Leo Bazán

A song banned was banned by the BBC until 2002 because worries that it may cause a suicide epidemic. The piece is titled Gloomy Sunday and was written by the Hungarian composer Rezső Seress.

The following abstract tip-toes around the point that there is no evidence it ever caused suicides but the history and hand-wringing about the song are interesting in themselves.

Gloomy Sunday: did the “Hungarian suicide song” really create a suicide epidemic?

Omega (Westport). 2007-2008;56(4):349-58.

Stack S, Krysinska K, Lester D.

The effect of art on suicide risk has been a neglected topic in suicidology. The present article focuses on what is probably the best known song concerning suicide, Gloomy Sunday, the “Hungarian suicide song.” An analysis of historical sources suggests that the song was believed to trigger suicides. It was, for example, banned by the BBC in England until 2002. The alleged increase in suicides in the 1930s associated with the playing of the song may be attributed to audience mood, especially the presence of a large number of depressed persons as a result of the Great Depression.

The influence of music on suicide may be contingent on societal, social, and individual conditions, such as economic recessions, membership in musical subcultures, and psychiatric disturbance. Further research is needed on art forms, such as feature films, paintings, novels, and music that portray suicides in order to identify the conditions under which the triggering of suicides occurs.

There are lots of versions of the song, including the original, available on YouTube. As you might expect, the best is a version by Billie Holliday.

It is indeed kinda gloomy, but it’s hardly like to spark a wave of suicidal thinking.

There is, however, a minor history concerning how works of art affect real-world suicide practices.

Most famously, the Aokigahara forest in Japan at the base of Mount Fuji has become a common suicide destination after the characters in Seichō Matsumoto’s 1961 novel Kuroi Jukai end their lives there.
 

Link to abstract of article about ‘Gloomy Sunday’ on PubMed.

Esto no es un artículo. Es un reto. Elige un cuadro, una escultura o una obra de arte. Sitúate ante ella y permanece ahí durante tres horas. No rompas el momento. Olvida el resto del mundo y haz como si jamás se hubiese inventando un móvil o no conocieses la palabra internet.

En este momento puede que te halles en un punto crítico. La ansiedad de pensar en esas tres horas puede provocarte incluso la necesidad de escapar de este texto. Pero no huyas. No temas. No serías el primero en hacer este ejercicio de concentración que, a día de hoy, puede parecer un suplicio o una escena de terror.

Una profesora de Historia del Arte y la Arquitectura de la Universidad de Harvard lo practica a menudo. Y sus alumnos también. Jennifer Roberts, como muchos otros docentes, piensa que las generaciones más jóvenes y, en general, todas las personas que utilizan continuamente internet son incapaces de ocuparse mentalmente de un solo tema durante más de varios minutos.

La especialista en arte americano decidió hacer el experimento y probó a encerrarse a sí misma en la concentración que supone mirar un cuadro, durante tres horas, sin hacer absolutamente nada más. Eligió la obra El niño con la ardilla, pintado por Henry Pelham en 1765, y permaneció ante él el tiempo marcado.

La docente relató a Boston.com que, después de la primera hora frente al cuadro, descubrió patrones similares entre la forma de la oreja del niño y la ardilla. Y después de dos horas su percepción y las sensaciones que tenía de la pintura cambiaron totalmente.

La puerta a la concentración profunda asusta. Pero, una vez sumido en ella, los pensamientos que pueden surgir son, definitivamente, más elevados e incluso placenteros que los que brotan de pasar sobre las cosas en un plumazo.

Roberts ha introducido esta actividad en sus clases. La profesora dijo que los alumnos, al principio, se muestran sorprendidos ante la propuesta. Después son escépticos. Y, al final, descubren sus beneficios. La quietud permite a estos estudiantes acceder a estados de concentración absolutamente inéditos en su día a día. Hacen observaciones en las que no reparan jamás y acaban admitiendo que sin ese recogimiento mental nunca hubiesen llegado a esas conclusiones.

La experiencia destruye también el mito de que la concentración es aburrida. No lo es. Aunque le hayamos tomado miedo. Ha sido un clásico en la historia de la humanidad hasta que llegaron las tecnologías que abruman con tal cantidad de información que, en cierto modo, hace que nos acabemos despegando de ella.

Mientras tanto siguen publicándose estudios sobre la incapacidad de mantener la atención en un asunto más de 15, 20 o 30 minutos, investigaciones sobre la plasticidad del cerebro y su adicción a saltar de una actividad a otra sin profundizar jamás en nada.

La voz de alarma no deja de sonar. Después de la fascinación del multitasking, quizá haya llegado la hora de caer en la cuenta de una regla básica universal: la introducción de nuevos usos y costumbres no ha de arramplar con técnicas milenarias sobradamente útiles. El individuo de hoy, y del futuro, no tiene que optar por la concentración o la dispersión. No le queda otra que saber moverse en ambos escenarios.

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A six-year-old girl named Aaralyn and her nine-year-old brother performed their original song "Zombie Skin" on America's Got Talent. As you may have inferred from the song-title, the gag here is that these adorable youngsters' composition is a delightfully monstrous number. But really, you have to see it to get the full, amazing impact. Start in around the 5 second mark, watch to about 1:50, and you'll get it.

6-Year-Old Aaralyn Scream Her Original Song, "Zombie Skin" - America's Got Talent (via Kottke)

Want to play a game of Tic-Tac-Toe that's genuinely challenging and hard? Try "Ultimate Tic-Tac-Toe," in which each square is made up of another, smaller Tic-Tac-Toe board, and to win the square you have to win its mini-game. Ben Orlin says he discovered the game on a mathematicians' picnic, and he explains a wrinkle on the rules:

You don’t get to pick which of the nine boards to play on. That’s determined by your opponent’s previous move. Whichever square he picks, that’s the board you must play in next. (And whichever square you pick will determine which board he plays on next.)...

This lends the game a strategic element. You can’t just focus on the little board. You’ve got to consider where your move will send your opponent, and where his next move will send you, and so on.

The resulting scenarios look bizarre. Players seem to move randomly, missing easy two- and three-in-a-rows. But there’s a method to the madness – they’re thinking ahead to future moves, wary of setting up their opponent on prime real estate. It is, in short, vastly more interesting than regular tic-tac-toe.

Ultimate Tic-Tac-Toe (via Kottke)

Cuesta un poco imaginar la vida sin internet y sin televisión, pero en la Ghana de los años 80 la televisión no llegaba a todo el territorio y casi nadie tenía (ni soñaba con tener) un reproductor de vídeo. Esto facilitó la creación de una pequeña industria de la distribución y exhibición de películas completamente artesanal y clandestina de espaldas a las productoras de cine.

Estos pequeños ‘cines’ ambulantes, que tenían nombres tan pomposos como Rolls Royce Video, Pall Mall Video o 007 Video, viajaban de pueblo en pueblo en una furgoneta equipada con una televisión, un reproductor de vídeo y algunas cintas en las que se mezclaban grandes éxitos de taquilla con pelis de la serie Z más rabiosa provenientes de la India, Nigeria o China.

Las condiciones en los pueblos solían ser tan precarias que estos emprendedores se veían obligados a llevar también un pequeño generador portátil para no depender de las deficientes redes eléctricas. Las proyecciones se organizaban por el día en clubes sociales y al aire libre durante la noche.

Para atraer más público, los exhibidores clandestinos decidieron comenzar a hacer publicidad de sus sesiones. Ante la imposibilidad de conseguir carteles oficiales de las productoras, optaron por contratar a artistas locales para que pintaran grandes carteles, habitualmente al óleo. “Los artistas solían utilizar como soporte la parte interior de los sacos de harina, que proporcionaban un tamaño perfecto para este cometido, habitualmente 100 x 150 cm”, según el holandés Frans van Lier, periodista, coleccionista y experto en el tema, que ha organizado varias exposiciones de estos póster.

“Solían ser gente que, antes de la fiebre de los videoclubs ambulantes, se ganaban la vida como pintores publicitarios, lo que en la Ghana de los 60 y los 70 significaba hacer un cartel para una peluquería o cualquier otro negocio local. La llegada de los videoclubs les proporcionó no solo más trabajo, sino también una libertad creativa de la que nunca antes habían disfrutado (en especial en lo relativo al sexo y las imágenes violentas), ya que aunque en ocasiones simplemente copiaban la portada del vídeo, en otras ocasiones intentaban reflejar su propia interpretación de la película”.

Antes de pintar el cartel el artista solía ver la película, aunque en algunos casos simplemente se la contaban a grandes rasgos. Como artistas publicitarios que eran, intentaban que la película fuera lo más atractiva posible y dibujar un monstruo terrible, un superhéroe o una chica ligera de ropa eran garantía de una larga cola en taquilla.

“Los artistas”, prosigue Frans, “solían firmar contratos de exclusividad con los videoclubs. Es por eso que su identidad es difícil de rastrear, ya que además en muchas ocasiones utilizaban pseudónimos tan llenos de color como sus pinturas: Bab’s Art, Ali, Leonardo, Salvation, Dallas, Heavy J o Kwesi Blue (que solía firmar como Mr. Brew Art o como T-BrewArt)”.

A mediados de los años 90, con la llegada masiva de aparatos de vídeo y el mayor alcance de la televisión, el negocio del cine ambulante comenzó a declinar en Ghana. Con la reducción de los beneficios, terminó la fabricación artesanal de carteles.

“Durante un periodo de tiempo, dos culturas muy diferentes se combinaron: el cine moderno (sobre todo de acción y terror) y la pintura tradicional africana. Esto produjo cientos de obras que de otra forma nunca habrían existido. “Creo que este arte representa un humilde reflejo de los vanguardistas europeos como Picasso o Braque, que en los primeros años del siglo XX se inspiraron en las máscaras africanas para crear sus obras. En este caso, los pintores africanos se inspiraron en la cultura popular occidental para crear las suyas, traduciéndola a su forma de expresión”, reflexiona Frans.

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El otro día tenía que comunicarme con alguien usando Skype, no es una aplicación que use todos los días pero era bastante buena, bah, al menos desde el celular me venía genial cuando estaba en el exterior para realizar llamadas como si estuviese por aquí.

Pero he aquí que el software para PC, ya antes de ser comprado por Microsoft, tenía algunas particularidades insufribles, la principal de ellas era la negativa sistemática del programa a ser cerrado. La obsesión del desarrollador para estar siempre ahí ocupándote memoria y recursos contra tu voluntad era irritante.

La compra por parte de Microsoft le sumó algunos detalles más, primero la fusión de MSN con Skype, algo que nadie necesitaba :D pero otra es que no mejoró nada de todo eso que molestaba, lo empeoraron un poco con lo que les mostraré a continuación que me pasó aquel día al instalarlo...

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Creative Commons (CC) 1998-2011, Fabio Baccaglioni [Permalink] [Comentarios] [Informatica]

Papercraft artist Horst Kiechle created an incredible anatomical model, complete with removable organs, and posted all the templates and instructions online for free. "Paper Torso"

Coop snapped this shot of the gorgeous "Iron Orchid," a masterfully decorated 1935 Ford 5 Window Coupe, built by Dave Shuten of Galpin Auto Sports. I don't give a darn about cars, but this one? Hubba hubba. (here's another view).

The Iron Orchid, built by Dave Shuten.

Chris Kirk/Mindbomb Films' mind-bending minimalist music video for Brian Grainger's "Swamp Bike." Watch it full screen. Try not to look away. (Thanks, Syd Garon!)

Apropos of yesterday's post about punks in Myanmar, Rene from Nerdcore sez, " German Journalist Alexander Dluzak did a documentary about the Burma punk scene a few months ago, here's the trailer (with English Subs), he also sent me some pretty awesome pics for my blog which you can see here. They also did a successful crowdfunding campaign and the DVD should be out sometime soon.

I'm very fond of Gypsophilia's brand of klezmer-infused jazz, and so I'm very excited to learn that they've got a new release. Ross from Gypsophilia sez:

"Horska" is our newest release and is many things: a 7" vinyl single with a dub remix, a 6 song digital EP, and a brand new stop motion animation music video.

We recorded the tracks for “Horska” at Montreal’s Hotel2Tango with noted producer Howard Bilerman (of Arcade Fire fame). The single, composed by guitarist Alec Frith, plays with superimposing a Jewish hora over a ska riddim – hence the title. The 7" includes a dub reggae-style remix as a b-side. The other tracks on the EP range from the nostalgic-sounding “Bir Hakeim” and “Stikm,” which showcase Matt Myer on (mostly muted) horn, to the at-times frenzied Klezmer-influenced piece “Corentin Cariou” and the melancholy “Oh my Oma,” featuring Gina Burgess’ plaintive violin.

As a partner to the song a stop-motion animation was created by Halifax artist Sydney Smith and filmmaker Jason Levangie in the style of their beautiful 2011 video "Agricola & Sarah". This time around Gypsophilia's music is set to a vignette about a bumbling inventor (a likeness of our bass player Adam Fine) trying to get his mechanical flying machine off the ground.

The Gypsophilias have made the dub remix available as a free download for Boing Boing readers for a limited time

Un cosplayer hecho y derecho como el que van a ver en sus pantallas, se merece aparecer en esta recopilación diaria de noticias. Como bien sabéis QWOP es uno de los videojuegos de habilidad en flash más exitosos en el que intentamos desplazar y coordinar a un atleta en una intensísima carrera para llegar a la meta. El vídeo se grabó en el Anime North Convention de Toronto y es nuestro héroe de hoy. Complicado superarlo.