A praga da rata-toupa avanza por concellos da montaña de Lugo sen que a Xunta de Galicia adoptara até o momento medida algunha para freala. Polo de agora, afecta principalmente a pradeiras pero poderían verse afectados tamén outro tipo de cultivos, como patacas e plantacións de horta, froiteiras ou mesmo repoboacións forestais, como acontece xa […]
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Eduardo Maragoto volverá a presidir catro anos máis a Associaçom Galega da Língua (AGAL). O profesor da EOI encabezaba a única lista que se presentou ante a asemblea convocada o pasado sábado no Museo do Pobo Galego. Xunto a el, unha equipa composta por:
Eliseu Mera (vice-presidente), cantor lírico e profesor de Música ;Marcos Saavedra (secretario), bibliotecario; Romám Vilela (tesoureiro), bancario; Valentim Fagim (vogal), profesor de idiomas e editor; Miguel Penas (vogal), técnico de comunicación; Carme Saborido (vogal), profesora de idiomas; Jon Amil (vogal), médico; Teresa Pilhado (vogal), editora; Graciela Lois (vogal), psicóloga; Luís Fontenla (vogal), profesor de idiomas; Matias Rodrigues (vogal), historiador de arte; Vítor Garabana (vogal), enxeñeiro informático.
Ante os catro anos vindeiros, a equipa colócase como metas o fortalecemento dos consensos, tanto internos como externos, en relación á lusofonía e a divulgación da vivencia reintegracionista como proveitosa. A maiores, o terceiro punto programático busca converter o ano de Carvalho Calero, que protagonizará o Días das Letras do 2020, “nun punto de inflexión para o diálogo aberto sobre o relacionamento entre o galego e a lingua portuguesa”.
O artigo Eduardo Maragoto volta presidir a AGAL que busca converter o ano de Carvalho Calero “nun punto de inflexión” publicouse primeiro en Nós Televisión.
Passados quatro anos desde que em 2015 se pujo à frente da associaçom decana do reintegracionismo, o professor de EOI Eduardo Maragoto foi eleito este sábado novamente presidente da AGAL numha assembleia realizada no sábado de manhã no Museu do Povo Galego de Santiago.
A assembleia abriu com um discurso do candidato em que realizou um balanço da atividade da associaçom nos quatro anos transcorridos desde que começou o anterior mandato em 2015. Neste período fôrom dados “passos importantes à procura de um discurso mais compreensível pola sociedade galega”, afirmou Maragoto, que voltará a presidir o Conselho da Associaçom Galega da Língua (AGAL) com umha equipa muito ampliada, com pessoas com ricas trajetórias no tecido associativo galego e diferentes perfis profissionais:
Em relaçom ao programa, consta de três linhas desenvolvidas em mais pontos. As três linhas programátivas:
Para avançar com estas linhas programáticas, a candidatura pretende fomentar a colaboraçom do/com o conjunto da sociedade, tecendo redes que facilitem a penetraçom da ideia de comunidade galego-portuguesa, nomeadamente através da implementaçom de projetos que permitam explorar ao máximo a Lei Paz Andrade, tanto no que di respeito à promoçom do português no ensino como no campo das relações galego-portuguesas no ámbito comunicativo, social e institucional.
En algún lugar de la Ciudad Vieja de A Coruña se escribió e iluminó hace cinco siglos una de las biblias hebreas más exquisitas del mundo. Su dueño, un judío llamado Isaac, huyó con ella a África y la salvó de los Reyes Católicos y la Inquisición. El manuscrito desapareció durante 300 años sin que los historiadores hayan sido capaces de averiguar dónde y en manos de quién estuvo durante tanto tiempo. Desde el siglo XVIII esta joya de la ilustración medieval europea se custodia en Oxford, pero hace unos días regresó a Galicia. A partir de este viernes se exhibirá por primera vez en la tierra donde se escribió, dentro de una exposición en la Cidade da Cultura de Santiago.
Bertrand Russell Berns nació el 8 de noviembre de 1929 en el Bronx de Nueva York. A comienzos de los 60 se convertiría en uno de los compositores y productores más exitosos del Brill Building, trabajando para numerosos sellos y proveyendo de éxitos a decenas de bandas y artistas. Un infarto acabaría con su vida a los 38 años de edad, en 1967, cuando estaba en lo más alto de su carrera. Con motivo de su 90 cumpleaños le dedicamos este episodio de homenaje a su legado.
Playlist;
THE ISLEY BROTHERS “Twist & Shout”
THE JARMELS “A little bit of soap”
RUSSELL BYRD “You better come home”
MARV JOHNSON “Come on and stop”
GARNET MIMMS and THE ENCHANTERS “Cry baby”
GENE PITNEY “If I didn’t have a dime (to play the jukebox)”
THE EXCITERS “Tell Him”
THE DRIFTERS “One way love”
THE DRIFTERS “Under the boardwalk”
SOLOMON BURKE “Cry to me”
SOLOMON BURKE “Everybody needs somebody to love”
THE VIBRATIONS “My girl Sloopy”
THE STRANGELOVES “I want candy”
THE ANIMALS “Baby let me take you home”
HOAGY LANDS “Baby let me hold your hand”
ERMA FRANKLYN “Piece of my heart”
VAN MORRISON “Brown eyed girl”
(12/11/19)
Manuel Lago Berdeal
Fronte ás funcións tradicionais do mapa como instrumento de localización e orientación, os ideólogos nacionalistas potenciaron a súa utilización como un logotipo, como unha “icona nacional”. Este “mapa-logotipo” axiña penetrou no imaxinario popular, converténdose nun medio moi eficaz para difundir, cosificar e visualizar os termos espaciais, a idea de nación. Recentemente, Keplan e Herb sinalaron que a cartografía estivo moi relacionada coa identidade nacional dende os comezos do nacionalismo moderno, xa que os mapas son cruciais para visualizar a nación, é dicir, para facer o seu territorio tanxible.
O mapa converteuse nunha boa ferramenta para os nacionalismos, pois estes son, en grande medida, ideoloxías de carácter territorial. Para teren éxito na praxe política, os movementos nacionalistas deben conseguir, entre outras cuestións, que a poboación se identifique co territorio dun xeito espontáneo. Á súa vez, tamén necesitan que se relacione unha idea máis ou menos abstracta, como nación ou Estado, cunha imaxe gráfica.
Máis que ningunha outra imaxe, o mapa facilita dita identificación de xeito doado e rápido. Os mapas contribúen a fixar a ideoloxía nacionalista, posto que realizan tres funcións básicas: resolven o problema da percepción dos límites do territorio nacional, axudan a visualizar a globalidade do territorio e, por último, adquiren un valor emblemático. Do mesmo xeito que os nacionalismos de estado, os nacionalismos subestatais tamén utilizaron o mapa como transmisor de ideoloxía nacionalista.
O réxime franquista, do mesmo xeito que xa fixeran outros estados, empregou o mapa como elemento propagandístico. Os sublevados puxeron fin á II República e ao seu modelo territorial de Estado. Derogáronse os estatutos rexionais aprobados para Cataluña e o País Vasco, abortáronse os procesos autonómicos abertos noutros lugares do estado, como Galicia que xa fora plebiscitado, e o Estado recuperou unha estrutura fortemente centralizada sen outra división territorial intermedia ca provincial. O franquismo impulsou un forte nacionalismo español, unitarista e excluínte, que reprimiu todo aquilo que se asemellase ao rexionalismo ou a un nacionalismo subestatal, así coma todas aquelas linguas que non fosen o castelán e os principais símbolos das identidades rexionais.
No terreo da educación, permitíronselle certas competencias á Igrexa, eliminándose o bilingüismo, o laicismo e a coeducación; trasladándose ás aulas un ideario pedagóxico baseado no nacionalcatolicismo, asentado nun forte patriotismo españolista e na defensa dun dogma e moral católicos considerados “consubstanciais ao ser nacional”. Con todo, cabe sinalar que o catolicismo que se aliaba con aquel nacionalismo era, na súa esencia, anti-estatal e sentía gran pensar polo control do Estado sobre a educación.
O Réxime deu moita importancia á Historia e á Xeografía, de xeito que as formas de utilización do mapa foron variadas. Este, xunto co crucifixo e os retratos de Franco e José Antonio Primo de Rivera, estaban colgados no aula de xeito constante á vista do alumnado. Comezouse nestes anos a fotografar aos alumnos individualmente sobre o transfondo do mapa nacional. Empregando argumentos xeográficos de compoñente determinista, os libros máis afíns á pedagoxía do réxime defendían a unidade nacional e política de España, á vez que minimizaban as rexións históricas. Os rexionalismos e os nacionalismos subestatais eran presentados negativamente como forzas irracionais e contrarias a unidade xeográfica natural do país. Os libros de xeografía amosaban certas reivindicacións territoriais, polo que moitos autores da época denunciaban o carácter artificial da fronteira con Xibraltar e defendían a devolución do Peñón, considerado territorio nacional arrebatado. Incluso a separación política con Portugal foi considerada antinatural. Algúns autores da época mostraban o seu desexo de reestablecer lazos políticos con Portugal e utilizaron o termo “Península Hipánica” afirmando que España forma con Portugal unha unidade xeográfica perfectamente determinada por límites naturais.
Debemos sinalar tamén que os libros de texto do período franquista contribuíron a lexitimar as posesión coloniais africanas e os ideais panhispanistas do réxime. Ante a innegable perda de protagonismo no panorama internacional, a ditadura apelou con frecuencia ao “glorioso pasado colonial”. Nos libros de xeografía dedicábase unha lección as posesións africanas, que no momento de máxima extensión incluíron o Protectorado de Marrocos, os territorios do Ifni e do Sáhara español, a Guinea insular e a Guinea continental. A descrición destas posesións ía acompañada de argumentos lexitimadores da presenza española, apelando a argumentos dispares, ben de tipo relixioso (propagación da fe cristiá), económico (progreso material) ou mesmo raciais (superioridade intelectual dos brancos). A empresa colonial africana foi presentada como unha misión histórica e incluso un sacrificio altruísta.
Por útimo, a cuestión da riqueza económica do país tamén ocupou un espazo no imaxinario xeográfico do franquismo. Os anos inmediatos á guerra estiveron marcados pola penuria e a autarquía, polo que os libros de xeografía amosaban unha visión idealizada e moi optimista dos recursos nacionais. España era presentada como unha “Europa en miniatura”, un territorio privilexiado no que había unha gran variedade natural que garantía practicamente a autosuficiencia. Dende o franquismo promoveríase tamén o mito xeográfico da centralidade mundial da Península Ibérica. Deste xeito, os libros magnificaban a excepcional posición xeopolítica de España no contexto mundial, facendo un exercicio de demagoxia en tempos marcados polo forzado illamento internacional.
Bibliografía
BENEDICT, A. (1993), Comunidades imaginadas: Reflexiones sobre el origen y la difusión del nacionalismo. México: Fondo de Cultura Económica.
GARCÍA ÁLVAREZ, J. (2013), “Los mapas”. En MORENO LUZÓN, J. y NÚÑEZ SEIXAS, X. M. (eds.), Ser españoles. Imaginarios nacionalistas en el siglo XX. Barcelona: RBA. (pp. 315-363).
GARCÍA ÁLVAREZ, J. y MARÍAS MARTÍNEZ, D. (2002), “Nacionalismo y educación geográfica en la España del siglo XX: una aproximación a través de los manuales de bachillerato”. En Xeografía, Nº11. Pp. 1-48.
HARLEY, J. B. (2005), La nueva naturaleza de los mapas. Ensayos sobre la historia de la cartografía. México: Fondo de Cultura Económica.
KAPLAN, R. D. y HERB, G. (2011), “How geography shapes National Identities”. En National Identities, Vol. 13, pp. 349-360.
NOGUÉ I FONT, J. (1998), Nacionalismo y territorio. Lleida: Milenio
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The British comedian Graham Chapman delighted in offending people. As a writer and actor with the legendary Monty Python troupe, he pushed against the boundaries of propriety and good taste. When his writing partner John Cleese proposed doing a sketch on a disgruntled man returning a defective toaster to a shop, Chapman thought: Broken toaster? Why not a dead parrot? And in one particularly outrageous sketch written by Chapman and Cleese in 1970, Chapman plays an undertaker and Cleese plays a customer who has just rung a bell at the front desk:
"What can I do for you, squire?" says Chapman.
"Um, well, I wonder if you can help me," says Cleese. "You see, my mother has just died."
"Ah, well, we can 'elp you. We deal with stiffs," says Chapman. "There are three things we can do with your mother. We can burn her, bury her, or dump her."
"Dump her?"
"Dump her in the Thames."
"What?"
"Oh, did you like her?"
"Yes!"
"Oh well, we won't dump her, then," says Chapman. "Well, what do you think? We can bury her or burn her."
"Which would you recommend?"
"Well, they're both nasty."
From there, Chapman goes on to explain in the most graphic detail the unpleasant aspects of either choice before offering another option: cannibalism. At that point (in keeping with the script) outraged members of the studio audience rush onto the stage and put a stop to the sketch.
Chapman and Cleese had been close friends since their student days at Cambridge University, and when Chapman died of cancer at the age of 48 on October 4, 1989, Cleese was at his bedside. Out of respect for Chapman's family, the members of Monty Python decided to stay away from his private funeral and avoid a media circus. Instead, they gathered for a memorial service on October 6, 1989 in the Great Hall at St. Bartholomew's Hospital in London. When Cleese delivered his eulogy for Chapman, he recalled his friend's irreverence: "Anything for him, but mindless good taste." So Cleese did his best to make his old friend proud. His off-color but heartfelt eulogy that evening has become a part of Monty Python lore, and you can watch it above. To see a longer clip, with moving words from Michael Palin and a sing-along of "Always Look on the Bright Side of Life" led by Eric Idle, watch below:
Note: An earlier version of this post appeared on our site in February 2013.
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Deval Patrick's entry into the 2020 presidential race, officially announced Thursday, raises many questions, most notably: Who is Deval Patrick? The former Massachusetts governor hasn't held public office since 2015, after which he joined the notorious job-killing Wall Street firm Bain Capital, and while he's close to Barack Obama it's probably safe to say a good deal of Democratic voters don't know who he is. On top of his low name recognition, his late entry means that he's already missed candidate filing deadlines in Alaska and Alabama. And yet, he's not even the only all-but-hopeless candidate to jump into the already packed Democratic field since late last week, when the widely disliked sexist billionaire Michael Bloomberg filed as a candidate in Alabama.
The polite way to explain these longshot bids is that Democratic elites are worried about the electability of the established candidates. "The concern is that Biden doesn’t have the steam to get there, Warren may be too left, Buttigieg too young, and Bernie limited in his ability to grow," is how former adviser David Axelrod put it in an interview with the Wall Street Journal. The more accurate description of what's happening is the rich people who normally decide things in politics are freaking out because they can't completely dominate the process anymore. In response, they're setting huge amounts of money on fire.
A cursory glance at the polls show that Democratic voters are pretty happy about their options, with an October Gallup survey finding near-record satisfaction with the primary field among Democrats. That's not surprising. Bernie Sanders represents the most viable truly left-wing candidate in decades; Elizabeth Warren provides a slightly more moderate, wonkish contrast to Sanders; if Warren and Sanders both seem extreme voters can turn to beloved former Vice President Joe Biden; if Biden seems too old, why not Pete Buttigieg? With just three months before the Iowa caucuses and now 18 official candidates, many Democrats actually want fewer options, and it's hard to blame them.
It's probably much too early to start looking at head-to-head polls predicting how well any of these candidates would do against Donald Trump, but there's not much reason for Democrats to panic. A recent viral New York Times survey found only Biden having a solid lead over Trump in select battleground states, but other polls have painted a more rosy national picture, and Trump's unpopularity might mean that even a red state like Georgia might be in play.
Nevertheless, there seems to be a constituency of Acela-riding consultants, big-money donors, and political insiders convinced that not only are the voters' preferred candidates unelectable, but that what America hungers for is an unknown or actively despised candidate propped up by the 1 percent. The latest entrants to the race can fairly be described as anti-populist: Bloomberg is self-funding his campaign, and Patrick's PAC has largely been financed by huge donations from private equity giants, pharma execs, and a real estate firm.
Throwing hundreds of thousands or millions of dollars at these funeral barges of campaigns is almost certainly a waste of money, but it speaks to how concerned wealthy Democrats are about the 2020 contest—and their likely concern is not that a Democrat will lose to Trump, but that they've lost control of what type of Democrat will get nominated. Despite their alleged unelectability, Warren and Sanders have had no trouble raising money, much of it from small donors, whereas Biden has had to resort to establishing a Super PAC so his biggest donors could give even more to him.
There's already some speculation that Patrick's candidacy is an attempt to sabotage the campaign of fellow Massachusetts resident Warren. A simpler explanation is that the establishment, frustrated that buying influence in the Democratic Party isn't as easy as it used to be, is grasping for any way to restore the pre-2016 quo. How desperate are these people? They're supposedly encouraging Hillary Clinton to run again.
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The hippie aesthetic owes a lot to Art Nouveau.
When you picture hippies, you probably think of bell bottoms, long hair, and LSD. You might also think of a very specific graphic design and illustration style, seen on concert posters and album covers: curly, cloudy, barely legible lettering; trippy color combinations; and decorative meandering borders.
This style was first conceived in San Francisco by a handful of designers in the late 1960s. Their job? Make posters for bands like The Byrds, the Grateful Dead, Janis Joplin, Steve Miller Band, Jimi Hendrix — all of whom were just getting their start, competing for nightly stage time at venues like the Fillmore and the Avalon.
But these designers didn’t invent that now-iconic style. In fact, they were heavily influenced by an art movement that started in the late 1800s called Art Nouveau.
Watch the video above to learn more about this game-changing painting. You can find this video and all of Vox’s videos on YouTube. And if you’re interested in supporting our video journalism, you can become a member of the Vox Video Lab on YouTube.
¡Por Tutatis! El galo más universal cumple 60 años y lo celebramos repasando la historia de Astérix y del resto de los personajes de la aldea irreductible, la trayectoria de sus creadores Goscinny y Uderzo y analizamos todos sus álbumes. ¡Están locos estos kryptonianos!
En 1959 aparecía por primera vez el personaje de cómic europeo más popular del mundo. Goscinny y Uderzo acertaron con Astérix al crear una obra que desde el humor combinaba historia, aventura y lecturas político-sociales.
Aunque Uderzo y sobre todo Goscinny ya no se encuentran al cargo de las nuevas aventuras de los galos, su último álbum La hija de Vercingetorix ya es uno de los cómics más vendidos del año. Quizás los mejores años quedaron atrás pero nosotros repasamos todos sus álbumes con Pablo Vicente.
En nuestra sección de recomendaciones, ya fuera de los tebeos de Astérix, la novela gráfica juvenil El beso número 8 o la historia de un escolta en la Navarra de ETA, Salto.
También son estupendas lecturas el Telémaco de Kenny Ruiz y la etapa de DeMatteis y Sal Buscema en Spiderman: El niño que llevas dentro.
Disfrutad del programa y, ya sabéis, no dejéis de compartirlo lejos de Armórica.
España, Valencia, Catarroja, años ochenta. Un niño pasea en bici por su pueblo, se cruza con el adolescente chungo del barrio y cambia de dirección para evitarle. El malote le sigue y le reprende por esquivarle. El niño era el periodista Joan Manuel Oleaque. El chungo del barrio: el Asuquiqui (mote barrial de... Antonio Anglés). Quedan unos cuantos años para el asesinato de las niñas de Alcàsser (1992/1993), pero ese día —sin que Oleaque fuera consciente— empezó a gestarse en su cabeza uno de los ensayos más desasosegantes escritos los últimos años en España.
Joan Manuel Oleaque cubrió los crímenes de Alcàsser como periodista, y en 2002 publicó un libro sobre el caso —'Desde las tinieblas. Un descenso al caso Alcàsser'—que lleva años descatalogado, se vende a 300 euros de segunda mano y que ha vivido un 'revival underground' al calor de la serie de Netflix sobre Alcàsser... y de la resurrección de las teorías de la conspiración sobre el crimen (sí, la serie critica la conspiración, pero da la suficiente cuerda a los conspiratorios como para que una nueva generación se haya enterado de las ramificaciones paranoicas sobre Alcàsser, cuyos presuntos agujeros parecen hechos para la era digital).
Oleaque pensaba entonces que su libro podría ser el tiro de gracia a las teorías de la conspiración. Se equivocó, sí, pero no por presunción: nadie que lea ‘Desde las tinieblas’ puede seguir pensando en serio cosas como que Anglés y Ricart no fueron los asesinos de las niñas de Alcàsser sino los cabezas de turco de un red de altos cargos degenerados; o que una mano negra del Estado maniobró para que no se conociera la verdad sobre el caso.
En realidad, el mayor impacto (emocional) del libro no es que uno no vuelva a tomarse en serio los ‘enigmas’ de Alcàsser, sino que los días siguientes a la lectura no puedes dormir tranquilo: ‘Desde las tinieblas’ es un relato de terror que deja mal cuerpo para una temporada. Pero no un terror de laboratorio a lo ‘American Psycho’ sino algo mucho más real: horror cotidiano en el inframundo barrial de la España del 92.
El libro es tan salvaje que su meticulosa descripción de lo ocurrido durante el secuestro de las niñas de Alcàsser no es el momento más crudo del texto. Porque el meollo aquí —ignorado por los conspiratorios que piensan que Anglés fue un chivo expiatorio del Estado— es la vida de Anglés previa al triple asesinato de Alcàsser.
Oleaque se sumergió en el lodazal de su pueblo para construir una descarnada biografía de Anglés basada en los testimonios de familiares, amigos y compinches. Del macarrilla de barrio al delincuente juvenil, de la venta de drogas al asalto de bancos, y de ahí a la violencia extrema, todo ello en un contexto de marginación que uno asocia más a la España de la posguerra que a la de los noventa.
“El Asuquiqui había ido oscureciendo su temperamento hasta convertirse en un tipo extremadamente iracundo. Estallaba a la mínima y utilizaba una violencia salvaje para resolver cualquier situación. Trataba todo el día con toxicómanos que despreciaba y pensaba que lo envidiaban. Y el Chino [socio de Anglés en el tráfico de drogas] consumía una cantidad de cocaína tan exorbitante que Antonio tenía que estar pendiente de todo, como un halcón que todo el mundo quería cazar. Estimaba que para hacerse respetar, la mano dura era la solución. ‘Se hacía mayor y se le cruzaban más los cables”, cuenta el libro.
Un cuesta abajo y sin frenos —de la marginación a la ultraviolencia: violencia contra la competencia, contra sus clientes yonquis, contra sus parejas, contra su madre— que acabó reventando en el delito que le llevó a la cárcel antes de Alcàsser: un espeluznante caso de secuestro y violencia extrema contra una exnovia a la que encadenó varios días en su casa familiar, convertida en túnel del terror de la España noventera, con varios testigos de la fechoría, entre ellos, Ricart. Anglés había entrado en un estado de monstruosidad e impunidad mental que iba a ir a más...
Conclusión de Oleaque: "Ni Juan Ignacio Blanco ni Fernando García [ideólogos de la conspiración] ni los periodistas ni el público sabían la verdadera crueldad de la tortura a la cual Antonio sometió a su examante Nuria. Una tortura que, en muchos puntos, anticipaba la posterior explosión del crimen de Alcàsser: el triple asesinato parecía, de hecho, una progresión con final —con muerte— de la explosión que Antonio había iniciado con Nuria. Ni Blanco ni Fernando ni los periodistas ni el público sabían tampoco lo que Neusa [madre de Anglés] cuenta: que Ricart, con Antonio, estuvo a punto de tirar a Nuria a un pozo. Y no sabían que Ricart podía haber hablado del crimen de Alcàsser a algunos colegas en términos parecidos a como lo haría en sus primeras declaraciones autoinculpatorias [de las que se desdijo antes del juicio alegando haber sido torturado durante el interrogatorio]".
Anglés sería condenado a prisión por estos hechos, pero desapareció durante un permiso y nadie se tomó la molestia de buscarle en serio (esto sí que es una negligencia estatal y no los disparates sobre 'snuff movies' que no existen). Durante su fuga, cometió el triple asesinato de Alcàsser.
El circo
Sí, es difícil trabajar con este tipo de material sin caer en un sensacionalismo atroz, pero Oleaque sale airoso por varios motivos: escritura tensa, obsesiva y sin contemplaciones. Ritmo torrencial. Conocimiento del terreno (y de la época). Fuentes. Idea clara de lo que quiere contar (y desmentir). Reporterismo, antropología y punk. Uno de los libros olvidados más importantes del periodismo español.
En esa época, según Oleaque, llegó a circular el rumor de que una televisión iba a publicar una foto de Antonio Anglés con Felipe González. O la supuesta imagen que cerraría el gran círculo de la conspiración: todos los poderes del Estado al servicio del engaño. Pero lo único que demostraba esa foto inexistente era el grado de delirio alcanzado por la teoría de la conspiración, analizado en la segunda parte del libro.
"Por primera vez desde la transición democrática, un suceso ha reflejado los miedos, las pasiones oscuras y los errores de una sociedad"
El debate abierto en torno al sensacionalismo mediático de Alcàsser fue “esteril” y se cerró en falso, según Oleaque, al reducirse a la clásica rasgada hipócrita de vestiduras y a la búsqueda de chivos expiatorios. “Considerando a Nieves Herrero culpable de todo, y evitando repetir su tipo de excesos, los medios se consideraron exculpados para continuar mostrando el dolo de manera obscena, comercial… Progresivamente, un montón de programas informativos que tenían los sucesos como eje central fueron apareciendo en las televisiones públicas y privadas. El suceso se impuso a los telediarios, a las revistas, a muchos diarios, incluso a los mejores diarios. Los medios pensaban que el suceso interesaba solo a unos cuantos morbosos. Alcàsser les hizo ver que podía interesar a muchísimos morbosos. El suceso, mayoritariamente tratado, como una lluvia de sangre y mierda sobre el público. A partir de entonces, el suceso abriría telediarios y figuraría con honor en las primeras páginas sin ningún tipo de titubeos”.
"Las teorías sobre la supuesta actuación en el crimen de una red de degenerados muy poderosos sobreviven en el inconsciente colectivo e internet"
Más madera: “Las fantásticas teorías sobre la supuesta actuación en el crimen de una red de degenerados muy poderosos sobreviven en el inconsciente colectivo e inundan internet. Mucho del periodismo de hoy, sobre todo el de televisión, es hijo bastardo de Alcàsser, de un iridiscencia negra y ruidosa. Cualquier noticia relacionada con Anglés continúa ocupando titulares. Por primera vez desde la transición democrática, un suceso ha reflejado los miedos, las pasiones oscuras y los errores de una sociedad”
Lo escribió Oleaque… en 2002.
Y su traca final: "Representantes del estamento judicial —¡y de la prensa!— han hecho duras referencias al caso, pero siempre referencias epidérmicas que no entraban a fondo en sus entrañas, como si diera miedo y vergüenza tan solo recordarlo. Pasar página, hacer como si no pudiera volver a pasar, y perseguir a Fernando y a Blanco, los más culpables: esta ha sido casi la única reacción. Así, la Justicia, las fuerzas de seguridad y la prensa se han podido sentir paladines del bien que andan sin mirar atrás, sin reconocer el propio fracaso en un caso en que, en un tramo u otro del camino, todos fracasaron, y todos contribuyeron a que pudiera darse el delirio" de la conspiración.
Martin Scorsese llevaba mas de diez años intentado hacer ‘El irlandés’, pero las particularidades del proyecto requerían una inversión económica tan grande que ningún estudio estaba dispuesta a financiarla. Poco importaba que fuera el regreso al cine de mafiosos del autor de joyas como ‘Uno de los nuestros’ o ‘Casino’ o que en su reparto fuesen a participar Robert De Niro, Al Pacino y Joe Pesci. Nadie confiaba lo suficiente en ella hasta que Netflix entró en escena.
Netflix ha arrastrado durante años la fama de que sus películas son poco más que relleno para la plataforma de streaming. Es cierto que eso empezó a cambiar con ‘Roma’ y que su apuesta por el séptimo arte es cada vez más decidida, pero la compañía necesitaba una cinta como ‘El irlandés’ para conseguir dejar eso atrás de forma definitiva. La buena noticia es que no estamos ante un capricho de lujo, sino ante una sensacional película que justifica con creces sus más de tres horas de duración.
‘El irlandés’ abarca muchos años de la vida de Frank Sheeran, su protagonista, empezando por el momento en el que empezó a actuar al margen de la ley y recogiendo toda su evolución, desde los años de gloria hasta cuando ya es mayor y apenas puede valerse por sí mismo. Scorsese amolda a la perfección el tono que dota a la película en función de la situación en la que se encuentre, optando por un ritmo vibrante y elegante durante la primera hora.
Ahí es cuando la continuidad formal con ‘Uno de los nuestros’ o ‘Casino’ resulta más notoria. A fin de cuentas, nos está hablando del crecimiento de Sheeran dentro de una organización criminal y cómo ésta se maneja para ir ejerciendo una gran influencia en la sociedad norteamericana de la época. Todo ello aliñado con esas explosiones de violencia que tan bien se le da ejecutar a Scorsese y con algún puntito de humor como las pequeñas pausas que se hacen para aclarar rápidamente cómo acabó la vida de algunos personajes secundarios.
Esa fase de la película también es en la que se percibe más la magia de la tecnología para rejuvenecer digitalmente a sus protagonistas, una estrategia de la que no soy especialmente fan, pero que en esta ocasión resulta indispensable para que los actores ofrezcan un dibujo completo de sus personajes. Obviamente es algo que llama la atención de entrada, pero su verosimilitud está fuera de toda duda -sobre todo en el caso de Pesci- y la única pega que uno le puede poner es que llegó a ver como eran los intérpretes en ese momento de sus vidas y aunque se parece muchísimo, no es exactamente lo mismo.
Además, la energía que desprende la película durante esos minutos resulta clave para atrapar al espectador con lo que a su manera podría parecer una apuesta sobre seguro de Scorsese, pero es que llega un punto en el ‘El irlandés’ cambia para centrarse mucho mas en las conversaciones entre los personajes. Ahí es donde las semillas que se han ido plantando antes resultan esenciales para entender mejor la conexión que hay entre ellos y cómo van manejándose en función de las dificultades a las que han de hacer frente.
La relación entre Sheeran (De Niro) y Hoffa (Pacino) resulta esencial durante esos minutos, con el primero siendo ya un amigo fiel del segundo en el que puede confiar plenamente, pero la obsesión de este último por recuperar el control del sindicato lleva a mostrarnos una faceta del cine de mafiosos que nunca había tenido tanta importancia en el cine de Scorsese: la necesidad de negociar, adaptarse y no poder hacer lo que te venga en gana para salirte con la tuya.
Incluso la música pierde presencia durante esa parte de ‘El irlandés’ para apostar por un enfoque más íntimo en el que importa tanto lo que dicen los personajes como la forma de hacerlo. No tengo más que buenas palabras para lo que hacen De Niro y Pacino en ‘El irlandés’ -hacía años que no estaban tan inspirados, el primero con un personaje más sosegado y hacia dentro y el segundo mucho más visceral-, pero es la inesperada tranquilidad que exhibe Pesci la que me desarma por completa. Seguro que no era el único que esperaba una de esas explosiones violentas que exhibió en otras colaboraciones con Scorsese, pero aquí tiene un rol más de intermediario al que todos respetan y ha de transmitir muchísimo con una mirada o una frase en la que decirlo todo sin hacerlo de forma directa.
En ese tramo de ‘El irlandés’ también es vital el trabajo en el guion de Steven Zaillian para adaptar el libro de Charles Brandt. Y es que no puede incluir diálogos tan depurados que a uno le costaría creer que salieran de la boca de personajes así, pero tampoco puede darnos cualquier cosa. El equilibrio entre lo fascinante y lo mundano está ahí, sabiendo además integrar de maravilla el uso de la voz en off de Scorsese, ni subrayando en exceso ni siendo una mera anécdota. Todo encaja.
Pero es que Scorsese nos tiene reservado un tramo final más amargo y melancólico que parece cerrar tanto la historia de los personajes como su propia relación con el cine de mafiosos. En ‘El irlandés’ se exprime tan a fondo las posibilidades de este tipo de relato que queda la sensación de que simplemente no hay nada más que contar. Conocemos a los personajes y sus formas de actuar, los particulares lazos que surgen entre ello, cómo afecta su actividad a la sociedad y su papel dentro de la misma a lo largo de los años, pero ademas se llega al final de su historia de una forma clara, incidiendo con maestría en su lado más emocional pero sin pasarse en lo referente a la carga emotiva.
Si a eso le unimos un espléndido reparto en el que todos los actores encajan como un guante en sus personajes, tanto los protagonistas como aquellos que tienen una presencia menor -Anna Paquin- o mayor -Stephen Graham-, lo que nos queda no es ya una de las mejores películas de lo que llevamos de año, sino de la toda esta década y sin nada que envidiar a los trabajos más aclamados de su director.
‘El irlandés’ da todo lo que prometía e incluso mas en la que fácilmente puede decirse que es la película definitiva de mafiosos de Scorsese. No sé si será la mejor -aunque desde luego lejos no anda- porque hay auténticas maravillas en su filmografía, pero me cuesta creer que vaya a sentir la necesidad de contar otra de estas historias en el futuro. Con un guion a la altura y un reparo impecable, estamos ante una película imprescindible, así de sencillo.
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La noticia
'El irlandés': Martin Scorsese ha firmado su película de mafiosos definitiva para Netflix
fue publicada originalmente en
Espinof
por
Mikel Zorrilla
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De 460 votos de diferencia en abril pasó el domingo a más de 900 sobre el PSOE, al que no le bastó una hegemonía en los barrios con márgenes mucho más ajustados
Chega umha nova ediçom do magusto picheleiro!
Este ano contaremos com um obradoiro de decoraçom com cabaças, em colaboraçom com a escola Semente, e outro de elaboraçom de doces de outono.
Contaremos também com as atuaçons do duo Caamaño-Ameixeiras e de Som da Gentalha, o grupo de música tradicional do Pichel.
Haverá castanhas, e algumha cousa mais para petiscar!
Eis o programa:
- 17h00 Obradoiro de cabaças com Semente Compostela.
- 19h00 Obradoiro de sobremesas de outono (inscriçons em cursos@gentalha.org até o 13/11 ás 00h00)
- A partir das 21h00 ceia e magusto.
- 22h00 Caamaño-Ameixeiras.
- 23h00 Som da Gentalha. Grupo instrumental do Pichel.
- Ao acabar… Foliada aberta!
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| (Uns tacos de camarón en Ciudad de México) |
Es muy difícil para una mujer trabajar en una gran editorial en Japón, especialmente si están destinadas al público masculino. Muchas autoras esconden su verdadera identidad bajo seudónimos, pero ahora también se ha puesto sobre la mesa la misma problemática en el caso de las editoras. Hace unos días, un usuario de Twitter generó debate a través de las redes sociales al revelar que miembros de la editorial japonesa Shueisha ofrecieron una charla en su universidad y a la pregunta de si una mujer podía convertirse en editora de la popular revista Weekly Shônen Jump, el responsable de recursos humanos de la editorial respondió que «hay que entender el corazón de los chicos«.
La polémica llegó a tal punto que el medio Huffington Post Japan contactó con los responsables de la editorial japonesa, quienes confirmaron que esa es precisamente la postura de la compañía a la hora de contratar a nuevos editores. A ello se añadió que, aunque no existan precedentes de editoras en la Shônen Jump: «Hay mujeres en Shônen Jump +, y publicaciones como Young Jump han tenido editoras en el pasado. Las revistas de moda para mujeres necesitan personas que entiendan la moda de las mujeres independientemente del género, por lo que para un manga shônen es importante entender los corazones de los chicos».
Sin embargo, esta respuesta no hace más que avivar la llama por redes sociales. En una serie de tweets, ahora eliminados, la mangaka Kaori Ishikawa, que dibuja ROCKING YOU !!! para Shônen Jump +, escribió lo siguiente: «No se trata de las mujeres deberían trabajar más para ser contratadas. Es una cuestión de personas que no entran en el equipo editorial de la Jump por ser mujeres, y no entiendo ese razonamiento». No obstante, en el único tweet de ese hilo que no ha borrado se lee lo siguiente: «Es doloroso que nos digan que es mentira, pero espero que algún día podamos hablar de esto con normalidad. Voy a seguir dibujando manga, así que por favor leedlo».
嘘だと言われるのは辛いですが、いつか普通に話せる日が来ればいいと思います。これからも漫画描くので良ければ読んでやってください
— 石川香織■11/24COMITIA130西1ホールC19a (@confure) November 5, 2019
Anime News Network, por su parte, contactó con Shueisha para obtener más información. Cuando se le preguntó por qué la Weekly Shonen Jump es diferente de las revistas shôjo, cuyos editores normalmente son hombres a pesar de estar destinado ese género a chicas jóvenes, un portavoz de la editorial afirmó que comprenden la preocupación que esta situación ha generado, pero que no se van a hacer más comentarios de los que ya había dicho el equipo de recursos humanos previamente.
Este asunto lleva coleando desde hace años en la industria editorial. Precisamente, en el manga Cómo se hace la Jump de Takeshi Sakurai, publicado en Shônen Jump + en 2014 y que está editado en España por Norma Editorial, el editor jefe adjunto de la Shônen Jump en aquel entonces, Sōichi Aida, afirmó que no había editoras trabajando en la revista. Explicó que «el objetivo principal de la Jump son los chicos que están en la escuela secundaria», por lo que, cuando se le preguntó si contrataría editoras si fuera el editor jefe, su respuesta fue: «¡No, haría que el departamento fuera aún más varonil!»
Asimismo, los propios editores de la Shônen Jump se han referido a la ausencia de mujeres con anterioridad. En una entrevista por radio transmitida en octubre de 2018 para celebrar el 50 aniversario de la revista, el actual editor jefe adjunto Kōhei Ōnishi declaró con franqueza que el magazine nunca ha tenido una sola editora en toda su historia y describió el lugar de trabajo como una «escuela secundaria solo para niños».
Correction it was the deputy in chief of Jump that made these comments about there never being a female editor in the 50 year history of Jump pic.twitter.com/8Yqw24mjQ7
— YonkouProductions (@YonkouProd) November 6, 2019
A través de las redes sociales, muchas personas han defendido que las mujeres también pueden entender «el corazón de los chicos». Para ello, se han publicado mensajes en los que se resalta la tarea de muchas mangakas, entre las que se encuentra la autora de Fullmetal Alchemist, Hiromu Arakawa (quien siempre ha usado la versión masculina de su nombre, Hiromi).
Es más, durante el 25 Manga Barcelona, la mangaka Tsubasa Yamaguchi, autora de Blue Period, respondió durante su masterclass a una pregunta sobre si había recibido discriminación en el sector por ser mujer. Su respuesta fue muy contundente: precisamente por ese motivo se esconde detrás de su máscara, y aprovechó la ocasión para reivindicar ante los presentes que hay muchas autoras que trabajan dibujando manga shônen, pero que se esconden tras una falsa identidad.
Reivindica que, sobre todo, esto sucede en el género shônen, donde asegura que hay muchísimas autoras, que no autores
— Ramen Para Dos #25MangaBCN (@RamenParaDos) November 1, 2019
Fuente: ANN
A US military armored vehicle drives in a patrol past an oil well in Rumaylan in Syria’s northeastern Hasakeh province on November 6, 2019. | Delil Souleiman/AFP/Getty Images
“The revenue from this is not going to the US. This is going to the SDF,” the top Pentagon spokesperson said.
What exactly the US military’s new mission is in Syria keeps changing depending on whom you ask.
Following President Donald Trump’s abrupt announcement early last month that nearly all US troops would be withdrawing from northeastern Syria — effectively abandoning America’s Kurdish allies in the region — he reversed course, announcing that US troops would be staying in Syria after all. Only now, their mission was to secure oil fields in other parts of the country.
And Trump was clear about who that oil would belong to: “We’re keeping the oil — remember that,” he told a gathering of Chicago police officers in late October. “I’ve always said that: ‘Keep the oil.’ We want to keep the oil. Forty-five million dollars a month? Keep the oil.”
Unfortunately for Trump, it seems the US military isn’t so keen on that idea — perhaps because stealing Syria’s oil could constitute a war crime. On Thursday, the Pentagon’s top spokesperson told reporters in no uncertain terms that the US would not be keeping any of the revenue from those oil fields.
“The revenue from this is not going to the US. This is going to the SDF,” Pentagon spokesperson Jonathan Hoffman said, using an acronym for the Kurdish-led, US-allied Syrian Democratic Forces.
I checked with others in the government to ensure that was actually the policy. Turns out that it is. “The SDF is the sole beneficiary of the sale of the oil from the facilities they control,” a senior administration official told me.
This is all incredibly confusing, for several reasons.
First, Trump has repeatedly said he wants to get out of wars in the Middle East. Last month, he vowed to withdraw all 1,000 troops from Syria, saying that the situation there wasn’t America’s problem anymore. “Let someone else fight over this long-bloodstained sand,” the president said during a White House speech on October 23.
Yet just a few days later, Trump changed his mind, apparently deciding that fighting in the Middle East is worth it as long as you get some sweet oil revenue out of the deal.
And now, it seems the US isn’t actually getting any oil revenue out of the deal after all — which means Trump’s main reason for deciding to keep troops in the US once again makes no sense whatsoever.
Simply amazing.
Trump expanded the US military’s mission in Syria on Wednesday, authorizing hundreds of troops to operate in a roughly 90-mile area in eastern Syria. Hoffman, the top Pentagon spokesperson, told reporters Thursday that the president’s authority to send troops on such a mission derives from his responsibility to protect Americans from terrorists.
Starving ISIS of oil revenue — which has become the administration’s “official” justification for the mission — does just that, he said.
But this complicates matters for US forces. What if Syrian or Russian forces try to take the oil by force? What about Turkey, a NATO ally, which has moved further into northern Syria after Trump’s withdrawal order last month?
Trump seems to be fine with US troops fighting off those who want to control the dilapidated oil rigs. “We may have to fight for the oil. It’s okay,” he said during an October 28 press conference after announcing the death of ISIS leader Abu Bakr al-Baghdadi. “Maybe somebody else wants the oil, in which case they have a hell of a fight.”
As as American forces are concerned, then, they are allowed to shoot at someone, but it’s unclear who. Lawyers reportedly are still working all that out.
That the Trump administration’s policymaking process is so haphazard is one thing. That it’s so chaotic on a matter of war, peace, and high-stakes global politics is entirely another.
For more, listen to the Worldly podcast’s episode on Trump’s new oil-based Syria policy.
The 2010s were the decade where it felt like time sped up. As we reach a major mile marker during one of the most confounding periods in cultural and political history, we’re looking back at the artists, albums, and trends that best marked the changes over the past 10 years. Click here to read up on all of our end-of-decade ruminations.
When I was about six years old, my sister burned me my first mix CD. I remember giving her a list of everything I wanted on it, though nearly two decades later, I can't remember what any of those songs were (other than "Follow Me" by Uncle Kracker). She charged me $18, which was about all the money I had. It seemed like a fair price at the time: a dollar per song. It was 2001. I didn't know that the disc she used probably cost her about 50 cents, or that the songs she burned onto it were probably ripped off of Napster for free; that I could do it all myself, if I just asked Jeeves about it on the family computer in our living room.
But none of that mattered. I didn't care about the music; I don't think I even knew 18 songs at that age. I just cared about the thing itself, the mix. It was a term I had heard her and my older brother throw around casually but that, to me, was imbued with a kind of magic. In my mind, a mix CD was something almost otherworldly, something teenaged and edgy and just impossibly cool. It sounds ridiculous now, but the moment I finally got one—the moment she came into my bedroom and handed me a shiny silver disc with the words "DREW'S MIX" scrawled on its face in black Sharpie—was one of the most thrilling moments of my life.
Eighteen years later, mix CDs have been innovated out of existence, reduced to something we might wax nostalgic about at a party, but would never seriously consider making. Most of the ones we still have are too scratched up to play; even if they aren't, it's rare to own the outdated technology it would take to listen to them. This is the decade that mix CDs died—and with them, a little part of us died, too.
As I got older, the thrill of receiving a mix CD was supplanted by the thrill of making one. I burned them for everyone I had a crush on in middle school, painstakingly adding and removing and re-adding songs to the tracklists, changing up the order (and changing it, and changing it, and changing it again) until I was satisfied that it said "I like you" just the way I wanted it to. Then I'd sit in front of my computer, slide in a blank disc, and listen to the low whirr of the machine as it did its mysterious work, being careful not to so much as nudge it, for fear of something going horribly wrong. Once the CD finally popped out, I'd write a girl's name on the top of it in big, arcing letters, my hand shaking, knowing that if I screwed up, I'd have to start the whole 20-something minute process all over again. Then came the hardest part: mustering up the nerve to actually give it to someone.
I must have made dozens of mix CDs over the years, if not hundreds. I burned them for my friends. I burned them for my cousins. I stayed up all night with my brother one Christmas Eve burning a half dozen of them for my dad, so he'd have something new to play on the six-CD changer in his car. A mix CD helped me win over my first serious girlfriend in high school; I burned more of them for her than anyone. I can chart our relationship by those mixes, by the way the songs moved from lovestruck anthems at the outset—"Adorable One" by Lee Moses, "The Man in Me" by Bob Dylan—to ballads about heartbreak as things began to fall apart: "Blues Run the Game" by Jackson C. Frank, "Hard to Find" by The National.
I made my last mix CD in 2014; it, too, was for her. I still have trouble listening to those 21 songs, songs I used to try to explain why I had to leave our hometown, to tell her that I missed her, to show her that I still loved her, all of them sequenced just so, chosen with more care and attention than I had given to any of my schoolwork that semester. I burned them onto a disc, mailed it to her house in Atlanta, and never made another mix CD again.
Neither did pretty much anyone else.
At that point, the medium was already obsolete—I'd created the playlist on Spotify, then bought all the songs on iTunes so I could burn them to a disc. When they were invented, blank discs were touted as a next-gen solution to unreliable, labor-intensive blank tapes—a groundbreaking advancement in the way we could transfer music from one person to the next. In 2008, the same year Spotify launched, blank CDs netted $1.19 billion in sales globally, according to the Santa Clara Consulting Group, a company that studies the data storage industry. But by 2013, the year that Spotify came to mobile, sales had plummeted to $368 million. There aren't sales statistics available for 2019—tellingly, the company that used to track them no longer seems to exist—but these days, you can't even buy a blank CD at your local record store. Apple stopped selling laptops equipped with disc drives in 2016. Now, just like the mixtape before it, the mix CD has become a relic of the past.
So much has changed about the way we consume and share music over the last decade, but perhaps nothing has affected us so personally as the death of the mix CD. Sure, you can put together a playlist on Spotify or Apple Music and send the link to someone, but it's not the same as giving them a physical disc—an object loaded with meaning in and of itself. You only had so much room to convey what you wanted to say; most blank discs maxed out at about 20 songs, and you had to make each one count. You had to sequence the tracks perfectly; once you'd burned the disc, you couldn't go back into some app and reorder it. Perhaps most importantly, you can't slip a Spotify playlist into someone's mailbox at midnight; you can't stick it through a slot in their locker between classes; you can't draw on its cover, or fold a note inside its case, or spend half an hour writing every song it contains on its face in a thin, delicate spiral. You don't have to muster up the nerve to put it into someone's hands, look them in the eye, and tell them you hope they like it.
Mix CDs were such a potent token of how much you cared about someone—a physical testament to the time you'd taken to decide what songs you wanted them to hear—that it can be jarring to stumble across one now. Even just looking at an old mix CD can whoosh you back to the time in your life when you received it; to the person you were; to the way you used to think and feel. At a time when we have an infinite number of songs at our fingertips, able to be called up and played in an instant, a mix CD can remind you how small the world seemed back then. It can make you see, with fresh eyes, how dizzyingly big it seems today.
A few weeks ago, I reached out to my old high school girlfriend and asked her what she did with all those mixes I made for her. She told me her dad had found them while he was cleaning out her car before he sold it. He'd stuffed the CDs into a grocery bag, which she tucked into a drawer in her childhood bedroom. She still has them, she told me; she just doesn't have a way to play them.
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Llega el primer enlace turístico operado por Korean Air entre Seúl y Compostela
Alberto Bárcena, el historiador español especializado en masonería, ha comparecido en un programa de RadioYa. El autor del exitoso libro Los presos del Valle de los Caídos ha asegurado disponer de una información en la que se asegura que, durante la exhumación de Franco, se practicó un ritual masónico, concretamente, el ritual noveno del rito antiguo escocés.
Según Bárcena, esta práctica responde a la necesidad de venganza sobre la figura de Franco por considerarlo asesino de Hiram Abif. En el Antiguo Testamento —libro de los Reyes—, Hiram Abif es un orfebre que el rey de Tiro envía a Salomón para que construya las columnas del templo (Jakin y Boaz) que están cargadas de simbología para la masonería. No obstante, en su particular interpretación, los masones aseguran que Hiram Abif fue en realidad el arquitecto del templo de Salomón, al que “mataron por envidia, porque le querían quitar todo el conocimiento oculto que ellos (los masones) siguen transmitiendo”. En consecuencia, Franco, para la masonería, no es sino el asesino de “ese conocimiento oculto que ellos transmiten porque son gnósticos”. Ese “saber absoluto” que “se les ha transmitido desde Caín”.
El ritual noveno requiere de nueve participantes. O, para ser más exactos, de ocho más uno, puesto que el noveno se incorpora una vez iniciado el rito. De los tres primeros, que son los más importantes, el número uno representa a Salomón, que viene a vengar la muerte de su arquitecto; el número dos es el inspector; y el número tres representa al jefe de los nueve elegidos para buscar al asesino de Hiram. Bárcena desveló quiénes fueron los participantes y de qué manera procedieron:
Afirma el historiador que las tres máximas autoridades se situaron separadas en la explanada cerca del helicóptero, y que, en el momento clave, no estuvieron juntas. Se aplicó el ritual grado noveno, que consiste en que los elegidos, para significarse, dan “nueve golpes, uno de ellos por separado (el que llega el último)”. Según Bárcena, “lo pudieron hacer perfectamente en la basílica o la explanada”. Además, para realizar el rito se precisa, entre otras cosas, de una escalera de mano de doble hoja (símbolo del grado treinta), de la presencia de dos familiares y de ciertos símbolos de destrucción que rodeen el ataúd.
La entrada ¿Hubo un ritual masónico en la exhumación de Franco? se publicó primero en InfoVaticana.
M. CORRAL | Ferrol | Jueves 7 noviembre 2019 | 20:09
El verano se fue en un pestañeo -si es que existió-, y noviembre está revalidando un año más su título del peor mes del año. Cuando el otoño empieza a parecerse más al invierno y la noche te pilla de improviso, lidiar con el pesimismo tan arraigado en este pueblo se hace extremadamente pesado.
Pero este jueves, a pesar de la lluvia y la enésima alerta naranja, entró un chorro de luz al abrir Facebook. En concreto, me topé con la carta de despedida de Paco Cerezo, un murciano que ha puesto rumbo al sur después de pasarse un tiempo trabajando en el astillero y viviendo en Ferrol, sorbiéndole todo el jugo a este rincón del noroeste como pocos lo han hecho.
Nunca lo conocí en persona, pero nos agregamos a las redes sociales después de coincidir en el mismo bando en un par de discusiones por alguna conachada que alguien escribió en el grupo Ferrol Mola. Algo que, por otra parte, ocurre prácticamente a diario. Y, paradojas de la vida, justo ahí leí su texto.
Paco subía constantemente fotografías de sus paseos por la ciudad, de sus rutas por la comarca, de los detalles que le hacían feliz. Demostraba, con cada foto, con cada comentario, que había sido capaz de abrazar esta tierra con más amor del que muchos nacidos en Arquitecto Marcide podrán sentir nunca.
Y ahora, que son otras las cigüeñas de hierro que ve desde la ventana de su oficina, ha sentido la necesidad de despedirse de nosotros diciéndonos un par de verdades que han emocionado a cientos de personas. Porque ya sabemos que siempre tendrán que venir los de fuera a decirnos lo privilegiados que somos para que nos lo creamos. Gracias, Paco. Y vuelve, aunque sea solo de visita.
«Empiezo por el principio.
Yo no soy de Ferrol. Desde hace pocos meses tampoco vivo en Ferrol. Viví poco, viví mucho y viví muy bien. Subí porque, miren ustedes por donde, solo en Ferrol había trabajo.
Con seguridad Ferrol es el mejor lugar en el que viví (fuera de mi tierra, como la tierra de uno, en ningún sitio). Y esto es importante y es a lo que voy. Ferrolanos, Ferrol es vuestra tierra. Y para vosotros debe ser la mejor.
Antes de convivir con vosotros y gracias a mi familia he tenido la suerte de viajar y de conocer bien distintos y diversos lugares de España, de mi región, y de la vuestra (subiendo varios veranos en busca del fresco y el verde). Sin embargo, jamás conocí Ferrol hasta que, apenas una semana antes de llegar, me ofrecieron subir. Vaya semana (para colmo en Navidad). Una semana para preparar y empaquetar 14 años y trasladarme 1.100 km mas ‘parriba’. Ahí empecé a conocer Ferrol, en primer lugar, con mapas y callejeros situando tal y cual calle, tal y cual puerta del astillero o tal y cual carretera de entrada o salida. Callejeros y planos entre Nochebuena, paquetes, maletas, despedidas y Reyes.
Varios (más de uno gallego) me llenaron los oídos de asombrados “¿y cómo te vas?”, oscuros “…y encima ahora en pleno invierno”, desesperanzadores “menos mal que al lado tienes Coruña que Ferrol está muerto”. Amigos… cuantísimo me resistí a dejarme convencer y qué bien que hice en subir con la mente en blanco, la ilusión alta y los ojos abiertos.
Ferrol es un auténtico espectáculo. No me resisto a decirlo mas adelante, así que lo digo ya. Es espectacular. Os pido, por favor, que hagáis el ejercicio que hice yo. Entrar en blanco, mezclarse en blanco, empezar a vivir en blanco, como si nunca (para el caso así fue) hubierais conocido lo más mínimo de la historia, las gentes, la geografía, la gastronomía y el anecdotario de Ferrol. Sin ninguna duda en vuestra cabeza os explotará un “vaya espectáculo de ciudad”. Porque irremediablemente lo es.
Tres años, tres. Tres años siendo vecino del Marqués. Tres años mezclándome por una ciudad (un pueblo) y una comarca donde casi (casi) cada día algo nuevo me sorprendía para muy bien. No quiero enumerar todo, primero porque no me da la página, segundo porque no sería justo para todo aquello que no viví, no probé, no visité o no descubrí. Porque fijo que están ahí, esperando para saltarte a los ojos, al paladar, al cuerpo entero.
Sentíos orgullosos de vuestro Ferrol, pero de este Ferrol que yo, sin prejuicios propios, sin prejuicios importados, sin miedo, con ilusión, con curiosidad, con cariño, me aventuré a vivir. Ese es Ferrol y no otro.
Vividlo vosotros. Haced ‘clic’. Que se os llene el cuerpo de ganas, de ilusión, de amor y de deseo de vuestro Ferrol. Porque si lo hacéis así, amigos… Ferrol os va a devolver lo más grande que ningún lugar, ninguno, jamás os va dar. Tan seguro como que mañana sale el Sol.
Sed felices».
FERROL360 | Viernes 8 noviembre 2019 | 13:17
Alcaldes y portavoces socialistas de Ferrolterra, Eume y Ortegal, con su secretario provincial, Valentín González Formoso, a la cabeza, han comparecido este viernes ante la prensa en la estación de trenes de Ferrol para celebrar la inversión de 15 millones de euros que el Gobierno estatal ha aprobado para modernizar la línea ferroviaria que une la ciudad naval con Ortigueira.
Formoso recordó que «era unha nova que levábamos esperando desde hai décadas, a aposta polo tren de cercanías e a modernización da infraestrutura ferroviaria» y avanzó que «esta actuación impulsará o tráfico de persoas e mercancías, dinamizando a economía local».
El tramo, explicó, tendrá un nuevo sistema digital de Anuncio de Señal de Frenado Automático (ASFA) que por ahora es analógico, además de bloqueos automáticos regulados por telemando desde el puesto de Control de Tráfico Centralizado (CTC) de Asturias, nuevos sistemas de telecomunicaciones en todas las estaciones de tramos y señalización LED.
Cabe recordar que esta misma semana se producía en la vía un nuevo descarrilamiento por el derrumbe de un talud a la altura de Cerdido. Aunque no hubo que lamentar heridos, la vía estuvo inutilizada durante horas. El pasado mes de agosto también se produjo otro incidente de igual magnitud por unas rocas que se habían desprendido.
Non se trata dunha rata común. A praga que está a estragar as pradeiras a uns 300 gandeiros da montaña de Lugo está causada pola Arvícola terrestris, coñecida tamén como rata-toupa por facer galerías e sacar a terra á superficie. A simple vista, un prado afectado por este roedor semella inzado de toupeiras. Pero no caso dos […]
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Durante el 25 Manga Barcelona, el grupo de rock femenino The 5.6.7.8’s asistió como invitado para deleite de sus fans. La banda de rockabilly actuó además durante el evento y tuvo un encuentro con los seguidores.
Formada en 1986, son una banda originaria de Tokio conocida por interpretar temas y realizar versiones surf y rockabilly. Principalmente compuesto por las hermanas Sachiko y Yoshiko «Ronnie» Fujiyama, suelen cantar en japonés y en inglés, siendo muy populares en el país nipón entre el público amante del rock de los años 50 y 60. Fuera de Japón, el grupo es conocido principalmente por su aparición en la película Kill Bill de Quentin Tarantino. La banda apareció en la cinta interpretando versiones de «I Walk Like Jayne Mansfield», «I’m Blue» y «Woo Hoo». Sobre todo este último se convirtió en uno de los temas más recordados del largometraje.
«Nuestra música nace de las raíces del rock de los años 50, 60 y 70«
Ramen para Dos tuvo la oportunidad de entrevistarlas y preguntarles por su amplia carrera. Lo primero de lo que uno siente curiosidad es por el nombre del grupo y ellas lo aclaran. “Nuestra música nace de las raíces del rock de los años 50, 60 y 70. El grupo se formó en la segunda mitad de los años 80, por lo que decidimos usar los años para crear el nombre del grupo: The 5.6.7.8´s”. Nos hablan de sus recuerdos de niñas, “tanto en los opening de las series de televisión como en mangas se mostraba mucho la guitarra eléctrica y canciones tocadas con ese instrumento. Eso nos impactó y quisimos aprender a tocar”. Cuando crecieron, ya en los 80, “visitábamos pubs donde ponían música de los años 50 como el rockabilly o el blues y nos gustó tanto el estilo que decidimos adoptarlo. También Chuck Berry nos influyó”, comentan.
Les preguntamos un poco más por este estilo rockabilly. Este género “tiene una larga tradición en Japón porque al finalizar la Segunda la Guerra Mundial, el ejército americano ocupaba Japón y entró mucho rockabilly y jazz. Esto fue un gran impacto para los japoneses”. Es por eso que algunos creativos incluyeron ese tipo de música en openings de anime.
El éxito y reconocimiento internacional les llegó con la participación en Kill Bill. Las chicas desvelan que cuando conocieron a Tarantino en persona, “nos dijo que seguro nos gustaba el director John Waters (Pink Flamingos)”, quien había utilizado la canción Woo Hoo en alguna de las películas que había dirigido.
The 5.6.7.8´s contestaron afirmativamente a que las películas de serie B les encantan. “Y cuando usaron la canción de Woo Hoo en Kill Bill, nos sentimos muy felices de poder participar en un proyecto así”.
Después de este proyecto, “notamos que gente que no sigue nuestro estilo, viene a los conciertos igualmente a disfrutar de nuestras canciones. Esto nos parece lo más, nos encanta que todo tipo de público venga aunque no conozca para nada nuestro estilo”.
Para terminar, The 5.6.7.8´s admiten que se encuentran muy a gusto en España porque los españoles somos un público muy agradecido que disfruta su música y ellas, al ver que lo disfrutamos tanto, les da un subidón de energía y motivación.
Terminada la entrevista, solo nos queda desearles mucha suerte con los nuevos proyectos que hagan y que vuelvan a visitar nuestro país en breve para seguir hablando sobre sus trabajos.
Although I prefer "Baby Shark" in the original Latin, this version by Episcopal priest David Sibley of Walla Walla, Washington will do for now. It follows the Agnus Deiliturgical chant.
Since people are as they are, Father Sibley found it necessary to pin this tweet.
-via Aelfred the Great
