Un total de unos 300 indigenas zapatistas viajan a europa a hacer un tour en mayo. Unos cuantos vienen en barco, y otros en avion. Si hoy te da miedo hacer algo piensa que estos cabrones se van a meter en un barco por 5 semanas para cruzar el atlantico cuando nunca han visto el mar.
Los hermosos y delirantes carteles publicitarios de la Fundación de Cerveceros de Estados Unidos, publicados en los años cuarenta, parecen portadas de discos de bandas californianas de punk rock
Desde mediados de los años cuarenta, la Fundación de Cerveceros de Estados Unidos publicó una serie de anuncios en las revistas para promover el consumo de cerveza en casa. Estaba dirigida hacia la clase media, en una especie de reivindicación del American Dream. Los anuncios se llamaban Home life in America y en cada uno de ellos aparecía una ilustración de gente blanca de clase media pasándoselo bien... gracias a la «bebida de la moderación». Pero en las imágenes vemos que se bebe cerveza en casi cualquier lugar o situación.
Se recurrió a los principales artistas comerciales de la época, como Douglas Crockwell (que realizó setenta obras), Stevan Dohanos, Haddon Sundblom, Mead Schaeffer, John Gannam, Fred Siebel, Pruett Carter, Ray Prohaska, Austin Briggs y Glenn Crober. Había 119 anuncios numerados, aunque esto es ligeramente engañoso porque había dos numerados 2 y el de Acción de Gracias de Douglas Crockwell (izquierda) se utilizó tres veces y el de Haddon Sundblom se utilizó dos veces. Es muy posible que, si cierras los ojos, cada una de estas ilustraciones parezcan portadas de bandas californianas de punk rock.
Cada anuncio incluía también una pequeña ilustración de algún alimento y una o dos copas; he utilizado algunas de ellas como friso en la parte superior, ya que el aspecto de los anuncios era muy similar y sólo muestro el arte. Aquí están los primeros veinte más una sorpresa al final: un anuncio satírico de la campaña cortesía de la legendaria revista Mad.
En Myanmar, la antigua Birmania, donde la represión no cesa tras el golpe de Estado, los punks se han organizado para hacer frente a los militares y denunciar la represión. Algunos de ellos han sido heridos o asesinados
La resistencia masiva al golpe militar de febrero continúa en Myanmar, con más de medio millar de muertos, mientras los soldados y la policía abren fuego contra los manifestantes. Entre los participantes se encuentran miembros de la comunidad punk del país. Las bandas de Myanmar The Rebel Riot, Kultureshock, The Outcast y The Slingshot, así como otras internacionales, han formado un colectivo llamado Cacerolazo, una forma de protesta que se popularizó en 1971 cuando las mujeres golpearon ollas vacías en las calles para manifestarse contra la escasez de alimentos en Chile... la práctica de golpear ollas y sartenes se asocia con el exorcismo del mal en Myanmar y se ha realizado todas las noches para mostrar el descontento con la Junta que tomó el poder de un gobierno elegido el 1 de febrero. «La noche no será silenciada», impulsada por el Cacerolazo, rinde homenaje a las personas que han sido asesinadas por las fuerzas de seguridad desde el golpe.
Punks durante una protesta en Yangon el 9 de febrero de 2021. Fotografía: Myat Thu Kyaw / NurPhoto
Punks en Yangon se manifiestan contra el Golpe. Fotografía: The Irrawaddy
Punks protestan en Mynamar contra los golpistas. Fotografía: Kaung Kaung
«No tenemos fe en el sistema judicial. Policía asquerosa. Que le den a la policía. A.C.A.B.».
«El ímpetu con el que la gente hace chocar sus cucharas de madera contra sus cacerolas abolladas es un recordatorio diario de la solidaridad del pueblo contra este régimen», dijo un miembro de la banda que pidió el anonimato. «Queríamos compartir esta unidad reuniendo a gente de toda la comunidad punk de Yangon».
El grupo de Yangon The Rebel Riot ha lanzado un tema con el lema universal de A.C.A.B.:«Nosotros, Rebel Riot, estamos furiosos con la actual injusticia y brutalidad de la policía hacia los manifestantes pacíficos. Protestamos de todas las formas posibles en la calle y a través de la música con nuestro vídeo musical ACAB. Este vídeo no es simplemente una canción. Con este vídeo estamos retratando la violencia de la policía. Esperamos que nuestro video musical ayude a esta revolución como parte». La letra incluye: «No tenemos fe en el sistema judicial. Policía asquerosa. Que le den a la policía. A.C.A.B.».
Grupos de punks por las calles de Yangon. Fotografía: EPA
Grupos antifascistas y punks se manifiestan contra el golpe. Fotografía: History is made at night
Grupos de punks por las calles de Yangon. Fotografías: EPA / AFP
El proyecto Food Not Bombs de la comunidad punk ha continuado activo desde el golpe, distribuyendo alimentos a los más necesitados. Según su grupo de Facebook, uno de sus activistas ha sido recientemente hospitalizado durante la represión: «Nuestro amigo Japan Gyi tiene 24 años y es de nuestra comunidad. Es músico y ha sido un voluntario activo de Food Not Bombs. Es el vocalista del grupo Outcast. Desde el golpe del 1 de febrero, toda nuestra gente de la comunidad se ha sentido indignada ante el golpe. Hemos protestado y, al principio, fue una protesta pacífica. Al cabo de un tiempo, han reprimido la protesta con violencia, deteniendo a personas, golpeándolas y matándolas. Las muertes de manifestantes han aumentado día a día. A pesar de la violencia causada por la Junta, la gente no ha dejado de protestar y sigue haciéndolo de cualquier manera.
Hlaing Thar Yar es un municipio lleno de fábricas en el que reside mucha gente de clase trabajadora de todo el país. La Junta ha reprimido a Hlaing Thar Yar más que a otros municipios para así proteger las fábricas chinas. El 14 de marzo, Japan Gyi participó en la protesta en Hlaing Thar Yar. Por la tarde, muchos soldados y policías llegaron para reprimir la protesta. Por la noche, empezaron a usar gases lacrimógenos, balas de goma y balas reales. Más de 50 personas murieron y muchas resultaron heridas. Japan Gyi resultó herido de una bala (posiblemente de goma) en el brazo derecho y se fracturó un hueso. Le enviaron al hospital más cercano y le escayolaron. El estado de su brazo aún no es bueno. Nuestra comunidad está preocupada por su estado actual. Es un joven importante para nuestra comunidad y ha estado participando en la entrega de alimentos con Food not bombs. Todos rezamos para que su mano vuelva a la normalidad. Necesitamos apoyo para su familia. Esperamos que vuelva pronto con nosotros».
La artista Guadalupe Rosales creó y dirige Veteranas y Rucas, una popular cuenta de Instagram convertida en un gran archivo sobre las chicas pandilleras en el Sur de California durante los años noventa
[Vía Dangerous Minds]
La artista Guadalupe Rosales creó y dirige Veteranas y Rucas, inicialmente una cuenta de Instagram dedicada a documentar la cultura juvenil chicana del sur de California durante la década de los noventa. Lo que comenzó en 2015 como una forma de reconectarse con amigos perdidos de sus propios días de adolescencia, pronto se convirtió en una historia más rica, amplia y mucho más importante de las vidas de las mujeres (y hombres) criados en SoCal y más allá.
«Veteranas y Rucas sirve como un archivo digital en el que extraños, amigos cercanos y familiares comparten un espacio virtual que habla un lenguaje con el que muchos de nosotros podemos relacionarnos.... La atención que ha recibido la cuenta de Instagram ha resucitado una parte de la historia de la que no se ha hablado ni se ha documentado bien, y sin embargo mucha gente estaba emocionada de ver cómo volvía. Trabajar en Veteranas y Rucas me hizo darme cuenta de lo importante que es esta subcultura».
Rosales, que creció en Los Ángeles, pide a la gente que envíe sus propias fotografías de la vida cotidiana en SoCal durante este periodo. Su página web toma su nombre de las palabras «Veterana», que significa «alguien que ha trabajado o pasado por la cultura de las bandas», y «ruca» que es como se llama vulgarmente a tu chica. «Cualquiera que conozca estas palabras –añade Rosales–, podrá conectar con ella y con la cultura chicana».
Las fotografías transmiten mensajes complejos. Dan solidez a una persona, a un momento, a un sentimiento o a algún acontecimiento compartido con un significado profundamente personal. Captan el espacio en el que tienen lugar estos momentos fugaces. Rosales documenta muchos de estos barrios que se han perdido con el auge de la gigantesca gentrificación urbana que devora y repobla estas zonas, antaño principalmente étnicas y obreras.
En el año 2000, Rosales abandonó Los Ángeles. Se trasladó a Nueva York, donde fue testigo de otro tipo de aburguesamiento que se estaba produciendo en la ciudad. Esto llevó a Rosales a reencontrarse poco a poco con los amigos y la gente con la que había crecido. Las conexiones que renovó inspiraron a Rosales a iniciar su archivo de la juventud chicana de los 90: «Lo que me interesa publicar son mujeres que parecen mujeres fuertes..... Parecen duras, y me gusta mostrar fotografías así porque quiero decir que las mujeres pueden ser atractivas cuando son mujeres fuertes».
Pendientes de guillotina, gargantillas con cintas rojas en el lugar en que serían decapitados, cortes de pelo, canciones o joyas realizadas con pedacitos de la Bastilla. Durante los días de la Revolución, el Terror se convirtió en una imparable moda
Era la máquina perfecta, el símbolo de la justicia desde que el 7 de marzo de 1792, con la Revolución precipitándose hacia el Terror, un médico llamado Antoine Louis presentase un informe detallando cómo funcionaría la nueva «máquina del gobierno»: la guillotina, el mecanismo de muerte en serie que se decía prácticamente «indoloro». Incluso se aseguró que el condenado no notaría más que una suavísima «brisa» en los instantes anteriores a su decapitación. Eso, al menos, al principio, puesto que más tarde comenzaron a extenderse historias que aseguraban que los dientes castañeaban durante minutos o los ojos veían después de separarse la cabeza del cuerpo.
Antes del informe, Guillotin, diputado a la Asamblea Constituyente, había propuesto una nueva forma de pena capital idéntica para todos. Era democrática, justa y rápida. No se recreaba en el tormento, como había sucedido antes. Otros dispositivos de decapitación habían demostrado su «eficacia» en el pasado, como la Diele en la Alemania medieval, la Mannaia en la Italia del siglo XVI, la Maiden en Escocia o la horca de Halifax en Inglaterra. Sin embargo, la guillotina francesa era más «eficaz»: una tabla giratoria sobre la que se ataba al condenado, el diseño de una luneta (yugo de doble cara) que mantenía la cabeza firme y, por último, el uso de una gran cuchilla diagonal en lugar de una media luna, lo que hacía que el instrumento «nunca fallase».
Ilustración que muestra la ejecución de Charlotte Corde (17 de julio de 1793)
Un fabricante de pianos prusiano llamado Tobias Schmidt fue contratado para construir el aparato, entonces apodado Petite Louison o Louisette. La solicitud de Schmidt para patentar el invento fue denegada: «Es humanamente desagradable –decía el informe– conceder una patente para un invento de este tipo; aún no hemos llegado a tal nivel de barbarie. Aunque Monsieur Schmidt ha producido un invento útil de tipo letal, dado que sólo puede utilizarse para ejecutar sentencias legales, debe ofrecerlo al gobierno».
Todo cambió cuando el 17 de abril de 1792 se usó por vez primera con animales y cadáveres. Unos días más tarde decapitaron a un salteador de caminos. Desde entonces, se puso en funcionamiento a destajo. El público la acogió con devoción. Las ejecuciones eran multitudinarias, aunque solo quienes estaban en las primeras filas podían ver algo. Lo fascinante eran los instantes previos. La caída de la cuchilla y la muerte eran tan fulminante que la mayoría debía contentarse con el temblor que sacudía a los asistentes.
Pendientes de guillotina simbolizando la decapitación del rey la reina
«Las mujeres republicanas exhibían los pendientes de guillotina como una forma de adhesión femenina a las ideas revolucionarias»
Se convirtió en el emblema de la Nueva Era, lo que afectó a la moda. Los pendientes de guillotina fueron tremendamente populares. Representaban el gorro frigio –símbolo de la libertad– en la parte superior, y las cabezas coronadas y decapitadas del rey y la reina en miniatura colgando debajo. Las canciones populares la divulgaban con una serie de estribillos en que se cantaba a «la viuda», «la navaja nacional», «el corte de pelo patriótico», «la espada de la igualdad» o «el altar de la nación», entre muchas otras expresiones. Las mujeres republicanas exhibían los pendientes de guillotina como una forma de adhesión femenina a las ideas revolucionarias.
Gargantillas revolucionarias
Chalecos rojos
El pueblo también modificó su lenguaje. Nadie hablaba de la guillotina en un sentido técnico. En cambio, se decía «asomar por la ventana» o «estornudar en la cesta» a la que iba a parar la cabeza seccionada.
Se comercializaron faldas tricolores, joyas confeccionadas con supuestos trozos de la Bastilla. Las presas solían ser sometidas a un corte de pelo bastante corto. En un intento de disminuir su dolor, muchas de las condenadas se cortaban el pelo muy corto, porque se pensaba que así la hoja no se atascaría y el corte sería más fulminante. Este peinado se llamó «Titus». Atrás quedaban las altas pelucas empolvadas, los peinados y las joyas brillantes. Muchas lo imitaron y rebajaron considerablemente sus melenas. Las mujeres también empezaron a llevar gargantillas que simbolizaba el lugar donde la guillotina golpearía a las víctimas en el cuello. A diferencia de las perlas de los ricos, solían estar hechas de materiales mucho más asequibles, como cintas o encajes. O llevando cintas escarlatas para simbolizar la sangre de los muertos, cuando no se envolvían en una «X» a través de los pechos y alrededor de los brazos para representar la sangre que fluye.
La moda del peinado Titus (1817). Pierre de la Mesangere
Peinado Titus. Journal des Dames et des Modes (1798)
Todo cambió cuando los jacobinos fueron pasando uno a uno ante la «máquina del gobierno». Con la decadencia de la Revolución, los familiares de las víctimas celebraron bailes de recuerdo. Iban vestidos de luto y con una cinta roja rodeando sus cuellos.
Tanto Primo de Rivera como Franco quisieron controlar a los Exploradores españoles para adoctrinar a los más jóvenes en los ideales del militarismo y patriotismo. El himno falangista «Cara al sol» se copió de una canción scout y varios líderes políticos viajaron a la Italia fascista para imitar su modelo de juventud
[Imágenes: Álbum fotográfico de los campamentos organizado por los Exploradores de Murcia en Sierra España en 1924 y 1925. Archivo Regional de Murcia]
Eran el cuerpo perfecto, una máquina impecable y patriótica, la imagen de lo que España aspiraba a ser, la fuerza de choque soñada por cualquier general: «Yo prometo por mi honor hacer cuanto de mí dependa por cumplir mis deberes para con Dios y para con el Jefe de Estado, amar a mi Patria, serle útil en todo momento, respetar sus leyes, y obedecer el Código de Explorador», decía el juramento del explorador español, nuestro boy scout hispano, a imitación de sus compañeros británicos, el mítico movimiento creado por el general Baden-Powell a finales del siglo XIX, entre libros, folletos y panfletos de escultismo, el cimiento para las ideas totalitarias que, en unas décadas, se extenderían por Europa. Baden-Powell, apasionado de Peter Pan, era un eterno hombre-niño. Ante el temor a la extensión de las pandillas y los hooligans, hizo de su cruzada pro-jóvenes, su vida. Su nombre aparecía constantemente en la prensa. En una carta publicada en el Chronicle proponía que todo niño inglés, antes de dormir, se hiciera la siguiente pregunta: «Qué he hecho yo por el bien de mi país, además de lo que he hecho por mi propia diversión o por mi progreso?».
«La edad dorada llegaría años más tarde cuando el dictador Miguel Primo de Rivera, uno de los líderes exploradores, lo convirtió en un grupo paramilitar de adoctrinamiento»
La biblia scout se llamó Escultismo para muchachos, organizado no en capítulos sino en «Fogatas», y editado en los años treinta en México, aunque los derechos correspondían a nuestros exploradores. Aquí, en España, el general inglés era visto con recelo: era protestante, y eso no gustaba a los sectores católicos y la iglesia.
En nuestro país, el scout lo creó otro militar, esta vez capitán de Caballería, Teodoro Iradier, en julio de 1912, pero la edad dorada llegaría años más tarde cuando el dictador Miguel Primo de Rivera, uno de los líderes exploradores, lo convirtió en un grupo paramilitar de adoctrinamiento de los más jóvenes en las ideas de un amor a la patria donde no cabían defectos físicos o caracteres rebeldes. En 1930, gracias a su impulso, habían pasado de ser aproximadamente un millar en los años de su fundación a los diez mil disciplinadísimos jóvenes. Su lema de «Siempre listos para servir» se moldeó con fines políticos y proselitistas, aunque a diferencia de sus colegas ingleses aquí había poco de pasar la noche en el campo. Se debía ser un scout los domingos, y se montaban y desmontaban las tiendas el mismo día. En realidad, sus actividades se basaban en nociones básicas de supervivencia y patriotismo que finalizaban con la puesta de sol.
El engendro ideológico tras los exploradores era enorme: una construcción que, a imitación de Baden-Powell, se reafirmaba en la biología y espiritualidad, pero como siempre sucede en nuestra propia tradición, debía tener como modelo a algún personaje o referente previamente manipulado y convertido en «uno de los suyos» por primorriveristas y futuros fascistas: don Quijote, el hidalgo por excelencia, ahora forzudo, soñador y recto, el Caballero español. Los falangistas continuaron con esta visión maniquea de personajes literarios y de caballeros andantes de carne y hueso. Para ellos se trataban de luminarias, lo mismo que para Baden-Powell lo habían sido sus propios Caballeros, cuyas obligaciones caballerescas resumía así: «1. Temor de Dios 2. Honrar al Rey 3. Ayudar a los débiles y en dificultades 4. Venerar a las mujeres y ser amables con los niños 5. Entrenarse en el uso de las armas para la defensa de su país 6. Sacrificarse y sacrificar sus diversiones, sus propiedades y, si fuera necesario, su vida por el bien de sus compatriotas».
El acercamiento de la dictadura de Primo de Rivera con el fascismo italiano pasó por imitar a los balillas italianos, creados en 1926 y que englobaba a chicos de entre 6 a 18 años, en un alarde de virilidad y espíritu guerrero sin parangón. Algunos miembros del régimen viajaron a Italia y, una vez allí, conocieron de primera mano cómo se las gastaban aquellos balillas fanatizados. Se envidiaba el afán de los chicos de la calle por convertirse en uniformados y ser un explorador. Tenían miles de panfletos y películas propagandísticas. También fuimos a Inglaterra para deleitarnos con lo que allí sucedía. En julio de 1929, una patrulla de Kanguros marchó a Liverpool, donde tenía lugar un encuentro mundial de scouts, para tomar buena nota de cómo eran sus homólogos británicos.
La República española fue un obstáculo para los planes totalitarios. Desde el día 28 de abril, la bandera de las Tropas sería la tricolor, adoptada por el Gobierno de la República. En el uniforme no hubo más variación que la de cambiar las cintas rojo y gualda que venían usando en las medias por otras de los colores de la República, rojo gualda y morado. La institución de los Exploradores de España cambió la insignia por otra que no llevaba la Flor de Lis, asociado a la monarquía destronada, más una mano con el saludo scout.
Campamento nazi en Cercedilla. Fotografía: Otto Wunderlich
Campamento Juvenil Hernán Cortés (Los Helechos) en Cercedilla (1967). Fotografía: Alfonso
«Había muy pocas diferencias entre lo que sería un pelayo y un flecha y lo que había sido un explorador»
El franquismo, una vez finalizada la contienda, los controló de inmediato. Celoso de organizaciones paralelas y descentralizadas los disolvió a pesar de las protestas e integró por la fuerza en la Organización Juvenil de la Falange Española Tradicionalista y de las JONS. El campamento central de los scouts, instalado en la Sierra de Guadarrama, cayó en manos de las juventudes falangistas, el Frente de Juventudes. Por entonces, es cierto que había muy pocas diferencias entre lo que sería un pelayo y un flecha y lo que había sido un explorador. Sancho Dávila, jefe falangista de las organizaciones juveniles, reconocía antes de acabar la Guerra Civil «el enorme poder formativo que se alcanza en nuestra juventud mediante la vida en los Campamentos, porque el Campamento es la más acabada escuela de honor y de disciplina, en donde el pequeño camarada se inicia y profundiza en los conocimientos de nuestros postulados revolucionarios». El campamento, para Dávila, era una auténtica «ciudad de lona». Algo similar expresaba el Manual del acampado, editado en 1943, un conjunto de arengas para flechas que, en realidad, eran scouts renovados bajo los principios del nacionalsindicalismo.
Campamento del Frente de Juventudes (1953). Fotografía: Archivo Regional de la Comunidad de Madrid
Los falangistas se apoderaron de todo: los ideales, la estética y hasta los himnos exploradores. El famoso «Cara al sol», creado a mediados de los treinta, se parecía sospechosamente al «Himno al sol» de los exploradores, que cantaban en campamentos y acampadas: «¡De cara al sol quiero marchar! / Hacia la cumbre / mientras alumbre / la luz solar […] / Mi patria santa». Muchos falangistas y gente de orden y arribistas de última hora, habían sido en sus años mozos exploradores y aquello sonaba perfecto. Bastaba una mano de pintura, nuevas consignas y un puñado de uniformes para alumbrar la Nueva Era.
Todos Nazis! incluso Serrat, que con su cancion Nazi en el Mediterraneo
Durante décadas los niños y niñas estadounidenses saludaron con el saludo nazi, hasta que italianos, alemanes y españoles lo convirtieron en parte de su credo. Hace poco Getty Images, forzado por varios historiadores, tuvo que cambiar los pies de foto. «Nunca fuimos nazis», afirmó uno de ellos.
Los niños, disciplinados y con gesto serio, mirando hacia la bandera, a la orden del director de la escuela levantaron automáticamente el brazo haciendo el saludo popularizado por nazis y fascistas: «Juro lealtad a mi bandera y la república que representa; una nación indivisible, con libertad y justicia para todos». El ritual, descrito en una obra juvenil de 1892, estaba normalizado. Sucedía a diario, al comenzar el día. Hasta que llegaron nazis alemanes y fascistas italianos y, seguidamente, falangistas españoles, que convirtieron aquella derivación del antiguo saludo romano en una seña de identidad del totalitarismo.
Estados Unidos, que lo tenía prescrito desde hacía décadas tardó en retirarlo. Al menos hasta que los japoneses arrasaron Pearl Harbor en diciembre de 1941 y, por vez primera, los estadounidenses sintieron la muerte y la destrucción de cerca.
Escolares hacen el saludo Bellamy en el patio del colegio (1915)
Cuando hicieron su aparición las camisas negras, la polémica estaba servida. Los intervencionistas y antifascistas estadounidenses exigieron que se retirase el saludo. El clérigo Bellamy, su creador, no pensaba en un saludo, sino en un juramento. Bellamy, desde 1892, se había embarcado en crear muestras públicas de adhesión a una especie de espíritu de compromiso con los supuestos ideales de los fundadores del país. Aseguraba que el país necesitaba un credo. No lo hizo solo. Daniel Sharp Ford, propietario de una revista llamada Youth's Companion, llevaba años intentando impulsar el patriotismo. Para celebrar la historia de Estados Unidos, o lo que entendía que era esto, Ford logró colocar banderas estadounidenses en todas las escuelas del país. Lo siguiente fue componer una perorata adecuada que se pronunciaría diaria y colectivamente a los pies de la bandera. El brazo en alto significaba adhesión. La mano en el corazón, compromiso sincero.
Una clase entera haciendo el polémico saludo (circa 1920)
Ahora, con la amenaza de la bestia totalitaria, el saludo se consideraba una vergüenza y un equívoco que los acercaba a los absolutistas europeos, que sembraban el terror. No fue fácil dar marcha atrás. Muchos se negaron, argumentando que todo eso pasaba lejos de allí y que aquella era una tradición largamente instaurada, un acto de demostración pública marcial de amor al país.
Al otro lado del océano el continente estaba en llamas. Muchas figuras tremendamente populares, como el pionero de la aviación Charles Lindbergh, contrario a la intervención de su país en la guerra, defendieron su mantenimiento. El 15 de septiembre de 1939, doce días después de que Francia e Inglaterra declarasen la guerra a Alemania, Lindbergh pronunció un discurso por radio a toda la nación condenando a la Alemania nazi y su persecución antisemita pero, al mismo tiempo, rechazando participar en los combates.
Hubo argucias bastante sucias. Aunque Lindbergh no apoyaba abiertamente a los nazis, se le acusó de simpatizar con Hitler. En una foto suya, de octubre de 1941, en plena controversia por el saludo Bellamy, se le veía haciendo el saludo en un mitin organizado por el aislacionista Comité América Primero en el Madison Square Garden de Nueva York. De manera deliberada, en la imagen no se veía la bandera estadounidense, creando así un equívoco bastante embarazoso. Parecía un miembro de la Gestapo.
La polémica foto de Getty Images. El senador Burton K. Wheeler, Charles Lindbergh y la escritora Kathleen Norris hacen el saludo en Nueva York (1941)
No estaba solo. Varias personalidades del mundo de la cultura parecían apoyarlo, como el senador Burton K. Wheeler, y la novelista y columnista de prensa Kathleen Norris, lo apoyaban. Por supuesto, los seguidores del nacionalsocialismo no dudaron en montar manifestaciones con esvásticas incluidas en muchas ciudades del país. Ellos estaban encantados con el saludo Bellamy. Un sector del socialismo más pacifista apoyaba no ayudar a Europa en su lucha contra el fascismo.
La imagen de niños haciendo el saludo nazi en las escuelas, no es algo excesivamente conocido, incluso para los propios estadounidenses. Getty Images, en decenas de fotografías de aquellos tiempos, en las que se ve a caras famosas haciendo el saludo Bellamy, ha estado etiquetando estas imágenes con unos pies de foto en los que afirma que se trata de actos pronazis. Hace poco tuvo que modificarlos. Varios historiadores, advirtiendo el error, escribieron a la compañía. «Nunca fuimos nazis», afirmó uno.
Las tribus de los Inuit y Yupik, hace miles de años, inventaron unas bellísimas gafas de sol que son capaces de corregir la vista y que hoy la cultura pop rescata para crear escenarios futuristas
Posiblemente te recuerden a algunas gafas de sol usadas en películas futuristas o de serie B, sobre todo asiáticas, o las hayas creído ver en películas sobre bandas de motoristas japoneses. Son las gafas de sol creadas y popularizadas por las tribus Yupik e Inuit, en el Ártico. Están tradicionalmente hechas de madera de abeto, hueso, marfil de morsa o cuerno de caribú. Las gafas, sostenidas por una correa trenzada, están curvadas y, casi siempre, la correa está hecha de piel de morsa. Conocidas como «Iggaak» en el dialecto nativo norteamericano, se han usado para proteger del resplandor en la nieve (y en el agua) durante aproximadamente 4000 años, convirtiéndolas en la forma más antigua de gafas relacionadas con la visión, aunque sin ningún tipo de lente correctora.
Cada gafa está personalizada y se talla para adaptarse a la cara de quien la llevará. Se ajustan firmemente a la cara de modo que la única luz que entra es a través de una fina ranura. A veces, incluso se aplica hollín en el interior para ayudar a reducir el deslumbramiento. Las ranuras son estrechas, no sólo para reducir la cantidad de luz que entra sino también para mejorar la agudeza visual. Cuanto mayor es el ancho de las ranuras, mayor es el campo de visión.
Los actuales habitantes de esas zonas han cambiado sus trineos tirados por perros por los de gasolina para esquiar. También han descartado este tipo de gafas en favor de los Ray-Bans o de gafas de sol de diseño similar.
Este estilo de gafas puede incluso mejorar la visión, como descubrió Ann Fienup-Riordan un día en 2010. Antropóloga de Anchorage que trabaja con el pueblo yupik y escribe sobre su cultura, se había sometido recientemente a una cirugía en sus retinas y «la visión de mi ojo derecho seguía siendo bastante borrosa», dice. Pero cuando se puso las gafas Yupik en los ojos... ¡Podía ver! ¿Qué es lo que estaba pasando? Resulta que la rendija enfoca la luz, como lo hace una cámara estenopeica. Como resultado, los objetos lejanos aparecen más nítidos «y tu visión es mucho, mucho mejor», afirma Fienup-Riordan. Mucho antes de la invención de las gafas con lentes de vidrio o plástico, los habitantes indígenas de Alaska, incluido el pueblo yupik, idearon sus propias gafas correctoras. Phillip Moses, un miembro de la tribu de la bahía de Toksook, las llamó «gafas de sol recetadas por los Yupik».
En mexico dicen que va muy bien el mango... el mango del martillo en el culo
Hoy vamos a hablar de los remedios caseros para la diarrea. Este problema puede tener diversas causas así como diferente gravedad dependiendo el motivo que la ocasione. Hemos elegido los 5 tratamientos naturales más efectivos, pero también hablaremos un poco de las causas y qué alimentos evitar, para hacer de esta pequeña guía algo más …
Los legendarios vagabundos y buscavidas estadounidenses tenían su propio lenguaje cifrado, decenas de símbolos que usaban entre ellos para advertir de la presencia de policías, caminos peligrosos o donde encontrar comida
En 1972, el diseñador industrial estadounidense Henry Dreyfuss (2 de marzo de 1904 - 5 de octubre de 1972) publicó The Symbol Sourcebook, A Comprehensive Guide to International Graphic Symbols. Esta base de datos visual de más de 20.000 símbolos proporcionó un estándar para los diseñadores industriales de todo el mundo. Incluyó una sección de 60 signos de vagabundos, utilizados por «hombres y mujeres de la clase trabajadora que viajaban en tren para comunicarse entre sí durante la Gran Depresión, a finales del siglo XIX y principios del XX». El hobo, un vagabundo habitual en Estados Unidos a finales del siglo XIX y comienzos del XX, fue popularizado por la música o el cine, como buscavidas por excelencia, siempre dispuesto a tomar un tren en marcha, dormir en un granero o formar grupo con otros como él, mientras eran incesantemente perseguidos por la policía y matones de todo tipo. Ben Reitman escribió: «Llegaban sucios, desaliñados y con los pies doloridos pero siempre traían consigo la alegría de una vida despreocupada y alejada del resto del mundo».
Jules J. Wanderer, en su artículo de 2001 «Embodiments of bilateral asymmetry and danger in hobo signs», afirmó que que una de las formas en las que funcionaban estas señales era aprovechando la tendencia natural del cerebro a inclinarse por la derecha antes que la izquierda. Por ejemplo, los caminos, las carreteras o los senderos no estaban marcados con palabras que indicaran que eran «direcciones preferidas» para viajar o lugares que debían evitarse. En su lugar, los objetos se marcaban con señales de vagabundo que diferenciaban discursivamente los caminos y las carreteras representándolos en términos de asimetría bilateral, con las direcciones hacia la derecha, por encima de las de la izquierda.
Escribían este código con tiza o carbón en vallas, postes, aceras, edificios, estribos de puentes o equipos laterales de la línea de ferrocarril para dar indicaciones, información y advertencias a otros vagabundos. Algunas señales incluían «gire a la derecha aquí», «cuidado con la policía ferroviaria hostil», «perro peligroso», «comida disponible aquí», etc. Puede haber una o más señales que den el mismo mensaje o, a veces, puede haber significados ligeramente diferentes para una señal. Esto puede explicarse por el hecho de que pueden haberse utilizado en zonas muy diferentes del país. Al igual que una lengua hablada tiene sus propios dialectos y palabras para diferentes zonas, con una lengua de signos sucedería lo mismo. Antes que ellos, los tramperos ya usaban su propio código. Es posible que los primeros hobos tomaran la idea de estos.
En Europa, vinculado al argot del hampa, los apaches franceses tenían un código secreto muy parecido, que dibujaban en la entrada de casas o en paredes.
Se llama Fernando Navarro, un tatuador murciano que, junto a más gente, decidió homenajear a los míticos ciclomotores de 49 y a algunos de sus carismáticos jinetes como proyecto personal. Hombres y mujeres de avanzada edad que aún circulan en este tipo de motos, a los que fotografía cuando puede.
Los recuerdos que tengo de mi adolescencia, desde luego dan para libro. Pero en la época del instituto, las motos de 49cc que llevaban muchos de los chavales de mi clase, eran parte del día a día. Siempre me resultó curioso ver las barbaridades que gastaban en modificaciones, pues en los casos más extremos, costaban más que la propia moto. Supongo que en otras ciudades sería similar, pero en Murcia siempre ha habido una cultura en torno al ciclomotor digna de admirar.
Fernando Metrakit. Fotografía: Daniel Gascón
Hace unos años, con el boom de la RRSS vi que Fernando, un colega de la infancia, empezó a interesarse por las motos ochenteras de 49, así como por la gente que aún las conduce. Algo que acabó siendo su proyecto personal. Y como esto es algo único y alguien tenía que contarlo, creí que lo mejor que podía hacer era ir a hablar con él.
¿Por qué crees que nace toda esta cultura del ciclomotor que hay por aquí?
Fernando:Pues básicamente porque aquí siempre ha habido mucha peña que se mueve en moto y por algún motivo, imagino que comercial o con vistas de negocio, la mayoría de marcas o empresas auxiliares que suministraban recambios o accesorios para estos vehículos, terminaron asentándose por Murcia. A la mayoría de gente le sonarán a chino estas empresas, pero si hablas con alguien que le guste esto, no podrá evitar sonreír al escuchar marcas como NZI, ItalKit, Jazen, TurboKit… Y la mayoría siguen suministrando y fabricando recambios, ahora con menos mercado, pero hoy en día son las únicas prácticamente y eso les permite también seguir a flote.
Cuidando la máquina. Fotografía: Daniel Gascón
«Siempre que vamos a cualquier sitio, somos como “el circo llega”, la gente se queda flipando porque no tienen muy claro qué somos»
¿Crees que tanto esta cultura como este movimiento tienen influencias de otros países?
Fernando:Bueno, cuando descubrimos todo esto que comentaba, nos dimos cuenta de que si hacíamos esto de Culebras, todo tenía un sentido y una buena base histórica para que tuviera cierto respaldo argumentativo. Y eso nos llevó a pensar en el movimiento que se generó en EEUU cuando empezó la cultura retro entorno al ciclomotor, durante la crisis del petróleo en los 70. Y descubrimos que en los 90, ya había pandillas que iban con su propia identificación. Eso nos impactó bastante, especialmente al darnos cuenta de que aquí eso se hacía, pero no estaba la movida de los chalecos ni ese peliculeo por así decir.
Personalmente es lo que me parece más divertido, porque al final lo que haces es darte una vuelta en una moto de 49cc con los colegas. Pero si generas un poco esa conciencia de pandilla, de que todos vamos a por un objetivo, al final eso es lo que mantiene vivo un poco todo esto. Siempre que vamos a cualquier sitio, somos como “el circo llega”, la gente se queda flipando porque no tienen muy claro qué somos. Siempre han visto grupos que van en Harley y tal…pero gente con ese tipo de motos y con esta pinta lo suelen ver como muy de película, en plan ¿a éstos quién los ha contratado? Y eso es lo que mola.
Fernando. Fotografía: Daniel Gascón
¿Qué es Culebras Moped Crew? ¿Cómo empieza realmente este movimiento?
Fernando:Pues empezó como una especie de coña con colegas de toda la vida, hace ya algo más de cuatro años, aquí en la Ribera de Molina (Murcia). Un día que estaba con mi colega Nacho, como los dos teníamos moto, dijimos “vamos a fliparnos y a hacer esto”. Y empezamos un poco nosotros dos, primero con el tema de los chalecos, luego escribimos una especie de estatutos básicos, firmamos todo, abrimos una cuenta de Instagram para poner algunas fotos de cuando salíamos los fines de semana con las motos y poco más. Con el tiempo, empezamos a conocer a más gente y a partir de ahí todo empezó a evolucionar hasta el punto en el que nos encontramos ahora.
Foto: Fernando Navarro
«Los abuelicos son los auténticos soldados. Creo que son la imagen del auténtico motorista de aquí»
¿Por qué decidiste homenajear este tipo de motos en concreto y no otra cosa?
Fernando:A mí siempre me han gustado los motores estos pequeños de 49cc, el motor más básico que hay de combustión interna de dos tiempos. Y al ser un apasionado del motor, desde siempre, esto era lo primero que podía adquirir y, lógicamente, fue lo primero que me interesó. Más que nada porque conseguí mi primera moto en 2009, una Mobylette Campera que heredé de mi padrino. Fue de las últimas que se fabricaron y que salieron nuevas de JP García, distribuidor oficial de G.A.C que está aquí en la región y me flipó.
Fue la primera moto que pude conducir. La heredé y después de un tiempo disfrutándola, por cosas de la vida, pues no tenía pasta para seguir manteniéndola y estuvo parada muchos años. Hasta que todo mejoró y conseguí una Rieju Supermarathon del 85. Fue entonces cuando empecé junto a mi colega con toda esta movida.
Es inevitable preguntarte por las fotos que haces a las personas mayores que circulan en ciclomotor. ¿Qué te dio con eso?
Fernando:(risas) El tema de los abuelicos, bueno, los soldados que les decimos nosotros. La gente mayor que va en moto de 49, a mí siempre me ha hecho gracia, porque siempre los he visto por ahí. Yo soy del barrio de Vistabella, y en el mercado de la Fama siempre los veía, iban con su caja de pataticas y a día de hoy se siguen viendo por aquí. Entonces me di cuenta de que realmente era algo muy popular, que estaba muy poco valorado y que se ve cada vez menos, pero ahí siguen.
Y me parecía curioso cómo entre tanto coche nuevo y entre tanta moto de plástico, te los encuentras como salidos de una máquina del tiempo, con su rutina y sus cosas y siempre encima de su moto. Y a mí eso me flipa, me parece que no están representados y creo que son la imagen del auténtico motorista de aquí. Y no solo eso, tampoco están reconocidos. Entonces pensé que necesitaban representación y por eso decidí que tenían que formar parte de todo esto.
Uno de los “soldados” con su Vespino de 49cc. Foto: Fernando Navarro
Supongo que no solo te interesa fotografiar a los abuelos porque conducen estas motos, ¿Crees que tu interés nace de una necesidad de homenajearlos para que sean la imagen de su generación?
Fernando:Desde luego. Me interesa hacerles fotos porque, como decía, cada año van quedando menos. De hecho, Culebras Moped Crew es un movimiento honorífico a toda esa gente. Cuando me preguntan, ¿Qué es Culebras? ¿un club de motos? Obviamente es una Moped Gang, un escuadrón de ciclomotores, pero sobre todo es de carácter honorífico a toda esta gente que sigue con este tipo de motos. Había que documentarlo (risas). Me parece que es un perfil social de la clase obrera que todos conocemos. Ellos son la gente que cultiva los huertos y gracias a muchos de ellos podemos decir que Murcia es, a día de hoy, la huerta de Europa. Y su vehículo “oficial” por así decir, son este tipo de motos. Entonces me parece algo muy honrado y no sé, me encanta.
Fernando. Fotografía: Daniel Gascón
Entonces, no hay ni qué decir que la moto en sí es un símbolo de esta generación.
Fernando:Claro, por supuesto. Bueno considero que es de varias generaciones, porque abarcó desde el primer boom entre los 60 y los 70 que es cuando más explotación hubo de este tipo de vehículos. Pero como se han seguido vendiendo hasta hace más bien poco y, hoy en día el ciclomotor, aunque sean scooters, lo siguen usando los chavales y mucha gente joven para moverse, es muy cultural de aquí. Y sobre todo este, el ciclomotor, que son los que llevan pedales y era lo que más se usaba aquí, porque si se quedaban sin gasolina pues usaban los pedales como si fuera una bici. Algo más ecológico que eso como vehículo, no he visto nada.
The Variolos (Moped Barna Crew)
¿Crees que con este movimiento estáis reivindicando algo para que los valores y estilo de vida sobre los que se sustenta, de alguna manera no mueran?
Fernando: Sí, por supuesto. Nosotros lo que queremos es que esto no se pierda, porque hay muchísima cultura de esto por aquí. Ya no solo del hombre o la mujer que lo usaba para ir a la huerta a trabajar, hacer recados, ir al bar o lo que sea, sino porque aquí siempre ha habido cultura de competición, chavales que se juntaban y las tuneaban para después picársela por ahí por la huerta… cultura underground (risas). Recuerdo cuando era adolescente cómo los chavales llevaban las Variant y los Vespinos, ahora ya no porque la mayoría llevan scooters, pero antes era lo que había. Y te das cuenta de que la gente de esa quinta que ahora tendrán sobre los 40 años, eso lo han vivido y que de alguna forma no recordaban cuánto les molaba el rollo este, hasta que se lo mostramos. Algunos nos dijeron “esto no se puede perder, es muy de aquí”.
Fernando y su ciclomotor. Fotografía: Daniel Gascón
¿Qué es lo primero que les dices a los abuelos para que accedan a hacerse la foto?
Fernando:Por lo general, es algo brusco. Porque si no los pillo parados, que es lo mejor que puede pasar porque así hablas directamente con ellos, casi siempre me toca perseguirlos (risas). Y como muchas veces me pilla de camino al trabajo o para hacer alguna gestión y no tengo mucho tiempo, a veces sí que creo que soy algo intrusivo. En ese caso, pues vas con un extra de educación, comentas que es para un proyecto cultural y les explicas que es para homenajear a gente como ellos y que se sientan un poco valorados. También les hablo un poco sobre “Culebras”, no como “Moped Gang” porque ellos no lo van a entender, sino que somos un club de amantes de las motos de 49cc y queremos representar todo esto.
Sí que es cierto que de primeras creen que te vas a reír de ellos y no quieren, o solo te dejan fotografiar la moto. Pero por lo general, si entras con educación y sin ser demasiado intrusivo y les haces ver que no pasa nada, enseñándoles fotos de gente que ya he retratado, la mayoría suelen ser abiertos. Al final, muchos se conocen entre ellos. Luego una vez tengo su atención, siempre les pregunto cuatro cosas: el nombre, el año de nacimiento, la zona y su ocupación, aunque esto último es opcional. La mayoría son jubilados, que hacen sus recados por los pueblos y sus cosicas de la huerta. Pero algunos si los pillas con prisa que van a comer o si hace calor sobre todo, lo que menos les apetece es que un desconocido les eche fotos, obvio. En general no suele ser fácil.
Foto: The Variolos (Moped Barna Crew)
Por lo visto no solo estáis vosotros, también hay más gente de vuestro rollo en diferentes puntos del país. ¿Habéis hablado?
Fernando: La verdad es que cuando empezamos nosotros, me pareció muy raro no haber oído nada de esto en ciudades más grandes tipo Madrid, Valencia o Barcelona. Entonces fue como "esto tiene que salir, tiene que haber más gente como nosotros”. Y así es, tenemos mucha amistad con la gente de Barcelona, “The Variolos” que es la Moped Gang de “Moped Barna Crew”…en León también, que están nuestros amigos de “Garage Burro”, así con “G” y llevan bastante tiempo también con las motos de 49, “Madriz Moped Gang”, que son un par de chavales que están llevando esto por allí y luego nosotros. Con el tiempo se nos ocurrió un festival, el Dusty Moorland, que se celebra en Huerga de Frailes (León), menos este año, y fue ahí cuando empezamos a juntarnos todos y a intercambiar ideas. Hicimos un grupo de WhatsApp que se llama Iberikan Moped Army, en el que estamos todos metidos. Ahora incluso hay gente de Burgos, Galicia, Tarragona…y por ahí vamos hablando para sacar esto adelante.
Carrera moped durante el festival “Dusty Moorland” en León. Foto: Black22Markus
“Virgen de la chatarra” en el festival “Dusty Moorland”. Foto: Mikel Redondo
Cartel del festival “La Kupula del Güerto”. Ilustración: Fernando Navarro
Logo de Culebras Moped Crew (Murcia)
«La Kúpula del Güerto se hace en una colina donde se reúnen grupos de música, casi siempre de punk y alrededor de la banda hay una especie de carrera a la que llamamos “rodeo infernal” con motos de 49cc dando vueltas»
Luego pensamos en hacer La Kupula del Güerto, que es el festival que últimamente está reuniendo a más gente, hasta el punto que vino peña de Chicago incluso, de una Moped Gang llamada “Los Marranos”. Vinieron cuatro, estuvieron unos días, lo documentaron todo y se lo pasaron genial. Ese festival lo montamos en octubre del año pasado y la verdad fue algo un poco secreto porque no teníamos permiso ni nada. No fue un festival como tal, fue más como una fiesta privada, ya que no superamos el aforo y respetamos los horarios y el límite de ruido. Pero fue bastante guay, básicamente se hace en una colina donde se reúnen grupos de música, casi siempre de punk y alrededor de la banda hay una especie de carrera a la que llamamos “rodeo infernal” con motos de 49cc dando vueltas.
Se hacen conciertos durante toda la tarde y al final todo termina con una especie de performance en la que aparece “Metrakeithor”, un personaje disfrazado de Transformer con piezas de Derbi Variant y Vespino, para que todos den vueltas con la moto alrededor de él con música en directo. Luego ya de madrugada, para evitar problemas venimos a La Teta Enroscá y aquí sigue la fiesta hasta que el cuerpo aguante.
Lo que estamos intentando demostrar con este festival, es que esto es cuna a nivel internacional de un movimiento y que a nivel cultural tiene muchísimo potencial. Para nosotros es como un diamante en bruto y queremos centrarnos en hacerlo como merece la ocasión, para intentar poner Murcia y Molina en un punto de referencia del mundo del ciclomotor. Sería brutal.
En orden de aparición: logos de The Variolos, Moped Gang de Moped Barna Crew (Barcelona), Garage Burro (León) y Madriz Moped Gang (Madrid)
Metrakeithor durante el festival “La Kupula del Güerto”. Foto: Alfonso Riera y Anyela Button
Metrakeithor y “El rodeo infernal” en el festival “La Kupula del Güerto”. Foto: Alfonso Riera y Anyela Button
«Nos gustaría que se sumasen más mujeres al movimiento, ya que originalmente es unisex, pues comercialmente hablando, el ciclomotor estaba orientado a la juventud en general»
¿Esas serían las expectativas que tenéis a corto plazo con todo esto?
Fernando:En realidad, el objetivo que tenemos en cuanto a todo esto, es que surjan más Moped Gang´s y la gente haga cosas en su zona, para que cada vez vaya a más. Por ejemplo, algo que nos gustaría mucho es que hubiese más variedad de género. El mundo de las motos y del motor en general es, como aquel que dice, "un campo de nabos" (risas).
Nos gustaría que se sumasen más mujeres al movimiento, ya que originalmente es unisex, pues comercialmente hablando, el ciclomotor estaba orientado a la juventud en general. Por ello, también intentamos que esto no parezca una movida sólo de tíos, porque no es así. En USA, todas o la gran mayoría de las gangs (excepto algunas exclusivamente de chicas u otras en las que por X motivo solo hay tíos) suelen ser mixtas y se apoyan todos. Supongo que es porque la movida Moped lleva muchos años allí, pero es algo que nos gustaría mucho, creo que todo evolucionaría bastante en general. Por supuesto, el festival es ahora mismo una de nuestras prioridades, porque al fin y al cabo es el sitio en el que queremos reunirnos todos. Por otro lado, llevamos unos podcasts de radio que se llaman “Los hijos del MetraKit”, que es como nuestra asociación y un fanzine homónimo que explica de qué va todo esto…la cultura que tiene en cuanto a música, cine, todo lo relacionado con la cinta de “Psycho-lettes” de Pedro Temboury, la cultura kinki…
Foto: Alfonso Riera
Y siempre encima de una Derbi Variant…
Fernando:Bueno, los de Barcelona, por ejemplo, abanderan mucho toda esa cultura de la que hablaba antes, porque al igual que nosotros tenemos un tipo de cultura por el tema de la huerta y de los abuelicos, ellos tienen una cultura como muy de barrio, del extrarradio y abanderan mucho la clase obrera. Siendo del barrio “La Trinitat Vella”, donde el ciclomotor se ha usado mucho y donde además está muy cerca la fábrica de Derbi Rabasa, pues la pillaron como “esta es la moto de aquí, del barrio”, la que se robaba, se trucaba y con la que se hacían mil trapicheos.
Y por ese motivo ellos son más pro Derbi Variant, pero últimamente hay gente dentro de la gang que lleva Honda PXR, otros llevan Vespino…pero generalmente motos con accionamiento a pedales. Sin embargo, a nosotros en Culebras nos da un poco igual, motos de marchas o scooter…mientras sean con motor de 49cc. Más que nada, para que todo el mundo se sienta un poco identificado, llevando la moto chula, con actitud y guay…no pasa nada, no nos cerramos. Pero generalmente, es tema ciclomotor descatalogado y de fabricación nacional.
En 1958 tuvo lugar uno de los concursos de belleza más humillantes y bizarros. Se elegía a la chica con los ojos más bonitos. Para ello, las concursantes ocultaban sus rostros parcialmente con pañuelos y velos y se colocaban en una especie de vitrinas
Los concursos de belleza siempre han sido extraños. En 1958 un jurado se desplazó hasta el complejo vacacional de Butlin, en Clacton, Essex, Reino Unido, con el objetivo de encontrar a la mujer con los «ojos más bonitos». Para asegurarse de que los jueces se centraran sólo en los ojos, las mujeres iban vestidas con yashmaks (velos frecuentes en el mundo islámico), que les cubrían toda la cara menos los ojos, y se colocaban en puestos individuales, como si fuesen caballos, aunque simulaban ventanas de una bonita casa con jardín. Aunque estaba prohibido tocar, un miembro del jurado se saltó la regla. Palpó el rostro de una de las concursantes, como se haría con un camello o un galgo, antes de quitarle el velo a la «provocativa» Pauline Mitchell, de 19 años, para besarla en los labios. El público irrumpe en aplausos. El premio era una caja de perfumes. La cadena británica Pathe cubrió el evento
No fue el único concurso parecido. Desde los años treinta se inauguró una tradición de competiciones donde las mujeres usaban máscaras que cubrían parcialmente su rostro, solamente mostrando sus ojos. Tuvieron lugar en sitios como Florida o París, y resultaron todo un éxito de público.
A principios del siglo XX, cuando algunas zonas de Estados Unidos todavía vivían en la época del viejo Oeste, un par de niños huérfanos de madre recorrieron el país de punta a punta montados a caballo.
En 1909, Louis Abernathy y su hermano Temple decidieron viajar desde Frederick, un pueblo del estado de Oklahoma, hasta Santa Fe, en Nuevo México, para, posteriormente, regresar a Frederick. Un trayecto de más de mil cuatrocientos kilómetros que los hermanos Abernathy recorrieron a caballo durante varias jornadas. La hazaña no hubiera sido reseñable si no fuera porque Louis y Temple tenían nueve y cinco años, respectivamente.
La razón para ese primer viaje fue que su padre, el US. Marshall Jack Abernathy, que acostumbraba a atrapar lobos vivos con sus propias manos, consideraba que sus retoños, que habían perdido a su madre hacía poco, eran demasiado blandos. A pesar de esa razón inicial, después de esa primera experiencia, en 1910 los muchachos decidieron emprender un nuevo viaje a caballo. En esta ocasión el objetivo era conocer a Theodore Roosevelt, un viejo amigo de cacerías de su padre.
Por esas fechas, el ya expresidente de los Estados Unidos estaba realizando una gira por África organizada por la Smithsonian Institution, por lo que la idea de los muchachos era coincidir con él cuando regresase al país una vez concluida esa expedición. Para ello debían recorrer antes de junio de 1910 nada menos que dos mil trescientos kilómetros, distancia que, de nuevo, cubrirían a lomos de sendos caballos y sin supervisión de ningún adulto, aunque con la cobertura constante de los medios de comunicación, que fueron narrando todas las etapas del viaje.
Una vez en Nueva York, los dos niños fueron recibidos por una multitud que los consideraba héroes y que estaba deseosa de abrazarlos. De hecho, The New York Times, ajeno a la proeza de los niños, escribió un artículo destacando únicamente aspectos anecdóticos como que a Louis y Temple les incomodaban los besos de las fans o que estaban hartos de ver su imagen publicada en todos los periódicos.
Más allá de estas anécdotas, los hermanos Abernathy no solo consiguieron ser recibidos por Roosevelt, sino que lo acompañaron en el desfile de bienvenida que le habían organizado las autoridades de Nueva York, siguiendo, montados a caballo, el automóvil del expresidente. No obstante, cuando llegó el momento de regresar a Oklahoma y recorrer de nuevo esos más de dos mil kilómetros, los hermanos Abernathy prefirieron facturar los animales en un tren y comprarse un automóvil. Aunque iban escoltados por otro coche en el que viajaba su padre, que había ido a recibirlos a Nueva York, Louis y Temple regresaron a casa conduciendo ellos mismos el vehículo, lo que aumentó aún más su leyenda.
Después de esta segunda hazaña, los Abernathy llamaron la atención de empresas, marcas y productos que se dieron cuenta de que los muchachos podían ser una máquina de hacer dinero. Se escribieron libros sobre ellos y, en 1910, protagonizaron un corto de cine titulado Abernathy Kids to the Rescue, en el que ayudaban a rescatar a una joven secuestrada por un par de bandidos mexicanos. Un año más tarde, aceptaron participar en una nueva aventura organizada por dos empresarios relacionados con el mundo de las variedades y de la feria de Coney Island.
Aprovechando la próxima celebración de unas elecciones presidenciales que enfrentaría a demócratas, representados por un asno, y republicanos, identificados con un elefante, se organizó una carrera en la que uno de los niños iría montado en un burro y el otro en un elefante. Si bien la carrera se celebró, tuvo que anularse a su paso por Filadelfia después de que el elefante quedase exhausto del esfuerzo acumulado.
Aunque ese proyecto no hubiera salido como estaba pensado, los hermanos Abernathy seguían siendo una máquina de hacer dinero, así que esos promotores de espectáculos les propusieron una nueva aventura que, de haber salido bien, les hubiera reportado diez mil dólares de beneficio. El reto consistía en viajar desde Nueva York a San Francisco, de punta a punta del país, en un máximo de sesenta días sin poder comer ni dormir bajo techo en ningún momento. A pesar de la dificultad, los niños emprendieron en el viaje a lo largo del cual sufrieron infinidad de percances. Perdieron a sus caballos en mitad del desierto, estuvieron a punto de morir de insolación y, si bien en algunos lugares la población les recibía con mesas llenas de comidas colocadas en la calle para que pudieran cumplir con el contrato, en otros sitios donde no sabían quiénes eran, fueron expulsados de malos modos por considerar que eran dos vagabundos.
A pesar de esos inconvenientes, Louis y Temple recorrieron los más de cuatro mil quinientos kilómetros en dos días más de lo estipulado, lo que hizo que perdieran la apuesta aunque establecieron un récord pues nadie antes había realizado esa distancia a caballo en tan solo sesenta y dos días.
Cuatro años después de su primera hazaña, los Abernathy llevaron a cabo su última aventura por el país. Junto a su hermanastro Anton viajaron en una motocicleta Indian, marca que patrocinaba el periplo desde Oklahoma a Nueva York, a cambio de que visitasen los concesionarios de la compañía y protagonizaran otros actos publicitarios. Finalizado el trayecto, los hermanos decidieron dejar de dar tumbos por Estados Unidos porque, si bien las condiciones de los viajes habían mejorado en relación a cuando iban a caballo y dormían al raso, se dieron cuenta de que se habían convertido en un producto comercial. De este modo, Louis y Temple, abandonaron los largos viajes a caballo, retomaron sus estudios y, con el tiempo, el primero se convirtió en un abogado de prestigio y el segundo en un empresario del sector del petróleo.
Kenojuak Ashevak fue una importante artista canadiense, considerada como una de los pioneras más notables del arte moderno Inuit. Kenojuak nació en un iglú en un campamento en el sur de la isla de Baffin. Su padre, Ushuakjuk, era cazador y comerciante de pieles inuit, además de un respetado chamán. Debido a sus creencias Ushuakjuk entró en conflicto con conversos cristianos y fue asesinado cuando Kenojuak tenía solo seis años. Tras la muerte del padre la familia se fue a vivir con su abuela materna quien le enseñó artesanía tradicional, incluida la reparación de pieles de foca para comercializar.
En 1950 fue diagnosticada con tuberculosis y enviada, contra su voluntad, a un hospital en Quebec, donde permaneció más de tres años. Durante su estadía ahí aprendió a hacer muñecas y otras artesanías que llamaron la atención de James Archibald Houston, promotor artístico. En 1958, su primer grabado, Rabbit Eating Seaweed, se transformó en una obra muy reconocida.
Kenojuak Ashevak en su estudio
Kenojuak trabajó con grafito, lápices de colores y pintó con acuarelas o acrílicos. También creó grabados en piedra muy apreciados por museos y coleccionistas.
En 1963 Kenojuak fue objeto de un documental del National Film Board sobre arte esquimal, entonces la artista tenía 35 años y la película la mostraba tallando un bloque de relieve en piedra y luego aplicando tinta para dar vida a coloridos grabados. Ashevak creó varios trabajos para conmemorar la creación de Nunavut, el tercer territorio canadiense. Diseñó varios dibujos para sellos y monedas canadienses, y en 2004 creó el primer vitral diseñado por los inuit para la Capilla John Bell en Oakville, Ontario. En 2017, el billete de $10 que se lanzó para celebrar el 150 cumpleaños de Canadá presenta un trabajo de Kenojuak.
Su trabajo se puede encontrar en las colecciones de los principales museos canadienses. En total tuvo dos matrimonios, 11 hijos biológicos y adoptó cinco más; pero siete de ellos murieron en la infancia debido a la tuberculosis. Hasta su muerte, el 7 de enero de 2013 a los 87 años, continuó creando nuevos trabajos y fue una de las últimas artistas vivas de la Cooperativa Eskimo de West Baffin.
No produzcas nada. Cambia de sexo. Conviértete en el maestro de tu profesor. Sé el alumno de tu estudiante. Sé el amante de tu jefe. Sé el animal de tu perro. Todo aquello que camina a dos patas es un enemigo. Cuida de tu enfermera. Entra en una prisión y reproduce la escena central de…
¿Qué mecanismo es adecuado para proceder a la vacunación contra la covid-19? En un mercado, la decisión individual de vacunarse tendría el problema de no interiorizar las fuertes externalidades positivas de la vacunación y negativas de no hacerlo. Además, la decisión está rodeada de incertidumbres ¿seré del 95 % para los que la vacuna es [leer más ...]
Semanas antes de someterse a referéndum la Constitución, se celebró en un hotel de cinco estrellas de Madrid una fiesta en la que destacadas personalidades y artistas mostraban su apoyo al franquismo y su oposición al cambio democrático.
Bucear por las hemerotecas de los periódicos españoles resulta una experiencia inenarrable que depara descubrimientos como el que le presentamos a continuación: una fiesta de exaltación fascista, que no está claro si explica la deriva ultraderechista actual, el mito de la España democrática o hace que todo sea aún más confuso.
Apertura del reportaje de Blanco y Negro.
Según un reportaje del suplemento Blanco y Negro de ABC, uno de los periódicos más importantes del país, el 12 de octubre de 1978 se celebró en un hotel de cinco estrellas de Madrid una fiesta organizada por la Confederación Nacional de Combatientes y en la que participaron más de cuarenta artistas más o menos de primera línea.
El evento se producía casi tres años después de la muerte del dictador y apenas unas semanas antes de la celebración del referéndum para aprobar la Constitución, por lo que, más que una fiesta con motivo del Día de la Hispanidad o de la Virgen Pilar, parecía un evento propagandístico para pedir el no en la votación.
Fotografías en las que aparecen algunos de los invitados al evento.
Según relataba Blanco y Negro, «poco a poco el gran salón se fue poblando de camisas azules, de boinas rojas o negras, de cruces de San Andrés» y de otros invitados que, aunque compartían sentimiento e ideología, prefirieron ir de paisano. Por ejemplo, la cantante Marcia Bell, el director de cine José Luis Sáenz de Heredia, Antonio Garisa, la actriz Paloma Cela y su prima Violeta, el boxeador Dum-Dum Pacheco, el periodista Antonio Olano y los actores Valeriano Andrés y Fernando Sancho que, además de organizador, hizo las veces de presentador del acto. No asistieron, a pesar de estar invitados, la duquesa de Franco (hija del dictador), los duques de Cádiz (Carmen Martínez Bordiú, nieta de Franco, y Alfonso de Borbón), Blas Piñar y Pilar primo de Rivera.
Fotocromo de la película Los novios de la muerte, protagonizada por Fernando Sáncho, que aparece en primer plano.
El evento era una especie de festival fin de curso de colegio de curas, con actuaciones de lo más variopintas aunque, eso sí, monotemáticas: el franquismo, el falangismo, el fascismo, por mucho que algunas, como Marcia Bell quisieran disimularlo: «soy apolítica. Mi profesión es cantar para todo el mundo», declaraba la artista, mientras que en el escenario se sucedían los recitados de poesías de Agustín de Foxa, autor de Madrid de corte a checa, los cantos «contra la Constitución y el aborto» como los del cantante venezolano Luis Fajardo o las improvisaciones como las de El Príncipe Gitano —«No ha preparado nada, pero como es de los nuestros…», explicaban los organizadores—. Hubo hueco hasta para la osadía y la provocación cuando el Dúo Límite interpretaron en su actuación «un poema de Antonio Machado musicado por Serrat».
La actriz Paloma Cela.
Ya de madrugada, después de dar buena cuenta de las viandas y las bebidas, llegó el momento álgido de la reunión. Se trataba de las actuaciones de la vedette Carmen Apolo, que cantó «Yo soy así… ¡fascista!», y de De Raymond, conocido cantante falangista, que interpretó «Banderita tú eres roja, banderita tú eres gualda» mientras hacía ondear una bandera en el escenario y los asistentes, puestos en pie y con el brazo en alto haciendo el saludo romano, coreaban la canción.
Uno de los discos de De Raynond con un tema dedicado a José Antonio Primo de Rivera.
Al día siguiente de su celebración, el acto tuvo bastante eco en los medios de comunicación que, además de hacer mención a las afinidades ideológicas de los asistentes, afirmaron que los artistas que habían actuado no habían cobrado ningún caché. Para confirmar este hecho, la redactora de Blanco y Negro, Inmaculada Martín, llamó a Violeta Cela que reconoció el hecho,al tiempo que realizaba unas declaraciones un tanto desconcertantes: «Yo soy apolítica totalmente; no pertenezco a ningún partido. Vine porque me dijeron que era un festival benéfico pro-niños subnormales y me brindé a vender flores o lo que fuese».
100 deadly skills. Clint Emerson. Texto traducido al castellano. Nunca se sabe cuando algunas de estas habilidades que aprenden en la armada norteamericana pueden ser útiles para nuestra soberanía per
Entre las diferentes acciones destinadas a acabar con la guerra de Vietnam, destaca la que pusieron en marcha en octubre de 1967 un grupo de hippies, yippies, poetas, escritores y músicos: hacer levitar el Pentágono para despojar al edificio de su poder destructor.
El sábado 21 de octubre de 1967, decenas de miles de jóvenes se concentraron en Washington para protestar contra la intervención estadounidense en la guerra de Vietnam. La manifestación, que ponía fin a una semana de protestas en diferentes lugares del país, había sido organizada por la Movilización Nacional Contra la Guerra de Vietnam, comité heterogéneo formado por colectivos de derechos civiles, feministas, religiosos, simpatizantes con la izquierda, universitarios, nativos americanos y un grupo de reciente formación denominado Youth International Party. Además, la manifestación contaba con el apoyo de activistas e intelectuales como Timothy Leary, Allen Ginsberg, el doctor Benjamin Spock o Norman Mailer, que sería detenido posteriormente y contaría su experiencia sobre lo sucedido ese día en su libro Los ejércitos de la noche.
En un primer momento, la manifestación se propuso tomar el Capitolio, pero parte de los organizadores, entre los que se encontraba Jack Rubin, consideró que eso podía enviar un mensaje equivocado sobre sus intenciones y poner en su contra a parte de la ciudadanía, que podría considerar que se oponían al sistema democrático estadounidense. Por tanto y después de debatirlo, se decidió marchar hacia el Pentágono por ser ese edificio el símbolo del poder militar del país. Una vez allí cada grupo desarrollaría su propia protesta: unos intentarían entrar en el recinto para paralizar la administración de guerra, otros harían una sentada, y otros lo rodearían con una larga cadena humana, antes de comenzar un exorcismo que, en último término, haría levitar al edificio.
«El mundo observará mañana lo que suceda aquí», afirmaba el editorial del Washington Post sobre la expectación que había levantado la manifestación. Un interés que, en buena parte, había sido creado por los mismos que proponían hacer levitar el Pentágono y que, desde hacía días, ya habían llamado la atención de los medios y las autoridades.
Para prepararlo todo a conciencia, Abbie Hoffmann y el artista Martin Carey se habían desplazado al lugar previamente y habían medido, caminando alrededor del Pentágono, las dimensiones del edificio. Su intención era calcular cuántas personas se necesitaban para rodearlo. De este modo averiguaron dos cosas: que el numero necesario era alrededor de 1200 y que, según les informaron los militares encargados de la seguridad del complejo, está prohibido medir el edificio.
Tras ser detenidos, los dos jóvenes fueron llevados ante una autoridad superior a la que explicaron sus intenciones: «Todo el mundo sabe que una figura de cinco lados es malvada. La única forma de exorcizar el edificio es con un círculo». Por eso, explicaban, querían hacer levitar el edificio unos cien metros sobre el suelo para, a continuación, hacerlo girar en círculopara que expulsase todos los demonios. La autoridad los escuchó y, antes de dejarlos libres, les dijo que no podía autorizarles levantar el edificio cien metros. Tan solo podían hacerlo levitar uno.
Enterados de la ocurrencia, la revista Time les enmendaría la plana a esos jóvenes unos días después al afirmar «en realidad y como era de esperar, los hippies están equivocados. La mayoría de las religiones, incluido el judaísmo, el misticismo cristiano y las sectas orientales ocultas, encuentran que el Pentágono es una estructura que connota buena suerte, alta posición y piedad». Si lo que se buscaba era que las autoridades fueran parte del absurdo de la propuesta y los medios lo repitieran, misión cumplida.
Esquema manuscrito por Ed Sanders, miembro de The Fugs, con los pasos a seguir en el exorcismo del Pentágono.
Magia y violencia
Según recordaba el periodista del New York TimesLeslie H. Gelb, «nadie en el edificio tenía demasiada simpatía, si es que había alguna, por los manifestantes, especialmente por los que ondeaban banderas del Viet Cong. Una cosa era estar en contra de la guerra y otra ondear esas banderas». Todos esos símbolos, sumados a las casi 100.000 personas que se acercaron al lugar generaron una especial tensión entre los miembros del ejército allí desplegados, los cuales habían sido entrenados previamente a conciencia para repeler cualquier posible enfrentamiento con los manifestantes.
Según recordó Sherwood Rudin, uno de los jóvenes militares allí desplegados, «para el “entrenamiento antidisturbios” previo al evento, mi unidad fue transportada en camión a un campamento en Virginia. Estaba cercado con alambre y vigilado por centinelas. Estábamos de pie, en un claro lleno de rastrojos, piedras y tierra seca como si fuéramos una falange romana. A través de un megáfono de color verde oliva, el sargento de instrucción gritó sus órdenes: “Avance, avance. No camine hacia adelante con la izquierda. Pisa fuerte con ese pie". Los soldados de la primera fila avanzaron con rifles en ángulo hacia adelante y bayonetas apuntando amenazadoramente. Los demás avanzamos con los rifles pegados al cuerpo. Practicamos empujando contra cuerpos imaginarios. El sargento de instrucción nos dijo que usáramos la bayoneta y que fuéramos primero por las manos y luego por el vientre si la gente se resistía.Había un tipo de persona a la que no debíamos apuntar al estómago: las mujeres embarazadas. Para ellas se determinó una maniobra especial: un golpe rápido en la cabeza con la culata del rifle. Practicamos ese movimiento una y otra vez en el calor de la tarde hasta que también se volvió automático. Cuando nos pidieran que defendiéramos al Pentágono de una amenaza externa, estaríamos preparados. Preparados para atacar a los jóvenes estadounidenses con los tacones de las botas, las porras, las bayonetas y las culatas de los rifles».
Al final todo ese entrenamiento no fue en vano. Cuando un grupo de manifestantes intentó entrar en el edificio, los soldados reprimieron con gran violencia,provocando heridos de diferente consideración y cobrándose varios detenidos.
Mientras eso sucedía, otro grupo del que formaban parte Allen Ginsberg, Gary Snyder, Timothy Leary, Jerry Rubin y Abbie Hoffman comenzaron con el ritual para hacer levitar el Pentágono,pronunciando un mantra a través del sistema de sonido montado en un camión, que fue recogido por Norman Mailer de la siguiente manera:
«Nosotros, Hombres Libres, de todos los colores del espectro, en el nombre de Dios, Ra, Jehová, Anubis, Osiris, Tlaloc, Quetzalcoatl, Thoth, Ptah, Allah, Krishna, Chango, Chimeke, Chukwu, Olisa-Bulu-Uwa, Imales, Orisasu, Odudua, Kali, Shiva-Shakra, Gran Espíritu, Dionisio, Yahvé, Thor, Baco, Isis, Jesucristo, Maitreya, Buda, Rama exorcizan y arrojan fuera el MAL que ha amurallado y capturado el pentáculo del poder y pervertido su uso a la necesidad de la máquina total y su hijo, la bomba de hidrógeno, y ha hecho sufrir a la gente del planeta tierra, el pueblo estadounidense y las criaturas de las montañas, bosques, arroyos y océanos, torturas mentales y físicas graves y el tormento constante de la inminente amenaza de destrucción total».
En paralelo al rito de exorcismo, la banda de rock The Fugs inició una plegaria al grito de «¡Demonios, fuera!» y el pintor Michael Bowen repartió casi cien kilos de flores entre los asistentes, algunos de los cuales comenzaron a introducirlos en los cañones de los fusiles de los soldados.
La manifestación del Pentágono fue todo un éxito. Todos los medios del mundo estuvieron pendientes del evento, pusieron el foco sobre el problema de Vietnam y, cómo no, algunos también aprovecharon para hacer mofa sobre el hecho de que el edificio no se había levantado ni un milímetro del suelo. Algo con lo que Allen Ginsberg no estaba de acuerdo. «La levitación del Pentágono fue un acontecimiento que desmitificó la autoridad de los militares. El Pentágono fue hecho levitar simbólicamente en la mente de la gente, en el sentido de que perdió su autoridad, que hasta entonces no había sido cuestionada. Pero una vez que esa idea circuló en el ambiente y después de que ese joven colocó su flor en el cañón de ese otro joven semejante a él pero tenso y nervioso, la autoridad del Pentágono se disolvió psicológicamente».
