-wrote all 21 songs here, they have been inspired by tunes he learned and people and traditions he learned from. The production is intimate, stripped down. Voices and guitars are prominent, but drums, blues fife, and an upright piano and organ are heard here and there. All the songs were recorded live in the studio at various times, often in a single take. Fans of North Mississippi Allstars may recognize “Hurry Up Sunrise.” It was worked up from an idea Otha Turner gave Dickinson. It was a blazing blues-rocker on Electric Blue Watermelon. Here, it’s a sweet folk-blues with upright bass, electric slide guitar, and male-female duet vocals. There are several gospel blues tunes centering on mortality, passage, and transition. None are morbid. “Ain’t No Grave,” written just after the passage of Dickinson’s dad, was cut in a single take with Staples, with his electric slide guitar the only accompaniment. Deeply moving, it is an exceptional moment. “Let It Roll” showcases Charles Hodges’ B-3 as the testifying preacher instrument. Dickinson, LaVere, Thomas, and Lillie Mae Rische provide duet and chorus vocals. Thomas’ blues fife make the acoustic country blues “My Leavin'” as tender as it is profound. “Bang Bang Lulu,” co-written with his father, is a house-rent boogie with swinging fiddle, Beale Street piano, tub-thumping bass, maracas, and searing slide guitar. “Highwater (Soldier),” with its martial drumming and gutbucket bassline, is raw, uptempo 21st century Delta blues. The South Memphis String Band reunites on the Mathus/Dickinson number “Shake (Yo Mama).” Banjo, mandolin, and acoustic guitar deliver a hard-grooving tribute to Slim Harpo’s “Shake Your Hips.”
Blues & Ballads: A Folksinger’s Songbook, Vols. 1-2 is a musical autobiography. For Dickinson, blues and folk music are living traditions that continue to inform his geography, and his life and work within it. It’s fortunate that he considered these songbooks worth sharing.
After three years of waiting since her seminal Sister funk hit single 2 Kinds Of Men, Record Kicks finally presents Stop Look Listen the debut album from the new Oporto soul diva Marta Ren & The Groovelvets that will hit the streets 19 February 2016.
Anticipated from the first single I’m Not A Regular Woman, which is getting airwaves all over Europe (including BBC 6, Rai Radio 1, LeMouv / Radio France), produced and recorded on an Ampex eight-track tape machine by New Max from Portuguese funk combo Expensive Soul and mastered in NYC by Andy Vandette, Stop Look Listen is pure dynamite and follows the best tradition of the Soul Sisters of the 60s. Marta Ren, not surprisingly described as the new Marva Whitney, brilliantly supported by her…
320 kbps | 104 MB UL | MC ** FLAC
…super tight 8-piece rhythm & soul combo The Groovelvets, serves you 11 tracks of pure fire and takes-no-prisoners. From the floorshakin’ opening track Don’t Look to the mellow feel-good anthems Smiling Faces, So Long and the afrotastic Be Ma Fela, the Portuguese combo deliver a visceral deep funk album, proving that they’re the new ‘real deal’.
Marta Ren is not a newcomer as she has been around in the Portuguese scene since the mid 90s lending her deep and powerful voice, amongst others, to break-beat outfit The Bombazines, recording two albums and establishing her unique talent at clubs and festivals all around Portugal. But Marta’s passion has always been for the deepest funk and rawest soul of the sixties, and now the time has come for her to show the world her immense talent. With a powerful voice that would make the founding soul sisters proud, Marta Ren is looking to rule the world and make herself a household name. Fans of Sharon Jones & the Dap-Kings get on it!
01. Don’t Look (04:12)
02. Release Me (04:28)
03. I’m Not Your Regular Woman (02:40)
04. Smiling Faces (04:23)
05. 2 Kinds Of Men (04:04)
06. It’s Today (02:58)
07. I’m Coming Home (03:16)
08. Be Ma Fela (02:42)
09. Let’s Talk About The Kids (04:47)
10. So Long (05:40)
11. I Wanna Go Back (03:21)
Languid and lazily blissful, like a lo-fi Brian Wilson on a heavy dose of pain killers, The Shivas sound a little less retro but no less poppy on their third proper album, 2016’s Better Off Dead, which is significantly more cheerful (and a bit more lively) than the title might lead you to expect.
Produced by Calvin Johnson (who also worked with the Shivas on 2014’s You Know What to Do), Better Off Dead is a few steps up on the ladder of fidelity from the band’s early home-brewed four-track releases, but the aesthetic drift is very much the same. The recording and production approach is aggressively simple, and the unforced, ambling spirit of the instrumental work and the vocals all feel casually rehearsed, making this album play as much like a loose jam session as a proper album.
320 kbps | 69 MB UL | MC ** FLAC
But like the saying goes, not all who wander are lost, and if the Shivas sometimes seem to be sauntering through their own album, their canny pop melodies indicate they have a reliable road map on hand. The reverb-soaked six-string work and frequent peals of slide guitar lend this music a potent psychedelic ambience that meshes beautifully with the simple but evocative tunes (and are a suitable match for the just-woke-up vocal stylings). Some bands put a lot of effort into seeming casual, and that may well be the case with the Shivas, but Better Off Dead sounds more like the work of people who really are willing to follow where the songs take them, and these songs are strong and imaginative enough that the strategy works. If you’re looking for accompaniment for an afternoon stroll or an excursion into space, this will suit either trip beautifully.
Introducción
Divertido y entretenido juego de espías, claves secretas, códigos desconocidos… todo un mundo nuevo de intrigas y misterios que tendrás que adivinar y sortear para ganar la partida.
Portada
Así se nos presenta este Código Secreto, una de las novedades lanzadas en Essen 2015 diseñado por el gran Vlaada Chvátil (Dungeon Lords, Space Alert, Galaxy Trucker, Through the Ages o Mage Knight). El juego fue publicado, como hemos dicho, en 2015 por la editorial checa Czech Games Edition (CGE), siendo publicado de forma paralela en multitud de países: Polonia por REBEL.pl, Holanda por White Goblin Games, Italia por Cranio Creations o Alemania por Heidelberger Spieleverlag. De las ilustraciones se encarga Tomáš Kučerovský, quien ya se encargara de títulos como Galaxy Trucker o Last Will.
En nuestro país ha sido editado por Devir, lo que es de agradecer, pues el juego es bastante dependiente del idioma (a pesar de ser cartas con una única palabra). Permite partidas de 2 a 8 jugadores, con una edad mínima sugerida de 14 años y una duración aproximada de 15 minutos. El precio de compra recomendado es de 20 €. Para esta reseña se ha utilizado una copia de la edición en castellano de Devir.
Contraportada
Importante: si ya conoces el juego y/o sólo te interesa mi opinión sobre el mismo, puedes pasar directamente al apartado de Opinión. Los apartados Contenido y Mecánica están destinados especialmente a aquellos que no conocen el juego y prefieren hacerse una idea general de cómo funciona.
Contenido
Dentro de una caja de cartón de dos piezas (tapa y fondo), de dimensiones 22,9×15,9×5,1 cm. (caja rectangular mediana similar a La Resistencia o Mundus Novus), nos encontramos los siguientes elementos:
Contenido
Mecánica
Código Secreto es un party peculiar en el que los jugadores se dividen en dos equipos. Para cada uno de ellos se elige a un jugador que actuará como jefe. Sobre la mesa habrá 25 conceptos formando una matriz 5×5. Los líderes dispondrán de una tarjeta de coordenadas que indicará qué conceptos pertenecen a cada equipo. Estos deberán dar pistas a sus compañeros consistentes en una única palabra (algo que permita identificar uno o varios conceptos) y una cifra (el número de conceptos que el líder conecta en su mente mediante la palabra anterior). Los jugadores irán indicando uno por uno los conceptos que consideren ajustados a la pista ofrecida. ¡Pero cuidado! Uno de los conceptos supone la derrota automática (el asesino).
Conceptos Básicos
Empecemos con las Cartas de Conceptos. Se tratan de cartas que muestran en cada una de sus caras una palabra que, por norma general, suele admitir varias acepciones. Cada palabra aparecerá impresa en direcciones opuestas, de forma que los jugadores, que se sentarán enfrentados, puedan leerlas sin problemas. En cada partida se pondrán en juego 25 de estas palabras formando una matriz de cinco por cinco.
Conceptos
Los jugadores se dividirán en dos equipos: rojo y azul. Cada uno de estos equipos deberá encontrar los agentes de su bando escondidos en la matriz de conceptos.
A su vez, para cada equipo se deberá elegir un líder. Ambos líderes conocerán la identidad que se encuentra tras cada uno de los conceptos en clave. Y lo harán a través de unas Cartas de Referencia que muestran la matriz con cada casilla sombreada en el color correspondiente.
Tarjetas de Referencia
Estos líderes se comunicarán con el resto de su equipo mediante un código en clave, consistente en una única palabra y una cifra. No podrán gesticular, hablar ni realizar cualquier gesto que pudiese ser interpretable por el resto de su equipo.
Para marcar los conceptos que vayan siendo revelados se utilizan unas tarjetas que se colocarán encima de cada concepto.
Así tendremos 8 tarjetas de color rojo y otras tantas de color azul, todas a doble cara mostrando un agente femenino y masculino.
Agentes
Adicionalmente se tendrá una tarjeta de agente doble, ya que el equipo que disfrute del primer turno tendrá que descubrir un concepto adicional. Esta tarjeta es roja por una cara y azul por otra.
Agente Doble (ambas caras)
De los 25 conceptos habrá 7 que no pertenecerán a ningún equipo y acarrearán consecuencias al elegirlos (salvo perder el turno). Estas se marcarán con las tarjetas de civiles.
Civiles
Sin embargo, habrá un concepto (el Asesino) que provocará la pérdida automática de la partida para el equipo que lo active.
Asesino
Y con esto es suficiente.
Preparación de la Partida
Para partidas de 4 a 8 jugadores (para menos jugadores consultar las variantes):
¡Ya podemos comenzar!
Partida Preparada
Desarrollo de la Partida
Una partida de Código Secreto se desarrolla a lo largo de un número indeterminado de turnos alternados por ambos equipos.
En el turno de un equipo, el líder deberá decir en voz alta a su equipo una pista consistente en una palabra y una cifra. En todo momento ambos líderes estarán sentados juntos con la tarjeta de referencia visible para ambos:
Tras esto el líder deberá permanecer impertérrito mientras el resto de su equipo intenta encontrar a los agentes de su color.
Ahora el resto de integrantes del equipo intentarán descubrir los conceptos a los que su líder ha hecho referencia. Entre todos irán poniéndose de acuerdo en el concepto cuya identidad será revelada.
Una vez alcanzado el consenso, lo comunicarán a su líder indicando claramente el concepto elegido. Se pueden dar los siguientes casos:
El equipo podrá seguir intentando encontrar palabras siempre y cuando la palabra revelada pertenezca a su equipo y aun no hayan revelado tantas palabras como cifra hubiese indicado el líder. Si alcanzase el número de palabras indicadas, el equipo tendrá la posibilidad de intenta adivinar exactamente una palabra más. El equipo también tendrá la opción de plantarse.
El turno finaliza en el momento que los equipo pase, haya encontrado tantas palabras como indicase el líder más una o la palabra revelada no pertenezca al equipo en turno.
Matriz de Conceptos
Fin de la Partida
La partida termina en el momento que uno de los equipos encuentre a todos sus agentes, proclamándose vencedor.
También finaliza en el mismo instante en el que el asesino sea revelado. En este caso el equipo que lo descubra perderá automáticamente.
Variantes
Opinión Personal
Hoy toca analizar uno de los éxitos de la última feria de Essen. Y es que, a priori, tenía todos los ingredientes necesarios para que se convirtiese en un superventas, esto es, un juego social (apto para todos), económico y con un autor de renombre y casi infalible, con el que no hace falta ni campaña de marketing para darlo a conocer. Pero no siempre todo sale a pedir de boca. Vamos a ver qué tal es este Código Secreto.
El señor Chvátil ha logrado hacerse un nombre en el panorama lúdico gracias a su versatilidad y originalidad, dos cualidades que difícilmente encontraremos en otros autores. Personalidades como Uwe Rosenberg, Stefan Feld o Reiner Knizia se caracterizan por tener un estilo definido en el que han profundizado a medida que publicaban nuevos diseños. Pero Vlaada no. Salvo alguna excepción, cada título que se ha publicado con su firma no tenía ningún nexo de unión con los anteriores.
Detalle de Matriz
En esta ocasión se atreve con un juego social de estos en los que hay que transmitir información entre jugadores utilizando elementos que, a su vez, dificultan la comunicación. Seguramente juegos como Time’s Up, Tabú, Interferencias o Dixit habrán venido a vuestra mente.
La principal y gran diferencia respecto a todos esos títulos es que aquí vamos a escuchar pocas risas. Desde la primera pista los jugadores entrarán en una especie de trance, buscando patrones que les permitan a unos dar pistas (los líderes) y a otros interpretarlas. Este ambiente tenso solo será interrumpido por el ingenio de algunos jugadores, capaces de ofrecer pistas inverosímiles que sí que nos hagan esbozar una sonrisa. Pero no es el objetivo primordial del juego.
Los jugadores tendrán que retorcer el lenguaje para intentar conectar conceptos y, a su vez, conectar con sus compañeros, ya que de nada sirve ofrecer pistas que en nuestra mente tengan todo el sentido del mundo pero sepamos de antemano que los demás no van a llegar a la misma conclusión.
Aquí aparece el grado de conexión entre los jugadores, algo que si comparte con los juegos anteriormente mencionados. Cuanto más se conozcan dos jugadores, más sencillo será que entre ambos logren establecer las mismas relaciones. Por eso será importante establecer equipos equilibrados en este sentido. Sentar en la mesa a jugadores que se conozcan de muchos años atrás contra individuos que hayan coincidido un par de veces en su vida puede suponer un desnivel importante.
Una de las claves del éxito está en que todos los jugadores están jugando en todo momento, sea el turno de su equipo o no. Obviamente, cuando nuestro grupo es el que está en pleno proceso de transmisión de información estaremos pendientes y con las neuronas a máximo rendimiento intentando establecer esas relaciones que permitan revelar cuantos más conceptos correctos mejor. Pero también tendremos que estar muy pendientes en el turno del equipo rival, ya que si somos capaces de interpretar correctamente a su líder, podremos extraer información muy valiosa sobre qué conceptos no pertenecen a nuestro bando.
Detalle Reloj de Arena
Por contra, para mi tiene un defecto importante, y es que el juego, para mi gusto, pierde cuanta más gente tengamos en la mesa, siendo las partidas a cuatro jugadores como mejor me funciona. Me explico. Jugando por parejas el peso de la partida está repartido “más o menos” equitativamente. El líder es el que tiene que generar la idea, y el compañero el que debe desentrañarla. Sin embargo, a medida que aumentamos el número de jugadores, la carga del equipo de se diluye, ganando demasiada importancia la del líder. A su vez, en el grupo de los “investigadores” puede aparecer el temido efecto líder, con jugadores que tomen la voz cantante y otros que se vean cohibidos y apenas participen de la fiesta. De hecho, algún día probaré jugar a 6 y que el tercer equipo juegue con los civiles (el que empieza tiene que adivinar 9, el segundo 8 y el de los civiles 7 y no hay que añadir ni quitar nada).
Otro pequeño problema, más típico de esta clase de juegos, es que el grupo debe ser relativamente homogéneo para que las partidas sean satisfactorias. En este caso que tengan un dominio del lenguaje más o menos similar. Sentar en la mesa a niños y mayores puede suponer una diferencia de nivel importante. Los más creciditos deberán bajar el listón para poder disfrutar de la experiencia.
Otra pequeña nota negativa es el sistema de puntuación. Es cierto que el objetivo es claro, ser el primero en encontrar las palabras. Es por ello que al equipo que juegue en primer lugar se le aplica un hándicap y se vea obligado a forzar la jugada y no ir de palabra en palabra. Así se generan relevos en la cabeza que mantendrá la tensión. Es necesario jugar de forma competitiva, pues si no el diseño pierde gracia. Cada vez que alguien dé una pista con un 1 como cifra merece un abucheo. Hay compañeros que fuerzan que no se puedan dar pistas de un único concepto al comienzo de cada partida para evitar esta falta de ritmo e intensidad.
Lo malo es que, cuando los jugadores sacan a relucir su carácter competitivo, es cuando también hace acto de aparición el Análisis-Parálisis, que suele afectar principalmente a los líderes, ya que, en este caso, son los generadores de contenido. De hecho, el juego incorpora un pequeño reloj de arena para cuando el asunto se desmadre y algún jugador sea incapaz de salir de un bloqueo. Sirve más que nada como pequeña amenaza, ya que las propias normas indican que su uso no está contemplado por norma. Pero más de una vez nos encontraremos con turnos que se alargan en demasía porque un jugador intenta conectar el máximo de conceptos posibles y no es capaz de encontrar ni una relación de dos. Se le advierte y, si no arranca, se le pone y que pueda llegar a perder el turno si no reacciona.
También es necesario realizar un pequeño apunte sobre el factor azar. A veces los astros se alinean y en la tarjeta de referencia quedan marcados conceptos fácilmente relacionables para alguno de los equipos, mientras que otras ocasiones resultan conceptos complicados de conectar. También son vitales las posibles relaciones que se pueden establecer con el concepto al que corresponde el asesino. Que un grupo tenga palabras fácilmente ligables con esta es un auténtico fastidio, y habrá que hilar fino para no perder a las primeras de cambio. Afortunadamente las partidas duran poco, por lo que si ocurre alguno de estos casos, los jugadores lo tienen tan sencillo como barajar y echar otra, que son solo quince minutos.
Detalle del Tablero
La rejugabilidad en cuanto a partidas distintas está asegurada: 400 conceptos con otras tantas cartas de referencia con cuatro orientaciones. Calcar una partida es estadísticamente imposible. Otra cosa es que, como party que es, podamos cansarnos pronto de él si se abusa de su salida a mesa, cosa que es relativamente sencilla porque se coge con muchas ganas.
La escalabilidad tiene trampa. Ya no solo por el factor competitivo y el efecto líder para partidas de más de 4 jugadores, sino que el diseño no tiene sentido como juego en partidas de 2 o 3. Puede estar bien como modo de entrenamiento, pero en la caja debería poner de 4 a 8 (o más). Y, repito, para mí, como más se disfruta es por parejas.
Con todo, tenemos un party original, que puede que sea el que más lejos llegue en su desarrollo en comparación con otros títulos mencionados. Una prueba de ello es que los jugadores estarán concentrados y apenas habrá risas. Si queremos escuchar carcajadas, mejor sacar un Time’s Up.
Yo soy de la opinión de que si este juego hubiese sido publicado por otro autor de menos renombre habría pasado mucho más desapercibido. No quiero restar méritos al gran Vlaada, pero, como viene siendo habitual últimamente, las opiniones andan ligeramente radicalizada, y se eleva a los altares con demasiada facilidad.
La edición de Devir tiene luces y sombras. Por un lado, las cartas son perfectas para el contenido. Tamaño estándar, buen gramaje y respuesta elástica. No hace falta enfundar ya que las cartas no están en mano y no pasa nada porque se marguen, aunque ya sabéis, yo siempre recomiendo enfundar para mantener un perfecto estado con el paso de las partidas. Las tarjetas de agente son de cartón, aunque para mi gusto es muy fino. Es cierto que podrían haber sido cartas y seguirían cumpliendo su función perfectamente, pero ya que se usa cartón, un poco más de grosor no habría estado de más. El lunar negro lo pone el reloj de arena. Es sabido que un alto número de unidades venían defectuosas (Devir los ha cambiado sin coste para el usuario). El mío funciona bien, pero se nota que no es un elemento en el que hayan prestado mucha atención. Lo que más llama la atención es que la arena se quede pegada a las paredes del reloj, como si tuviese humedad. Por último, el reglamento está magníficamente explicado y no deja lugar a dudas.
Detalle de Partida en Juego
El trabajo de Kučerovský se limita a las tarjetas de agente, civiles y asesino. El resto de elementos no requieren la mano de un artista. No es que sean una maravilla, aunque se nota una diferencia importante entre agentes y civiles. Los primeros podrían desfilar por una pasarela, mientras que los otros parecen que han sufrido algún tipo de percance, en especial los hombres.
Y vamos cerrando. Código Secreto es un party que va un paso más allá de lo que consiguen otros títulos como Time’s Up o Dixit, dejando a un lado las carcajadas por concentración y devanamiento de sesos. Para mi gusto, como mejor funciona es a cuatro jugadores, ya que así el peso de la partida está compensado entre ambos componentes. A más jugadores aparece el efecto líder dentro de cada grupo y puede que haya jugadores que se sientan desplazados. Por todo esto le doy un…
Artículo Original: Reseña: Código Secreto.
Con la muerte de Umberto Eco no hemos perdido sólo a un gran ensayista y narrador, sino también a un estudioso de la cultura popular cuya influencia se extiende desde el cómic a la música, pasando por los videojuegos. Resumimos aquí sus méritos.
Hoy tenemos una buena ocasión para ponernos tristes: Umberto Eco, el semiólogo, profesor y novelista italiano, falleció ayer a los 84 años en su casa de Milán. Dada su ciclópea talla como erudito, el fallecimiento de Eco es una de esas noticias que suponen una mina para las secciones de Cultura de la prensa generalista, siempre dispuestas a recordarnos la influencia del personaje en el pensamiento europeo y mundial. Sin embargo, a nosotros nos interesa más recordar otra de sus facetas: la del investigador que aplicó su agudeza a la cultura popular, cuando la mayoría de sus colegas académicos aún no se dignaban a tocarla ni con el proverbial palo. Algunos de los mejores momentos de Eco, tanto como ensayista como docente, editor y autor de obras de ficción, tuvieron como objeto artes que en CANINO nos resultan muy queridas, y de las cuales sabemos algo más gracias a su trabajo. Por ello dedicamos este artículo a recordar cinco razones por las que estamos en deuda con él.
La infancia de Umberto Eco no fue precisamente fácil: nacido en 1932, diez años después de la llegada al poder de Benito Mussolini, el erudito piamontés creció a la sombra del fascismo, primero, y después bajo el fuego de la II Guerra Mundial. Tras el final del conflicto, un contingente de soldados del ejército de EE UU (en su mayoría afroamericanos) se instaló en Alessandria, su pueblo, y con ellos le llegó una epifanía insospechada. Y no sólo porque, tras haberse visto bombardeado por propaganda racista desde pequeñito, el joven Umberto entablara amistad con el capitán Muddy, un militar francoparlante y aficionado al champán, sino también porque otro de los soldados le hizo entrega de un auténtico tesoro: varios cómics de Al Capp (Lil’ Abner) y de Milton Canniff, el autor de Terry y los piratas y Steve Canyon. Merced a dicho regalo (que “tenía muchos colores, y olía bien”) Eco desarrolló su interés por el lenguaje de las viñetas, algo que se prolongó durante sus años como respetado profesor de semiótica: a principios de los 60, organizó en Roma y Turín varios cursos que podrían quedar como los primeros encuentros académicos sobre la historieta en universidades europeas. En 1964, su libro Apocalípticos e integrados (si no lo has leído, corre a la biblioteca) dedicó un espacio pequeño, pero muy estimable, a analizar el lenguaje gráfico de varios autores de cómic, como su querido Caniff y Chester Gould (Dick Tracy). Y, por si esto fuese poco, la primera edición italiana de Peanuts (Charles M. Schulz) contó con un prólogo suyo. Gracias a la ‘respetabilidad’ conferida por los escritos de Umberto Eco, el tebeo comenzó a ganarse poco a poco un lugar entre los intereses de la intelectualidad: seguramente, estos análisis son los responsables de que muchas librerías sesudas tengan estanterías dedicadas a la “novela gráfica”.
Aunque uno pensaría que a don Umberto le iba más el gregoriano, sus intereses musicales resultaban menos arqueológicos: durante su infancia, nuestro estudioso tocó la trompeta en una banda de música, y siendo ya un septuagenario retomó la práctica de ese instrumento para recuperar algo de su juventud perdida. Ahora bien, si buscamos la auténtica influencia de Eco en los sonidos del siglo XX (y en los del XXI) tenemos que remitirnos a su amistad con el compositor Luciano Berio. Casado por entonces con la soprano Cathy Berberian (sí, lo de Berberian Sound Studio viene de ahí) y muy interesado en la lingüística, Berio colaboró con Eco en la elaboración de Thema (Omaggio a Joyce), una pieza de 1958 en la que varios fragmentos del Ulises, leídos con la estratosférica voz de Cathy, son desmontados, reorganizados y sometidos a tratamientos cibernéticos de toda índole hasta convertirse en una jungla de sonidos entre lo dublinés y lo cósmico. ¿Una majarada? Pues sí. Pero si consideramos que Luciano Berio fue uno de los compositores más influyentes de su época, maestro de Steve Reich y de otros grandes, y que Thema no resulta tan alejada de los asaltos ruidistas de Throbbing Gristle, Matmos y otros maestros de la distorsión… pues va a resultar que los pinitos de Umberto Eco en la música electrónica trajeron mucha, mucha cola.
Leída con las gafas del analista, El nombre de la rosa (la novela de 1980) es un festín de referencias que van mucho más allá de la Edad Media: la crisis del pensamiento occidental, el estado de Italia (y de sus intelectuales) tras los ‘Años de plomo’ de los 70 y el devenir ideológico de Europa se llevan muchas referencias, y muy bien disimuladas, en este tochazo. Pero Eco era el primero en saber que, a la mayoría del público, todo aquello no le importaba un pimiento: si las aventuras de fray Guillermo de Baskerville y su ayudante Adso de Melk se convirtieron en un best seller fue debido a su atractivo como folletín detectivesco, lleno de giros inesperados y con una ambientación de lo más exótica. De ahí que, tras el éxito del libro y de su adaptación cinematográfica (durante cuyo rodaje Eco descubrió que Sean Connery sólo sabía hablar de fútbol) las librerías se llenasen con historias de misterio situadas en tiempos y lugares del pasado. Por supuesto, Umberto Eco no había inventado el subgénero (Agatha Christie, Peter Lovesey y Ellis Peters, la creadora del monje investigador Cadfael, habían puesto los cimientos de esta moda), pero gracias a los beneficios de su novelón los editores se dieron cuenta de que aquello tenía futuro: las novelas de Lindsay Peters Davies con Marco Didio Falco (el sabueso más duro de la Roma antigua), de Anne Perry y de Boris Akunin, entre otros autores, gozaron de una pujanza inusitada desde entonces.
Estamos en 1988, y Umberto Eco publica (entre gran expectación) su segunda novela: El péndulo de Foucault, que así se llama el tocho, versa sobre cómo un grupo de eruditos italianos descubre (por accidente, y de una forma bastante ridícula) una conspiración antiquísima en la cual están enredados desde los Caballeros Templarios hasta los discípulos de Aleister Crowley, pasando por los adoradores de Cthulhu. Casi dos décadas más tarde, en 2003, Dan Brown publica El código Da Vinci, otro libro que se convierte en best seller mundial y que habla de una conspiración antiquísima en la cual están enredados el Opus Dei, los Caballeros Templarios y… Sí: las similitudes entre la novela de Brown y la de Eco han sido señaladas múltiples veces, lo cual convertiría al piamontés en el ancestro tanto del escritor estadounidense como de Matilde Asensi y otros novelistas que se apuntaron a eso de la conspiranoia histórica. El propio Eco se cachondeó bastante de la posible influencia (“Dan Brown es una de mis criaturas”, sentenció con ironía) sin reconocer nunca que su propia novela tiene bastante, pero bastante que ver con la trilogía Illuminatus! de Robert Anton Wilson y Robert Shea, una obra de culto que se publicó entre 1975 y 1988.
Efectivamente: ahora toca hablar de lo que todos estamos pensando. Corría 1987, y la compañía española Ópera Soft se puso en contacto con Eco para obtener los derechos de El nombre de la rosa. Resulta que un programador muy fan del libro, llamado Paco Menéndez, había elaborado un videojuego basado en Fray Guillermo, los asesinatos benedictinos y la maldita biblioteca-laberinto. Y, dado que el programa en cuestión era una enorme obra de arte, con innovadoras rutinas de inteligencia artificial y unos gráficos (obra de Juan Delcán) que quitaban el hipo, cualquiera diría que el sabio hubiese estado encantado de darle su visto bueno… de no ser por la ‘pequeña’ salvedad de que el interés de la cultura pop por Eco no abarcaba los videojuegos. De hecho, en su momento se comentó que el piamontés no sabía lo que era aquello. Así pues, el juego de Menéndez y Delcán acabó saliendo al mercado con el título de La abadía del crimen, y haciendo historia como uno de los mejores ejemplos del ocio pixelado made in Spain.
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