Carloscm80

Una colección de “diabluras estereoscópicas” reflejó el estilo de vida decadente de la burguesía, la corrupción y los excesos del Segundo Imperio francés, equiparándolo literalmente con un descenso al Infierno. [...] Apenas diez años más tarde, la London Stereoscopic Company se jactaba de poner a la venta más de 100.000 imágenes, y en 1901, Underwood & Underwood de Nueva York afirmaba fabricar 23.000 plachas estereoscópicas al día.

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En Turquía hay infinidad de maravillas con las que saciar nuestro apetito de historia. Desde la Mezquita Azul o Hagia Sofía en Estambul hasta la antigua ciudad de Éfeso o la Tumba de Amintas, uno de sus monumentos más antiguos. Pero hay un lugar mucho más interesante y misterioso: Göbekli Tepe. Situado a 15 kilómetros de Sanliurfa, cerca de la frontera con Siria, se encuentra el complejo megalítico más grande encontrado hasta la fecha, el templo más antiguo del mundo.

Se desconoce qué es, qué función desempeñaba y cómo es posible que tremenda construcción se encuentre donde se encuentra. ¿Fue un templo? ¿Fue un asentamiento? No se sabe, pero un nuevo estudio sugiere una hipótesis de lo más interesante: al menos uno de sus pilares era un calendario solar.

Las ruinas. Traducido literalmente como "colina panzuda", Göbekli Tepe es un complejo megalítico que está siendo excavado actualmente y que fue construido entre los años 9600 y 8200 a.C. La primera teoría, propuesta en el año 2000 por el alemán Klaus Schmidt (su excavador original), afirma que era un centro religioso del Neolítico, lo que convertiría a Göbekli Tepe en el templo más antiguo de la humanidad. También se cree que, además, podría haber sido un asentamiento de cazadores-recolectores.

Vista aérea de la zona de excavación principal | Imagen: German Archaeological Institute

No obstante, queda mucho por desenterrar. Se estima que el complejo tenía 90.000 metros cuadrados de extensión y sabemos que quedan otros 15 yacimientos sepultados. Se cree, de hecho, que uno de ellos sería todavía más antiguo (15.000 años), lo que nos llevaría a finales de la última glaciación y, por lo tanto, a 5.000 años antes de las primeras evidencias de la agricultura.

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Es decir, es un monumento con el potencial de cambiar por completo nuestra comprensión del Neolítico. El enfoque hasta su descubrimiento era que la revolución del Neolítico se originó con la agricultura y la domesticación animal, es decir, que gracias a la agricultura surgieron los primeros asentamientos y el origen de la civilización. Göbekli Tepe puede darle la vuelta a esta idea: ¿y si fueron los asentamientos lo que dio pie a la agricultura? Muchos misterios por resolver al que hay que sumar algo curioso: el complejo fue deliberadamente enterrado hace 8.000 años y olvidado.

En pocas palabras: Göbekli Tepe suscita muchísimas preguntas y apenas da respuestas, lo que lo hace todavía más interesante.

Símbolos con forma de V grabados en un pilar | Imagen: Dr. Martin Sweatman

¿Y si fue un calendario? Según explica el investigador principal Martin B. Sweatman (Universidad de Edimburgo) en un reciente artículo publicado en la revista Time and Mind, "los símbolos en V del Pilar 43 del Recinto D pueden interpretarse en términos de un sistema de calendario lunisolar con 11 días epagómenos, lo que lo convertiría en el ejemplo más antiguo conocido de su tipo". Es decir, que los antiguos habitantes del lugar habrían registrado sus observaciones del sol, la luna y las constelaciones, creando así un calendario solar.

El descubrimiento. Según recoge el estudio, "cada V podría representar un solo día". Esta interpretación permitió a los investigadores contar en uno de los pilares un calendario solar de 365 días, compuesto por 12 meses lunares más 11 días extra. Curiosamente, hay un día marcado de una forma bastante especial: el solsticio de verano. Este aparece representado por una V que lleva en el cuello "una bestia parecida a un pájaro, que se cree que representa la constelación del solsticio de verano de la época". En otras estatuas cercanas se han encontrado marcas similares, lo que podría indicar la representación de deidades relacionadas con el tiempo. En palabras de los investigadores:

"Dado que se representan tanto los ciclos lunares como los solares, las tallas podrían representar el calendario lunisolar más antiguo del mundo, basado en las fases de la luna y la posición del sol, que precede en muchos milenios a otros calendarios conocidos de este tipo".

Interpretación de los símbolos con forma de V para contar el calendario | Imagen: Dr. Martin Sweatman

¿Por qué empezar a hacerlo? Es una de las grandes preguntas y el estudio parece darle respuesta. "Es posible que los antiguos pobladores de Göbekli Tepe crearan estos grabados para registrar la fecha en que un enjambre de fragmentos de cometa impactó contra la Tierra hace casi 13.000 años, es decir, en el 10850 a.C", desliza el estudio. Dicho impacto habría provocado una pequeña era glacial y la muerte de muchos animales de gran tamaño, lo que habría sido el germen de cambios en el estilo de vida y la búsqueda de sustento mediante la agricultura.

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Otro aspecto interesante que destaca el estudio es que los hallazgos parecen confirmar que los antiguos eran capaces de registrar fechas usando la precesión, es decir, la variación principal que experimenta la Tierra en la dirección de su eje de rotación. Dicho de otra forma, es el fenómeno que provoca que las coordenadas de las estrellas cambien con el paso del tiempo. Para que nos hagamos una idea de lo curioso que es esto, no es hasta el año 150 a.C. que tenemos la primera referencia documentada de la precesión (por parte de Hiparco de Nicea, por cierto).

"Parece que los habitantes de Göbekli Tepe eran buenos observadores del cielo, lo cual era de esperar si se tiene en cuenta que su mundo había sido devastado por el impacto de un cometa", afirma el investigador. "Este acontecimiento podría haber desencadenado la civilización al iniciar una nueva religión y motivar el desarrollo de la agricultura para hacer frente al clima frío", concluye.

Portada | Teomanimit con licencia CC BY-SA 3.0

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"Una renta básica universal y garantizada para ciudadanos con ingresos inferiores al umbral de la pobreza federal en EEUU. En contra de las directrices que marca el subconsciente colectivo del principal mercado y la mayor economía del planeta, hay otra América, la que viven residentes sin recursos(...) Para ellos, en una larga decena de estados -casi una veintena durante la Gran Pandemia- aún permanecen, con un indudable éxito socio-económico y con ciertas garantías de prolongar su vigencia, aunque con contestación desde el ultraliberalismo de

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No decimos que no puedas llevarte las manos a la cabeza con algún momento poco apropiado o una situación cómica en los JJOO que se están celebrando en París, pero te aseguramos desde ya, que nada puede igualar a los legendarios JJOO que se celebraron en 1904 en San Louis, Estados Unidos. Y de entre todas las modalidades, para la posteridad quedará lo ocurrido en la esperpéntica maratón.

La Feria fue primero. Estos Juegos de 1904 se celebraron en el contexto de la Feria Mundial de San Louis, la cual conmemoraba el centenario de la Compra de Luisiana. De hecho, originalmente fue Chicago la ciudad seleccionada como anfitriona, pero los organizadores de la feria presionaron para trasladar los juegos a su ciudad utilizando toda su influencia y la magnitud del evento mundial.

Aunque la ciudad no era de gran tamaño, sí tenía gran poder porque concentraba el comercio del algodón y mantenía una fuerte actividad comercial. Sea como fuere, el COI acabó dando por buena la candidatura con el apoyo y elección del presidente Roosevelt. La combinación de los Juegos con la feria tenía, al menos sobre el papel, la intención de atraer más visitantes y darle mayor prominencia al evento deportivo. Como veremos a continuación, no salió como pensaban, sino todo lo contrario.

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Primera vez y participantes. Estos juegos, antes de celebrarse, ya contaban con varios hechos relevantes. A saber: fueron los primeros en hacerse fuera de Europa, los primeros donde el idioma “inglés” era mayoría, los primeros donde se entregaron las medallas de oro, plata y bronce a los primeros clasificados, y los primeros donde el boxeo y la lucha libre hacían su aparición. En total, 651 atletas (aunque solo seis mujeres) de hasta 12 países.

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Deportistas que estaban presuntamente preparados para competir en los 91 eventos de los 16 deportes olímpicos oficiales de aquella época. Más datos. Aunque había varios centenares de atletas, solo 42 eran de fuera de Estados Unidos. ¿La razón? En el viejo continente no pareció interesar demasiado cruzar el Atlántico y dejar por primera vez Europa. De todas formas y visto en perspectiva, fue una decisión acertada. Y no solo por lo que ocurrió. Duraron nada menos que cuatro meses.

Que comience el esperpento. Aunque para los anales de la historia de los JJOO quedaron algunas marcas (Archie Hahn ganó varias modalidades de metros lisos con un récord que perduró casi tres décadas), lo cierto es que el evento quedó marcado para siempre como el peor en todos los sentidos. El primero de todos se dio nada más comenzar. Bajo el título de Jornadas Antropológicas, hubo segregación racial en el desfile de inauguración. ¿Cómo? Mostrando a miembros de razas supuestamente inferiores que iban a competir en eventos paralelos (y sin registro oficial).

Jornadas Antropológicas.

A este respecto, se trataba de dos jornadas donde el evento obligaba a competir a los que EEUU consideraba “seres primitivos” (negros africanos o indios) en “disciplinas” como el lanzamiento de lanzas o arcos de cada “tribu”. El motivo era doble: se intentaba ridiculizar y demostrar la superioridad física y moral de la cultura angloamericana. Un hecho lamentable de la historia del deporte que el COI ha tratado de erradicar desde entonces.

Una maratón inigualable. Pasaron muchas cosas en los juegos, pero si nos ceñimos a la estrictamente deportivo, hubo un antes y un después en las olimpiadas tras la celebración de la maratón. Que sepamos, jamás se dieron tal número de ilegalidades, trampas, atentados a las personas y, en general, un sentimiento tan antideportivo en la historia de los JJOO. Un dato que quizás explique en parte lo ocurrido: entonces, no había rastro de profesionalidad.

Algunos de los atletas que compiten en el maratón posan para una foto grupal.

Pongámonos en contexto. La modalidad: maratón de 40 kilómetros con 32 atletas (representando solo cuatro naciones). La hora: un 30 de agosto al mediodía, porque si algo tiene que salir mal, mejor cuando el sol aprieta má (32 grados aquel día).

El recorrido empezaba y terminaba en el mismo estadio, pero, y a diferencia de las carreras que vemos en la actualidad, fuera era la “jungla” literalmente: campo a través sin carreteras donde debían atravesar siete colinas a lo largo de las llanuras de Missouri junto a unas pistas polvorientas donde se estaba celebrando una carrera de coches en paralelo.

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Preparados, listos… Comienza la maratón. Los corredores salen del estadio y empiezan a esquivar, además de la vegetación que encontraban a su paso, numerosos coches que se salían del circuito paralelo. El sol apretaba, pero tampoco había avituallamiento cerca para los deportistas. ¿La razón? La única fuente estaba en un pozo a 17 kilómetros del evento.

Al parecer, James Sullivan, el organizador principal de los juegos, había hecho esto deliberadamente para investigar. Quería ver los efectos de la ingesta mínima de líquidos y la deshidratación en los candidatos, poniendo a prueba sus límites y resistencia.

Participante de la maratón tras salir del estadio.

En estas condiciones, la prueba comenzaba a tornarse en misión imposible. Los hombres, muchos simplemente "atletas por un día" comienzan a desfallecer y caer por las zonas aledañas al estadio. Los que aguantaban a duras penas el paso sabían que la meta era una utopía sin algún tipo de ayuda. Algunos se detuvieron a comer y resultaron intoxicados, otros, como el sudafricano Taunyane, corrieron sin problemas hasta que, casualidad, un grupo de perros salvajes lo persigue.

El “ganador”. Y de entre todos los “deportistas”, el más listo de la clase, el estadounidense Fred Lorz. Descolgado tras caerse a los 14 kilómetros, decide reengancharse a la carrera… en uno de los coches participantes del circuito paralelo. De hecho, para la historia de la vergüenza más absoluta quedaron los últimos metros de Lorz, ya que en su “camino” hacia la gloria fue saludando al público y resto de participantes desde el auto.

La historia cuenta que su vehículo tuvo una avería a pocos kilómetros de llegar a meta, momento que aprovechó para bajarse y entrar al estadio a pie hasta llegar en primer lugar a la línea de meta.

La entrega de medallas más chanante. La entrega de premios también fue un "hito". Lorz subió sonriente al primer cajón, y mientras saludaba al público enfervorecido, se revelaba la trampa del atleta. ¿Su respuesta ante la organización? Lo admitió de inmediato, pero añadió que simulaba ganar la carrera como “una broma”. La AAU, el organismo de atletismo de EEUU, le prohibió competir de por vida (aunque, por lo que sea, lo indultaron un año después).

Hicks ayudado por organizadores

Segundo ganador. Tras la descalificación de Lorz el primer puesto fue a parar al británico Thomas Hicks. ¿El problema? A 15 kilómetros de la meta, el hombre se había detenido por fatiga. Al parecer, para que volviera a la carrera se le administró varias dosis de sulfato de estricnina con brandy, un alcaloide que se solía utilizar como pesticida para ratones, pero que en pequeñas dosis estimula el sistema nervioso. Dicho de otra forma, Hicks estaba “hasta las patas”, dopado, pero como entonces no existían reglas anti dopping, se dio por válida su carrera y resultó ganador.

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Recordando a “andarín”. No podemos terminar la historia de los peores JJOO sin dedicarle unos párrafos a la figura de Féliz “Andarín” Carvajal. Cartero de profesión (y hombre anuncio ocasional), el esforzado atleta en sus tiempos libres recorrió meses las calles de La Habana en busca de financiación para acudir a la maratón. Finalmente consiguió el dinero, aunque de camino lo perdió todo y recorrió el resto a pie o con ayuda de gente que se encontraba a su paso.

Andarín, después de cortarse los pantalones largos a la altura de la rodilla antes de la carrera

Indumentaria rara. Andarín no lo tuvo fácil cuando llegó. Se presentó con una indumentaria poco apropiada (pantalones y camisa larga) junto a los zapatos que utilizaba como cartero. Le cortaron los pantalones y salió a correr la maratón de su vida. Ocurre que tras más de un día sin comer y cuando lideraba la carrera, Andarín no podía más y se paró para comer unas manzanas. La fruta le indigestó y el hombre terminó echándose un rato.

Con todo, acabó cuarto, porque la maratón más esperpéntica de la historia de unas olimpiadas solo la terminaron 14 participantes. Afortunadamente, al menos Andarín dignificó el espíritu olímpico.

Imagen | Smithsonian, Jessie Tarbox Beals

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La noticia EEUU celebró los JJOO más lamentables. La maratón la ganaron en coche y hubo deportes para “seres primitivos” fue publicada originalmente en Xataka por Miguel Jorge .

Puede que lo que voy a decir te desbloquee un recuerdo, pero si veías series de animación en la década de 1980 y 1990, seguro que te acuerdas de El Fantasma. Ese personaje en pijama morado y antifaz apareció tanto en la serie 'Defensores de la Tierra' como protagonizando su propia serie: 'Phantom 2040'. Tuvo su importancia a finales del siglo XX, con películas de acción real y hasta videojuegos, pero nunca llegó a la popularidad de otros superhéroes.

Sin embargo, para Papúa Nueva Guinea, El Fantasma se convirtió en una parte importantísima tanto de su cultura como de la sociedad. Tanto que se convirtió en parte de su arte tribal y hasta se ha usado su imagen para campañas sociales de todo tipo.

El Fantasma. Aunque las películas y series animadas son de finales del siglo pasado, El Fantasma nació mucho antes. Concretamente en 1936. Fue una creación del dibujante estadounidense Lee Falk. La inspiración para crear al personaje vino gracias a leyendas e historias como las del Rey Arturo, Robin Hood, Tarzán o El Cid. Como todo buen superhéroe, El Fantasma tiene el trabajo de combatir el crimen, pero su propio nacimiento tiene bastante de mitológico. No vino de otro planeta, no tenía el superpoder de ser rico ni fue picado por una araña: se trataba de una persona normal.

Christopher viajaba a las indias desde Londres en 1525 cuando el barco fue atacado por piratas. Sólo sobrevivió él, quedando varado en una isla y, sujetando una calavera, juró que libraría a la sociedad de la piratería y la crueldad. Pero ojo: involucró en la tarea a toda su estirpe, por lo que todos los de su linaje en las generaciones venideras también tendrían esa tarea. Por eso, a lo largo de las generaciones, El Fantasma seguía vivo, lo que le dio el sobrenombre de 'El hombre que no puede morir'. Una condición de inmortalidad típica de los dioses, vaya.

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Frente del Pacífico. Aunque el personaje no ha sido tratado de manera tan dulce como los de DC o Marvel, se estima que ha sido traducido a 25 idiomas y que más de 100 millones de personas en 40 países siguen leyendo las aventuras del personaje. Donde sí era popular era a mediados del siglo pasado. Durante la Segunda Guerra Mundial, Nueva Guinea fue uno de los frentes del Pacífico en el que se enfrentaron Aliados (norteamericanos y australianos, sobre todo) y japoneses.

Como forma de entretenimiento, los soldados norteamericanos recibían paquetes con cómics y, entre las historietas, estaban las de El Fantasma. Los norteamericanos apostados en las tierras altas compartían los cómics con los habitantes de las tribus y, los miembros que sabían leer en inglés, contaban las historias al resto. La iconografía debió capturar la atención de las tribus, así como la localización de la tierra natal del personaje: el país ficticio de Bangalla. Aunque tiene influencias africanas, también algunas asiáticas y lo más importante: se alejaba de las urbes de otros cómics y se asemejaba a paisajes como el de las tierras altas de Nueva Guinea.

Muestras de escudos con la imagen de El Fantasma

Conflictos tribales en los 70. En Papúa y Nueva Guinea había cientos de tribus. Muchas aún existen, pero los europeos no llegaron a sus tierras hasta la década de 1930. Se encontraron tribus como la de los Wahgi: portadores de grandes escudos hechos a base de troncos de árboles y adornados con plumas. Eran usados en combate y, como pesaban tanto, algunos hombres decían que necesitaban la fuerza de los antepasados para levantarlos. ¿Recuerdas que el actual Fantasma es el heredero de los anteriores y un excelente guerrero? Seguro que eso también gustó a los Wahgi, ya que así se veían a sí mismos.

De la manera que sea, hubo un relativo periodo de paz entre las tribus hasta que, en los 70, volvieron los conflictos tribales. Los Wahgi tenían que volver a llevar al  frente los escudos, por lo que fueron decorados utilizando arte tribal. Y ahí fue cuando el artista Wahgi Kaipel Ka entró en escena decorando esos escudos con imágenes de El Fantasma. Lamentablemente, llegaron las armas de fuego y esos escudos de madera quedaron anticuados. Se construyeron nuevos a partir de chapa de coches y acero, que también se decoraron con motivos del superhéroe de Lee Falk, pero al final se dejaron de lado.

Pop tribal. Cuando elementos de la cultura popular se infiltran incluso en las sociedades más aisladas y éstas empiezan a añadirlo a su folklore, se utiliza el térmico "cultura pop tribal". Kaipel Ka no sólo diseñó escudos con la figura de El Fantasma, sino que también se encargaba de leer los cómics en público, transmitiendo las historietas de esas páginas. Y uno de los motivos por los que comenzó a plasmar al personaje en las herramientas de los guerreros es porque pensó que los líderes debían portar esos símbolos de valentía, fuerza y el legado generacional que representaba el personaje.

Es algo que se puede ver en este documental que, en unos 10 minutos, nos permite conocer esa historia. Sin embargo, no sólo El Fantasma penetró en la cultura de Papúa Nueva Guinea, ya que marcas occidentales como Coca-Cola, cerveza o cigarrillos también formaron parte de ese arte pop tribal.

Toma recuerdo desbloqueado.

Superhéroes, los nuevos dioses. Voy a salirme del tema de El Fantasma durante un par de líneas (pero prometo que está relacionado). Todas las culturas tienen su mitología. En ella hay una o varias deidades con las que, a lo largo de los siglos, se han explicado cosas, han encontrado consuelo y han tenido ese refugio espiritual. También los seres y personajes mitológicos, muchas veces ligados a las deidades.

Las deidades y mitología estadounidense viene heredada, pero (de una forma no tan exagerada), han creado a sus héroes. Sus superhéroes. No me gustó nada como película, pero tengo que reconocer que 'La Liga de la Justicia' de Zack Snyder (la versión de cuatro horas) ofrece esa visión de los superhéroes como los nuevos dioses, casi habitantes de un Olimpo por encima del bien, del mal y de la humanidad. Y, por qué no, puede que en unos cientos de años consideren a Batman de una forma similar a como hoy vemos a Hércules. En Papúa Nueva Guinea, está claro que algo de eso hay.

Palabra clave en Noruega. Volviendo a El Fantasma, los cómics no sólo tuvieron importancia para los Wahgi. La obra de Falk se inspiró en elementos nórdicos y, casualidad o no, donde también pegó fuerte fue en Noruega. El propio autor contó que, ciertos movimientos de resistencia noruegos durante la Segunda Guerra Mundial, así como otros grupos clandestinos en Haití y Argentina, utilizaban 'The Phantom' como contraseña.

Seguro que esas historias (también la de la cultura pop tribal de Papúa Nueva Guinea) alegraron a un Lee Falk que escribió historias de El Fantasma hasta sus últimos días. El autor falleció  en 1999 a los 87, quitándose la máscara de oxígeno durante sus últimas horas para dictar nuevas historias.

Imágenes | Phanttom 2040, Richard, The Phantom

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La noticia Hay una tribu de Papúa Nueva Guinea que tiene a un superhéroe de icono espiritual. La culpa es de la Segunda Guerra Mundial fue publicada originalmente en Xataka por Alejandro Alcolea .

Bill Gates parece haber iniciado una batalle sin cuartel frente al que considera uno de los mayores problemas para el calentamiento global: las vacas.

Primero la tomó con los pedos de las vacas por su alto contenido en metano, después las pobres vacas no podían ni tirarse eructos por el mismo motivo. Además, Bill Gates trató por todos los medios que las vacas pasaran a la más absoluta irrelevancia creando hamburguesas de carne de vaca artificial. En su última ofensiva contra las indefensas vacas, el millonario ha ido donde más duele: hacer mantequilla sin leche de vaca. Solo aire.

Fabricar mantequilla a partir de aire. Savor (sí, con v), es una startup con sede en California que afirma haber desarrollado un proceso complejo para la elaboración de mantequilla con el que se elimina la necesidad de la cría de animales para la industria alimentaria, consiguiendo su alternativa sin lácteos tenga el mismo sabor.

El método descubierto por Savor consiste en combinar dióxido de carbono con hidrógeno y oxígeno, utilizando calor para crear cadenas de átomos de carbono e hidrógeno que replican a las que se encuentran en los productos lácteos. "Comenzamos con una fuente de carbono, como el dióxido de carbono, y usamos un poco de calor e hidrógeno para formar cadenas que luego se mezclan con el oxígeno del aire para producir las grasas y aceites que conocemos, amamos y babeamos", explica Savor en su sitio web.

Gates la ha probado y todavía no puede creerlo. En una entrada reciente del blog personal de Bill Gates, el millonario publicaba un vídeo en el que Kathleen Alexander le mostraba algunos productos cocinados y elaborados con esa mantequilla fabricada en un laboratorio a base de CO2. Gates quedó maravillado con el resultado, asegurando que: "No podía creer que no estuviera comiendo mantequilla de verdad".

Alexander declaraba a The Guardian que "Actualmente estamos trabajando en la precomercialización y en la aprobación regulatoria para poder vender nuestra mantequilla. No esperamos poder avanzar con ningún tipo de ventas hasta al menos 2025". Ahí es donde el apoyo financiero de Bill Gates resultará clave para conseguir reducir costes y hacer que la mantequilla de CO2 pueda competir en precio con la de origen animal.

Luchar contra el calentamiento global desde la tostada. Reducir el consumo de carnes y lácteos de origen animal es uno de los objetivos para minimizar el impacto ambiental de la producción ganadera en la generación de gases de efecto invernadero.

Según los datos de su proceso de fabricación, la mantequilla artificial podría generar menos de 0,8 gr de CO2 equivalente por caloría, mientras que la huella climática habitual para la producción de mantequilla real sin sal con un 80% de grasa es de aproximadamente 2,4 gr de CO2 equivalente por caloría.

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Cuánto dinero tiene Bill Gates: cómo se distribuye la inmensa fortuna del fundador de Microsoft

La batalla no es solo contra vosotras. Bill Gates destacaba que el proyecto de Savor para fabricar sustitutos de las grasas animales para elaborar lácteos no solo contribuye a reducir el volumen de la cabaña ganadera global para minimizar su impacto ambiental, sino que también representa una alternativa a cultivos poco sostenibles.

El aceite de palma es la grasa vegetal más consumida del mundo, con más de 74,6 millones de toneladas producidas en 2019, de acuerdo a los datos de EOS Analytics. El cultivo de la palma aceitera, de la que extrae este aceite, es la responsable de graves pérdidas de bosques a nivel mundial, siendo el mayor impacto en las zonas de selva tropical poniendo en riesgo ecosistemas enteros. Encontrar una alternativa sostenible a esta grasa vegetal.

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Imagen | Unsplash (Joseph Corl)

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La noticia Bill Gates tiene una cruzada personal contra las vacas. Por eso está invirtiendo en mantequilla hecha con CO2 fue publicada originalmente en Xataka por Rubén Andrés .

No hace falta ser un erudito, ni tener un ojo adiestrado en el estudio del arte medieval. A poco que estés familiarizado con la iconografía cristiana de los siglos XIII, XIV y XV o hayas visto alguno de los retablos religiosos que se pintaban en Europa en aquella época es probable que te hayas hecho una pregunta: ¿Por qué muestran al niño Jesús así, feo, envejecido, adusto? Y feo, envejecido y adusto son tres adjetivos que probablemente se quedan cortos para no pocos de los retratos medievales que representan a Jesús en sus primeros años, en brazos de María.

Allí donde debería haber un niño en su más tierna infancia encontramos una criatura con arrugas, calvicie incipiente y la expresión de un filósofo sumergido en sesudas reflexiones. Lo más curioso es que son así no por falta de pericia de los artistas. Son de todo menos infantiles porque eso es lo que se buscaba.

Retratos del ¿niño? Jesús. Ejemplos hay para aburrir. Paolo Veneziano, Duccio di Buoninsegna, Masaccio, Giotto… Si algo tienen en común sus representaciones de la Virgen y el niño Jesús, más allá de haberlas pintado entre los siglos XIII y XV y representar siempre a los mismos personajes religiosos, es cómo lo hacían.

Se suponía que debían representar a una mujer joven con su hijo recién nacido o de solo unos años, pero lo que salía de sus pinceles era bien distinto: "niños viejos", criaturas de aspecto no muy saludable que parecen sexagenarios a punto de firmar la jubilación. En vez de rostros angelicales, creaban cabezas de calvicie incipiente, arrugas y expresiones que evocan cualquier cosa menos la idea de infancia.

Y para muestra un botón. O varios. Llega con echar un vistazo al niño Jesús de 'Crevole Madonna' (1283-1284), de Duccio di Buoninsegna que te mira desde el lado derecho de la imagen de la portada. O este otro pintado por Giotto a inicios del siglo XIV y que te observa con expresión igual de intensa bajo estas líneas.

Detalle de 'Maestà di Ognissanti', de Giotto, comienzos del siglo XIV.

¿Falta de pericia? Esa es la primera explicación que se viene a la mente: si pintaban al niño Jesús de esa guisa tal vez fuese por la falta de habilidad de quien manejaba los pinceles. La realidad es bastante más compleja… y fascinante. "Estos bebés feos fueron muy intencionados", explica Phil Edwards en Vox Magazine.

Fuesen más o menos habilidosos, al trazar el rostro de Jesús los pintores se guiaban por convenciones, un código asimilado y compartido y un bagaje cultural que en este caso afectaba tanto a la idea de la infancia como muy especialmente la del propio niño Jesús. De hecho una de las claves que nos ayudan a entender estas piezas es que los artistas medievales no buscaban captar fielmente la realidad. Si sus bebés no resultan realistas es porque no estaban interesados en el realismo.

Importa el mensaje, no la fidelidad. "La extrañeza que vemos en el arte medieval se debe a la falta de interés por el naturalismo. Se inclinaban más por las convenciones expresionistas", relata Matthew Averett, profesor de la Universidad de Creighton. Cada pintor manejaba sus propios pinceles y pinturas, cierto; pero en un contexto que influía en sus obras. Ellos eran los creadores, pero recurrían a un lenguaje y unos convencionalismos claros. "La idea de la libertad artística para representar a estas personas como uno quisiera habría sido nueva", añade.

"El arte no estaba interesado en el naturalismo, sino más bien en la expresión teológica", recalca en The Conversation Angela McCarthy, de la Universidad de Notre Dame Australia. Y eso no se nota solo en el aspecto con el que se retrataba al niño Jesús. En el arte occidental la teología influyó también en las composiciones: Jesús suele aparecer sentado con una postura madura o envuelto en pañales. "Este último era un intento de representar las referencias bíblicas a un niño envuelto en pañales o el sudario colocado sobre Jesús tras su muerte", apostilla McCarthy.

Detalle de una representación del niño Jesús de mediados del siglo XIV de Paolo Veneziano.

No digas niño, di mejor "homúnculo". Si hay una palabra que ayude a entender esos inquietantes "niños-hombre" que descansan en el regazo de María y nos miran desde las tablas medievales es esa: homúnculo, que significa "hombre pequeño". El niño Jesús era al fin y al cabo un niño, pero no uno cualquiera.

McCarthy recuerda que su representación artística junto a María empezó a expandirse tras el Concilio de Éfeso, en 431, y no mucho más tarde, en 451, se celebró otro concilio en Calcedonia que resultaría clave para las representaciones del niño Jesús: "Parte de la interpretación que la iglesia hizo del concilio fue que Jesús era plenamente humano y divino. Algunos teólogos interpretaron que esto significaba que estaba plenamente formado desde el principio, con conocimiento de su divinidad", revela la experta de la Universidad de Notre Dame Australia: "Esto era difícil de representar en el arte y de ahí el nombre del niño-hombre".

"Perfectamente formado". Lo que observamos en los retablos de la Edad Media no es por lo tanto una simple representación (más o menos realista) de un pequeño con su madre. No. El mensaje es más complejo... y rico. Nos muestra una idea del Jesús niño influida por la teología cristiana y ciertas convenciones. Y en la que sobrevuela ese concepto, el "homúnculo". "Existe la idea de que Jesús estaba perfectamente formado y sin cambios", recuerda Averett, "y si combinas eso con la pintura bizantina, se convirtió en una forma estándar re representar a Jesús. En algunas de estas imágenes parece que tuviera calvicie con un patrón adulto".

Buen ejemplo es el niño que te observa desde el lado izquierdo de la composición que abre este reportaje. La imagen está tomada de 'Madonna della Pace', un icono que, como recuerdan desde la propia Basílica Santi Giovanni e Paolo, fue donado a los dominicos por un senador que lo tomó de Constantinopla a mediados del XIV. "En la tradición ortodoxa oriental, desde aproximadamente el siglo VI hasta la actualidad, el niño Jesús parece un pequeño hombre", abunda McCarthy.

Detalle de 'Virgen de Veveri', de mediados del siglo XIV.

Importa lo que se mira… y quién mira. Con su peculiar apuesta por los retratos de niños envejecidos, de bebés-hombres, los artistas lograban algo más que incidir en el concepto de "homúnculo". Sus peculiares niños Jesús influían también en quién miraba. Mejor dicho, en los sentimiento de quién los contempla.

"La idea detrás de esta representación es eliminar la respuesta emocional que uno tiene hacia el bebé y, en cambio, atraer al espectador hacia una comprensión más importante de la acción de Dios al hacerse humano", explica McCarthy. Dicho de otra forma, por más que se representase en su más tierna infancia, un niño Jesús no debía ser adorable. Su misión era reafirmar el mensaje religioso.

Sabiduría mejor que ternura. Al pintar a Jesús o cualquier otra figura religiosa en su infancia, el pincel del artista no debía de mostrar a personajes vulnerables ni mucho menos débiles. Incluso aunque el personaje en cuestión fuese un bebé que no llegara incluso al año. El mensaje que debía transmitirse era otro distinto: sabiduría, poder. Y dada el peso de la Iglesia en el arte medieval, la idea se expande hacia otras presentaciones, como señala a CBC News Laureanza Vézina Laprise, otra de las expertas que ha investigado el fenómeno.

"En aquella época los cuadros los encargaban sobre todo las iglesias. Así que cuando pintaban a un bebé, pintaban a Jesús", comenta la investigadora: "No querían necesariamente pintar un bebé ‘bebé’, sino a un Niño Jesús".

Obra de Ambrogio Lorenzetti, de inicios del siglo XIV.

Del bebé anciano al bebé adorable. No hay convención que dure eternamente. Y la de los homúnculos medievales no fue una excepción. Con el paso del tiempo aquellos niños Jesús dieron el paso a representaciones más realistas y con bebés menos avejentados en una transición que para los expertos se explica por un factor clave: el empuje cada vez mayor del arte no religioso.

Durante el Renacimiento floreció una nueva clase social que demandó retratos, pero con una vocación distinta: lo que querían era representaciones reconocibles y adorables de sus hijos, no imágenes empapadas de teología, recuerdan desde Vox Magazine. El propio arte, sus motivaciones y enfoque vivieron un cambio notable.

"En el Renacimiento existe un nuevo interés por observar la naturaleza y representar las cosas tal como se ven en realidad", señala Averett. A su modo, cambia también la idea de la infancia y la actitud de los adultos hacia los más pequeños del hogar. "Más adelante tenemos la idea de que los niños son inocentes. Si nacen sin pecado, no pueden saber nada", abunda el experto de Creighton.

Buscando bebés más realistas. "Con la llegada del Renacimiento a Italia a partir del siglo XIV, la representación del bebé se volvió mucho más realista. Esta imagen del bambino de gran belleza ha seguido a lo largo de los siglos posteriores", concuerda McCharthy. "En Italia, una clase media al alza quería retratos familiares con sus bebés de aspecto natural y bello. El auge del naturalismo y el realismo en el arte también cambió las representaciones del niño Jesús". El resultado: niños que dejan de parecerse a abuelos preocupados por la inestabilidad en Oriente Medio o las presidenciales de EEUU y pasan a mostrar a criaturas realistas e infantiles.

Imágenes | Wikipedia 1, 2, 3, 4, 5 y 6

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La noticia En la Edad Media el niño Jesús aparecía representado como un "bebé anciano". El motivo aún fascina a los expertos fue publicada originalmente en Xataka por Carlos Prego .

Aunque cueste creerlo, hubo una época donde subirse a un avión resultaba agradable. Hoy, el consenso se acerca más al hastío. Y sin embargo, siempre hay quién encuentra grietas en un sistema donde todo parece ir mal (o peor que antes). Esto está ocurriendo estos días en Estados Unidos. Un día, las aerolíneas decidieron maximizar sus beneficios vendiendo más billetes que asientos en un avión. Lo llamaron overbooking, y no tiene por qué ser malo (si no tienes prisa).

Viaje a Roma gratis. Valga como ejemplo de lo que está ocurriendo un caso que se dio en septiembre del año pasado. La historia tuvo lugar en un vuelo de Delta Air Lines de Boston a Roma. Un vídeo de TikTok de un empleado de la compañía mostraba el interior del avión mientras decía lo siguiente: “venga, $3.500, ¿alguien puede aceptar por el equipo? Les conseguiremos un hotel si se presentan".

Al final, 10 pasajeros aceptaron entre 2.000 y 4.000 dólares a cambio de salir del avión. El vuelo estaba tan sobrevendido que los auxiliares ofrecieron a los pasajeros miles de dólares en un bono y una habitación de hotel junto a un vuelo posterior.

@onlyinbos

13 passengers on an overbooked #Delta flight from #Boston to #Rome were given between $2000-$4000 plus hotel rooms to voluntarily give up their seat on the plane due to the flight being overbooked. 📹: @michaela_romanosmith

♬ original sound - Only In Boston

Overbooking antes. Durante muchos años, que las aerolíneas vendieran más billetes de los asientos que disponía un avión era normal, no tanto las formas. Las compañías sabían que el margen de beneficio de un vuelo es relativamente bajo comparado con los costes de mantenimiento y trasporte de un avión. Necesitaban llenar el vuelo sí o sí, y se dieron cuenta que entre un 10% y un 15% de los pasajeros con billetes comprados no aparecían en la cola de embarque.

¿Solución? Vender un 10% de billetes más en relación al número de asientos. De esta forma, neutralizaban la tasa de “no presentados” y entraba dentro del marco regulatorio aéreo de EEUU. ¿El problema? Cuando todos los pasajeros con billetes acuden al vuelo. El protocolo entonces consistía en una pequeña compensación a los “voluntarios” que se bajaran, y si nadie lo hacía, se elegía por sorteo.

A malas, se llamaba a la policía.

Pero llegaron las redes sociales y las imágenes de lo que estaba ocurriendo. Se dieron un gran número de denuncias y casos realmente desagradables. De todos, el mayor detonante de cambio se dio con el caso de United y el hombre que fue expulsado a patadas de uno de sus aviones teniendo sus billetes en regla. Fue un punto de inflexión para el sector.

Overbooking en la actualidad. Hoy, cuando las aerolíneas saben que un vuelo está sobrevendido, generalmente piden voluntarios para ceder sus asientos, centrándose en los pasajeros que no tienen un horario apretado. La diferencia está en que los incentivos ahora son mayores.

La mayoría de las veces, las ofertas son suficientes para convencer a algunos de que cedan su asiento. Cuando eso no sucede, la aerolínea sube más los incentivos y, en el último de los casos, obliga a "ceder" su asiento. En este caso y según las reglas del Departamento de Transporte de Estados Unidos, la aerolínea debe recompensar al pasajero con el 200% del coste de ida de ese vuelo por retrasos de menos de dos horas, o el 400% por retrasos que duren más. Por un vuelo retrasado más que eso, la suma puede ascender hasta los 1.550 dólares.

Miles de “voluntarios”. Solo la compañía Delta, de enero a marzo de este año, lleva contabilizados 23.699 pasajeros que se han ofrecido voluntarios a salir del vuelo a cambio de bonos y beneficios de viajes. Según Fortune, tras la pandemia las aerolíneas están dispuestas a desembolsar más beneficios para sacar a los viajeros de vuelos sobrevendidos, llegando a desembolsar ​​hasta 10.000 dólares en efectivo. Un hecho que, al parecer, no ha pasado desapercibido por muchos.

El caso Jarman. Sam Jarman se define como un creador de contenido financiero a tiempo completo, y entre otras cosas, “comparto trucos que a la gente le gusta, y todo lo relacionado con consejos y trucos sobre vuelos, encanta”. Lo expulsaron de un vuelo por overbooking y se encontró con una buena recompensa, y desde entonces ha llevado a cabo una práctica que ha hecho popular en redes.

Según Clint Henderson, editor jefe del medio de viajes The Points Guy, “entre los asientos cada vez más reducidos y la comida, los vuelos comerciales han perdido su brillo a los ojos de los viajeros. Mientras las aerolíneas intentan endulzar la oferta para los viajeros con beneficios como lujosos salones con masajes, los clientes resentidos seguirán haciendo lo que puedan para obtener una ventaja sobre las aerolíneas que sienten que los están estafando. Es un sentimiento comprensible por parte de los pasajeros, pero no es una buena noticia para la industria".

La redes fomentan “trucos”. Henderson comenta que la situación de la aviación comercial actual es más bien sombría. Hay récord de viajes, pero no se han traducido en ganancias. Mientras, cuenta que las tendencias de TikTok por compartir trucos puede llevar a demasiados viajeros a aprovechar las reglas de overbooking, y "eso no es una buena noticia".

Otros cargos. En el escenario actual, las aerolíneas buscan maximizar beneficios con todo tipo de inventivas. Por ejemplo, Lufthansa ha encarecido sus billetes hasta 72 euros. ¿La razón? Un nuevo "recargo por costes medioambientales". Otra discrepancia con los usuarios que se suma a la cola de prácticas de dudosa reputación en los últimos años (como la elección de asiento o la falta de un estándar para el tamaño de la maleta de mano).

Imagen | Mark Hodson, Austrian Airlines, Mx. Granger, Rawpixel, Pikpick

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Japón nos suele fascinar por lo desconocido y a veces inexplicable desde nuestra cultura occidental (también les pasa a ellos con nosotros). En un país donde muchas palabras ni siquiera tienen una traducción a nuestra lengua (o necesitan de una frase), se dan infinidad de situaciones que nos producen curiosidad. Luego hay otro conjunto de historias que no solo nos fascinan a nosotros, también a ellos. Esta es una de ellas, y empezó cuando alguien vio algo ciertamente extraño.

La carretera. La noticia nos lleva ante uno de los parajes más famosos del país nipón. Ubicado en el centro-oeste de la isla de Honshu, en la prefectura de Shiga, al noroeste de Kioto, se encuentra el monumental lago Biwa, el más extenso de Japón ocupando un área de 670 kilómetros cuadrados. 

Bien, el país vive inmerso en un misterio que difícilmente tiene explicación lógica: alguien ha construido sin permiso una carretera en el lago. Y no lleva a ningún lado.

El lago Biwa desde el espacio

El chivatazo. La historia se inició en el mes marzo de este año, cuando el informe de un anónimo llegó a las oficinas de ingeniería civil de la ciudad de Takashima, prefectura de Shiga. En dicho documento se informaba de un extraño avistamiento en Biwa. Alguien había construido lo que parecía una carretera en el lago más grande de Japón.

Una investigación posterior no solo verificó la pista, también las medidas de aquella misteriosa construcción. Se trataba de un camino de unos 70 metros de largo y 3 metros de ancho hecho de tierra compactada que conectaba dos accidentes geográficos en el delta del río Ado. Además, se podían ver huellas de neumáticos, lo que indica claramente algún tipo de uso.

Google Maps. Las herramientas de satélite como Google Maps daban otra pista de la antigüedad de la carretera. Las tomas satelitales tomadas hace tres años no mostraban nada parecido a un terraplén o camino, tampoco de sedimentos que indicaran algún tipo de formación natural, y la prefectura de Shiga afirmaba que "hasta mayo del año pasado, la carretera nadie había confirmado la carretera".

Ubicación de la "carretera" en Google Maps

Desde Google Maps hoy se aprecia que la carretera ha sufrido un desgaste considerable, probablemente por la subida del agua. De hecho, el área cercana al sitio en cuestión es un humedal al que ni siquiera los lugareños pueden acceder. Los residentes de Takashima tampoco tienen ni idea, ya que nadie va nunca a dicha zona, “allí no hay nada que hacer excepto que los avispones o los jabalíes le piquen”, señalan los locales.

La televisión se desplaza. La bola se hizo más grande. Si nada ni nadie solía acercarse a los alrededores de la construcción, ¿quién y por qué demonios hizo semejante obra? La historia ha cogido tal tracción que hasta allí se han desplazado las televisiones locales. Uno de los reporteros indicó que cuando llegó, observó que el mal estado había hecho pedazos varias zonas, lo que delataba piezas “que parecían de asfalto, hierro y hormigón”.

La última pista. Tras el aviso inicial, el departamento de ingeniería civil informó sobre la carretera a la policía. Tres días después, las autoridades recibieron una llamada de una persona anónima que les dijo que había sido el autor, y que había amontonado tierra para hacer el camino. El departamento de ingeniería civil le ordenó a la persona que devolviera el área a su estado original.

Un misterio sin lógica. Si has llegado hasta aquí es posible que quieras saber la razón o motivo que llevó a quien fuera a construir una carretera en el lago más extenso de Japón. Hablamos de una obra de días y mucho trabajo para una sola persona, una que, aparentemente, no tiene ningún sentido. 

Ese dato la policía no lo ha dado, y tan solo se sabe que hay una acusación por desarrollo no autorizado, aunque la persona tras la llamada tampoco se ha presentado hasta ahora. Mientras tanto, han pasado varias semanas desde que la prefectura dio instrucciones a quienes llenaron el área de restaurarlo a su estado original, pero el camino que lleva a ninguna parte sigue ahí.

Imagen | A-giâu, Yomiuri TV, GLCF

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La noticia Japón busca a la persona que construyó una carretera en el lago más grande del país. No lleva a ninguna parte fue publicada originalmente en Xataka por Miguel Jorge .

Ah, los parques de atracciones. En Estados Unidos son parte del emporio de las multinacionales del entretenimiento, y tienen una importancia financiera comparable a la de las películas. Por eso, adaptadas a distintas atracciones se ruedan a veces películas que cuentan con actores y directores de las franquicias en cine originales y, por ello, funcionan como secuelas más o menos canónicas.

¿Algunos ejemplos? 'Guardians of the Galaxy – Mission: Breakout!', en Disney California Adventure, con voces y actuaciones de Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Bradley Cooper y Vin Diesel (Groot). O 'Harry Potter and the Forbidden Journey' y 'Harry Potter and the Escape from Gringotts' para los parques de Universal Studios, donde Daniel Radcliffe, Rupert Grint y Emma Watson retomaron sus papeles. Pero ninguna tuvo la ambición y los grandes resultados de 'Back to the Future: The Ride'.

De hecho, la película que acompaña la atracción, de una media hora, funciona como una cuarta parte de la saga, ya que sus eventos transcurren después de 'Regreso al futuro III', cuando Biff Tannen, el villano de la saga, roba un DeLorean a Doc. La atracción se estrenó en mayo de 1991, solo un año después de la llegada a cines de la tercera película, que recordemos que se estrenó a su vez solo cuatro meses después de la segunda, que se rodó simultáneamente. Llegó el 2 de mayo de 1991 a los Universal Studios Florida, un par de años después a los Universal Studios Hollywood y, finalmente, ya en 2001, a los Universal Studios Japan de Osaka.

Con Christopher Lloyd y Thomas F. Wilson retomando sus papeles de Doc Brown y Biff Tannen, nos desplazamos al año 1991 (es decir, el presente de los espectadores de la atracción). Doc Brown funda el Instituto de Tecnología del Futuro. Pero cuando Biff roba un DeLorean, Doc pide ayuda a los visitantes, para que a bordo de un DeLorean de ocho pasajeros se embarquen en una persecución que les lleva al período jurásico, al año 2015, y al Hill Valley de 1955.

Entre los atractivos de 'Back to the Future: The Ride' estaba el simulador de movimiento que hacía que ocho personas tuvieran la impresión de estar a bordo de un Delorean mientras miraban una enorme pantalla en forma de cúpula IMAX que los envolvía con una vista de 180 grados. Viento, humo y luces estroboscópicas se usaban durante la proyección para hacer más realista el viaje y para aumentar la sensación de velocidad y movimiento.

En Xataka

Cuando una fotografía cambia la dirección de toda una película: de 'Regreso al Futuro' a 'Camino a la perdición'

Cuando la fama de 'Regreso al futuro' comenzó a decaer, la atracción fue sustituida por una de 'Los Simpson'. En ella, los creadores se permitieron una buena cantidad de guiños a la atracción que les había precedido: Comic Book Guy con la chaqueta futurista de Marty, un Doc Brown animado con la voz de Christopher Lloyd y referencias al Instituto de Tecnología del Futuro, que Doc no tiene más remedio que vender al Profesor Frink. La película de 'Back to the Future: The Ride', restaurada y remontada, apareció en diversas ediciones domésticas de la saga a partir de 2010.

Cabecera | Universal

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La noticia 'Regreso al futuro 4' existe (más o menos): esta secuela oficial se estrenó en 1991, pero casi nadie la ha visto fue publicada originalmente en Xataka por John Tones .

A Elizabeth J. Magie el destino le jugó una mala pasada. En un alarde de imaginación y pedagogía, en 1904 ideó un juego de mesa al que llamó 'The Landlord´s game' para señalar los males del capitalismo y dar a conocer los postulados del georgismo, una filosofía económica que abogaba por la propiedad colectiva de la tierra. Con el tiempo sin embargo su obra acabó convirtiéndose en todo lo contrario: un símbolo universal del capitalismo. Tanto es así de hecho que a día de hoy el logo del juego es probablemente, junto al símbolo del dólar estadounidense, la imagen más icónica de cuanto representa el mercado.

Su nombre también ha cambiado. Ahora se llama Monopoly.

El juego de Magie. Su nombre tal vez no te suene, pero Elizabeth J. Magie es el cerebro y el alma que están detrás de uno de los juegos de mesa más populares de la historia: el Monopoly. Solo que ella no lo llamó así. Y el propósito original con el que lo ideó, hace ya más de un siglo, ha acabado alterándose por completo. Tanto, que no es descabellado pensar que se escandalizaría con su enfoque actual.

Magie era una mujer de Illinois, inconformista y apasionada por las artes y la economía, que a comienzos del siglo XX decidió crear una obra para señalar los males del capitalismo y poner en valor la filosofía económica que ella abrazaba, el georgismo. Solo que a diferencia de otros autores, Magie no optó por escribir un ensayo o una obra de teatro. Lo que hizo fue idear un juego de mesa al que llamó 'The Landlord´s game'. En enero de 1904 lo registró con la patente 748.626.

Otra forma de acercarse George. La forma quizás resulte peculiar; el fondo, no tanto. Lo que Elizabeth Magie quería con su juego era dar a conocer parte de la teoría económica de Henry George, un intelectual muy popular en su época, autor de 'Progreso y pobreza' y gran exponente de la ideología económica georgista.

Como recuerda el historiador Eduardo Montagut, George opinaba que cada individuo es dueño de lo que gana, por lo que respetaba la propiedad privada; pero difería del capitalismo en un aspecto clave: aquello que aporta directamente la naturaleza, incluida la tierra, son recursos que pertenecen a todos por igual.

Con esa premisa el georgismo abogaba por la aplicación de un impuesto único sobre bienes inmuebles, una tasa que gravase de forma directa el recurso, no su mayor o menor productividad, y acabará beneficiando al conjunto de la sociedad. La idea era sencilla: ya que la tierra pertenecía a todos, su aprovechamiento debería dejar también beneficios, vía impuestos, para la comunidad.

Un circuito, dos modos. 'The Landlord´s game' supuso todo un alarde de talento didáctico para dar a conocer el georgismo. La economista Kate Raworth recuerda que Magie diseñó un circuito repleto de calles y monumentos a la venta, precios de compra, servicios y cartas que se tomaban al azar. La clave de su obra eran sin embargo sus dos reglamentos. Muy distintos entre sí. Y elocuentes.

El primero era el de la "Prosperidad", una dinámica de juego comunitaria: cuando un participante se hacía con una propiedad todos los jugadores ganaban algo. La partida terminaba cuando el peor posicionado al principio duplicaba su "fortuna".

El segundo reglamento era competitivo y su nombre no podía ser más intencionado: "Monopolista". Con él, cada uno de los jugadores avanzaba a costa de comprar propiedades y cobrar rentas para arruinar a sus contrincantes.

"Demostración práctica". Las conclusiones del juego dejaban poco margen para interpretaciones, pero por si acaso Magie se encargó de expresarlas de forma clara, negro sobre blanco. Su obra era una "demostración práctica del sistema de acaparamiento de tierras, así como sus resultados y consecuencias", razonaba.

El foco lo tenía puesto sobre todo en los más pequeños. "Dejemos que los niños vean claramente la enorme injusticia de nuestro actual sistema agrario y, cuando crezcan, si se les permite desarrollarse de forma natural, el mal se remediará", explicaba Magie en las instrucciones que acompañaban al juego.

Y se creó el Monopoly. Magie diseñó 'The Landlord´s game' hacia 1903, en 1904 obtuvo la patente y en 1906 lanzó el juego por su propia cuenta. Al cabo de tres años probó suerte con un fabricante, pero sin demasiado éxito. La compañía lo rechazó porque consideraba que sus reglas eran muy complicadas. El siguiente episodio crucial en la historia del juego llegó décadas después, en los años 30, cuando Charles Darrow conoció por casualidad la creación de Magie.

A Darrows la idea le pareció tan atractiva que le llevó a a Parker Brothers. No mucho después se lanzaba el Monopoly. La compañía acabó comprando la patente de Magie, pero con los años el enfoque ideológico que había inspirado a su autora quedó totalmente alterado: se promocionó la dinámica de juego en la que ganaba el participante que lograba arrastras a sus contrincantes a la bancarrota y la idea de un impuesto único sobre la tierra y los postulados georgistas se esfumaron.

El resto es historia de los juegos de mesa… y del capitalismo: el famoso "Rich Uncle" ha logrado vender cientos de millones de copias y su imagen, de hombre canoso, con bigotes, bastón y sombrero de copa, se convirtió en un icono del sistema económico cuyas vergüenzas quería evidenciar Elizabeth Magie.

Imágenes | William Warby (Flickr) y Wikipedia 1, 2 y 3

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La noticia El Monopoly es un icono del capitalismo, pero se creó para todo lo contrario: denunciarlo y defender un sistema alternativo fue publicada originalmente en Xataka por Carlos Prego .

Si estás buscando aplicaciones para unir dos fotos en una sola, has llegado al artículo adecuado. Quien dice dos fotos, dice 3 o 4, el límite está tanto en la aplicación que utilicemos como en nuestras necesidades. Lo primero que debemos tener en cuenta a la hora de utilizar una u otra aplicación es la finalidad.

No es lo mismo utilizar una aplicación para unir fotos una al lado de la otra, para unir capturas de pantalla o para crear los típicos collages, donde podemos unir diferentes imágenes utilizando una serie de patrones que, dependiendo de la aplicación, pueden ser más o menos numerosos.

Con el Atajo Select & Combine Imagers

Antes de recurrir a las diferentes aplicaciones disponibles en la App Store, siempre debemos darle una oportunidad a los Atajos de Apple, ya que, en la mayoría de las ocasiones, podemos encontrar un atajo para realizar acciones que pueden solucionar el problema al que nos enfrentamos.

Para unir fotos en iOS o iPadOS, podemos hacer uso del Atajo Select & Combine Imagers. Este atajo nos permite combinar fotografías en horizontal, vertical o creando una cuadrícula, establecer un marco para separar las imágenes…

Este atajo, tiene en cuenta la resolución de las imágenes, por lo que, si combinas fotografías con diferentes resoluciones, estas no tendrán el mismo tamaño en la composición final, como podemos ver en la imagen superior.

PicSew

Si tu objetivo es unir dos o más capturas de pantalla de una conversación de WhatsApp, de una página web, de un documento… la aplicación que estás buscando es PicSew. PicSew, detecta automáticamente las capturas verticales y las combina a la perfección sin que tengamos que hacer absolutamente nada más que seleccionar las imágenes.

También nos permite unir dos o más fotografías en horizontal, añadiendo un marco, que las separe, añadir un texto, resaltar zonas de la imagen… Además, con PicSew también podemos añadir un marco a las capturas que hacemos con nuestro iPhone, iPad o Apple Watch.

Esta aplicación no está pensada para hacer collage en diferentes composiciones, ya que únicamente une imágenes en vertical o en horizontal. Una vez hemos unido las fotografías o capturas de pantalla, podemos exportar el resultado en alta resolución al carrete de nuestro dispositivo. Además, también nos permite añadir una marca de agua a las imágenes.

Otra opción que nos ofrece esta aplicación cuando queremos compartir el contenido que hemos creado, pasa por exportarlo en formato PDF, siendo también una de las mejores aplicaciones de la App Store para convertir fotos en PDF.

PicSew está disponible de forma gratuita para su descarga, sin embargo, integra dos compras in-app para sacarle el máximo partido. La primera compra, nos permite desbloquear la versión Standard, una versión que nos permite exportar las fotos que unimos en alta resolución. Esta compra tiene un precio de 0,99 euros.

La segunda compra, con la que desbloqueamos la versión Pro, desbloquea la función que permite exportar el contenido que creamos con la aplicación en formato PDF. Esta compra, tiene un precio de 1,99 euros, aunque promocionalmente podemos encontrar a la mitad de precio.

Picsew - Screenshot StitchingGratisDescargar App

Collage de Fotos

Collage de fotos pone a nuestra disposición una amplia gama de diseños y estilos que podemos cambiar de tamaño, y reorganizar libremente hasta encontrar el diseño que más nos gusta para combinar varias fotografías.

Además, incluye un gran número de filtros que nos permitirán personalizar, aún más nuestra creación. Nos ofrece una interfaz muy sencilla y está disponible para su descarga de forma gratuita.

Sin embargo, para poder sacarle el máximo partido a la aplicación, debemos hacer uso de una suscripción. Pero, sin ella, tenemos a nuestra disposición una amplia variedad de marcos si lo único que queremos es juntar dos o más fotografías sin añadir florituras que podemos añadir con otras aplicaciones.

Collage de fotos tiene una valoración media de 4,6 estrellas sobre 5 posibles. Puedes descargar Collage de Fotos de forma totalmente gratuita a través del siguiente enlace. La aplicación requiere de iOS 13 o superior y además es compatible con los Mac con el procesador M1 de Apple.

Collage de Fotos: Foto MontajeGratisDescargar App

Ṗhoto Collage

Photo Collage pone a nuestra disposición más de 2.000 diseños, efectos stickers y herramientas para crear el collage perfecto. Aunque podemos descargar la aplicación de forma totalmente gratuita, para poder sacarle todo el partido, debemos hacer uso de la suscripción mensual o anual que pone a nuestra disposición.

Sin embargo, las opciones gratuitas que nos ofrece sin pagar son más que suficientes si no tienes unas necesidades muy amplias y tan solo quieres crear un collage sencillo, sin muchas pretensiones.

Nos permite añadir stickers y texto a nuestras composiciones con diferentes tipografías además de añadir efectos 3D a los textos, podemos combinar hasta 64 imágenes en un collage, 800 marcos disponibles y 500 efectos. También incorpora un editor de vídeo

Photo Collage tiene una valoración media de 4.4 estrellas sobre 5 posibles, requiere de iOS 15 en adelante y es compatible con los Mac con el procesador M1 de Apple.  La podéis descargar a través del siguiente enlace.

Photo Collage Maker Pic EditoṙGratisDescargar App

Pic Stitch

Si quieres crear un collage a partir de varias imágenes, lo que es más complejo que unir dos fotos, una de las aplicaciones que nos ofrece una más amplia variedad de formatos para crear composiciones de fotografías es Pic Stitch, una aplicación que podemos descargar de forma totalmente gratuita, incluye anuncios y un sistema de suscripción.

Sin embargo, no hace falta hacer uso de la aplicación para utilizar más de 30 marcos para crear nuestras combinaciones de imágenes. No nos permite modificar el fondo, color y borde del marco e incluye una marca de agua en todas las composiciones.

Lo que si nos permite es modificar el formato: 1×1, 1×2, 2×1, 6x4x3x4x4x3… Si tus necesidades no son muy elevadas, esta aplicación puede satisfacer tus necesidades puntuales sin tener que pagar por la suscripción, una suscripción anual que tiene un precio de 32,99 euros.

También nos permite comprar la aplicación para siempre y olvidarnos de las suscripciones, si nos sobran 149,99 euros por el «Súper Paquete». Podéis descargar Pic Stitch a través del siguiente enlace.

Pic Stitch - Collage EditorGratisDescargar App

Pixelmator

No es lo más sencillo, pero la aplicación sirve para mucho más que para unir dos fotos o más. En 2014 aproximadamente circulaban rumores de que Apple había comprado la aplicación para ofrecer algo relativamente profesional a sus usuarios, pero nunca llegó a confirmarse. En la tienda de aplicaciones oficial aparece como desarrollada por Pixelmator Team por un precio de 9.99€, aunque ha habido ocasiones en las que se ha ofrecido por menos de 2€.

Pixelmator es un editor de imágenes muy potente y con él podemos crear collages también. Mi recomendación personal es que no usemos algo tan profesional si no lo necesitamos, pero que guardemos herramientas así en al recámara por si necesitamos crear algo tan complejo que ninguna de las opciones existentes sean capaces de crear.

Como editor de imágenes que es, nos permite cambiar el tamaño de la imagen general e ir añadiendo los componentes del collage manualmente. La idea es la siguiente:

Lo primero tras abrir la Pixelmator es darle al símbolo de suma. Esto nos permitirá elegir un tamaño para lo que sería el lienzo. Posteriormente, iremos añadiendo las imágenes desde el símbolo de suma y eligiendo «Foto. Lo que quedaría ya es ir haciendo uso de las herramientas disponibles: cambiar el tamaño del lienzo de la imagen, ir colocando las fotos, coger un pincel y cambiar el color de fondo, usar la herramienta de recorte… lo que se nos ocurra.

Lo malo de Pixelmator es que no es tan directo como con otras aplicaciones de esta lista, pero lo bueno es que la misma aplicación nos puede servir para eliminar objetos indeseados, cambiar el fondo o incluso hacer que las imágenes sean circulares. Nos sirve para unir dos fotos y para mucho más.

Pixelmator9,99 €Descargar App

Un consejo importante

Al igual que a muchos de vosotros, no me gusta utilizar aplicaciones que requieren de una suscripción para poder sacarle todo el partido. Si bien es cierto, que para muchos desarrolladores es el mejor método de monetización, para los usuarios más despistados no lo es.

Y digo que no lo es, no por el precio mensual que tienen estas aplicaciones, que es perfectamente asumible, sino porque una vez se ha superado el período de prueba, no recibimos ninguna notificación en la que se nos informe que el período de prueba está a punto de acabar.

A no ser que nuestro trabajo dependa de ello, es poco probable que merezca la pena pagar la suscripción todos los meses. Si aceptas el período de prueba gratuito para crear un collage concreto para las fiestas navideñas, un cumpleaños, una celebración o para cualquier evento, hazlo lo antes posible y recuerda cancelar la suscripción antes de que finalice.

El Gobierno de Noruega acaba de firmar un acuerdo para almacenar 30.000 toneladas de trigo en los próximos dos años. No es una decisisón aislada. Al contrario. Forma parte de una estrategia a largo plazo para, en palabras del ministerio de agricultura, "estar preparados para lo impensable".

¿Qué van a hacer? Por lo pronto, acumular trigo y otro tipo de cereales. Ya el año pasado se anunció una inversión anual de unos 6 millones de euros para ellos. Es el primer paso de un objetivo muy ambicioso: llegar a acumular hasta 82.500 toneladas de cereales antes de que acabe la década.

Es decir, "suficiente grano para tres meses de consumo por parte de la población de Noruega en una situación de crisis que pueda surgir", explicaba el ministro de Agricultura en NRK.

En Xataka

Ventajas de un fondo soberano: Noruega retira €38.000M (sólo el 4.2%) para atajar la crisis que viene

¿Cómo lo van a hacer? Según explican en El Economista, los ministros de Agricultura y Finanzas (Geir Pollestad y Trygve Slagsvold Vedum) ha oficializado el acuerdo con cuatro empresas privadas. El trigo (cuyas primeras 15.000 toneladas se guardarán este año) será almacenado en su territorio nacional en las instalaciones que las empresas crean oportuno.

Según han explicado desde el ministerio de Finanzas, "debería haber un nivel adicional de seguridad en caso de grandes perturbaciones en los sistemas de comercio internacional o fracaso de la producción nacional", ha señalado Slagsvold Vedum. "Esta es una parte importante del trabajo del gobierno para fortalecer la resistencia nacional".

¿Por qué ahora? Noruega almacenó cereales desde la década de 1950 hasta 2003. Aquel año, el Gobierno suspendió las reservas al considerar que no eran necesarias. Así que una de las grandes preguntas es qué ha pasado para que un país tan acostumbrado a pensar en el largo plazo vuelva a guardar cereal.

Y lo cierto es que el Gobierno no ha entrado en demasiado detalle. En los últimos meses, la discusión de la iniciativa ha tenido siempre los mismos ejes y ejemplos: la pandemia de COVID-19, la Guerra de Ucrania o el cambio climático. Es decir, la respuesta ha sido que todo esto forma parte de un estrategia diseñada para proteger al país de "eventos potenciales que puedan romper las cadenas de suministros o generar fuertes incrementos de precios en alimentos básicos".

¿Tiene sentido? Desde luego, algo extraño lleva meses pasando en el mercado de cereales. Hemos hablado de la "crisis de las empanadillas" en la que la "falta de harinas" ha afectado a una empresa del tamaño de Nestlé. Pero esto parece otra cosa: un movimiento mucho más a largo plazo de lo habitual que nos habla, sobre todo, de una incertidumbre creciente en el mundo actual.

¿Deberíamos tomar nota? Esa es la otra gran pregunta. Sobre todo porque, más allá de sus potencialidades geográficas (como, por ejemplo, el aislamiento de nuestra red eléctrica son respecto a Europa) España no tiene grandes planes de contingencia ante interrupciones grandes del metabolismo social, político y económico.

España, como Noruega, también tuvo durante buena parte del siglo XX un control enorme sobre la producción y el almacenamiento del cereal. Sin embargo, en 1984, como parte de las reformas para entrar en la Unión Europea y las numerosas reconversiones industriales, se desmanteló la Red Nacional de Silo y Graneros.

Quizás sea momento de replantearnos todas estas decisiones. Sin embargo, no parece sencillo: ninguna de las grandes promesas que se hicieron tras la pandemia han acabado tomando cuerpo (o van muy muy lentas). Con esos precedentes, el optimismo se hace difícil de sostener.

Imagen | Polina Rytova / Max van den Oetelaar

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La noticia Noruega quiere cumular 82.500 toneladas de cereales antes de que acabe la década. El motivo: prepararse para "lo impensable" fue publicada originalmente en Xataka por Javier Jiménez .

Impera la lógica capitalista, dejando a la gente desamparada en sus momentos más vulnerables. 45.000 estadounidenses mueren cada año como resultado directo de no tener seguro médico, 28 millones no lo tuvieron durante todo el año. Tener un seguro de cobertura baja es citado como uno de los principales motivos de haber acabado en la ruina, el 56% de los adultos en el país tienen dificultades para pagar sus facturas médicas con normalidad, y cada año alrededor de 530.000 personas se declaran insolventes debido a deudas con enfermedades.

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Algunas innovaciones han surgido de una ética médica cuestionable. Te contaremos algunos pasajes controvertidos de la historia de la medicina.

La ética médica es el un conjunto de principios que guía al personal médico en su práctica profesional. Las normas que componen los Códigos de Ética Médicos son resultado de una evolución histórica y doctrinal.

Hay antecedentes como «las mil prescripciones de oro» de Sun Szu-miao del VI d.C. o el código promulgado por la Asociación Médica de Boston en 1808. A pesar de eso, no siempre se han tomado en cuenta estos principios universales. A continuación revisaremos con detalle la historia de algunos de estos avances médicos.

La vacuna contra la viruela: buscando al sujeto de experimentación correcto

Actualmente, las vacunas son un gran método para la prevención de enfermedades, reduciendo los síntomas, su propagación y la mortalidad de las mismas. Empero, para que gocemos de tal avance médico, hubo un dudoso método de experimentación.

Para hablar del origen de la vacunación nos debemos remontar al siglo XVIII. Durante uno de sus viajes a Turquía, Lady Montagu, observó que las granjeras que ordeñaban vacas contagiadas con viruela no contraían el virus. El ganado estaba infectado con una variante de la viruela «rebajado», por lo que su sistema inmune desarrolló los anticuerpos para hacerle frente al virus.

Después de este descubrimiento, Montagu inoculó a su propia hija a través de una aguja impregnada del pus de una vaca con viruela. El experimento resultó exitoso. Aún así, no tuvo el visto bueno de la sociedad médica británica.

Usualmente se le atribuye el descubrimiento de la vacuna contra la viruela a Edward Jenner, un médico compatriota de Montagu. Jenner usó como sujeto de prueba al hijo de su jardinero, James Phipps, de 8 años. En este caso, el infante fue infectado con la viruela humana. El niño fue inmunizado con solo una leve fiebre como efecto secundario.

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Desarrollo de la anestesia: prueba y error

Es imposible imaginar un mundo sin anestesia. Los complicados procedimientos médicos serían hechos mientras el paciente tiene plena consciencia de cómo su cuerpo es intervenido. Previo a éste avance, la cirugía era el último recurso, quedando a merced de la velocidad y habilidad del médico. Cabe mencionar que hay relatos donde algunos pacientes debían ser sujetados para no pudiera forcejearan e impidieran que el cirujano trabajase. Lamentablemente, la mayoría de pacientes no sobrevivían al procedimiento por la agonía que padecían.

Los primeros experimentos con anestesia implicaron probar diferentes sustancias para observar cómo el cuerpo del paciente reaccionaba.

Los antecedentes de la anestesia se remontan a la era antigua, principalmente en Mesopotamia. En esta zona, los asirios optaron por un método motor para anestesiar al paciente, comprimiendo la carótida y forzar un estado comatoso. En Persia optaron por el uso de narcóticos como la mandrágora. Finalmente, Hipócrates, padre de la medicina griega, usaba su «esponja soporífera«, impregnada con opio, beleño y mandrágora.

Para la era moderna, Valerius Cordus propuso el uso de éter sulfúrico para dormir a los pacientes (1540). Otra propuesta prometedora fue la de Ambrosio Paré y su método de congelación local (1564).

Siglos después, Humphry Davy, entre 1799 y 1800, realizaría una serie de experimentos con óxido nitroso. Después de oler el gas, el paciente experimenta una sensación de relajación muscular y «mucha alegría». Este analgésico fue especialmente usado al extraer las muelas cordales, mejor conocidas como muelas del juicio.

Lo cierto es que sin esta serie de intentos hubiera sido imposible llegar a los métodos para anestesiar actualmente. Empero, debemos tener en cuenta el camino que tuvo que recorrerse y las vidas que se quedaron atrás en nombre de la medicina.

Estudio de Tuskegee: el maquiavélico experimento en pacientes sin consentimiento

Desde 1932 hasta 1972, el Servicio de Salud Pública de Estados Unidos llevó a cabo un estudio sobre la progresión de la sífilis en hombres afroamericanos en Tuskegee, Alabama. ¿El problema? Este experimento fue sin consentimiento de los pacientes. A sí mismo, no se les ofreció tratamiento, incluso después de la disponibilidad de la penicilina, resultando en numerosas muertes y sufrimientos evitables.

El experimento fue propuesto por Taliaferro Clark. Los investigadores tomaron un grupo de población rural de 600 individuos, 399 ya infectados con sífilis y 201 hombres sanos. La población en cuestión era de bajo poder adquisitivo y cultural. Durante este periodo de 40 años, muchos integrantes murieron a causa de la sífilis y nacieron niños infectados de sífilis congénita.

En mayo de 1997, el presidente Bill Clinton pidió perdón por el Estudio Tuskegee, señalando el racismo implícito y la arrogancia médica. Al día de hoy, el estudio Tuskegee se conoce como «posiblemente la más infame investigación biomédica de la historia de los Estados Unidos«.

Desarrollo de la cirugía cardíaca: operaciones de alto riesgo

El corazón fue durante algún tiempo uno de los órganos más desconocidos por la medicina. No fue hasta el siglo XV donde W. Harvey habla sobre éste órgano en su libro “Exertitatio anatomica de mortus cordis y sanguinis in animalibus”, considerado el comienzo de la Medicina Moderna.

En 1815 se realizó la primera cirugía de corazón registrada, de la mano de Francisco Romero. Sin embargo, por la alta peligrosidad que representaba una intervención de tal naturaleza, era mal visto que un médico hiciera una cirugía de corazón.

Uno de los grandes hitos en la medicina cardíaca fue el de la Operación Blalock-Taussig. El 29 de noviembre de 1944, en Estados Unidos, se realizó una operación de anastomosis a un niño. Los cirujanos Helen Taussing y Alfred Blalock intervinieron al paciente a pesar de los riesgos que implicaba. Al final, el niño sobrevivió a la operación. Actualmente, esta técnica se utiliza como paliación, para que el paciente tenga más tiempo para una intervención mayor.

Investigaciones con células HeLa: sujeto de pruebas aún después de la muerte

Henrietta Lacks (1920-1951) fue una mujer afroamericana nacida en Roanoke Virgina. A los 31 años, después de visitar al médico tras un inusual sangrado vaginal, fue diagnosticada con cáncer de cuello uterino.

Para su tratamiento, Henrietta consultó al Dr. Richard W. Telinde, distinguido ginecólogo e investigador del Hospital Hopkins. Su teoría planteaba que los dos tipos de cáncer que distinguían; el invasivo y no invasivo, eran en realidad del mismo tipo, pero en etapas distintas. Para comprobar su teoría, tomó biopsias de cuellos uterinos en pacientes con cáncer, descubriendo así que el 62% de las pacientes con cáncer invasivo fueron previamente diagnosticadas con uno no invasivo.

Así pues, durante su tratamiento, Henrietta fue el sujeto de pruebas de Telinde, siendo su muestra conocida como “HeLa”, debido a las dos primeras letras de su nombre y apellido. Las células HeLa serían esenciales para diversos estudios, incluyendo el desarrollo de la vacuna contra el polio. Lamentablemente, esto no ayudaría al caso de Henrietta.

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A pesar de ser tratada con radioterapia local y rayos X, el tumor siguió su curso invadiendo el pulmón, hígado, peritoneo y la cavidad pelviana, sin que hubiera forma de erradicar la enfermedad. Henrietta falleció el 4 de octubre de 1951 con gran sufrimiento. Tras su muerte, sus células siguieron siendo objeto de estudio a pesar de la negación del consentimiento por parte de su marido, 20 años después del fallecimiento de su esposa.

El Código de Núremberg: la necesidad de tener un código ético médico

Durante la Segunda Guerra Mundial, los médicos nazis llevaron a cabo experimentos médicos atroces en prisioneros de campos de concentración, como pruebas de resistencia extrema, inyecciones letales y mutilaciones. Estos experimentos llevaron al desarrollo de conocimientos médicos, aunque obtenidos de manera inhumana y antiética. Las atrocidades condujeron a la formulación del Código de Núremberg para regular la investigación ética.

Tras los Juicios de Núremberg, surgió el primer código internacional de ética para la investigación con seres humanos, el Código de Nuremberg, publicado el 19 de agosto de 1947. El precepto hipocrático base era “lo primero, no hacer daño”.

El Código Núremberg estableció las normal para llevar a cabo experimentos con seres humanos, principalmente hablando sobre el consentimiento voluntario de la persona. Los médicos responsables de los diez principios éticos que alberga este código con el psiquiatra Leo T. Alexander y el fisiólogo Andrew C. Ivy.

Si bien, este Código no fue adoptado formalmente por ningún país, ha sido de gran impacto para los derechos humanos y en la bioética.

Así pues terminamos con este recorrido, con una mirada crítica hacía el pasado y que nos recuerda el largo camino de la medicina para ser lo que es hoy, en servicio de la calidad humana, a su vez como recordatorio sobre aquellos límites éticos que existen para una práctica médica correcta.

Escrito por Kristhian Díaz, comunicólogo y colaborador de National Geographic en Español.

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Los gatos también han dejado su huella en la historia. A lo largo de cientos e incluso miles de años, estos gatos famosos han aparecido en momentos importantes y han desempeñado roles significativos en diversas culturas.

En la historia, hay gatos famosos no solo por su encantadora apariencia, sino también por el apoyo que han brindado a los humanos en momentos históricos. Desde Félicette, la pionera gata espacial, hasta los compañeros felinos de Abraham Lincoln, quienes ofrecieron consuelo en la Casa Blanca. Estos fascinantes felinos no solo han cautivado corazones, sino también dejado un legado imborrable en la memoria colectiva.

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Cinco gatos famosos que pasaron a la historia

Ta-Miu, la gata del príncipe egipcio Tutmosis

Ta-Miu fue el gato del príncipe heredero Tutmosis, hijo de Amenhotep III y la reina Tiye. Este gato tuvo un entierro solemne y fue momificado, un honor reservado a pocos animales en el antiguo Egipto. La momia de Ta-Miu fue encontrada en la tumba de Tutmosis, junto a inscripciones que muestran el cariño que le tenían. Las imágenes representan al gato ante una mesa de ofrendas repleta de golosinas y ofrendas para el más allá.

«Parece que su dueño, el príncipe heredero Tutmosis, quería que ella disfrutara de su tiempo después de la muerte tanto como había apreciado ser una mascota real mimada en vida», escribió el Museo Egipcio sobre el gato, que según se sabe, era hembra.

Félicette, la gata del espacio

Félicette, una gata francesa de pelaje blanco y negro, hizo historia al ser el primer felino en viajar al espacio en una misión enviada por Francia el 18 de octubre de 1963. Seleccionada de entre un grupo de 14 felinos, ella mostró calma y capacidad para soportar condiciones extremas. Durante el vuelo, los científicos monitorearon sus señales neurológicas. La misión fue un éxito, y Félicette regresó a salvo a la Tierra, convirtiéndose en el primer y único gato en viajar al espacio.

Su misión brindó valiosos datos sobre los efectos de los viajes espaciales en los seres vivos, consolidando su lugar en la historia de la exploración espacial. Los medios apodaron a Félicette como la astrogato.

Jefe Ratonero del Gabinete inglés

El Jefe Ratonero del Gabinete, conocido por su título oficial en la residencia del primer ministro británico, desempeña un rol vital en Downing Street. Este felino se encarga de controlar la población de ratones en la sede del gobierno. El título surgió en el siglo XX, cuando los ratones se convirtieron en un problema en la residencia del primer ministro.

En 1929, el primer jefe, Peter, fue adoptado para controlar la plaga. Desde entonces, varios gatos han ocupado el puesto, incluyendo a Larry, quien fue adoptado y asumió el cargo en 2011. El gato tiene como única labor cazar ratones, y se ha convertido en una figura emblemática y muy querida por los ingleses.

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Creme Puff, el gato más longevo de la historia

Creme Puff, el gato más viejo jamás registrado, vivió una vida extraordinaria en Austin, Texas. Nació el 3 de agosto de 1967 y alcanzó la impresionante edad de 38 años y 3 días. Su dueño, Jake Perry, le proporcionó una dieta especial y mucho cariño, y se cree que eso fue determinante para que superara la expectativa de vida típica de los gatos.

La increíble vida de Creme Puff lo llevó a ganar un lugar en el Libro Guinness de los Récords, fascinando a los amantes de los gatos en todo el mundo y convirtiéndose en una leyenda.

Tabby y Dixie, los gatos de Abraham Lincoln

Tabby y Dixie vivieron en la Casa Blanca durante su presidencia Abraham Lincoln. El héroe estadounidense fue amante de los animales, rescató a estos gatos y les brindó un hogar cariñoso. Estos animales se convirtieron en sus compañeros constantes, proporcionando consuelo y alegría en tiempos difíciles. Lincoln incluso permitía que comieran en la mesa durante las comidas formales y se dice que los alimentaba con un tenedor de oro.

La devoción de Lincoln por Tabby y Dixie mostraba su naturaleza bondadosa y su amor por los animales. Mary Todd, la primera dama, comentó en ese entonces que los gatos eran el único pasatiempo de su marido.

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Cuando hablamos de megaconstrucciones de nuestro tiempo, pocas se asemejan a los planes y aprobaciones que preceden la construcción de un aeropuerto. Se trata de una obra que aúna cientos de variables y estudios previos para definir el enclave perfecto donde levantarlo. En Grecia, estaba previsto que en 2027 se inaugurara el que iba a ser el segundo aeropuerto más importante del país en Creta. Una estructura gigante de 4.000 años podría tumbar el proyecto.

Una “rueda” de 4.000 años. El plan de construcción se encontraba cerca de la ciudad de Kastelli, pero las primeras excavaciones dieron con algo sorprendente: una estructura de la Edad del Bronce de 1.800 metros cuadrados en la cima de la colina Papoura, un monumento de piedra circular y laberíntico que cuenta con ocho anillos concéntricos de piedra, de 1,4 metros de espesor en promedio, aunque algunos llegan hasta los 1,7 metros.

Una pieza de la cultura Minoica. Las primeras pesquisas de los arqueólogos que han comenzado a estudiar el terreno hablan de un monumento de la cultura minoica de Creta, conocida por sus santuarios en los picos y sitios en las cimas de colinas y montañas que se cree que se utilizaron en rituales antiguos. De ser así, se piensa que es posible que contenga ejemplos de arte minoico o, incluso, la posibilidad de dar con partes de cuerpos desprendidas, denominadas "miembros votivos", que se ofrecían en oración o como agradecimiento por la curación.

A este respecto, el Ministerio de Cultura griego sugiere que "pudo haber sido utilizado periódicamente para ceremonias posiblemente rituales que implicaban el consumo de comida, vino y tal vez ofrendas", debido a la gran cantidad de huesos de animales encontrados en su interior.

Arquitectura en Creta. Los investigadores recuerdan que el principal período de uso de la estructura, entre el 2000-1700 a. C., se sitúa dentro del período Minoico Medio. Entonces, las poblaciones de la isla aumentaron, particularmente en Knossos, Phaistos y Malia, y con este auge se inició la construcción de los icónicos palacios minoicos de Creta, arquitecturas que tenían el fin de satisfacer las crecientes necesidades de la sociedad.

Estos palacios se construyeron en lugares que se habían utilizado para ceremonias comunales durante miles de años. Luego, entre 1750-1700 a. C., muchas estructuras fueron destruidas. ¿Por qué? Se cree que por culpa de los terremotos. Finalmente, la isla quedó dominada por micénicos del continente griego, y muchos de los santuarios más importantes que estaban extendidos en la cultura minoica quedaron en desuso. Sea como fuere, los investigadores sugieren que el sitio pudo haber seguido utilizándose hasta bien entrado el Minoico Medio.

Construir en Grecia, una lotería. Por motivos históricos más que obvios, levantar arquitecturas en Grecia siempre tiene su peligro. Los planes a menudo se ven frustrados por el descubrimiento de otro sitio histórico antiguo. Es más, el propio Ministerio de Cultura griego ha contado que sólo el proyecto del aeropuerto de Kastelli ya ha dado lugar al descubrimiento de al menos 35 sitios arqueológicos recientemente descubiertos.

El aeropuerto, en stand by. Por todo ello, desde las instituciones se ha dejado claro que la estructura se mantendrá a salvo de construcciones modernas, al menos por ahora. Según Lina Mendoni, ministra griega de Cultura, “se trata de un hallazgo único y de gran interés. Hay soluciones para que la investigación arqueológica del monumento esté completamente protegido. La prioridad de todos nosotros es la protección del monumento... Todos entendemos la importancia y el valor del patrimonio cultural”.

Imagen | Greek Culture Ministry

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Mi compañero Andrés dijo una vez que el mejor truco para hacer café en la cafetera italiana es no hacer el café en la cafetera italiana. De entre todas las máquinas para preparar café, puede que la italiana lleve unos años de capa caída, al menos en España. ¿El motivo? Asociamos el sabor de su café a algo muy fuerte, amargo y, en ocasiones, hasta desagradable. De esos cafés que hay que juntar con leche sí o sí para que sea bebible. Sin embargo, y tras poner en práctica algunos consejos de los mejores baristas, estoy redescubriendo mi 'moka pot'.

Esto no se va a ser una oda a la cafetera italiana, ya que de las varias formas de preparar café que tengo a mi disposición, es la que menos utilizo porque hacerlo "bien" rompe totalmente con la simplicidad con la que fue inventada esta máquina. Sin embargo, considero que puede ser útil si lo que quieres es dar un salto de calidad importante en tu café diario y lo que tienes a tu disposición es, precisamente, esta cafetera.

También puede ser tu puerta de entrada a una nueva obsesión por preparar un mejor café, una obsesión que puede ser maravillosa. Pero vamos al lío.

Los básicos

Nos repetimos mucho cuando hablamos de cafeteras, pero un básico es la materia prima. Da igual que tengas la mejor cafetera del mundo: si el café no es bueno, el café no estará bueno. Es así de sencillo. Aunque para muchos pueda ser una obviedad, sigue habiendo mucha gente que compra cafés torrefacto para su despensa. El problema es que ese café se ideó en una época de posguerra no para guardar los granos en su mejor estado, sino simplemente para que durara más tiempo.

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Es como una especie de caramelizado tostado que baña los granos y hace que su sabor sea… muy amargo. Beber un torrefacto solo, ya sea en forma de espresso o infusionado, es un acto de valentía. Si te gusta, adelante, pero si no, no pierdas la fe en el café porque ese no es su sabor.

Dar el salto a un mejor café es tan sencillo como optar por marcas de especialidad o por otros que sí se venden en supermercados, pero que son de una calidad considerablemente superior al torrefacto. El Illy o el Lavazza son dos buenas opciones sin dejarnos el sueldo, pero si puedes probar el de especialidad, te animo a ello (sin tener que ir a un Geisha). Y, bueno, molido al momento, claro.

La otra mitad de un café es el agua, y esto es un auténtico lío. Estudiando varias fuentes, las conclusiones son confusas. Hay quien prefiere agua rica en minerales porque es mejor para la extracción del café y aporta cierto sabor, aunque la cafetera puede resentirse al dejar sedimentos en el mecanismo (en una cafetera italiana, esto no es tan importante). Otros prefieren agua de mineralización muy débil porque no va a agregar sabor, aunque tampoco extraerá de forma óptima todo lo que puede de los granos.

Mi recomendación es que pruebes tanto el agua del grifo como la embotellada y decidas cuál se ajusta mejor a ti. Y puede que el agua de tu zona sea buena y sólo haga falta algo como un filtro de carbono.

Y, bueno, ya estaría: agua buena + café en condiciones = una buena bebida preparada en la cafetera italiana. Sin más rodeos, con esos dos elementos ya vas a conseguir mejorar muchísimo el resultado.

Rompiendo los esquemas de Bialetti

Sin embargo, podemos ir un poco más allá, ya que estamos. Si bien es cierto que mejorando la calidad del café el salto a la hora de utilizar la italiana es notable, hay algunas prácticas que los expertos han estado poniendo en valor estos últimos años. Pero antes de eso… ¿hacer un café en la cafetera italiana es fácil, verdad?

Simplemente, lo que hay que hacer es echar agua en la parte inferior, café en la cesta, calentarlo y a esperar que salga por la parte superior. Comprando buen café, hay quien afirma que eso es todo lo necesario para, sin ponernos quisquillosos, tener un buen café con esta máquina. Tienen toda la razón: comprando un buen café y usando la cafetera italiana, tendremos un mejor resultado que con torrefacto o que con cafés mediocres.

Llenar el cacito hasta arriba es importante, pero no lo presiones

Sin embargo, estos últimos meses he puesto en práctica algunos de los consejos que el mejor barista del mundo en 2007 -James Hoffman- y otras creadoras de contenido especializadas en café como Morgan Eckroth han ido predicando en sus canales. Según ellos, estos son los pasos para hacer el mejor café en una cafetera italiana:

• Calentar el agua en un hervidor eléctrico y echar esa agua al recipiente de la italiana.
• Llenar el cacito de café de la máquina hasta el borde y distribuirlo bien, pero nunca ejercer presión.
• Cerrar la máquina colocando la parte superior con cuidado, ya que la parte inferior con el agua estará muy caliente y nos podemos quemar.
• Ponerlo al fuego en una intensidad baja.
• Debemos tener la tapa levantada para ver qué está pasando y, cuando el café se empiece a extraer y a salir por la parte superior, hay que apagar el fuego.
• Hay quien pone la parte inferior bajo el grifo en ese momento para cortar la extracción de golpe.
• Y ya estaría: el mejor café con la cafetera italiana. ¿O puede que no?

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Qué dice la ciencia sobre el gran debate de la cafetera italiana: si es mejor levantar la tapa o no

Bueno, como comento, he probado todos estos pasos más de una decena de veces estos últimos meses y, sin ser un experto, tengo mis opiniones. Se van a centrar en lo de empezar a hacer el café ya con el agua caliente y en lo de ponerlo en agua fría para cortar la extracción y el resumen es que creo que una sirve para algo y la otra-.. no tanto. Al menos, a mí no me sirve.

Voy a empezar con lo de empezar con el agua caliente. La teoría es que, calentando el agua previamente, el café tiene un menor tiempo de exposición tanto con el vapor como con el aluminio muy caliente, por lo que no se sobrecocina y, por tanto, el sabor que obtendremos será menos amargo. El sabor del café preparado en italiana es amargo, ya que es una técnica que prepara "un café fuerte", pero cuanto menos tiempo esté expuesto el café al calor, supuestamente, mejor.

Puede que para un paladar experto eso sea así y noten las notas más o menos amargas de una forma casi milimétrica. En mi caso, dudo que pueda apreciar cambios tan minúsculos, pero sí me he dado cuenta de una cosa:

• Si realizo esta técnica, la temperatura del agua siempre va a ser la misma de partida (ya que del grifo puede salir a veces más fría o más caliente), por lo que la extracción es más consistente en cada preparación.
• Se tarda mucho menos en preparar el café (obviamente), puesto que el agua ya está en un punto muy idóneo para que la presión haga su trabajo en la extracción del café.
• Tiene… ¿más cuerpo? Ya no sé si es sugestión o qué, pero realmente, acortar ese tiempo de extracción hace que el café sea muy intenso, pero sin llegar a ser amargo. Realmente, está muy rico. No es tan placentero como un espresso o tan suave como uno de filtro, pero definitivamente no 'pica' en la garganta.

Ahora vamos con lo que no me ha servido: lo de cortar la extracción colocando la cafetera en agua fría cuando está terminando de salir el café. Las dos primeras veces que lo probé, creo que lo hice demasiado pronto y el café se quedó a medio salir. De unos 200 gramos de líquido, me quedé con apenas 100, por lo que definitivamente aún no estaba listo.

En las sucesivas ocasiones, todo el café se había extraído, pero no noté ningún cambio en el sabor. Simplemente, añades un elemento más en una preparación que debe ser sencilla y con el que, al menos yo, no noto una mejora.

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Y, precisamente, ahí está el dilema con esto de calentar el agua previamente o enfriar la cafetera justo antes de terminar la extracción: matamos la simplicidad del funcionamiento de esta técnica que lleva décadas entre nosotros sin que haya muchas quejas. Pero bueno, tras mi experiencia, considero que vale la pena, al menos, probar lo de empezar a hacer el café ya con el agua caliente. En el mejor de los casos notarás un cambio en el cuerpo de la bebida y, en el peor, acortarás los tiempos de preparación.

Flexeando con la italiana

¿Creías que con esas dos técnicas ya estábamos traicionando suficiente las ideas de Bialetti? Hay un paso más que tengo que decir que no he puesto a prueba y que, si bien considero que tiene sentido, voy a seguir sin aplicar en mis cafés con la italiana. Se trata de los prefiltros de papel.

La tapa abierta es interesante para controlar el proceso, pero no hará que sepa mejor o peor

En una cafetera espresso tiene sentido usar un prefiltro (sea de papel o metálico) para distribuir mejor el agua en la cesta y para no manchar el grupo. En una máquina como la Aeropress, ese filtro de papel es EL filtro para no tener un café grumoso. Pero una cafetera italiana ya tiene su filtro metálico. De hecho, es una pieza formada por dos filtros para impedir que los sedimentos pasen a la cámara superior y suele funcionar de maravilla.

Lo que dicen los expertos es que, con ese filtro se añade una nueva capa de protección para impedir eso, pero al final es un gasto añadido que, como digo, no considero necesario para este tipo de máquinas y, además, es invertir más dinero y tiempo en algo que, seguramente, no cambie el sabor. Es cierto que, si la italiana es muy barata o si mueles el café extremadamente fino, puedan pasar partículas a la cámara de café. Ahí la solución puede ser cambiar la molienda a un punto más grueso o, si no tienes un molinillo de muelas, sí puede ser interesante aplicar esos filtros de papel.

Si cuando preparas un café no ves granitos en el vaso, no considero que debas invertir más dinero en este tipo de filtros, ya que simplemente es, como decía, un modo de complicar aún más una preparación que debería ser extremadamente simple y que con lo de calentar el agua previamente ya hemos complicado un pelín.

Si has llegado hasta aquí y, como yo hace no tanto tiempo, estabas desencantado con tu cafetera italiana, te animo a probar la técnica de calentar el agua previamente (y a usar café en condiciones en el caso de que aún no hayas dado el salto) porque puede que descubras otra preparación que pase a ser tu favorita.

Imagen | Jamesjsimon, Jordon Smith, Rama

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La noticia El truco menos conocido sobre cómo hacer el café en la italiana es al mismo tiempo el más sencillo fue publicada originalmente en Xataka por Alejandro Alcolea .

Se ha encontrado un enorme ataúd de 16 toneladas escondido con tesoros dentro de una tumba que podría pertenecer al hijo del primer emperador de China...Se encontró que el ataúd contenía depósitos funerarios muy ricos, que incluían armas, armaduras, jade, un par de camellos de oro y plata, un juego de utensilios de cocina y 6.000 monedas de bronce. Con un entierro tan grandioso, el difunto debe haber sido, incluso uno de los hijos del Emperador Qin o un guerrero de alto rango.

etiquetas: arqueología, cámara funeraria, tesoro, ejercito, terracota, china

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No todos los luchadores de Street Fighter II The World Warrior podían ser elegidos. De hecho, en aquella recreativa que desató el fenómeno ni siquiera era posible que dos jugadores se pidiesen al mismo personaje. De entrada, los cuatro Reyes de Shadaloo (Bison, Balrog, Sagat y Vega) ni siquiera tenían secuencias para sus movimientos especiales. Pero hubo dos que siempre estuvieron a la vista y jamás fueron parte del "tour de la lucha" a escala mundial de los jugadores: Scott y Max.

Si has jugado cientos o miles de horas a Street Fighter y sus nombres no te dicen nada es perfectamente normal ya que la propia Capcom, desarrolladora de la saga, no hablará de ellos hasta el año 2016. Sin embargo, es prácticamente imposible no haberlos visto: son los dos tipos que intercambian puñetazos en la entradilla del juego, entre una ajetreada multitud y a la sombra del enorme edificio del que brota el icónico logotipo del juego. Y sí, Scott y Max son luchadores callejeros como Ryu o Chun Li.

En Vida Extra

El E3 está muerto y jamás volveremos a sentir tanta vergüenza ajena como con la hilarante conferencia de Konami en 2010

Quiénes son Scott y Max en el universo de Street Fighter

Durante años, y de manera más que justificada, se especuló con que uno de esos dos luchadores (Scott en concreto) era Cody de Final Fight. Los motivos caían por su propio peso, que conste: no solo se trataba de un tipo rubio, vestido con una camisa lisa y capaz mandar al suelo a su oponente de un solo directo, sino que los universos de ambos juegos siempre han estado interconectados. Es más, el propio Cody acabará siendo un habitual en Street Fighter a partir de Street Fighter Alpha 3.

Entonces, ¿quién es este tipo y por qué le regala una ortodoncia al tipo que tiene delante? Bueno, puestos a hacer las presentaciones en VidaExtra le hemos añadido un toque de nostalgia y te hemos creado las fichas de Street Fighter II que parece que a Capcom se le quedaron en algún cajón en el año 1991 siguiendo un poquito el estilo de los juegos clásicos.

Ninguno de estos datos es inventado, que conste. Con motivo del lanzamiento de Street Fighter V y hasta que se completó el desarrollo del juego en sus posteriores revisiones Arcade Edition, la Champion Edition y más allá, la propia Capcom aprovechó la web del Shadaloo Combat Research Institute (la base de datos oficial de la malvada Shadaloo) para expandir el lore de la saga e introducir a personajes que de un modo u otro han orbitado en el universo del juego, incluyendo al protagonista de Street Fighter 2010. Y no solo eso, sino que además de a Scott, también conocimos al beneficiario del puñetazo: el propio Max.

Seguramente te habrás dado cuenta que, mientras que Scott tiene el mismo aspecto que en Street Fighter II, su oponente Max decidió renovar por completo su apariencia y se parece poco o nada al tipo que vimos en aquel juego. ¿Una decisión caprichosa? Bueno, técnicamente se trata de un cambio menos radical que el que le vimos hacer hace nada menos que treinta años.

Cuando la censura golpeó al pobre Max con más fuerza que el propio Scott

El éxito de Street Fighter II pilló completamente por sorpresa a Capcom. Sabía que la secuela del original, el Street Fighter de 1987, tenía madera de convertirse en un clásico instantáneo, pero aquello trascendió al propio fenómeno y escaló de manera casi inmediata.

Lógicamente, a raíz de aquello había que empezar a ponerle topes a aquella locura: la compañía de Osaka se tomó la molestia de intercambiar los nombres de los jefazos para evitar problemas con Mike Tyson (aunque luego el caso de Zangief les dio más o menos igual) y decidió sacar nuevas revisiones en las que se cumplían las expectativas de los fans como combatir con el mismo personaje o luchar contra los luchadores ya no tan secretos del final.

Entre una cosa y otra, el pobre Max pasó por una transformación digna del propio Michael Jackson, pasando gradualmente de ser el americano afrodescendiente de Street Fighter II The World Warriors...

A un tipo con un tono de piel mucho más neutro en Street Fighter II': Hyper Fighting (la revisión SFII' Turbo que vimos en recreativas en 1993) a través de un recoloreado integral del sprite original que, ya puestos, también se aplicó a un reparto más variado de bronceados entre los asistentes al combate.

Y que finalmente derivará en una completa alteración del dibujo original, con un tono de piel caucásico, cabellos rubios y ondulados y mismo destino en Street Fighter II': Special Champion Edition. Algo que tú mismo puedes comprobar tanto en nuestra captura como en la versión de Mega Drive disponible en Nintendo Switch Online. Eso sí, ya puestos en Capcom le pusieron las mangas a lo Mark Lenders a Scott.

Sobra decir que Capcom no ha dado los motivos de manera oficial y tampoco le interesa meterse en ellos a estas alturas de la película, con lo que solo podemos especular que este cambio (por no llamarlo directamente censura) sirvió para ponerse el parche antes que cualquier posible herida de cara a despertar susceptibilidades. Con todo, también está bien recordar que el propio Birdie debutó con un aspecto muy diferente en Street Fighter original y su piel fue ganando más todos de color en las entregas posteriores.

En cualquier caso, un año después, ya a partir de Super Street Fighter II, decidirá darle unas amplias vacaciones a ambos luchadores callejeros y rehacer la apertura del juego.

¿En qué han estado metidos Scott y Max?

Lo creas o no, Street Fighter 6 habilita que Max se tome la revancha y deja claro que es mucho más que un saco de boxeo esperando a recibir su golpe de turno: una vez avancemos a lo largo del World Tour, y junto a otros cameos de Capcom y la saga, nos lo encontraremos cerca del puesto de perritos que hay frente a la feria del Haggar Stadium con las mismas pintas de los archivos de Shadaloo. Y no solo eso, sino que Max reconoce a nuestro personaje del juego como una estrella en ascenso dentro del terreno de la lucha callejera. Otra cosa es que nos dure poco más que un suspiro.

Lo divertido es que esta no es la primera vez que vemos a Max con esas pintas en los juegos: ya hizo un cameo en el escenario de Las Vegas en Street Fighter V y, ya junto a Scott, estuvo en primera línea entre todos los cameos de la compañía del Blue Bomber en el escenario Ring of Arcade del mismo juego. Y sí Scott, a diferencia de otros luchadores callejeros, se cambió de camiseta con el paso de los años.

¿A qué se dedican actualmente estos dos? Entendemos que Scott se ha retirado del mundo del boxeo profesional y ahora se dedica por completo a gestionar su propio bar. Muy posiblemente hayamos pasado por delante de él en la Metro City de Street Fighter 6 sin habernos dado cuenta o quizás lo tenga ubicado en San Franciso o cualquier otra localización del universo de Street Fighter. Con todo, estamos casi convencidos de que como mínimo le sirvió una ronda a Guile cuando baja del portaaviones.

En lo que respecta a Max, su nombre sigue siendo conocido en el mundo de las artes marciales y es demasiado vanidoso y le gustan demasiado las joyas como para contentarse con una vida sencilla y modesta. Y pese a que su carácter es muy diferente al de E. Honda, Kimberly o Chun Li, también lo encontrarás en la ciudad de Metro City. Posiblemente buscando pelea o metiéndose en líos. Con toda probabilidad, haciendo ambas cosas a la vez.

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Hacia finales del siglo pasado, Emiratos Árabes Unidos inició un ambicioso proyecto para construir complejos de islas artificiales de lujo. Aunque no era una solución revolucionaria - en el lago Titicaca hay islas artificiales con varios siglos de historia-, el proyecto atrajo la atención, entre otras cosas, porque tenía un diseño de figuras elaboradas y simétricas que podían ser apreciadas desde el aire.

etiquetas: 300 islas, us$12.000 millones, abandonadas, millonariod, dubái

» noticia original (www.bbc.com)

Opinar que los niños no deberían poder usar redes sociales, o que su acceso al Internet debería estar tanto restringido como supervisado, se está volviendo más popular con el pasar del tiempo. El mundo ya no es lo que era antes. Los miembros más jóvenes de la generación Z, al vivir conectados al Internet 24 […]

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Aunque Corea del Norte ha pasado por innumerables dificultades económicas desde los años cincuenta, incapaz de construir un auténtico imperio económico internacional como ha hecho su vecina, sí que se las ha arreglado para fabricar sus propios fenómenos de masas. Todo dentro del contexto de lo que es el régimen de aquel país, fuertemente mediatizado por el oscurantismo, la propaganda y el secretismo propios de una dictadura.

Y si has podido catar solo pequeños vistazos a los retazos de entretenimiento que produce el régimen, este documental de cinco horazas es una fascinante zambullida en todo tipo de entretenimientos para los habitantes de Corea del Norte: películas, series de televisión, animación, espectáculos de variedades en vivo o retransmitidos, música que va desde el folclore tradicional al underground, videojuegos loquísimos, y mucho más. Se titula 'Entertainment Made By North Korea' y puedes acceder libremente a él en Youtube.

La documentadísima pieza arranca su visión desde antes de que Corea del Norte existiera, cuando todavía era una zona ocupada por los japoneses y no estaba dividida. Son años de un cine fuertemente patriótico y propagandístico, y se produce en ambas mitades de Corea pero se acentúa especialmente en el Norte, con el culto a la personalidad que exigía Kim Il Sung.

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Esta secuela de un clásico absoluto de la ciencia ficción no recibió la atención que merecía, y llega ahora a Netflix y Prime Video

Pero es en los setenta y los ochenta cuando llegan los productos más fascinantes, ya que sin perder su ánimo propagandístico, encontramos series y películas, dirigidas muchas de ellas a niños, que tienen un acabado técnico ciertamente notable y donde el mensaje de loas al Amado Líder está mucho más disimulado. De hecho, solo por la apasionante historia de la relación con el cine (a veces de tintes criminales) de Kim Jong Il, vale la pena esta revisión.

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No somos muy conscientes de la importancia del riñón. Es un órgano discreto, duplicado y, en cierta medida, sustituible; pero nada de eso significa que no sea sencillamente vital. De hecho, si rebuscamos en la lista de las principales causas de mortalidad del mundo, ahí estarán las enfermedades renales.

Por eso hoy es un gran día.

Ozempic, el conocidísimo medicamento que ha revolucionado la pérdida de peso a nivel mundial, reduce el riesgo de complicaciones en la enfermedad renal crónica.

Al menos, en diabéticos. Que es en la población en la que se ha investigado. Primero, porque la Oszempic es esencialmente una medicación para controlar la diabetes (y es fácil estudiar los efectos en pacientes que lo consumen). Y segundo porque la diabetes es un factor clave para la enfermedad renal.

A nivel general, los altos niveles de azúcar en sangre que están relacionados con la diabetes afectan a los vasos sanguíneos de los riñones de la misma forma que tienen a generar problemas cardiovasculares. De esta forma, alrededor de un tercio de diabéticos acaban desarrollando enfermedad renal crónica.

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Ozempic ya ha revolucionado la lucha contra el sobrepeso. Ahora va a por las enfermedades cardiovasculares

Menos si usan semaglutida. Las inyecciones semanales de semaglutida (el principio activo del Ozempic) reducen el riesgo severo de enfermedad renal diabética en alrededor de 24%. Por 'riesgo severo' hablamos de pérdida significativa de la función renal, insuficiencia renal y la muerte. El estudio ha seguido a 3.500 personas de 28 países distintos con una edad media de 31 años y medio.

Y los resultados son increíblemente prometedores. No es solo que hubiera menos eventos en el grupo que usaba semaglutida que en el que usaba placebo, es que en el grupo de tratamiento la función renal disminuyó más lentamente, hubo un 18% menos de problemas cardíacos y el riesgo de muerte "por cualquier causa" fue de un 20% menor.

Un auténtica revolución. Hace unos días, un grupo de investigadores independientes llegó a decir que estos medicamentos eran "el mayor avance médico desde las estatinas" para tratar problemas cardiovasculares. Afecta también a la fertilidad y a los problemas con el alcohol. Ahora sabemos que tiene efectos también en el riñón. O sea, de una tacada reduce (y muy sensiblemente) tres de los grandes riesgos sanitarios del mundo.

Pero lo mejor es que estamos solo al principio de una revolución que puede poner bocabajo todo lo que sabíamos sobre algunas de las enfermedades más letales del mundo.

Imagen | Chemist4U

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La noticia Ozempic no deja de sorprender a la comunidad médica: acabamos de descubrir que reduce drásticamente los problemas de riñón fue publicada originalmente en Xataka por Javier Jiménez .

Aunque la saga de Silent Hill es famosa por acomodar las bases del survival horror, lo cierto es que la franquicia de Konami también tiene una vena cómica. Cada entrega posee múltiples finales que podemos obtener dependiendo de las acciones que llevemos a cabo con los protagonistas y hay uno en específico que siempre es absolutamente delirante.

Se trata del final ovni, el cual no deja lugar a las dudas, y se trata de una forma de finalizar los títulos con un toque humorístico inesperado. Evidentemente, se tratan de finales que no son tenidos en cuenta en lo que respecta al canon, pero sí que podemos ver que la compañía japonesa se encargó que exista un hilo conductor entre todos ellos.

Silent Hill

La llegada de Harry Mason al pueblo maldito es muy inquietante y será necesario que completemos el título una vez para poder acceder al final ovni. Una vez hecho, volvemos a iniciar partida en Silent Hill, pero en el modo Next Fear. Tras salir de la cafetería del principio, será necesario entrar en la Convenience Store para coger un Talismán, el cual se puede usar en diferentes puntos del mapa.

Si lo hacemos en el Hospital Alchemilla o en el faro, veremos unas luces en el cielo que se acercarán para revelarse como ovni. Es en ese momento cuando se producirá una secuencia al estilo cómic donde Harry pregunta a los alienígenas si han visto a su hija. Sin mediar palabra, los extraterrestres le disparan y se lo llevan en su nave, alejándose de Silent Hill y provocando la aparición de los créditos.

Silent Hill 2

Aquí las cosas comienzan a ponerse realmente extrañas, pues Silent Hill 2 no tiene conexión aparente con ninguna otra entrega. Eso sería así de no ser por el final ovni, el cual se añadió en ediciones posteriores al lanzamiento de 2001. Para acceder al mismo es necesario completar toda la campaña con James Sunderland, incluyendo la secundaria Nacida de un deseo con María.

Una vez hecho se debe iniciar una nueva partida y, en el primer baño, coger una Gema azul muy similar a la vista en la anterior entrega. Será necesario repetir el procedimiento de usarla en localizaciones específicas, siendo la más importante en la habitación 312 en el tercer piso del Hotel Lakeview antes de usar la cinta de vídeo. Si lo hemos hecho correctamente, una nueva escena comenzará.

En ella aparecen decenas de naves espaciales y de ellas salen los extraterrestres junto a Harry Mason, todo ello con una estética visual propia de las películas mudas de principios del siglo XX. A través de diálogos con carteles, vemos que ambos preguntan por las personas a las que buscan, lo cual resulta en que un alien dispara a James para dejarlo fulminado. Harry y el ser lo arrastran hasta la nave, al mismo tiempo que vemos que el protagonista del primer juego levanta el pulgar en signo de aprobación. Una vez más, los créditos aparecen sin mayor explicación.

Silent Hill 3

Turno de Heather Mason en Silent Hill 3. En la segunda partida tocará matar a 30 enemigos con el Traje metamórfico, capaz de lanzar rayos, antes de llegar al apartamento de Harry. Unos dibujos pobremente realizados son los que componen la escena que desencadena el final ovni, el cual muestra a Harry vivito y coleando tomando un té con un alienígena.

Por si fuera poco, James Sunderland se esconde torpemente detrás de una cortina mientras la conversación es totalmente surrealista. Harry se refiere a Heather como Cheryl con una voz proveniente del espacio y ella le cuenta todo lo que le ha pasado hasta ese momento. "¡Voy a ir a Silent Hill a reventar algunas cabezas!", exclama el personaje mientras partede una patada una tabla de madera que sostiene James. "¡Oh, Papá, eres el mejor!", replica Heather y pasamos a ver cómo una legión de ovnis arrasan con el pueblo a base de rayos mortales.

No contentos con este final, en Konami decidieron que los créditos estarían acompañados de una imagen apocalíptica del pueblo y una canción japonesa con la letra en forma de karaoke.

Silent Hill Origins

Una vez más, es necesario llegar a una segunda partida para tomar una llave de la habitación 502 del Motel Riverside. Travis Grady intentará abrirla, pero un ovni aparecerá y un extraterrestre descenderá de él junto a Mira, un perro de Silent Hill 2. El protagonista preguntará por su querido camión y el alien contesta asegurando que se encuentra en su planeta, por lo que al personaje de Silent Hill Origins se le ilumina la cara y se marcha con ellos. Todo ello otra vez en un formato de cómics.

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Silent Hill Homecoming

Tras cumplir requisitos narrativos como no disparar a la madre de Alex Shepherd, Silent Hill Homecoming desencadena el final ovni con el reencuentro con Elle Holloway. Cuando ambos personajes están juntos, un platillo volante aparece sobre sus cabezas para abducirlos sin que puedan hacer nada para evitarlo.

"Así que AHÍ es donde se los llevaban a todos. ¡Lo sabía!", exclama James Wheeler, el policía de Shepherd's Glen. Esta es la primera vez que no se recurre al aspecto animado, sino que Konami optó por el propio motor del juego para mostrar la secuencia.

Silent Hill Shattered Memories

El surrealismo alcanza nuevos niveles con el final ovni de Silent Hill Shattered Memories. En este caso Harry Mason debe llamar a un número de teléfono en la segunda partida y luego fotografiar 13 objetos voladores no identificados a lo largo del juego. Si lo hacemos bien, veremos a con estética de cómic a Cheryl Mason en la consulta del Dr. Kaufmann contándole que su padre fue abducido.

Para el psicoanalista se trata de una idea absurda y es por ello que Cheryl cree que todo Silent Hill se trata de una enorme nave espacial. Mientras, James Sunderland intenta entrar en la sala y Kaufmann le dice que se ha equivocado con el día de la cita, al mismo tiempo que reflexiona sobre el tiempo que ha pasado desde que no ve a la esposa de James.

Sin mediar palabra, ahora Cheryl es Mira, el perro de Silent Hill 2, y su principal problema es que su madre sea una perra. Kaufmann es reemplazado por un alien que escucha atentamente y todo termina ahí.

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Desde que Apple cambiara sus normas y aceptara los emuladores en el App Store (aunque fuera por obligación), este tipo de aplicaciones no han perdido el tiempo y ya disponemos de un buen catálogo de apps que nos permiten jugar a casi cualquier juego de consolas retro. Aquí tienes todo lo que necesitas saber sobre ellos.

Apple permite por fin los emuladores de juegos retro. Lo que antes requería saltarse las normas y utilizar Jailbreak o Sideloading ahora es tan sencillo como descargarlo del App Store o instalar una tienda de aplicaciones no oficial (algo ahora también permitido). Lo que también debes saber es que los juegos van aparte. Estos emuladores sólo son «el aparato» para jugar, tú tienes que poner las ROMs.

Delta

El primero en llegar a nuestros iPhone. Delta lleva ya mucho tiempo existiendo, pero antes no se podía instalar de forma oficial. Esto ya ha cambiado, aunque hay dos formas de descargarlo diferentes en función de tu ubicación. Si estás en Europa tendrás que instalar su tienda de aplicaciones propia en AltStore.io. Si tienes dudas de cómo hacerlo, en este artículo te lo explicamos con todo detalle. Si estás fuera de Europa sí que podrás descargarla desde el App Store.

Compatibilidad

• iPhone
• iPad (en breve)

Emulación

• Todos los modelos de Game Boy
• Nintendo DS
• NES y SuperNES
• Nintendo 64

Precio

• Gratuita (aunque para instalar la tienda AltStore tienes que pagar 1,50€ al año)

RetroArch

RetroArch es otro de los clásicos dentro de la emulación, mucho más completa que Delta porque permite jugar a multitud de plataformas.

Compatibilidad

• iPhone
• iPad
• Apple TV

Emulación

• Todos los modelos de Game Boy
• Nintendo DS
• NES y SuperNES
• Nintendo 64
• SEGA Genesis
• SEGA Saturn
• PlayStation 1
• PSP
• Commodore 64
• Atari 2600

Precio

• Gratuita

RetroArchGratisDescargar App

Gamma

En este caso estamos hablando de un emulador sólo para una consola específica: PlayStation 1. La interfaz está muy bien cuidada, y funciona todo realmente bien.

Compatibilidad

• iPhone
• iPad

Emulación

• PlayStation 1

Precio

• Gratuita

Gamma - Game EmulatorGratisDescargar App

Aunque este mismo emulador está incluido en RetroArch, si sólo quieres utilizar estos juegos puedes descargarte únicamente PPSSPP.

Compatibilidad

• iPhone
• iPad

Emulación

• PlayStation 1

Precio

• Gratuita

PPSSPP - PSP emulatorGratisDescargar App

Que levante la mano el que no haya soñado alguna vez con empezar de cero y mudarse al sitio más recóndito del planeta. Bueno, si alguna vez lo llegaste a plantear en serio, es posible que incluso hayas accedido a Google buscando lugares o viviendas apartadas, en cuyo caso, difícilmente no te encontraste con una imagen parecida a la portada. Esa pequeña vivienda que se ve en la foto es conocida como la “casa más aislada” del planeta, y te adelantamos que nada es lo que parece.

La casa más aislada (y deshabitada). El relato de esta pequeña arquitectura solitaria en la ladera de una colina verde comienza cuando un puñado de intrépidos deciden mudarse a la inhóspita y remota isla de Elliðaey, en el archipiélago de Vestmannaejar, cerca de la costa sur de Islandia, para investigar su fauna. Este grupo de aventureros desafió los elementos y sobrevivieron al paso del tiempo hasta 1930, momento en que los últimos cinco habitantes que quedaban decidieron mudarse al continente.

Finalmente, en la década de 1950, la Asociación de Caza de Elliðaey decidió montar una base en la isla para facilitar los viajes de caza. Dicho esto, lo cierto es que desde hace décadas la casa no tiene ninguna señal de caza, y se ha convertido mas en un albergue para aventureros que otra cosa.

La isla y su fauna. Elliðaey (de apenas 0,45 km²), es una de las 15 diminutas islas llamadas Vestman, un enclave salvaje expuesto a los elementos frente al Atlántico catalogado como reserva natural y espacio protegido, ya que pasa por ser una importante zona de anidación de aves marinas autóctonas. De hecho, aunque la vida de quienes habitaron la isla fue difícil, se dice que tenían un as en la manga: un enorme suministro de frailecillos (ave marina local).

¿Me puedo quedar a dormir? Aunque muchos relatos hablan de una proiedad de la Asociación de cazadores, lo cierto es que sí. La casa es en realidad un albuergue solitario con poco uso, un lugar de visita para intrépidos aventureros.

Hay un vídeo en YouTube que muestra el interior del mismo, hoy decorado con paneles de madera, sillones de cuero y cuadros de exploradores y otras islas de apariencia escandinava en las paredes. En la pieza visual también vemos camas individuales que se alinean en dos habitaciones en el nivel superior.

Cómo llegar hasta la isla. Obviamente, solo hay una forma: por mar desde la costa sur de Islandia. La isla tiene un pequeño acceso para embarcaciones pequeñas, aunque no es un muelle ni mucho menos (se recomienda acudir en verano por las mareas que hay el resto del año). Desde ahí, y tras una corta subida por la ladera rocosa, se puede acceder a la llanura empinada que lleva a la casa. Por cierto, de las 15 islas del archipiélago, actualmente solo una está habitada, Heimay, también la más grande.

El bulo de la “casa de Björk”. Una leyenda urbana la describía como la casa de la famosa cantante. Lo cierto es que nunca lo fue. De hecho, que sepamos, la artista nunca ha pisado la isla. ¿Qué ocurrió? Una confusión. En en el año 2000, el gobierno islandés dijo que le regalaría la isla a la cantante por hacer tanto por el país. Los medios agrandaron la noticia contando que Björk quería construirse un retiro en la isla remota y que estaba en negociaciones con el gobierno para construir un estudio de grabación en Elliðaey. 

En realidad, Bjork jamás hizo tal solicitud y declinó la oferta. No solo eso. Resulta que "la Elliðaey" conectada con Björk no era la misma isla que se muestra en la fotografía de la "casa más solitaria del mundo". Esa Elliðaey se encuentra en Breiðafjörður, que se encuentra al oeste de Islandia.

Confusión de Google Maps. También parecía haber dos islas donde los visitantes habían etiquetado la "casa más solitaria del mundo" en Google Maps. Una persona la colocó de forma incorrecta en la isla de Suðurey. En realidad, Suðurey se encuentra al sur de Heimaey, mientras que Elliðaey, la isla correcta con el albergue, está al norte.

Plot Twits. Hace tres años, el youtuber Ryan Trahan pasó la noche en la casa después de tratar con algunos lugareños que tenían acceso a la isla y a la vivienda. Y sí, la propiedad es tan remota como parece en las imágenes. Sin embargo, ocurrió algo que muy pocos sabían hasta entonces.

En un momento dado (minuto 7:12 del vídeo), Trahan pregunta a un local por qué se construyó la "casa más solitaria" en la isla. La respuesta que recibió fue sorprendente: no es una sola casa (albergue), en realidad, hay otra más pequeña cerca que se utiliza para almacenar diversos bienes, como cuerdas, muebles viejos y lo que parecía ser agua potable, y que es incluso más antigua que la "famosa". 

Por tanto, la historia de la "casa más solitaria del mundo" es algo más triste de lo que pensábamos. No es una casa, es un albergue, Björk jamás ha estado ni cerca de vivir en ella, y ni  siquiera era tan solitaria como nos habían contado.

Imagen | Hansueli Krapf, H0rdur.kristleifsson, Diego Delso

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La noticia La verdadera historia de la "casa más aislada del mundo": un lugar menos solitario de lo que nos habían contado fue publicada originalmente en Xataka por Miguel Jorge .

Da igual la máquina o método que prefieras para hacer ese café que te da la vida por las mañanas o el que sirve para relajarte en un momento dado: lo más importante siempre es la calidad de la materia prima y, en este caso, el café es esencial. El agua también, pero ese es otro tema. Hay muchos cafés de especialidad y variedades que nos pueden parecer extravagantes, pero entre todos, hay un café que es extremadamente exclusivo tanto por el precio como por la dificultad en su cultivo.

Se trata del Geisha, un café originario de Etiopía y de la familia arábica que ha colocado un pequeño país entre los más punteros en cuanto a cultura cafetera de especialidad se refiere: Panamá. Esta es su historia.

Una locura. Algo importante antes de continuar: el café Geisha no es exclusivo de Panamá. Es un café que requiere ciertas condiciones para su cultivo óptimo y se puede encontrar en zonas como Etiopía, Colombia, Costa Rica y algunos otros países. Sin embargo, Panamá lleva años especializándose en un tipo de café muy concreto. Ese café es el de especialidad. Y maravilló a quienes primero empezaron a acuñar ese término: los compradores norteamericanos.

En 1963, el Geisha se introdujo en Panamá y algunos propietarios de fincas empezaron a cultivarlo. El problema es que es un café que necesita unas condiciones muy particulares para su maduración, pero ahí Panamá es especial. Además, los primeros críticos en aquellos años consideraban que el Geisha no sabía como tiene que saber un café. El motivo era que había sido cultivado a una baja altitud y no le encontraban nada especial. Eso, sumado a una producción escasa y a las complicaciones en su cultivo, convirtieron esta variedad en una para valientes.

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"En Panamá no hay café". En un genial documental de la Autoridad de Turismo de Panamá, Ricardo Koyner, de la finca Kotowa, explica que Panamá no tenía una cultura cafetera de alto standing, por definirla de alguna manera. De hecho, tras una crisis hace 25 años, tuvieron que cambiar su manera de producir. El motivo era la explosión en algunos países del consumo del café de especialidad. Koyner y otros productores fueron directamente a mostrar sus productos a los compradores norteamericanos, que se sorprendieron cuando preguntaban de dónde era el café. "Nos decía, que Panamá es un canal, que ahí no existe café".

Resulta que algo de café sí había y, de hecho, el Geisha saltó a la fama en 2004 al obtener el primer lugar en el concurso ‘Best of Panamá’, unos premios de la Asociación de Cafés Especiales de Panamá que se celebran desde 1997. Crearon este concurso para atraer críticos y compradores especializados y hacer que prueben sus cafés, siendo una ventana al mundo. Y vaya ventana.

La Esmeralda. Hay varias fincas de café de especialidad en Panamá, pero en 2004, Daniel Peterson, dueño de la Hacienda La Esmeralda, se encontraba probando varias variedades de sus cosechas cuando dio con uno que habían dejado aparte. Peterson afirma que nunca había probado nada así en el mundo y, de hecho, pensó que algo debía estar mal porque "no era un sabor de Panamá".

Los productores probaron el Geisha de Peterson en el concurso y quedaron fascinados: tenía todas las cualidades que debía tener un café y Peterson afirmó que era, simplemente, una variedad que habían dejado aislada. ¿El principal valor? Un sabor exótico que no se encontraba en ningún otro café de la zona. Con ese éxito, Peterson lo apuntó al concurso y los compradores quedaron asombrados.

Resulta que el resto de productores también se dieron cuenta de que tenían Geisha en sus plantaciones, por lo que empezaron a favorecer el cultivo de esta variedad. Viendo lo que se podía pagar, superando los 800 dólares por medio kilo, no es algo que extrañe.

Un lugar perfecto para una finca de Geisha

Reventando la subasta. Con ese triunfo en 2004, los compradores acudieron en masa a la competición en 2005 para saber qué era eso del Geisha. Pero no sólo acudieron a Panamá, sino que también había subastas por Internet. Wilford Lamastus, de la finca Elida, cuenta que en una de estas subastas en las que participaba el Geisha, un comprador empezó ofreciendo diez dólares. El responsable técnico en California cerró la subasta y Lamastus llamó pidiendo explicaciones.

Desde California le contaron que cerraron porque se había colado un hacker, que era imposible que normalmente las subastas fueran de unos pocos céntimos y, de pronto, alguien diera 10 dólares. Al rato, el responsable volvió a llamar para confirmar que no había sido un hacker, sino alguien que quería ese café. Ahí es donde los productores panameños se dieron cuenta de que el futuro iba en la dirección del Geisha. No iba a ser fácil.

Condiciones perfectas. "Este lugar es difícil para producir café", afirma Ratibor Hartmann, productor de varias cosechas de cafés etíopes y Geisha en su finca llamada Guarumo. Aunque como hemos visto este tipo de café no es exclusivo de Panamá, el país tiene las condiciones ideales para su cultivo. Ahora bien, el propio Hartmann afirma que "hoy parece que todo tiene que ser geisha y no todo puede ser Geisha. Hay que ver qué tipo de café es más adecuado para nuestro entorno y, en base a eso, debemos cultivar con base científica".

Algo sabe, ya que tienen varios premios, precisamente, por sus cafés Geisha. Pero... ¿por qué es tan preciado esta variedad Geisha panameña? La clave es la ubicación, siendo una altitud de entre 1.200 y 2.000 metros las ideales para tener una maduración más lenta y, por tanto, que la fruta absorba más sabores. El clima también es importante, con temperaturas entre 18 y 21 grados, los suelos volcánicos también son relevantes y unas lluvias de unos 2.000 mm anuales.

Volviendo a Guarumo, Hartmann explica que su finca está en una zona de convergencia: a 67 kilómetros del pacífico y 42 del Caribe, lo que permite que haya lluvias con aguas muy distintas, aunque principalmente es una zona fría y seca. Además, se encuentra en una zona de maduración tardía debido al clima y esas condiciones de altitud, lo que ya hemos visto que es beneficioso para esta variedad Geisha.

Dificultades. Por si fuera poco el tener que contar con las condiciones ideales para el cultivo de este café, la cosecha que se consigue tampoco es la más boyante. Tiene una baja productividad, la cosecha es manual y todo el proceso tras la cosecha está enfocado a mantener esos sabores cítricos y florales que son los que buscan los paladares más exigentes que demandan este café. Y todo eso ya sabemos dónde nos lleva.

10.005 dólares el kilo. Cuando el café Geisha comenzó a llamar la atención internacional, salieron noticias con subastas en las que se habían vendido a 800 dólares el medio kilo. Es un precio de risa si lo comparamos con el precio alcanzado en la última subasta del Best of Panamá 2023. Agárrate a la silla porque el ‘Carmen Geisha - Carmen Estates By Panama Red Carmen Café Trading’ se vendió a 4.538,19 dólares el medio kilo, lo que son 10.005 el kilo y el lote que se llevó la empresa Coffee Tech de Nueva Zelanda era de 25 kilos, por lo que el total desembolsado fue de 250.125 dólares. El precio medio fue de 868 dólares el kilo.

Un problema. Bueno, dos en realidad. Esta variedad se ha convertido en uno de los cafés favoritos en las competiciones de baristas, pero… ¿está en nuestra cafetería de confianza? Aquí hay un problema fundamental y es el precio del café. No sólo es un café de especialidad, es EL café de especialidad en estos momentos, por lo que el precio de una taza alejan este tipo de cafés de muchos locales.

Por otro lado, no es un café para todos los paladares. No nos referimos a sus notas de sabor, sino a su preparación. Al ser suave y tener tantos matices, lo ideal es una técnica que está en cafeterías de especialidad, y no en todas: el filtrado. Es lo más recomendable, por lo que espressos, mezclarlo con leche o con azúcar (sacrilegio en el mundo del café de especialidad) no es lo ideal.

Pero bueno, ya conoces de dónde viene todo esto del café Geisha y, como amante del café, tengo que decir que nunca lo he visto en una cafetería de especialidad. Sí, he visto cafés panameños, pero no Geisha como tal. Si tú has tomado alguno y quieres compartir tu experiencia en los comentarios, estaremos encantados de leerte.

Imágenes | Alejandro Alcolea, Frank_am_Main, ATP Panamá

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La noticia El café más exclusivo del mundo se cultiva en un pequeño país sin gran tradición cafetera: el Geisha fue publicada originalmente en Xataka por Alejandro Alcolea .

Me interesa mucho la productividad y cualquier tipo de mejora en la eficiencia que pueda aplicar en mi vida o mi trabajo, pero hay algunos trucos, casi clichés, que no me suelen atraer. Uno de ellos era la técnica Pomodoro, uno de los típicos trucos para aumentar la concentración.

Hilando vivencias recientes pensé que quizás estaba siendo demasiado presuntuoso y que sería una buena idea tomármelo en serio y darle una oportunidad. Efectivamente, lo era.

Por qué es importante. Vivimos permanentemente desconcentrados, expuestos a notificaciones, a interrupciones, a distracciones seductoras a un scroll de distancia. Es cada vez más importante fijar límites que nos ayuden a aumentar nuestra capacidad de concentración. Si trabajamos con un ordenador el riesgo se multiplica.

En qué consiste. La técnica Pomodoro, desarrollada por Francesco Cirillo en los años ochenta, es una metodología que divide el trabajo en períodos de 25 minutos, cada uno seguido de descansos de cinco minutos. Tras cuatro 'pomodoros' se recomienda un descanso más largo, de 15 o 30 minutos.

Estos intervalos cortos buscan maximizar nuestra concentración y minimizar el agotamiento.

Imagen: Xataka con Midjourney.

En la práctica. La idea de trabajar por bloques de tiempo me sonaba extraña, quizás por la inercia de que el trabajo es un maratón continuo que cada uno termina como puede. Lo de forzarme a parar cada ¡25! minutos me resultaba incluso contraproducente. Pero puestos a probar me sometí a la disciplina de los temporizadores.

Eso sí, de una forma flexible: si la cuenta atrás llega a cero y estoy a punto de acabar algo, no tengo problema en alargarlo tres o cinco minutos más. Creo que es mejor eso que desconectar y luego reconectar.

Los espacios. El enfoque laboral como una maratón suele introducir distracciones que fácilmente se nos van de las manos. Con la técnica Pomodoro esas distracciones ya tienen un compartimento asignado que dura cinco minutos y en los que podemos hacer lo que queramos, pero solo durante esos cinco minutos. Y si nos quedamos con ganas de más, en menos de media hora volveremos a tener ocasión de más.

Y durante los tiempos de trabajo, no hay excusas. No hay visitas furtivas al Marca, no hay vistazos a Twitter, no hay TikTok de marras, no hay conversaciones en WhatsApp.

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Las lecciones de productividad que aprendí de Kahneman: toma de decisiones y pensamiento a dos velocidades

La clave. La mencionada flexibilidad. A veces el trabajo requiere pasar dos horas sin parar. Qué le vamos a hacer. A veces tenemos que volver prematuramente de un descanso. Pues lo mismo.

Saber jugar moviendo las porterías cuando el contexto lo demanda y siendo honestos con nosotros mismos es lo que distingue que esta técnica nos encaje o que se nos vaya de las manso y no sirva para nada.

Otras técnicas similares. Pomodoro se basa en cuatro sesiones 25/5  con un descanso final más largo. Pero hay otras que quizás se ajusten mejor al caso de cada uno:

• Flowmodoro. Trabaja tanto como puedas de forma concentrada y sin distracciones. Luego descansa un minuto por cada cinco minutos que hayas trabajado. Si has estado una hora, descansa unos seis minutos.
• Dos mitades. Divide el trabajo en dos sesiones tan largas como necesites pero siendo realista hacerlo sin descansos ni distracciones. Entre ambas descansa 10 minutos y añade otros 15 minutos de descanso final. Por ejemplo, 45 minutos de trabajo, 10 de descanso, otros 45 de trabajo, 15 de descanso.

Puedes ajustarlas como quieras, la regla básica es usar sesiones de trabajo concentrado, libres de distracciones, de forma realista y que se ajuste a nuestro contexto laboral. Y entre cada sesión, pequeños descansos que se alarguen cuando llevemos un buen rato trabajando.

Aplicaciones. Hay muchas aplicaciones móviles o de escritorio que nos pueden ayudar, aunque un simple temporizador en nuestro móvil sirve. A partir de ahí, lo que nos queramos complicar con widgets, alertas, etc. A mí me gusta Focused Work, pero es una elección personal. Tienes hasta servicios web como Pomofocus.

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La noticia Pensaba que la técnica Pomodoro era una minucia hasta que la empecé a probar en serio fue publicada originalmente en Xataka por Javier Lacort .

La Antigua Roma cada vez tiene menos secretos, pero cada cierto tiempo nos sigue dando alegrías en forma de descubrimientos. Un ejemplo es el hormigón que utilizaban hace miles de años y que sigue aguantando las inclemencias del tiempo. Otro las decenas de fuertes romanos hallados por satélites espía de la Guerra Fría. Y elementos como las monedas nos permiten ver los pasos de los romanos por el mundo. Cuando se encuentra algo nuevo, más o menos se tiene clara su utilidad, excepto por un objeto concreto: los dodecaedros.

Tenemos decenas de ellos, se siguen encontrando cada cierto tiempo y siguen siendo todo un misterio.

Como nuevos. En 1739 se encontró el primero de estos dodecaedros y, a partir de entonces, unos 130 han sido hallados por varios puntos de Europa. Por lo general, en países como Francia, Alemania, Hungría, Reino Unido y con la mayoría de los ejemplos encontrados en localizaciones galo-romanas. Algo curioso es que los hay de varios tamaños y suelen ser dodecaedros (figuras de 12 caras), así como un icosaedro (20 caras) con un estado estético impoluto: no muestran desgaste y no tienen inscripciones de letras o números. Este icosaedro, por cierto, se encontró en Alemania.

Los dodecaedros de oro. La composición de estos objetos es bastante interesante, siendo mayoritariamente de cobre. El análisis de fluorescencia de rayos X de uno de ellos reveló que estaba compuesto por un 75% de cobre, un 18% de plomo y un 7% de estaño y el tamaño va de los 4 a los 11 centímetros. Y aunque tienen formas similares, presentando unas protuberancias y agujeros de diferentes diámetros en las caras, no parece que haya medidas estandarizadas o una composición única.

Por otro lado, también se han encontrado algunos dodecaedros algo más pequeños y con las mismas características físicas, pero fabricados a base de oro. Parecen ser de la misma época y se encontraron a lo largo de la Ruta Marítima de la Seda. Esto nos puede dar un par de pistas: o los romanos comerciaban con ellos y por eso llevaron los de más valor (oro) al sudeste asiático o eran de gran valor personal para ellos.

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Norton Disney. El último de estos enigmáticos objetos se ha encontrado en la localidad de Norton Disney, cerca del condado británico de Lincolnshire, siendo el número 33 de los encontrados en Gran Bretaña y llevándose la palma en lo que a número de estos objetos se refiere. De nuevo, y como apuntaron sus descubridores, se encuentra totalmente intacto y sin evidencia de desgaste.

Este dodecaedro pesa unos 245 gramos y tiene un tamaño de 8 centímetros de ancho. Actualmente, está siendo investigado para ver si tiene otras propiedades que nos puedan dar una pista sobre la época de la que data, ya que fue encontrado en un yacimiento con fragmentos de cerámica que van desde la Edad del Hierro hasta el periodo romano. Y la idea es volver a la excavación este verano.

Sin registro histórico. Algo fascinante de estos objetos es que hemos encontrado más de 100, pero curiosamente no tenemos ni idea de para qué se utilizaban. Están en su mayoría en muy buenas condiciones, pero hay elementos que confunden a los investigadores. Uno de ellos es que no tienen un tamaño estándar, por lo que queda descartado que fueran elementos de medición o como adornos militares en estandartes. Y su forma tampoco es idéntica debido a que los orificios de las caras tienen tamaños diferentes.

Además, y esto es lo más importante, no se han encontrado referencias a estos dodecaedros en documentos romanos, lo que puede indicar que no eran un objeto de valor para ellos, pero aparte de los dodecaedros de oro, otro hallazgo refutaría esto: algunos de ellos se encontraron en yacimientos de monedas, por lo que o bien sus propietarios los consideraban valiosos o su uso estaba relacionado con las monedas. ¿Quizá para comprobar el diámetro de las mismas y de ahí los diferentes tamaños de los orificios en el dodecaedro?

Sólo podemos teorizar. Todo esto es especular, que, por otra parte, es lo único que pueden hacer los investigadores debido a esa falta de documentación y registro. Ya hemos comentado que hay varias teorías que no se sostienen, pero otras pueden ser bastante plausibles. Por ejemplo, se ha teorizado sobre el posible uso de los dodecaedros en juegos, aunque su buen estado interfiere con ello. También podrían haber sido armas, pero se habrían descubierto más y que no tengan marcas echaría esto por tierra.

Otra teoría apunta a su uso como artefactos religiosos o para la realización de ritos y una explicación más simple es que podrían ser parte de una prueba que tendrían que pasar los orfebres para ingresar en un gremio. Otra teoría interesante es la que sugiere que eran un instrumento para medir la luz o posición del Sol para calcular fechas importantes.

Al final, lo que está claro es que son objetos que requieren de un gran dominio del metal, pero todas estas teorías pueden ser ciertas y no a la vez. Hasta que no se encuentre algún registro, sólo podemos jugar a adivinar para qué servían estos curiosos objetos. Lo que sí se sabe es que datan de los siglos II a IV después de Cristo, pero si en 1.700 años no hemos encontrado un manual de instrucciones que nos indique qué son, parece improbable que algún día demos con la clave.

Imagen | Kleon3

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La noticia Los dodecaedros romanos de hace 1.700 años brotan de vez en cuando. Seguimos sin tener ni idea de para qué servían fue publicada originalmente en Xataka por Alejandro Alcolea .