Snob

Blondie has always been Debbie Harry’s vehicle. It’s her allure and DIY style that drove the band’s disco rock recklessness to the top of the charts. But the other original band members – writer and guitarist Chris Stein and drummer Clem Burke – that have long provided the support system to glamorize her romantic yearnings. Pollinator their 11th album, is fun, imaginative and quintessentially Blondie – it’s punk’s “good old days” retooled for a wretched century.
The band recruited several artists to pen tracks for the album: Charli XCX, Sia, Johnny Marr, Dev Hynes (Blood Orange) and the Strokes’ Nick Valensi. They’re all Blondie tributes in spirit. Several songs recall the risky abandon of “Call Me” or “Hanging On the Telephone” with pulsing synth/guitar lines…

160 MB  320 ** FLAC

…and a constant collision of drums and hi-hat.

“Doom or Destiny” celebrates the tightrope between new love and its eventual, predictable demise. The pop-synthy “Best Day Ever” (written by Valensi and Sia) revisits the lure of the toxic relationship. “Fun” (Dave Sitek, Erik Hassle and others) is a glossy disco throwback with a 2017 PSA: Having a good time is great, but too much of a good thing is no good.

The pulverized, pixilated drums on “Love Level” weaves around a disciplined horn section and more of that addictive, throbbing synth. It’s a bouncy love song that flirts with wordplay and cheeky imagery – stilettoes, physical equality, innuendo and sexual chemistry. It’s one of the album’s best, and no surprise it was written by Stein and Harry, the band’s co-founders and former lovers.

“Gravity,” another classic Blondie song with a bare rock stomp and quirky keyboard work, but what vexes is Harry’s overproduced, layered vocals, mainly on the bridge. Her wide vocal range just doesn’t benefit from a glut of embellishments or digital camouflage. She’s treated better on the toned-down ballad “I Gave Up On You,” providing respite from the tangled webs of love that plague Pollinator’s protagonists. Again though, the vocal layering veers from uncluttered to robotic.

Pollinator’s narrative starts early and centers on breakable, transparent and shadowy imagery – crystal and blue sky, velvet and the dark sea floor. That imagery reaches its zenith on the last song, “Fragments,” as Harry asks, “Why don’t you love me now?” As desperation sets in and her voice dissolves into the ether, her conclusion remains fuzzy. She’s left to wait and hope the incoming tide can piece her back together.

01. Doom or Destiny
02. Long Time
03. Already Naked
04. Fun
05. My Monster
06. Best Day Ever
07. Gravity
08. When I Gave Up on You
09. Love Level
10. Too Much
11. Fragments / History
12. The Breaks
13. Fun (Greg Cohen Spirit of 79 Short Edit)
14. Fun (Eric Kupper Disco Radio Edit)
15. Fun (DrewG Radio Edit)

—Esta noche está conmigo Norman John Polevaulter, que lleva los últimos años de su vida contradiciendo a la gente. Señor Polevaulter, ¿por qué contradice a la gente?
—¡No la contradigo!

Lo cuenta un documental sobre los Monty Python en el que los propios miembros del grupo hacen memoria frente a la cámara: en 1969, en la cuarta planta de la Broadcasting House en Westminster, Londres, Michael Mills, jefe de Programación de Entretenimiento de la BBC, observa a seis jóvenes que han entrado en su despacho.

Dos de ellos, John Cleese y Terry Jones, están sentados en sendos butacones. Detrás de ellos, de pie, está Michael Palin y, a su lado, Eric Idle, con una electrificada melena rubia. Junto al otro butacón está Graham Chapman, con una pipa de madera en la boca. Más atrás, protegido por la sombra y el humo, Terry Gilliam.

Ninguno de ellos tiene demasiada experiencia en televisión. El único rostro conocido es el de John Cleese, que había participado como actor en el programa de la BBC At last the 1948 show, en el que Graham Chapman también era guionista. Por su parte, Jones, Palin e Idle habían escrito sketches para Do not adjust your set, un espacio de humor. Los cinco coincidieron antes de eso en The frost report como guionistas, y antes todo se reducía a pequeños programas, obras de teatro y colaboraciones. En el caso de Terry Gilliam, el único estadounidense, ni siquiera eso. Venía de su país de hacer ilustraciones. Ese era el bagaje total en aquel despacho de la BBC. Y con eso propusieron hacer su propio programa.

«¿Qué queréis hacer?», preguntó al fin Michael Mills. «Un programa divertido», respondió Cleese. «¿Sobre qué?». «No lo sabemos», dijo Terry Jones. «¿Cómo se llamará?». «Eh…», dudas. «No sabemos». De nuevo silencio. Mills apagó su cigarrillo y, tras un instante, respondió: «Os doy trece capítulos. Ni uno más».

Aquellos seis jóvenes se convirtieron en ese momento en los Monty Python. El nombre para el programa se les ocurriría días después: El Circo Ambulante de los Monty Python. O lo que es lo mismo: Monty Python’s Flying Circus, una revolución en la historia del humor.

Reducirlo todo al absurdo

La serie se estrenó el 5 de octubre de 1969 y se mantendría en antena hasta 1974. Desde el primer episodio, emitido un 7 de septiembre, se pudo ver que la filosofía iba a ser uno de los mimbres sobre el que se construiría todo el humor de Flying Circus. Los Monty Python buscarán siempre generar una inseguridad para que lo que tomamos por lógico se convierta en absurdo. Es decir, ponerlo todo en duda, crear un caos y de esta forma hacer reír. Así funcionaba Flying Circus: dudaba, lograba inseguridad, caos y por último, dejaba un mensaje. Como la filosofía misma.

Los cuarenta y cinco capítulos no tenían continuidad argumental y estaban compuestos por sketches más o menos inconexos entre sí. Los primeros episodios generaron cierta incomprensión. «El público que venía a ver la grabación era como las señoras que aparecen en nuestra serie: entendían poco y aplaudían con dudas», diría años después Terry Jones. Esta desconfianza se explicaba por su fórmula innovadora de humor.

Flying Circus era surrealista, dadaísta, sin esquema perceptible, orden ni concierto. Deconstruía las situaciones y en el caos encontraba el humor. En el capítulo 5, en la primera temporada, un matrimonio está preocupado porque su gato está apático (en la imagen aparece un gato disecado). El veterinario les explica que está sumido en la rutina y les recomienda recurrir a una empresa dedicada a sacar a los gatos de este estado: Desconciertagatos S.L. La empresa monta un escenario en el jardín y la sucesión de sinsentidos y absurdos que se representan sobre él definen en gran medida a los Monty Python. Y también sacan al gato de su apatía. Otro ejemplo —imposible de plasmar en palabras— es el sketch de los andares tontos. John Cleese, con bombín y paraguas, camina de modo exageradamente absurdo por la calle hasta llegar a un edificio cuya placa de entrada reza: «Ministerio de andares tontos». En su despacho le espera un estudiante que, tras mostrarle su ridícula manera de caminar, recibe una beca.

A partir de ahí, como las flores de las ilustraciones de los créditos de inicio, Flying Circus crece a través del absurdo. Parten de premisas establecidas y las revientan con contextos incompatibles, como el episodio en el que los concursantes deben resumir la obra de Marcel Proust en veinte segundos. No hay esquema fijo, en muchas ocasiones ni siquiera hay esquema. Hasta tal punto que, por primera vez, aparecen sketches sin chiste final: cuando se desinflan, lo cortan, tenga o no sentido hacerlo. Sus guiones arremeten contra todo. La serie habla de historia, de sociología, de moda, de arte… y no indulta a nadie: clases, altas, bajas, políticos, bohemios, pensadores, periodistas, etc.

Pero como base de todo ello, como una gran maceta, está la filosofía. Los diálogos y situaciones de la serie completan un recorrido por casi todas las corrientes filosóficas, de Sócrates a Heidegger pasando por Descartes y Marx. Y todo sin ápice de pedantería, sin que el guiño pueda percibirse. Se podría decir hasta que sin intención. Sencillamente su técnica para hacer humor —histórica e irrepetible— es filosofía.

De la dialéctica de Sócrates a la duda de Descartes

Como la filosofía moderna, Flying Circus descansa sobre los hombros de Sócrates. La dialéctica socrática es el tronco de la serie que se va a ramificar en casi todas las demás situaciones surrealistas. El filósofo griego, dos mil cuatrocientos años después, sigue siendo una figura viva en la mente de los europeos. Su destreza dialéctica ha sido pocas veces alcanzada, de ahí su atemporalidad. Sócrates se presentaba a sí mismo como alguien que no sabía nada y preguntaba a su rival dialéctico, aparentemente seguro de sí mismo, cosas obvias. Después hacía que su interlocutor se enredara en contradicciones, que patinara en algún momento, para acabar mostrándole, ya abatido y desmoralizado, que su supuesta seguridad en lo obvio no era más que una máscara de su ignorancia. En el capítulo 29, Michael Palin, caracterizado como un hombrecillo de bigote y gafas, llega a la recepción de una oficina. «Buenas tardes. Me gustaría tener una discusión», le dice a la secretaria, quien le explica que una discusión de cinco minutos cuesta una libra y le indica el camino. El hombrecillo llega a un despacho y pregunta: «¿Esta es la sala para discutir?». Un hombre trajeado y altivo le responde: «Ya se lo he dicho». «No», replica el hombrecillo. «Sí».

—¿Cuándo?
—Justo ahora.
—No.
—Sí.
—Le digo que no.
—Sí. Le digo que sí. —Se enredan un rato hasta que el cliente interrumpe:
—¡Esto no es una discusión!
—Sí, lo es.
—¡Es una contradicción!
—No.
—Sí.
—No. De nuevo se enredan. El cliente, alterado, grita:
—¡He venido aquí a por una discusión, no a por una contradicción! ¡No es lo mismo!
—Puede serlo.
—¡No puede, discutir es hacer exposiciones para establecer una propuesta!
—No.
—Sí. No es contradecir.
—Si discuto con usted debo adoptar una posición contraria —le dice el hombre del despacho. —No es decir no —replica el hombrecillo.
—Sí.
—No. Discutir es un proceso intelectual.
—No
—Sí. Contradecir es negarlo todo automáticamente.
—En absoluto.
—Sí.
—Tiempo. En ese momento suena una campana y termina la discusión. El trajeado discutidor pasa a ignorar por completo al hombrecillo.
—¡No han pasado los cinco minutos!
—Puede, no voy a discutir con usted si no paga.

Hay decenas de sketches socráticos en Flying Circus, que también utiliza la duda y la dialéctica modernas, es decir, el testigo que dos mil años después recogió René Descartes. La duda como base de la reflexión y, por tanto, que deriva en carcajada en Flying Circus, es otro elemento fundamental en la serie. Descartes, nacido en Francia en 1596, rompió con la filosofía teológica de la Edad Media, en la que siempre se conocía de antemano el final: Dios. La imprevisibilidad llegaba ahora gracias a la duda. ¿Cómo adivinar de qué manera acabará una escena de Flying Circus? En realidad puede hacerlo de cualquier forma. De absolutamente cualquiera. Descartes comenzó dudando de todo. Y así encontró el fundamento de todos los fundamentos: si dudo de todo, no puedo dudar de que dudo. Un argumento que da seguridad: Si dudo, pienso. Si pienso, existo. Podemos, pues, negarlo todo, menos a nosotros mismos. Descartes se reencarnó en los Monty Python en forma de presentador enloquecido que duda de todo. «Buenas noches», saluda encorbatado a la cámara. Y arranca sin preámbulo: «¿Es hora de hacer frente a los datos para solucionarlo o es demasiado tarde? ¿Cuáles son los hechos? ¿Qué quiere decir la gente cuando habla de cosas?». El presentador continúa a toda velocidad. «Los números son contundentes, pero ¿qué quiere decir para usted? ¿Para mí? ¿Para la gente de la calle? ¿Es pronto para decirlo? ¿Es lo mismo decir que hablar? ¿Qué podemos hacer? ¿Qué estoy diciendo? ¿Por qué estoy en este programa? ¿De qué estoy hablando? ¿De dónde venimos? ¿A dónde vamos? ¿Qué hacemos? ¿Qué decimos? ¿Qué comemos? ¿Qué bebemos?». El vértigo se corta con una imagen de un tren estrellándose.

Descartes hace otra fugaz aparición en la serie cuando una anciana encorvada y medio sorda participa en un concurso para llevarse un golpe en la cabeza. «¡Bienvenida señora!», saluda el presentador antes de preguntarle: «¿Qué gran adversario del dualismo cartesiano se opone a reducir los fenómenos psicológicos a estados físicos?». La señora se queda callada y se queja: «¡No lo sé!». «Pruebe a decir algo», le anima el presentador. Aferrada a su bolso refunfuña: «Henri Bergson». «¡Correcto!». «No me suena de nada», añade entre aplausos.

Hegel, Marx y Hobbes, ¿se puede tener la razón?

Georg Wilhelm Friedrich Hegel nació en 1770 en Alemania. Es considerado por muchos el padre de las ideologías. Hegel, a través de la novela, otorgó a los hombres un papel en la historia a través del que era posible contribuir al nacimiento del espíritu. El pensamiento europeo adopta una nueva forma: la historia. Con ello nace la lucha por su interpretación: el que logra una mejor interpretación de la historia alcanza el derecho al poder y por tanto a encauzarla como considere apropiado. Las interpretaciones con pretensión de exclusividad reciben el nombre de ideologías. Hegel dibuja un escenario en el que no existe quien tenga la razón absoluta, todo es interpretable. Aniquila el dogma. En Flying Circus se lleva al extremo la teoría hegeliana en la cabina de un avión. Piloto y copiloto charlan con una azafata cuando irrumpe un secuestrador, un hombre de gafas que titubea y se muestra inseguro. «¡Que nadie se mueva, esto es un secuestro!», dice empuñando una pistola. Los pilotos le miran. El hombre añade: «Bueno, que nadie se mueva excepto para pilotar el avión, para eso pueden moverse un poco». La azafata interviene. «¿Yo puedo moverme?». El secuestrador se gira alertado: «¡Sí! Puede moverse un poco, sí». Después se dirige a los tres: «Lo siento, no pretendía ser tan dogmático cuando entré. Pueden moverse todos dentro de un límite. Hay movimientos involuntarios que no se pueden evitar. Para reafirmar mi autoridad tengo que tener en cuenta eso». Uno de los pilotos responde: «No se puede evitar que se muevan las tripas».

—No, no, claro. Bien dicho.
—La misma vibración del avión puede considerarse un movimiento —añade el copiloto.
—Y estamos moviendo los labios —remata el propio secuestrador.

Así continúan hasta que los pilotos convencen al hombre de que llegará antes a su destino tirándose al vacío que desviando el avión.

Marx también tiene sitio. Contemporáneo de Hegel y asiduo lector suyo, el filósofo alemán recoge el testigo de la interpretación de la historia y hace la suya: considera que el motor de la historia es la lucha de clases y que el dinero suplanta el valor real de las cosas, por lo que el precio de las mismas no es objetivo, sino una forma de ocultar las relaciones de producción que son injustas. Es decir, una maniobra capitalista para presentar sus intereses de clase como intereses del conjunto. El marxismo va más allá de las intenciones y contiene una teoría sobre la conciencia de su oponente: es necesariamente falsa, ya que está condicionada a su pertenencia a una clase social determinada. La primera tarea del marxismo es desenmascararlos. Muriendo el siglo XIX nace en la política europea la sospecha ideológica, mediante la cual se intenta demostrar que las ideologías responden a intereses de clase. Esto mismo, admiten, también ocurre con los marxistas, pero su interés en este caso coincide con el de la humanidad, de ahí que su conciencia —dicen— sea la verdadera. Es lo que les grita a sus aterrorizados guionistas un adinerado productor de cine ataviado con un sombrero de cowboy en el sexto episodio de la primera temporada. Sentados en una larga mesa, todos le dan la razón a sus descabelladas ideas por puro miedo. Lo que parece un capitalista atemorizando a la clase obrera cambia de sentido cuando el déspota ejecutivo invita a uno de sus guionistas a ser sincero:

—¿A ti que te parece? Que tenga una idea no quiere decir que sea genial, puede ser mala —le inquiere.
—¿Sí? —responde el guionista.
—Sí. ¿Qué te parece?
—Es mala —admite.
—Ahí está. Ha sido sincero. Ha dicho que mi idea es mala. Pero resulta que mi idea no es mala, así que ¡fuera de aquí maldito subversivo!

Doscientos años antes Thomas Hobbes se refería a la sospecha ideológica sin ni siquiera conocer el concepto. Tras la guerra civil inglesa, Hobbes comprobó que la pretensión de las distintas confesiones de tener la razón había conducido al país a la autodestrucción. Su conclusión: quien en caso de conflicto pretende tener la última palabra en materia de moral, está convirtiendo a su rival en inmoral, con lo que además de criminalizar al oponente genera un conflicto.

Kant, el constructivismo hizo que pareciese gol

Uno de los sketches más memorables de Flying Circus es el que enfrenta a Alemania y Grecia en un partido de fútbol de filósofos. Alemania alinea a Leibniz en la portería con una línea de cuatro formada por Kant, Schopenhauer, Hegel y Schelling. Arriba la dupla Nietzsche, Heidegger con Beckenbauer como «sorpresa en la alineación». Marx está en el banquillo. Capitaneados por Heráclito, Grecia alinea, entre otros, a Platón en la portería con Sófocles y Aristóteles en defensa. Sócrates y Arquímedes son los delanteros. Arbitra Confucio. No ocurre nada durante el partido, los jugadores se dedican a reflexionar deambulando por el césped, hasta que Arquímedes reacciona al grito de «¡Eureka!» y se lleva la pelota para asistir a Sócrates que remata a gol. 1-0 y final. Los alemanes se lanzan en tromba a protestar, entre ellos Inmanuel Kant, quien le grita al árbitro que el imperativo categórico dice que el gol ontológicamente existe solo en la imaginación, mientras Marx pide fuera de juego. Kant, revolucionario de la filosofía moderna, es el padre del constructivismo: somos nosotros quienes construimos nuestra realidad, es nuestra experiencia la que derriba los límites de lo que podemos llegar a imaginar. No hay un mundo de las ideas platónico ahí fuera, está en nosotros mismos. Tal vez por eso el árbitro tan solo imaginó el gol.

Nietzsche y la existencia de Dios en un combate a tres asaltos

Alguien como Friedrich Nietzsche no iba a pasar desapercibido para Flying Circus. Se le rinde tributo en un sketch donde todos los ciudadanos son superhombres, pero solo uno es Supermecánico de Bicicletas. Vela por la seguridad de las bicicletas de todos los superhombres: «Allá donde haya bicicletas estropeadas o amenazadas por el comunismo, estará Supermecánico de Bicicletas». No fueron pocos los que tras la Segunda Guerra Mundial asociaron algunas de las teorías de Nietzsche con el nazismo, sobre todo aquellas referidas al superhombre, quien sustituye a Dios tras su muerte. Son muchos más, sin embargo, los que sostienen que Nietzsche hablaba de valores cuando mató a Dios; hablaba de la necesidad de sacudirse la herencia judeocristiana para conformar una nueva sociedad.

Sobre Dios también habla, y mucho, la serie. Especialmente las ilustraciones de Terry Gilliam, surrealistas en grado sumo y que suelen contar siempre con una presencia superior. Sin ir más lejos, el pie que aplasta el título de la serie en la careta de entrada parece ser el del mismísimo Yahvéh. Su existencia, el debate sobre la misma, queda reflejado en un sketch de la primera temporada. El presentador nos da la bienvenida al programa de debate El Epílogo, en el que tiene como invitados a monseñor Edward Gay, del Colegio Pastoral de Somerset y autor del libro superventas Dios mío, y al doctor Tom Jack, humanista, profesor y autor del libro Hola marinero. «Esta noche —explica el presentador— en vez de discutir la existencia de Dios, han decidido pelear por ella. La existencia o inexistencia de Dios se decidirá por dos caídas, dos abandonos o un KO». Tras lo cual ambos invitados —sotana contra traje— se enfundan unos guantes, suben al ring y comienzan a pelear. Como en la existencia misma de la humanidad, se desconoce el ganador.

El valle de lágrimas de Schopenhauer

Flying Circus supuso un antes y un después en el humor, un producto único que abrió nuevas vías a la creatividad. En una palabra: arte. Sostenía Arthur Schopenhauer, nacido en 1788, que la única realidad es la voluntad. Dado que la voluntad es deseo, y el deseo no se puede saciar, la vida es breve y miserable. Solo hay dos caminos para salir de este valle de lágrimas. Uno es el nirvana, el alcanzar un estado superior de realidad, teoría que también sostienen el budismo y el hinduismo, y el otro es el arte. La contemplación desinteresada del arte calma el deseo. De modo que ya saben: Flying Circus. Lo dice Schopenhauer.

La entrada Flying Circus: la verdad es un absurdo aparece primero en Jot Down Cultural Magazine.

You've probably heard the old adage—the kitchen is the most dangerous room in your house. And while some doctors are reluctant to make such a bold claim, the number and sheer creativity of accidents that happen there mean the kitchen shouldn't be underestimated. "We spend a lot of time in the kitchen. There are sharp objects, there's heat. There are lots of potential ways to hurt yourself," says Peter Greenwald, an assistant professor of emergency medicine at Weill Cornell Medicine.

The latest kitchen injury in the public consciousness is avocado hand, which refers to cuts of varying severity that result from attempting to remove the pit or peel of an avocado with a knife. One group of British surgeons is even calling for warning labels on the fatty fruits.

How often is avocado hand really happening? It's hard to say, but anecdotally doctors are seeing it more and more. No one tracks kitchen injuries versus other accidents, but Greenwald estimates that most emergency rooms see one or two pretty simple food-related injuries every few days. Those that require more serious intervention, like surgery, are less frequent, cropping up maybe six times a month, says Vishal D. Thanik, an assistant professor of plastic surgery at NYU Langone Medical Center.

And most of those food-related injuries are cuts. "The classic is cutting off tip of your finger. That's standard," Thanik says. That can happen when fingers creep too close to the blade, when you're chopping things like onions or tomatoes, or with a terrifying vegetable-slicing device called a mandoline. Treating it can depend on how much you slice off—if it's just a few millimeters, Thanik says, it will probably heal itself, but the more of the finger that's hacked off, the more complex the treatment.

Sometimes people cut other parts of their hands, especially if they're working with round, slippery items (like pits from mangoes or avocados). Lately, in New York City, Thanik says he does see more injuries from avocados than from bagels (he'd have to check the data, but he suspects that injury trends can loosely follow food trends). These injuries are often cuts on the palm or side of the fingers, cuts which can straight-up sever tendons and nerves. Fixing those can require surgery and small, delicate sutures; healing can take months, Thanik says, and not everyone regains total feeling or range of motion in the end.

Injuries from immersion blenders can be particularly gnarly. "[The blade] is spinning, so instead of having one cut, often all the tissue gets cut up over huge area. It can be a real problem," Thanik says. Most of these injuries happen when people didn't realize the blender was still plugged in or they pull it out of food while it's still spinning. The cuts are less clean so they can be harder to stitch or repair; it's also not hard to sever tendons or nerves with an immersion blender. Again, treatment depends on the severity of the injury.

Then, of course, there are burns. They can happen in three different ways, Greenwald says: with splashes of hot oil, when boiling water tips over, or when people move things in and out of the oven. Naim Slim, a surgical resident who has worked as an emergency room doctor in the United Kingdom, recalls seeing a young child with burns on much of his torso and arm after he knocked over a pot of boiling pasta. Greenwald says he's seen whole hands burnt from people grabbing the handle of a cast-iron pan that they had just pulled out of the oven. "We react quickly, but sometimes not instantly enough," he says. Sometimes there are injuries from stovetop fires, but those are rare, he says.

Some PSAs: It can be hard to tell how deep a burn goes just by glancing at it, especially on hands, Greenwald says, so after running the burn under some cool water and keeping it covered, it's worth visiting your doctor or a burn center to get it checked out. Hand injuries tend to bleed a lot; when your hand isn't working right or parts of it feel numb, you should seek medical attention. Keep burns clean and dry, and don't put anything other than antibiotic cream on there. Be on the lookout for signs of infection, which include increasingly pain, fever, redness, or white discharge.

Sometimes things fall and injure feet. Sean McGann, an emergency physician at Maimonides Medical Center in Brooklyn, says a colleague saw a patient whose foot was cut to the bone after a meat cleaver fell from a countertop. Every year, Greenwald sees injuries that result from dropped frozen turkeys. "It's rare that a Thanksgiving goes by that I don't see a broken big toe."

Then there are the hospital visits that result from food ending up where it shouldn't. Big pieces of food, often meat, can get lodged in the esophagus, the tube in the throat that brings food from the mouth to the stomach. McGann says he sees lots of fish bones get lodged in there ("In Brooklyn, people eat a lot of fish," he says). Once he and his colleagues found the metal foil from a butter packet lodged in the airway of an elderly gentleman. Slim recalls a patient in her late 20s who had to be anesthetized so he could remove a whole cucumber from her rectum (he's also helped remove a croquet ball that had been lodged in a patient's large intestine).

Occasionally people visit the ER with food on their person as temporary treatment for an injury, McGann says, like using an onion or spice to stop a cut from bleeding (these DIY treatments, he assures me, do not work). And, of course, emergency rooms also get patients that have had food poisoning or allergic reactions to food.

No matter whether you're a professional cook or an amateur, kitchen accidents happen, but a lot of them can be prevented. Pay attention to what you're doing in the kitchen: "Accidents happen in a momentary lapse in attention. That's consistent for accidents, when you're distracted," Greenwald says. If you're using a knife, cut slowly; cut food on a cutting board, not holding it in your hand; unplug your immersion blender when you're done using it. And get a tetanus shot every 10 years to cover your ass. Er, your fingers. And for chrissakes, if you're pitting an avocado, use a spoon.

Read This Next: You Probably Shouldn't Superglue Yourself Back Together and Here's How to Do It

No nos cansamos de decirlo: la comida mexicana es extraordinaria, diversa, llena de color, sabor y aroma. En cada una de las regiones de nuestro país encontramos una gran variedad de platillos auténticos que nos dan identidad. Platillos en los que el maíz, el frijol y el chile son los básicos y que se enriquecen por la presencia de otros como el nopal, la calabaza, el ajo, la cebolla, el jitomate, el tomate verde, el queso y el chocolate.

Nosotros, tan acostumbrados a nuestra comida, quizá no nos hemos dado cuenta de cómo es la comida que sirven en el extranjero como mexicana, y los habitantes de aquellos países, probablemente tampoco tengan oportunida de conocer nuestra gastronomía. De allí, que hoy los invite a conocer las diferencias entre la comida mexicana que sirven en el extranjero con nuestra auténtica comida mexicana.

Comida mexicana en el extranjero

Para los estadounidenses, por ejemplo, hablar de comida mexicana les trae a la mente dos grandes cadenas de restaurantes: Chipotle y Taco Bell, y platillos como tacos con base dura y crujiente y nachos, entre otros; todos ellos, con un origen resultado de una fusión conocida como Tex-Mex.

La comida Tex-Mex tiene su historia, y resulta de una unión cultural entre Texas y la comida de la frontera norte de México, el área alrededor del Río Bravo, en la que los norteamericanos encontraron lo que para ellos fueron platillos exóticos. Conforme más personas se establecían en Texas, la popularidad de la comida mexicana aumentó debido a la proximidad, y comenzaron a hacer sus intentos por prepararla en sus propias cocinas, usando ingredientes a los que estaban acostumbrados: carne molida y harina de trigo e incorporando otros que tenían a su alcance.

Las diferencias con la comida mexicana

Las diferencias principales entre la comida que se sirve en el extranjero como mexicana y la que consumimos en México pueden resumirse como el uso y sustitución de algunos ingredientes que resultan escasos en su hábitat.

Así, fuera de nuestras fronteras encontraremos que para la comida mexicana se usan quesos amarillos, harina de trigo, vegetales, frijoles enlatados y especias como el comino, especia que es usada con mesura en México pero que fue adoptada rápidamente en Estados Unidos e Inglaterra, importada desde la India.

Entre los platillos que más se sirven en el extranjero como mexicanas, y que no lo son o se sirven en una forma muy diferente a como son en México son: los tacos, los nachos, las enchiladas, los burritos, un platillo al que han denominado simplemente "chili con carne".

Los Nachos

Si bien, los nachos fueron inventados en México por Ignacio "Nacho" Anaya, en su restaurante El Moderno ubicado en Coahuila, tras de que un grupo de esposas de militares estadounidenses llegaran tras la hora de cierre y le pidieran un poco de comida. Fue entonces que les preparo un platillo con lo que tenía a la mano: totopos de maíz y queso.

Pero los nachos han cambiado mucho desde entonces: ahora los encontramos bañados en queso amarillo fundido y personalizados con frijoles, mayonesa, guacamole, salsa, chorizo, carne asada y prácticamente todo lo que se les ocurra montarles encima.

Los tacos

Otro de los platillos que presenta una diferencia abismal con lo que conocemos en México, son los tacos, que en el extranjero suelen servirse con carne especiada, jitomates picados, lechuga, crema y una mezcla de quesos "mexicana" que incluye queso cheddar, Monterrey Jack y queso asadero. Pero además de ello, la base no es la tradicional tortilla suave de maíz, sino una base dura con forma de tortilla, prefabricada a base de maíz amarillo.

En México bien lo sabemos: nuestros tacos están hechos generalmente con tortillas de maíz pequeñas y suaves - algunas veces también de harina-, ligeramente calentadas en la parrilla o al vapor, con una variedad de carnes que bien puede ser: res, cerdo, pollo, pescados o mariscos. Por encima, les agregamos al gusto cebolla y cilantro picados, jugo de limón fresco y salsas caseras.

Burritos

Los burritos se alejan hoy en día mucho de los tacos de harina de la región Norte del país. Son servidos rellenos hasta su límite con arroz, vegetales, frijoles, crema, queso, carne, guacamole, salsa y otros ingredientes guisados que tengan a la mano, resultando en un burrito de gran tamaño. En cambio, nuestros tacos de harina son mucho más delgados y pequeños, y usualmente solo contienen dos o tres ingredientes como son carne, salsa y frijoles.

Enchiladas

Si pedimos unas enchiladas en el extranjero nos encontraremos con algo muy diferente a lo que conocemos. Un plato que en el que las tortillas envuelven carne molida y queso, que son bañadas en una salsa para enchiladas usualmente enlatada, seguidos de una capa de mezcla de quesos y que finalmente, se hornean.

Nuestras enchiladas son en cambio muy diferentes. Tradicionalmente, las tortillas de las enchiladas se fríen y se sumergen en una salsa picosa, para después rellenarse con una porción pequeña de carne, queso o papa, enrollarse y servirse con un poco de lechuga, queso fresco y crema.

Chili con Carne y Chili Con Queso

Por último hablaremos de estos dos platillos creados por los habitantes de Texas y que suelen servirse como mexicanos. El primero, denominado chili con carne, un plato caldoso preparado con jitomate, carne molida o picada, frijoles enlatados, especias y chiles.

El segundo, llamado chili con queso, un preparado consistente en quesos amarillos fundidos y mezclados con chile jalapeño, que resulta en una adaptación del chile con queso preparado en Chihuahua y Durango en el que se utiliza queso Chihuahua fundido y una salsa casera de jitomate, cebolla y jalapeño, cocida con un poco de manteca.

Imágenes | Pixabay, Robby Van Arsdale, Kent Wang, Mario Bollini, Simply Recipes (Elise Bauer), Karl-Martin Skontorp En Directo al Paladar México | ¿Qué se come en Estados Unidos el Cinco de Mayo?

-
La noticia La comida mexicana: lo que te sirven en el extranjero y la realidad en México fue publicada originalmente en Directo al Paladar México por Mary Soco .

The problems with overscheduling yourself are pretty self-evident: You’re stressed. You’re exhausted. You don’t have any time to do all the fun stuff you want to do. For that matter, you also don’t have any time to just veg out and do nothing at all.

But your never-ending busyness may...More »

Durante el franquismo, más de 30000 niños fueron arrebatados de sus madres biológicas sin su consentimiento; bien porque eran republicanas o bien porque un grupito de monjas cabronas consideraban que la madre biológica no era meritoria de ostentar tal virtud, les hacían creer que los niños habían muerto durante el parto y se los entregaban a matrimonios infértiles adeptos al régimen.

En base a estos datos, aquí planteamos varias personas que pueden formar parte de este grupo de niños perdidos, personas que crecieron sin saber que tenían un hermano, porque nunca lo conocieron y se criaron en familias distintas.

Estas son algunas de las posibilidades de hermanos “robados” que planteamos:

1. Toñi de Azúcar Moreno y Donatella Versace.

 

2. Pepe Oneto y Crispín Klander.

 

3. Felipe González y Juan El Golosina.

 

4. Álvaro de Marichalar y Pipi Estrada.

 

5. La figura de cera de Fernando Alonso y la portavoz de Hazte Oír.

 

6. El matrimonio Tous.

 

7. El hijo de Aznar y un prota del Planeta de los Simios.

 

8. Andrea Levy y cualquier secundaria de Inociencia Interrumpida.

En una España dominada por el puño de hierro del fascismo, no llevar sombrero podía convertirte en un sospechoso disidente.

Junto con la garçonne, que lucía pelo corto y pantalón o falda corta, difuminando lo que se supone que debía ser la «feminidad», otro fenómeno sacudió la España de los años treinta, justo con la llegada de la República. Nos referimos al «sinsombrerismo». Las mujeres decidieron no usar sombrero y llevar el pelo relativamente corto, huyendo de las melenas, algo que rápidamente fue asimilado con el feminismo y la cultura lesbiana.

«Rápidamente, la moda del rechazo al sombrero se conectó con el izquierdismo y el anarquismo. El sombrero, desde esta perspectiva, era un elemento burgués»

«Todo el mundo llevaba sombrero, era algo así como un pronóstico de diferencia social. Pero un buen día se nos ocurrió quitarnos el sombrero. Y al atravesar la puerta del sol nos apedrearon insultándonos como si hubiéramos hecho un descubrimiento como Copérnico o Galileo. Nos llamaban “maricones” porque creían que despojarse del sombrero era como una manifestación del tercer sexo», cuenta Maruja Mallo en Las sinsombrero. Rápidamente, la moda del rechazo al sombrero se conectó con el izquierdismo y el anarquismo. El sombrero, desde esta perspectiva, era un elemento burgués. El rechazo al viejo mundo que fue preconizado por las ideas republicanas y las pretensiones de los anarquistas de llevar hacia adelante una verdadera revolución social, hizo que el sombrero fuese rechazado cada vez con más fuerza.

«Los sin sombrero», portada de El Liberal (16 de agosto de 1930)

Lo cierto es que algunos de los culpables de la moda fueron el periódico comunista Mundo Obrero, vocero del Partido Comunista de España. Fue este periódico, de gran influencia, el que publicó un artículo que afirmaba que usar sombrero era cosa de fascistas. Al mismo tiempo, con la llegada de la Guerra Civil, la moda en Madrid y Barcelona fue la imagen obrera y militante, con peto de trabajador, gorra, subfusil naranjero o la célebre pistola STAR de los anarquistas. Al parecer, cuando Mundo Obrero publicó su artículo, un sector de la clase trabajadora (el gremio de sastres y sombrereros) protestó enérgicamente, afirmando que se los estaba enviando a la indigencia. Posteriormente, el periódico comunista rectificó un poco su posición, matizándola, pero ya la moda se había extendido. El sombrero no se volvería a ver hasta el final de la guerra. Es más, en el número 6 de la calle Montera, junto a la Puerta del Sol, en una sombrerería llamada Brave, se acuñó un lema que se hizo famoso «Los rojos no usaban sombrero», que venía a decir justamente lo contrario y que hacía suyas las palabras que había escrito un periodista en el periódico Ya, donde afirmaba que por fin la elegancia había regresado a las calles de la capital. En una España dominada por el puño de hierro del fascismo, no llevar sombrero podía convertirte en un sospechoso disidente.

Anuncio de la sombrerería Brave, en la calle Montera número 6 de Madrid

Etiquetas originales de Brave

 

Gorra de un requeté carlista. En el interior puede verse la etiqueta de Brave

 

Contaba Freud en 'Tótem y tabú' (1913) que en las comunidades indígenas de las islas de la actual República de Vanuatu, en el Pacífico, cuando los hijos -hombres- llegaban a la pubertad debían abandonar la casa familiar y mudarse a una casa común, lejos de sus madres y hermanas. "Si el hermano y la hermana se encuentran por azar fuera de la casa, debe la hermana huir o esconderse. Cuando el hermano reconoce en la arena las huellas del paso de una de sus hermanas, no debe seguirlos. Igual prohibición se aplica a la hermana. El hermano no puede siquiera nombrar a su hermana”. Pero ¿por qué?

En sus investigaciones, el padre del psicoanálisis se encontró con sociedades remotas -tanto respecto a Europa como entre ellas- que compartían una gran 'señal de stop' universal, una restricción primordial, regidora de la psicología y de la propia estructura organizativa de la comunidad: el incesto. "Entre los basoga, tribu negra que habita en la región de las fuentes del Nilo", prosigue el austríaco, se "tiene tal horror al incesto, que lo castiga incluso entre los animales domésticos". Sin embargo, Freud abogaba porque el psicoanálisis era precisamente la demostración de que "el primer objeto sobre el que recae la elección sexual del joven es de naturaleza incestuosa condenable, puesto que tal objeto está representado por la madre o por la hermana, y nos ha revelado también el camino que sigue el sujeto, a medida que avanza en la vida, para sustraerse a la atracción del incesto". Así que ¿de dónde viene esta prohibición común y absoluta?

El cine, muy dado a rebuscar en el corazón y la víscera y a remover, aparte de conciencias, traseros en las butacas, no podía no haber explorado el tabú de los tabúes. Precisamente, este pasado viernes se estrenaba 'Demonios tus ojos', la última película del director español Pedro Aguilera, un drama perturbador que pivota alrededor de los límites de la atracción sexual, los oscuros recovecos de las pulsiones humanas y las cuestiones morales y sociales en torno a las relaciones incestuosas. Y lo hace a través del encuentro de dos hermanastros que comienzan un peligroso juego de seducción, siempre "a punto de traspasar la próxima frontera", como describe Eulàlia Iglesias en su crítica. Un tema todavía rompedor e incómodo que ya trataron grandes como Louis Malle, Léos Carax o los Gainsbourg -papá Serge y la "naive" Charlotte-, que escandalizaron y horrorizaron a las gentes de bien cantándose ese "incesto de limón, te amo, te amo, te amo más que a nada, papapapá". En Francia Freud se hubiese forrado.

Eso sí, mucho escándalo pero 'Lemon incest' estuvo diez semanas en el top 10 de las listas francesas y Charlotte Gainsbourg, que por entonces tenía 12 años, se convirtió en toda una celebridad. El tema formó parte después de la banda sonora de 'Charlotte for Ever' (1986), una película escrita por Serge Gainbourg, dirigida por Serge Gainbourg y protagonizada por Serge Gainsbourg y su hija Charlotte. Pocas cosas le gustaban más al 'crooner' que la provocación, que supo convertir en billetes de 500 francos -para luego quemarlos-, portadas de revistas y minutos de televisión. Y ¿qué hay más incómodo que la historia de un padre y su hija envueltos en una turbia relación dentro de la pantalla, interpretados por un padre turbio y su verdadera hija?

En una entrevista concedida a 'The Guardian' en 2010, la actriz contó cómo recordaba la controversia. "Yo no cantaba de forma inocente. Sabía de lo que estaba hablando. Pero para mí no era un problema. Me divertí. Además, debajo de eso había pureza: en realidad es el amor de padre a hija. La canción dice: 'el amor que nunca haremos juntos'. Y ¿sabes? Incluso en ese momento imagino que me utilizó por el placer de provocar. Eso se le daba muy bien".

En 1973, entre las películas nominadas a los Oscar -en la categoría de Mejor guión original- los académicos, que tampoco suelen caracterizarse por su rupturismo, habían apostado por una peliculita francesa intimista dirigida por Louis Malle y que trataba de forma delicada y conmovedora la relación, más cercana de la cuenta, entre una madre algo aburrida y un hijo en plena explosión hormonal deseoso de estrenarse. Malle no ganó. Tampoco lo hizo 'El padrino', que ese año se lo llevó casi todo. La estatuilla fue a parar a 'El candidato' de Michael Ritchie, el mismo que acabó dirigiendo películas como 'Este poli es un panoli'.

Dijo el ínclito Roger Ebert sobre 'El soplo al corazón': "Entonces Malle nos prepara para las escenas finales de una forma tan habilidosa que en el momento del incesto, cuando ocurre, parece algo natural, más cariñoso que carnal y no tan terriblemente significativo. Cómo consigue este efecto es algo que se me escapa: coge el tema más controvertido que puedas imaginar y lo convierte en un afecto sutil".

Menos sutil es el tratamiento que le dio al asunto Christophe Honoré en 'Mi madre' (2004). Normal teniendo en cuenta un guion basado en una novela inacabada de Bataille. En el papel protagonista, Isabelle Huppert, que de interpretar a personajes con parafilias sabe un rato. En el film, una mujer pierde repentinamente a su marido en un accidente de tráfico, lo que la lleva a volcarse en su hijo -Louis Garrel-, en el plano emocional y sexual, relaciones sadomasoquistas incluidas.

Louis Garrel vuelve a aparecer envuelto en una relación poco ortodoxa en 'Soñadores' (2003), de Bernardo Bertolucci -sí, el de María Schneider y la mantequilla-, donde dos hermanos -interpretados por Eva Green y Garrel- se lanzan a una maratón de sexo y filosofía con un chico americano -Michael Pitt- mientras sus padres están fuera de la ciudad. No hay sexo explícito entre los personajes de Green y Garrel y se supone que ella pierde la virginidad con el yanqui, pero comprobar con la mano si a tu hermana se le ha roto el hímen entraría dentro del radar de turbiezas máximas.

Hablando de perturbar no podía faltar Léos Carax. Antes de hacer explotar cabezas con 'Holy Motors' (2012) y después de su indispensable 'Los amantes del Pont-Neuf' (1991), el desquiciado Carax adaptó 'Pierre o las ambigüedades', de Herman Melville, escrito un año después de 'Moby Dick'. En 'Pola X', Pierre es un joven bien que vive con su madre viuda y sobreprotectora -interpretada por la atractiva Catherine Deneuve, que protagoniza una sugerente escena en una bañera- y que está prometido con la tímida Lucie. Pero cuando conoce a Isabelle, su hermana perdida, Pierre decide abandonar a Lucie y comenzar una tórrida relación sexual con ella, huyendo de garito en garito de 'hard rock'.

La cinta, candidata a la Palma de Oro, no fue demasiado bien recibida ni por público ni por la crítica. En 'The Guardian', el periodista Peter Bradshaw la califica como "superficial, pretencioso y un desastre incoherente" y a sus protagonistas como "soplagaitas irritantes que pertenecen a un mal videoclip pop". Ouch.

En 1993, siete años después del 'escándalo limón', Charlotte Gainsbourg volvió a protagonizar una relación incestuosa dentro de la pantalla, esta vez con su hermano cinematográfico, en 'El jardín de cemento', un film basado en una novela de Ian McEwan. En ellos, dos hermanos ocultan la repentina muerte de sus padres -por miedo a acabar encerrados en un orfanato- y deciden hacerse cargo de sus hermanos pequeños y adoptar el rol de progenitores, en todos los sentidos. "Jack es lo que se dice un pajillero compulsivo y Julie una provocadora que se divierte poniendo a su hermano en situaciones que lo intrigan y lo incomodan", escribió Roger Ebert.

Con 'Canino' (2009), Yorgos Lanthimos aportó su granito de arena al imaginario cinéfilo de familias disfuncionales. Y el invento le valió dos premios en Cannes y la nominación al Oscar a Mejor película extranjera. En 'Canino', tres hermanos adolescentes -lamentablemente la actriz que interpretaba a uno de ellos, Mary Tsoni, apareció muerta el pasado 8 de mayo- viven recluidos en una casa de la que su padre les prohíbe salir. Sin poder relacionarse con casi nadie aparte de con ellos mismos, el padre recurre al incesto pragmático para saciar las apetencias de su hijo varón. Barreras tiradas aparte, la relación entre las hermanas tampoco es muy convencional, que digamos.

Queda demostrado que Cersei y Jamie Lannister serán muchas cosas, pero pioneros, pioneros, no.

CREEPERS

HISTORIA DEL CALZADO QUE PISOTEÓ TODAS LAS DÉCADAS

“Londres, 1952. Una gran niebla invade la ciudad. El humo de combustible quemado pesa sobre el aire y contamina la atmósfera bajo un frío escalofriante que hace todavía más denso el ambiente entre humazo y humedad. Bajo el manto gris de la postguerra la working class sufre las duras condiciones de trabajo de la industria pesada. La fábrica gobierna. Las calles cortadas, los cines cerrados. No es posible ver más allá de la esquina de la calle. El pánico y el desconcierto invaden Londres. Reina el silencio frente al peor fenómeno de contaminación atmosférica de la historia europea.

A lo lejos rompen unos pasos al fondo del pasaje. Unos pasos en grupo. El fantasma de la niebla asoma de entre la densa nube gris. La silueta de una banda de jóvenes. El estigma de la guerra muestra su rostro. Son los Teddy boys. La reacción, la venganza de los jóvenes, los efectos de demasiado tiempo de silencio. Pompadour, pantalones estrechos, zapatos creepers, chalecos y chaquetas con bordados de terciopelo.

Nadie lo imaginaba, pero una subcultura invadía las calles de Londres entre polución y tinieblas”.

Chopper Monster

Zapatos Creepers. El dandi baila rock and roll

El origen de los zapatos creepers parece ser de consenso. Vieron la luz en Inglaterra como parte del uniforme oficial para calzar a los soldados del ejército inglés destinados en las bases norafricanas durante la Segunda Guerra Mundial.

Su peculiaridad, su suela alta y gruesa, tenía en su origen una finalidad práctica más que estética. Su función era aislar el pie del caliente suelo africano a la vez que protegía a los soldados de posibles explosiones de minas.

A la vuelta del conflicto algunos soldados ingleses decidieron usar sus zapatos de guerra, de suela gorda, para publicitar en la noche londinense su veteranía, y poco a poco los creepers, por entonces conocidos como Brothel Creepers, fueron calando en el universo juvenil de las noches del Soho y King Cross de Londres. El calzado daba un salto de la zona de combate a la calle, y esa transformación pasaba por la mano de George Hamilton Cox, quien en 1949 se convertía en el primer fabricante de zapatos creepers de estilo urbano. Un pequeño emporio del calzado que viajaría por todo el mundo traspasando la barrera temporal del siglo XXI.

Nace una subcultura en Londres. Los Teddy Boys

Para comienzos de los años cincuenta existía en Londres una manifestación estética encabezada por jóvenes que reivindicaba una nueva forma de divertirse enfrentada cara a cara a las posibilidades de expresión que les ofrecía la sociedad costumbrista de postguerra. Era una demanda y a la vez una crítica. Surgía así la primera subcultura juvenil en Inglaterra, los Teddy Boys.

Los Teddy Boys se caracterizaban en general por su procedencia obrera. Lucían peinados pompadour, chalecos y chaquetas con bordados de terciopelo y pantalones estrechos con quienes resaltaban sus zapatos de suela gruesa, los creepers. La imagen icónica que los diferenciaba  como grupo recuperaba el estilo eduardino de principios de siglo y lo mezclaba con lo más urbano de la calle. Eran dandis que bailaban rock and roll.

Los creepers eran el remate que completaba la estética del primer movimiento contracultura juvenil de Londres. Una prenda de veteranía que reflejaba la madurez de los jóvenes que habían pisado frente, y que poco a poco formó parte de una estética que reclamaba su espacio y sus formas de entretenimiento frente al stablishment inglés. Los jóvenes demandaban libertad, y ésta venía de la mano de la moda y la música; a tres centímetros del suelo.

“Our dress our is our answer to a dual world”

---

“Nuestra vestimenta es nuestra respuesta a un mundo sordo”

 

A lo largo de los años cincuenta los Teedy Boys experimentan una cada vez más pronunciada reivindicación de su propia música y parafernalia hasta el punto de reprender contra cualquier otro tipo manifestación cultural ajena. Los disturbios de Nothing Hill de 1958 fueron en ese sentido la máxima expresión de una situación social intensa marcada por el trabajo en la fábrica y los estigmas de clase.

No es hasta los años sesenta cuando en Inglaterra emerge a toda velocidad la sociedad de consumo, década en la que el mercado comprende que los jóvenes y sus manifestaciones culturales son un generoso nicho de mercado, un público demandante. Una generación que por primera vez tiene la posibilidad de disfrutar de tiempo libre y dinero para gastar en lo que a ellos quieren. Para entonces los creepers ya no eran tan exclusivos e iban poco a poco escapando al círculo urbano de los Teddy Boys y penetrando en un público cada vez más amplio.

Del tupé al anticristo. La época punk de los crepeers

En la década de los setenta Malcom Mclaren, el mítico manager de los Sex Pistols, quien por entonces  también era conocido por su faceta de diseñador de moda, empieza a vender zapatos creepers en su tienda de londres Let It Rock, de la mano de Vivienne Westwood, una de las principales responsable de la revolución estética del siglo XX.

Sorprendentemente los creepers, de la mano de los Sex Pistols, pasaron de ser una prenda exclusiva de los Teddy Boys a una prenda icono también entre psychobillys, gustosos del ritmo ska y punks, por no mencionar a toda la amalgama del underground, algo que Mclaren nunca imaginó.

El zambombazo de los zapatos creepers durante la década de los setenta rompía las fronteras del círculo cerrado de los Teddy Boys de forma definitiva y comenzaba una carrera abierta y sin rumbo. Todo joven miraba de reojo los crepeers. Para entonces eran una sensación apta no solo para rockeros y punks.

“God save the queen. She’s not a human being

---

and There’s no future. And England’s dreaming”

La explosión musical del punk lanzaba los zapatos creepers al estrellato, y comenzaba para ellos una larga carrera que abarcaría el resto de décadas siguientes. Se podría decir que los zapatos creepers han pisoteado los estándares de todas las décadas musicales desde los años cincuenta hasta la fecha y han presenciado y dejado su huella en cada una de ellas. Algo más profundo que una moda pasajera.

Los creepers transcienden al trendy

Desenterrados y enterrados una y otra vez por la caprichosa fortuna de las tendencias de la moda, los crepeers son a día de hoy unos veteranos. Un zapato que no tiembla cuando la revista Vogue no tiene espacio para ellos. Por algún motivo son eternos. Su base está fraguada, su idea clara, ¡rock and roll! E independientemente de su popularidad circunstancial mantienen el tipo humildemente siempre bajo el ambiente que les dio vida, la subcultura.

Su desfile por las pasarelas de la mano de la prestigiosa firma Chanel en 2013  proyectó una imagen pública de los creepers adulterada, diferente y lejana de sus habituales escenarios pero extremadamente expansiva para su popularidad. Experimentaron un boom comercial desconocido hasta entonces, desvinculado del punk y para todos los públicos. Los creepers dejaban de ser un zapato exclusivo únicamente para jóvenes. Eran tendencia en todas sus manifestaciones posibles. Habían escalado todos los peldaños, desde los barrios obreros de londres, desde las bases del desierto, hasta la pasarela y las revista de moda más trendy. Los creepers colonizaron el imaginario alzando a sus fans a 3 centímetros del suelo. Unos veteranos del calzado. Unos supervivientes. Una prenda consolidada inmune a los vaivenes de la moda que desprenden rock and roll vayan donde vayan. Unos zapatos con vida propia que han conseguido penetrar silenciosamente en el armario común y abrir nuevos caminos a la subcultura creeper.

Chopper Monster

La entrada ZAPATOS CREEPER. A CUATRO CENTÍMETROS DEL SUELO se publicó primero en choppermonster.

We got John Waters in the studio (he wore a beautiful Commes de Garcon shirt, btw). John has a new book out, it's a transcript of a commencement speech he gave to RISD students in 2015. Jesse talks with him about Little Richard, trigger warnings, and how the film industry tried (and failed) to make the King of Trash compromise his work. Then, Andy Kindler stops by. Andy's a terrific stand up and hosts the latest season of the Hulu series Coming to the Stage. Since 1996, Andy's also given a speech at the Just for Laughs Festival - it's called the State of the Industry. For about an hour each year, Andy basically puts comedians and the entire industry on blast - popular targets include Jay Leno, Ricky Gervais, and lazy journalists. It's made him one of the funniest and sincere truth tellers in comedy. His newest album is a never before released recording of his original 1996 address.

Porase en andamento o 17 de maio. O sistema permite compartir ficheiros en múltiples formatos así como a subida de maneira simultánea de moitos documentos na mesma solicitude.

¿Os habéis parado a pensar cuál es el precio que pagáis por cada tebeo? No, no estoy hablando del precio de venta al público que viene impreso (o no) en cada publicación, sino del precio real. Porque, por ejemplo, este Omnigold de Panini…

…tiene un pvp de 39,95€. Pero ya he adelantado que esto es solo el principio. Porque el cómic, una vez lo tienes en casa, hay que guardarlo en una estantería. Por ejemplo (la opción más popular del mercado) en una estantería Billy de 80cm de ancho y 2m de alto (65 eurillos de nada)

En cada una de sus seis baldas caben 14 tomos Omnigold…

…con lo que llenamos la estantería con 84 Omnigolds (sí, hipotéticamente se podría amontonar más tomos en la parte superior pero ¿qué somos, salvajes?). Esto nos da un aumento de 65/84=77 céntimos por tomo. Que no es nada al lado de lo que viene ahora

Porque la estantería tiene que estar en alguna parte. Descartamos trasteros y similares porque lo que mola es tener los tebeos a mano, y miramos a cuánto está el metro cuadrado de una vivienda, por ejemplo en Idealista: aproximadamente 4.000€ en Barcelona, 3.000€ en Madrid, 1.500€ en Las Palmas o 1.000€ en Cuenca (redondeo tanto porque varía mes a mes)

Siguiente paso: ¿cuánto espacio ocupa nuestra estantería? La medida de su base es 80x28cm, pero también habrá que dejar un espacio vacío delante para acceder a los tebeos. Pongamos que todo junto son 80x80cm=0’64 metros cuadrados

Y esos 0,64 metros cuadrados, con una regla de tres, nos costarían 2560€ en Barcelona, 1920€ en Madrid, 960€ en Las Palmas o 640€ en Cuenca

Ahora dividimos el precio del espacio de almacenamiento entre los 84 tomos que hemos dicho que caben (y le sumamos los 77 céntimos que cuesta la estantería en sí), y nos sale que almacenar cada tomo Omnigold nos cuesta 31’47€ en Barcelona, 23’62€ en Madrid, 12’20€ en Las Palmas y 8’39€ en Cuenca

Conclusión: cuando alguien te regala un tebeo en realidad te está obligando a gastar aproximadamente entre un 20% y un 80% de su precio de portada para conservarlo. ¡Para que te fíes del Día del Cómic Gratis!

One year ago today, Leap Day [Free] had the crazy idea of being an auto-running platformer built around having a brand new level each and every day. Combined with a vertical level design that could easily be played in portrait with one thumb, and absolutely spot-on physics and jumping mechanics, Leap Day totally pulled off what it was hoping to do. It's a challenging platformer completely tailored to mobile play. The formula seems to have proven popular too, as Leap Day has received a ton of additional content over the course of the past year feeding a hungry base of players. Well, to celebrate their one year anniversary, Nitrome have released the biggest update yet for Leap Day featuring tons of new enemies and obstacles to leap and wall jump your way through. Check out the new stuff in the trailer below.

The new content is designed to sort of drip feed out over the course of this next week, so if you're like me and you sometimes lapse in playing every day (hey I get busy, ok??) then you should make a special effort to play each day's level during this week to check out the new content while it's fresh. Or you could be like Nicolas on Twitter who has used Leap Day as a tool to help him quit smoking, and has beaten each day's level and not smoked for each day in the entire past year. That is likely a use case Nitrome never thought about but is one of the neatest stories I've seen. Go Nicolas!! If you somehow haven't ever tried out Leap Day, it's never too late to jump in and in fact you'd have an entire year's worth of levels to keep you busy while you caught up. If you do play Leap Day already be sure to grab this latest update with all its wonderful goodies, and let's hope that its success continues on for many more years to come.

Kanno Sugako, an early-20th century Japanese anarcha-feminist and the only woman to be hanged for treason in Japan, kept a diary in prison during the final days of her life. These entries range from detailed reporting of the trial of her and 25 other Japanese anarchists for treason against the Emperor, her thoughts and feelings, and her determination in the face of certain death.

"You poor pitiful judges. All you wanted to do was protect your positions. To safeguard them, you handed down these verdicts even though you knew they were unlawful and arbitrary. You went against your consciences. You poor judges, poor slaves of the government. I should be angry at you, but I pity you instead. Here I am bound by this barred window, but my thoughts still spread their wings in the free world of ideas. Nothing can bind my thoughts or interfere with them. You may live for a hundred years, but what is a life without freedom, a life of slavery, worth? You poor slaves."

Anarchism in Japan was mostly an early 20th century phenomenon, with anarchists attempting to organize at a time when any dissent against the Emperor was often regarded as treason. Today, anarchism has considerably less pull in Japan, but it's still around.

Os estradenses e as coruñeses fan ‘doblete’ esta tempada ao sumar ese título ao de campións da Liga.

A sesión de control ao Goberno da Xunta volve converterse nun debate de fiscalización da oposición por parte do presidente

Testosterone: It gets a bad rap, sometimes. Since men have much more of it than women, it’s implicated every time there’s a bro brawl at a bar, every time a man flies into a rage over something trivial. Too much testosterone, the thinking goes, turns you into a brutish caveman.

...More »

The blessing and the curse of asking a close friend for their opinion is that you know you’ll be getting a dose of no-holds-barred honesty: A true pal won’t shy away from the tough love if that person you just started dating is kind of a jerk, or if you’re...More »

In the world of file-sharing, few will argue that the environment in 2017 is very, very different from that of 2007. Running sites is far from straightforward, with all kinds of roadblocks likely to appear along the way.

One of the early problems is getting new sites off the ground. Ten years ago it was easy to find mainstream technology sites touting the latest additions to the pirate landscape. These days, however, reporting is mainly restricted to innovative platforms or others with some particularly newsworthy aspect.

With those loose advertising opportunities now largely off-limits, new sites and those on the fringes are often taking more unusual approaches. Today another raised its head revealing a particularly poorly judged promotional effort.

Back in April, a new torrent site hit the scene. Called RapidTorrent, it’s a meta-search engine that by definition indexes other torrent sites. Like many others, it’s doing whatever it can to get noticed, but it’s probably the first to try and do that by using Wikipedia.

Early today, the Wikipedia pages of a whole range of defunct and live torrent sites were edited to include links to RapidTorrent. One of the first was the page for defunct meta-search engine BTDigg.

“In May 2017 BTDig (sic) staff launched rapidtorrent, a fast torrent search engine,” the page now reads, along with a link to the new torrent site.

Similar edits could also be found for Demonoid’s page, which was also defaced to note that “In May 2017 Demonoid launched rapidtorrent, a fast torrent search engine.”

In fact, links to the new torrent site were inserted in a range of other pages including The Pirate Bay, Mininova, isoHunt and ExtraTorrent.

While many people might like the opportunity to discover a new torrent site, there can be few who appreciate the defacing of Wikipedia to achieve that goal. Millions of people rely on the platform for information so when that is compromised by spam and what amount to lies, people are seriously misled.

Indeed, striking while the iron’s hot, the Wikipedia spam this morning also extended to the French language Wikipedia page of NYAA, a site that unexpectedly shut down only this week.

As shown in the image below, the site’s real domain has been completely removed only to be replaced with RapidTorrent’s URL.

While the other edits are bad enough, this one seems particularly cruel as people looking for information on the disappeared site (which is in the top 500 sites in the world) will now be led directly to a non-affiliated domain.

Those that do follow the link are greeted with another message on the site itself which claims that the search engine is being run by the original NYAA team, while at the same time soliciting bitcoin donations.

For new torrent sites looking for an early boost in traffic, times are indeed hard, so it’s no surprise that some turn to unorthodox methods. However, undermining free and valuable resources like Wikipedia is certainly not the way to do it, will not produce the required results, and is only likely to annoy when the deception is unveiled.

Source: TF, for the latest info on copyright, file-sharing, torrent sites and ANONYMOUS VPN services.

In what is reportedly a global first, a medical auditor recently officially recognized a fertility-tracking app called Natural Cycles as a contraceptive device. This means that British doctors, and possibly also their colleagues in the European Union, can now advise patients on using the app to prevent pregnancy. To many, this designation likely seems odd. But it's almost odder that it took this long for a fertility app to be recognized as a contraceptive tool.

Fertility tracking apps and wearables started popping up here and there about five years ago. By continually logging data tied to ovulation, especially basal body temperature shifts (which indicate the release of an egg), and factoring in the time sperm can survive in a womb, these tools claim to isolate the window of time a woman is most likely to get pregnant with more accuracy than analog monitoring (aka the rhythm method), often thrown off by inconsistent menstrual cycles and pure human error. But there's long been reasonable skepticism within the medical community about the efficacy of these apps—makes sense, given that any and all information it gives about your fertility on a given day would be an estimate (a statistically strong, one but still), and not many people want their likelihood of staying not-pregnant to be reliant on anything so uncertain.

Emerging alongside a spate of press on the downsides of the pill and other birth control methods, this tech has drawn interest from women looking for new contraceptive options. It can't prevent pregnancy during a fertility window or sexually transmitted diseases (ever), but several weeks of glove-less sex with a clean partner with no risk of pregnancy is still attractive to many.

Yet while analog fertility-awareness tracking is a recognized method of birth control (albeit one with an established 25 percent practical use failure rate) and most apps claim to be able to nail fertility windows 89 to 99 percent of the time, few have aggressively marketed themselves as birth control. Hesitant app creators seem to worry they can't offer a sufficiently wide yet solid infertility window, while consumers and experts, as mentioned, worry that the apps' confidence in how protective and accurate they are could be overstated. Natural Cycles was actually ordered to stop calling itself a contraceptive device in 2015 by Swedish medical regulators, and an investigation was launched into its marketing and claims.

"To say this is a method of patient contraception is nothing new at all," says Philadelphia-based OBGYN and fertility expert Nathaniel DeNicola, as it's just a new and potent form of fertility-awareness monitoring. What's novel is the protective power Natural Cycles—along with some similar apps—seem to claim.

Oddly enough, the tech behind Natural Cycles doesn't appear to have changed much since its 2014 launch. It actually seems low-tech compared to other multi-variable wearable detectors and apps on the market. Users just take their under-tongue temperature when they wake up (except on days they feel sick, are hungover, or got less than two hours of sleep) with a two-decimal thermometer and pop the reading into the app. They then wait a couple months for it to calibrate, over which time the fertile window on its calendar narrows. The app sells itself based on the algorithm it uses to read that data, developed based on the statistical modeling founder Elina Berglund Scherwitzl used as a scientist at CERN (working on the team that discovered the Higgs-Boson particle). Her algorithm supposedly takes erratic cycles and other confounding variables into account and grows stronger the more women dump their data into it. However it's not clear whether this proprietary algorithm really gives them a technical boost over competitors.

Raoul Scherwitzl, Berglund's husband and Natural Cycles's co-founder, says one of the reasons they gained regulatory recognition was that they've been able to back up claims that they can offer protection on par with the pill with peer-reviewed data. In 2015 and 2016, researchers at Sweden's Karolinska Institute published two studies showing that, while some women had sex on no-go app calendar days and got pregnant, with proper use women avoided pregnancy on safe-labeled days over 99 percent of the time. The app has a 45 percent dropout rate that may represent people who aren't up to the regular monitoring it requires. But Natural Cycles argues most of their remaining users put in the effort and follow the advice the app provides.

"Regulatory recognition," Scherwitzl told me, "has created greater consumer confidence, which has led to a sharp rise in the number of women using the app." In February it had about 150,000 users now it has "over 200,000 with more [registering] this year than all of last year alone." Ira Hernowitz, CEO of the fertility tracker app Kindara, acknowledges that this recognition has given a limited boost to the industry at large. In the near future, Natural Cycles plans to get Food and Drug Administration recognition as well and expand rapidly into the American market.

However DeNicola and other fertility experts remain skeptical that Natural Cycles could, by an algorithm and digital monitoring alone, close the massive efficacy gap between analog fertility awareness and the pill. DeNicola notes that both of the Karolinska studies were funded by the app, which doesn't negate them but should inspire some suspicion of bias. He also suspects that the app's marketers have massaged their data to make it look optimally appealing. "To claim if you have a patient who uses [the app] correctly and you are one of the lucky ones who doesn't have a fertile day mislabeled by the app, you have a 0.5 percent chance of pregnancy" is iffy, he says. "Given that this is a significant medical outcome, it's not proper medical advice."

DeNicola actually approves of the app's recognition as a contraceptive and hopes other apps will gain more acceptance and prominence as well. He, like many of his peers, thinks apps can add to popular understandings of fertility and general contraceptive awareness. He just thinks Natural Cycles and other apps shouldn't compare their efficacy to the pill when there's only a limited amount of data to date; doing so may undermine their credibility and their future potential.

Scherwitzl acknowledges that to truly build confidence in the app beyond the new approval, they'll have to hammer out solid guidelines for advising patients on its reasonable use. He also acknowledges that to make big, solid claims about its efficacy as birth control they'll need more clinical data—especially studies they didn't fund themselves. Until then, the contraceptive app space will remain limited, creeping forward amongst women on the hunt for something different, and ideally scaring off those looking for an easy magic bullet.

Read This Next: Fertility Treatments Take a Toll on Mental Health

If You Like Good Music, You Should Get a Perfect Score on This Quiz, says Esquire. Match 30 seconds of fifty songs to their album covers. (via kottke.)

Black Lips have never given a lot of fucks, but since working with Mark Ronson on 2011’s criminally underrated Arabia Mountain, they’ve made a concerted effort to clean up their sound.
And because of this there’s a certain sense of falsity that pervades this album, as though even the scuzzier cuts have been carefully constructed that way, unlike the old ramshackle approach where you could practically hear the shitty equipment falling apart as they used it. It’s as though they’re going for the ‘messy look’, but they had to get up an hour early to make it just right.
As damning as that sounds, this is actually a great record, because Black Lips are the sort of band that can pull off preening and rambunctious in the same album (sometimes even in the same song).

**thanks to bloomdido** 133 MB  320 ** FLAC

They’ve always loved to experiment with sounds and now they’ve got the backing to do it properly, so who cares if it’s not as ‘real’ as the old stuff? What is real in music?

Freeform jazz pops up on numerous songs, ‘We Know’ features a smooth electronic throughline and ‘Crystal Night’ is a Spector-ish piano ballad that has been refined to its most beautifully realised core. Over eighteen sprawling tracks the band try their hand at a number of different ideas, but there is still plenty of ‘classic’ Lips; ‘Occidental Front’ provides a cacophonous wall of noise, ‘Wayne’ and ‘Rebel Intuition’ demonstrate their rollicking, almost honky-tonk inclinations and ‘Lucid Nightmare’ is the best high/low call and response the band have put out since Bad Kids.

There’s also plenty of skittish, forgettable nonsense (another classic Lips move), and the album should definitely end on ‘Loser’s Lament’ – a folky number that rivals ‘How Do You Tell a Child That Someone Has Died?’ for croaked-out sincerity – rather than the minute of pointless garbage that follows ‘(Finale: Sunday Mourning)’. But, you gotta roll with the punches here and if you’re looking at the trash, you’re missing the gold. — Skinny

A portavoz de Cultura do Grupo Socialista, Concepción Burgo, acusou este xoves ao PP e ao goberno galego de “abandonar a súa responsabilidade co...

Por Redacción

O vaso

Bolillos 

Tamales

Por certo, as iguanas do lugar eran de cor negra:

Peixe

Documentos Adicionais

iOS Universal, Android •

When 2017 started I had already been girding my loins in preparation for a certain card game that was originally released in cardboard form back in 2007. Yes, 2017 was to be the year that I finally left my family behind and started the cult of Vlaada, continuously playing the digital version of Through the Ages. Things have changed. While I’m still planning on abandoning my family for a 2007 card game, it looks like it might be Race for the Galaxy instead of the aforementioned civ builder. RftG is out and, yes, it’s that good.

Despite their vastly different themes, Race for the Galaxy can trace its lineage back to the fertile plantations of the venerable euro board game, Puerto Rico. Designer Tom Lehmann was tasked with creating a card game based on PR and several of his ideas eventually appeared in the Puerto Rico card game officially known as San Juan. He took the remainder of his ideas and dumped them into a sci-fi game with a 4X vibe that was eventually polished to a mirrored shine in Race for the Galaxy.

Race for the Galaxy predates Dominion by a year so, thankfully, it’s not a deck-builder. Instead, RftG is a classic card game in which you’ll play cards down in front of you while your enemies do the same. There’s very little in terms of interaction, which is one criticism often leveled at RftG. If you go into it knowing that each player is racing to build the best engine rather than blowing each other up with death rays, the gameplay fits perfectly.

Cards have multiple roles depending on their location. They can be worlds you’ve settled or projects you’ve completed if played in your tableau, or they can represent raw materials that your planets produce. In your hand they act as money, used to pay the cost of building or settling. Wrapping your head around the card’s variable nature is a large part of overcoming RftG’s learning curve.

The remainder of the learning curve involves deciphering a series of icons that even Champollion would have trouble unraveling. The cardboard RftG was notorious for scaring newbies away due to the lack of text and these intricate hieroglyphs.  While the digital version still thrusts its icons front-and-center, a simple tap on each card reveals what the icon means in plain english, making the icons less of a hurdle. Once you play a few games with each icon explained, understanding the icons soon becomes second nature.

Gameplay involves each player secretly selecting an action and then revealing them simultaneously. Only the actions selected by players will be performed that turn, but all players will get to perform said action with the player choosing it getting a benefit. For example, one action is “Development” and it allows you to build a development card from your hand. If I select Development but my opponents do not, we all get to perform the Development action but I get to build mine with a discount. There are five actions to choose from, and part of the fun is guessing what your opponent might pick. Really need to Settle, but also want to Trade? Maybe your opponent will pick one of those, allowing you to pull it off while selecting the other action you needed this turn.

Other than that, it’s a Victory Point chase. VPs are gained by settling new planets either peacefully or via your military. You also get VPs from building developments which, apart from generating VPs, also usually give you benefits in one or more phases of the game. VPs can also be earned by generating and selling goods or by being the first to accomplish certain goals during a game (if you have the expansions…see below). While this all sounds like it plays like a 4X space romp, be aware that RftG is firmly set on the euro game side of the aisle. The theme is somewhat pasted on, and most of the game will have you focusing on your own hand and tableau and not even paying attention to what your opponents are doing. That’s not a knock, it’s just the kind of game RftG is.

Simply bringing the gameplay to life probably would have been enough, but Temple Gates‘ port of RftG goes the extra mile. The AI is crated by Keldon Jones who has been working on a neural net AI for RftG since soon after its release. After years of polishing and learning, the AI in RftG is about as perfect as you can get in a mobile title. The easy AI is just that, and should only be a threat to newcomers. The medium AI will give intermediate players a run, but they should still be able to compete and win some of the time. The hard AI is for the pros. I’ve had RftG on my shelf since 2007, have played it a bunch, and the hard AI has no problem showing me the door. It’s smart and will give good players a run for their money. On top of that, there is online multiplayer that can be played either in real-time or asynchronously. Multiplayer has been working perfectly during the beta with players assigned a “friend code” which they can share with others to be added to their friend lists. The only downside is that the friend code doesn’t seem to be the same between devices, so your games will not carry over between phone and tablet. Also, there doesn’t appear to be any indication for which players are currently online, so you’re never quite sure if your opponent is still taking their turn or logged off. Even if you don’t have any friends, you can always select a quick game option and be paired with randos from around the world.

Otherwise, the app is flawless. The UI is smart and intuitive, the graphics are sharp and, even on the smallest devices cards, can be tapped to zoom and see their details. There are a series of three tutorials to get rookies up and running, and both The Gathering Storm and Rebels vs. Imperium expansions are available at launch for purchase, adding new mechanisms such as goals and takeovers. Even without the new mechanisms, you can simply add the cards from each expansion, increasing your options in each game. Apart from adding in expansion content, you also have the choice to play 2-player games with the standard rules or the advanced 2-player rules in which players get to choose 2 actions per turn.

Race for the Galaxy was one of the games gobbled up by Goko back when that debacle was news, and it seemed unlikely that a mobile version would ever make it to the App Store. Yet, here we are with a brilliant version of RftG on our devices courtesy of a developer that most of us had never heard of. Here’s hoping that Temple Gates has more board game wonders in store for us in the future. They’re too good at this for RftG to be their only cardboard port on the App Store.

• Race for the Galaxy for iOS Universal, $7
• Race for the Galaxy for Android, $7

It's the Sgt. Pepper's/Star Wars mashup you didn't know you needed. Palette-Swap Ninja has adapted the entirety of The Beatles' Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band into a long form musical adaptation of Star Wars: A New Hope.

• "Princess Leia's Stolen Death Star Plans/With Illicit Help From Your Friends" - Track 1 & 2
• "Luke is in the Desert" - Track 3
• "Never Better" - Track 4
• "Imperial Holes" - Track 5
• "He's Leaving Home" - Track 6
• "Being From the Spaceport of Mos Eisley" - Track 7
• "The Force Within You" - Track 8
• "AA Twenty-Three" - Track 9
• "Dianoga" - Track 10
• "Keep Moving Keep Moving" - Track 11
• "Reprise/A Day in the Life of Red Five" - Tracks 12 & 13

Powersolo es un combo danés liderado por los hermano Railthin y fundado en los albores del siglo XXI, una banda de festivo rocknroll sin etiquetas marcada por la personal locura de estos dos sujetos, Kim Kix y The Atomic Child. Contactamos con ellos para que nos guíen en un viaje a través de su discografía y que nos ayuden a descubrir desde dentro el indescriptible universo sonoro de Powersolo.

Playlist;

POWERSOLO “The leather suit” (The Real sound, 2014)

POWERSOLO “Mean old cat” (Lemon half moon, 2001)

POWERSOLO “I can count” (Lemon half moon, 2001)

POWERSOLO “Baby you ain’t looking right” (It’s raceday and your pussy is gut, 2004)

POWERSOLO feat. ANDRE WILLIAMS “Hillbilly child” (It’s raceday and your pussy is gut, 2004)

POWERSOLO “Juanito” (It’s raceday and your pussy is gut, 2004)

POWERSOLO “Knucklehead” (Egg, 2006)

POWERSOLO “Dans las Rues de Paris” (Egg, 2006)

POWERSOLO “Gentle on the nards” (Egg, 2006)

POWERSOLO “Psych demons” (Bloodskinbones, 2009)

POWERSOLO “Coco” (Bloodskinbones, 2009)

POWERSOLO “I miss you” (Buzz human, 2011)

POWERSOLO “Creepy” (Buzz human, 2011)

POWERSOLO “The rither” (Buzz human, 2011)

POWERSOLO “Boom babba do ba dabba” (The Real sound, 2014)

POWERSOLO “Tequila whiplash” (The Real sound, 2014)

At the beginning of the year, those of us in the United Kingdom (as well as some other unlucky territories such as Turkey and India) had to deal with the aftermath of certain political actions - even within the seemingly safe haven of the App Store - as prices rose by around 25% across the board. With many question marks over economic stability of certain countries around the world, it seemed inevitable that other states would soon be affected by this most recent App Store price hike, and today Mexico, Denmark, and all the countries that use the Euro have today faced a similar fate. As our sister site MacRumors reported last week, apps previously costing 0,99 € are now 1,09 € - more expensive games have risen even more dramatically, with something such as Death Road for Canada [$7.99] now 8,99 €, as opposed to its old 7,99 € cost of entry.

Even my boundless optimism is struggling to put some sort of positive perspective on this price increase, as it really is a massively disappointing action for all our readers in the affected regions. With ominous signs of support for 32-bit applications being abandoned in the next major iOS update, this is yet another kick in the teeth for the iOS gaming community. My grasp of international economics isn't strong enough to state whether this is an unfortunate inevitability of the climate or an opportunistic move from Apple (both aren't necessarily mutually exclusive), but there may be a small benefit to take from all of this. Similarly to on the UK App Store, a new 0,49 € pricing tier has emerged from some of the cheaper iOS titles such as Hitman Sniper [$0.99] - if you buy a lot of less expensive games or in-app purchases, there's a chance you may benefit out of these recent changes. For everyone else, be sure to share your unfiltered (but still family friendly!) views on our forum thread.