Breaking Bad boss Vince Gilligan went on record to say last night’s hour, titled “Ozymandias,”  was “the best episode we ever had or ever will have.” And by “best,” he clearly meant “most devastating.” Who among us has recovered from [here come the spoilers!] seeing Hank go down just moments before Marie, believing Walt to be in custody, offered Skyler her support? Or watching Walt Jr. stand witness to that violent fight between his parents? Not us! So we rang up the episode’s writer Moira Walley-Beckett and director Rian Johnson (Looper) to help survey the wreckage, from Walt’s self-sacrifice and Hank’s last moments to closing the loop on their previous collaboration, “Fly.” Also: Learn the story behind baby Holly’s ad-lib and how it felt to be on set during the final day of filming. (Fun fact: The flashback that began last night’s episode was the last scene ever shot for the show.)

I’ve seen different reactions to Walt’s phone call to Skyler. Some say it was all a ploy to save her from prosecution; others says that it was real and he was railing at her. Does the debate surprise you?
Walley-Beckett: I personally feel like it wasn’t open to interpretation. I would hope that people got that it was an absolute ploy on Walt’s part. It is the family-man part of Walt playing the part of Heisenberg to exonerate Skyler. I was hoping that the process of the lie and the subterfuge would be clear and that viewers would be with Skyler in their understanding. When we first hear Walt, we think he’s gone full Heisenberg. It’s outrageous and horrible and abusive what he’s saying! But then we start to put the pieces together as Skyler does, and I was hoping people would sort of be traveling that journey with her.
Johnson: I had two angles on Skyler, and one of them was the side angle. I purposely turned that up to try and keep everybody in the room — the cops, Marie, Walt Jr. — present, and then I had a more intimate, straight-on camera for her. So much of her reaction to the call is about not just what she’s going through inside, but about how she plays it, how she plays along with the lie, or doesn’t. That was really important. Then Bryan’s side was a much different challenge. The complexity of it, playing one thing while feeling another, that’s always interesting to watch. The fact that the Heisenberg personality, which throughout so much of the show has liberated him to do these horrible things with impunity, has become this thing that he’s now imprisoned by. He has to put this persona on to do the thing that he never wanted to have to do, in order to save the family that he’s already lost.

At the same time, he's venting old Walt's real frustrations.
Walley-Beckett: Yeah, in the writing of it and the breaking of it we talk a lot about the line between truth and fiction. There are things in there that are truth, but it’s all subterfuge. It’s a very fine line.

The most emotional and devastating moment for me was when Walt Jr. watched his parents fight. Was it technical to shoot?
Johnson: As opposed to watching Bryan do one long take on the phone where you’re just swept up in the emotion, the fight was more of a technical endeavor,  making sure it came across as violent while everyone was safe. I think it speaks more to the actors, the emotion that got all through that technical stuff.
Walley-Beckett: There was a lot of choreography. Both Bryan and Anna wanted to do everything themselves, and they worked it out with Rian. Rian, as he always does, had all his shots mapped out exactly how he wanted to see [them] and pieced together the violent moments of the fight. It’s really watching Bryan and Anna at the top of their craft and hitting their marks, not hurting each other, not getting so lost in the moment technically but still bringing the performance. It was just stunning. It was such a feat.
Johnson: I remember Moira talking about wanting there to be a beat or two in it where you really…
Walley-Beckett: ... don’t know.
Johnson: Yeah, where you think someone might get a knife to the stomach during the course of it. I should say Bryan and Anna did the majority of it but there were two shots where two very talented stunt people took the fall down onto the ground. 

When Walt Jr. throws himself in there to protect Skyler, I held my breath.
Walley-Beckett: Oh my god. Can I tell you how much [R.J. Mitte] enjoyed doing that? [laughs] He’s, like, action guy! I mean, as a person, as an actor, he was very excited to get to do that. As Walt Jr. it was devastating.

Rian, you also directed “Fifty-One,” which had another huge Walt and Skyler confrontation. (She tells him she's waiting for the cancer to kill him.) It takes place just months before this fight. Can you talk about directing both these turning points?
Johnson: Yeah, it was really, really nice coming in to this one, with all that happens in it, to already have a relationship with Bryan and Anna, and to already have a certain comfort level and knowledge of how they work. They are very different actors in terms of their process, but they work so well together. It was nice having gone through the crucible — [laughs] I don’t know if you go through a crucible — but having shot that scene in the bedroom. For me, it was a trial by fire before paying a lot of that stuff off in this episode. It was nice to see it come full circle. Both of those guys, they’re just two of my favorite actors in the whole world. Just tremendous.

They’ve come so far.
Walley-Beckett: Yeah, I have to say it was so satisfying to me and so satisfying for Anna to get to have that moment where Walt is just expecting to win and talk his way out of it like he always does, and to have her get to say, “Enough. Don’t say one more word.” Anna and I talked about that in the writing and in that moment and it was just really exciting.

Did she read it a variety of ways?
Walley-Beckett: Well, Anna knows her character really well and there was never … I don’t recall, Rian, that she tried a lot of different things. She knew exactly that mama bear threat that she wanted to bring.
Johnson: Especially in protecting her kids, I think, is something she just snaps right into and has a very deep well to draw from. She knew exactly emotionally where she was gonna be in that moment.

Dean Norris said you got Hank’s death in one take.
Johnson: Did Dean say that?
Walley-Beckett: [Laughs.]
Johnson: We did a couple of practice takes then.
Walley-Beckett: Dean took it like a man.
Johnson: Because the location we were shooting in was in a valley, we actually had a really limited amount of daylight every single day. So on top of being very emotional, those scenes were also really jam-packed and rushed. And if you watch Dean when he’s on the ground in those shots, you’ll see him squinting, and if you look, you can see dust blowing, and it doesn’t really communicate how horrible a dust storm was happening [laughs].
Walley-Beckett: It was horrible. No one could breathe or see. The crew, we all had bandanas over our faces and sunglasses on. But the actors are just doing the scene, and it was so intense.
Johnson: And, it wasn’t much more than one take. Honestly, it was maybe a couple takes. Like with Anna, I think Dean had been wildly prepared for this. He knew where he was gonna be with this, and the amount of dignity and complexity he gave those moments, he showed up with that. That was just another thing I felt really privileged to watch happen.

Having the camera looking up to Uncle Jack from the ground made me so anxious. I had to re-watch it because I’d covered my eyes for most of the scene the first time.
Johnson: [Laughs.]
Walley-Beckett: That’s good! But I’m sorry you were uncomfortable.

Only for the entire episode. There were a couple of reaction shots of Todd. In his own psychopathic way, does he feel bad about what happened to Hank? He looked a little less indifferent than usual.
Walley-Beckett: Well, I love his inadequate “Sorry for your loss.”
Johnson: [Laughs.]
Walley-Beckett: Within his distinct lack of empathy, he does respect Mr. White, and he’s very much aware of the plight of Mr. White. And I think it just makes Todd kind of uncomfortable to see Mr. White cringing and weeping on the ground. It’s hard for Todd to assimilate that kind of information.
Johnson: It’s like seeing your teacher or your parent cry or something. There’s just something uncomfortable about it.
Walley-Beckett: I think Todd just feels … unsettled [laughs].

Why does Walt reveal that he let Jane die?
Walley-Beckett: It’s a prolonged death sentence for Jesse. Walt gave the nod for them to shoot him in the head and it would have been the end of it. That’s pretty powerful in and of itself. Jesse is no longer family. But he gets a short stay of execution because Todd makes a very good point, and so basically it’s clear Jesse’s gonna go and have an excruciating last day or two before he’s killed, and Walt is twisting the knife. It’s the last thing he can say or do to kill Jesse himself without actually physically killing him.

You both worked on the episode “Fly” as well (Johnson directing, Walley-Beckett co-writing), in which Walt almost told Jesse the truth about Jane. Now, you got to realize the moment.
Walley-Beckett: I was really excited to get to have part A and part B. We had the dance up to it, and that horrible, horrible moment of anticipating that Walt was gonna spill it in “Fly,” and this time it comes out of the blue. And it’s just cruel. At first you think Walt is almost going to offer an apology.

It did look like he was sorry for a split second!
Walley-Beckett: Right? But no. That is pure Heisenberg and, truly, his murder of Jesse. He just kills his spirit.
Johnson: That was such a huge moment in “Fly.” I’m also really grateful that I got to work with Moira on these specific episodes because the place Walt was in when he was about to spill it the first time, he was going to spill it out of feeling bad, out of feeling terrible about it. The fact that when he does actually spill it it’s from such the opposite place, it was incredible to see that arc play out between these two very different episodes.

Moira, did you write dialogue for baby Holly?
Walley-Beckett: [Laughs.]

Did the script really say: "HOLLY: [cries] Mama! Mama!"? Because that baby delivered.
Walley-Beckett: We got very, very lucky, didn’t we Rian? We got lucky because that was a shaky moment for the baby. It’s a stressful situation for little kids. It was not scripted. She was looking at her mom off-stage and started saying that at the exact moment where it is scripted that Walt has a pang that this is morally reprehensible to do this to his daughter, to deprive her of a normal life. And this little baby just started looking at mom and we just rolled.
Johnson: The baby’s mom was like three feet away, right next to the camera. The baby was not actually screaming for her mother. As scripted it was just going to be this beautiful powerful moment where Walt looks at her. He brings her up to eye level and looks into her eyes and has that realization. I remember we were gathered around the monitor and he raises her and up and she started saying "mama," and we all just looked at each other.
Walley-Beckett: Rian just let it roll, and Bryan went with it.
Johnson: That’s the other thing. In that situation, Bryan is really the one doing the directing because the way that he shapes the performance between himself and the baby is really about the way he handles her and plays off of her. In terms of emotional beats of that scene it’s really Bryan who is doing the directing there. He did a fantastic job.

They both did. The way she ducked into her seat in the fire truck? Amazing.
Johnson: It had been a long day for baby Holly.

Rian, you tweeted that the last scene ever shot was the episode’s opening, the flashback in the trailer. Did you come back after they wrapped the finale to do that?
Johnson: Yeah, we wrapped on this episode and then a month later, Moira and I came back for one day of shooting. We went back out to the desert, Bryan shaved his beard, Aaron shaved, we got them in their old duds. It was the most incredible, God, it was an amazing day, to get to be there not only for the last day of shooting, but in that RV with the guys looking like they did in the pilot … Moira, I can’t imagine how that must have felt for you?
Walley-Beckett: To get to go back to the beginning, it was so powerfully nostalgic for all of us. Some of the crew had been there since the beginning too. It’s been so heavy these last couple of seasons with very, very few moments of levity or ease. To have the very last day of series filming take place back in the days of good old Mr. White and idiot Jesse, the two actors, it was so fantastic to even write that scene! It was so fantastic for all of us to go back in time and be there at the beginning before everything went so wrong. There was this very uplifting feeling amid the bittersweet end to the whole thing. 

Did you intentionally want to film that last?
Johnson: No, it was all hair and makeup issues.
Walley-Beckett: It was logistics.
Johnson: If we had shot that early, Bryan would have had to wear a fake beard for the rest of the run and that didn’t seem like a good idea.

Vince Gilligan has said a few times now that “Ozymandias” is the best episode of the entire series. How was it decided who would write it, and was there any extra pressure? It has the highest stakes.
Walley-Beckett: The roster for writing is actually decided well in advance, and then the stories break organically. So we know we’re assigned to script episode two or four or six or whatever it may be, but at the time we’re assigned we don’t know what the story is gonna be or what plot points are going to occur yet. For me, to get these plot points, this maelstrom, was just luck of the draw. I knew the enormity of it as we started to break it and we were coming up with all this stuff that was going to happen in my episode. I absolutely felt the weight of it, and the excitement to get to write this stuff. The process goes you write an outline first, and on Breaking Bad those are like little novellas, fifteen to twenty pages of the story of the episode. You turn it in and then you get about ten days to write your episode and you just go away and do it. It’s intense.
Johnson: I was terrified, but once you actually get into it and start just working through it and start dealing with the day to day telling the story, there’s not really time to be terrified on set. Also, the process of directing on this show is very much a team effort, and not just in terms of the crew and the actors, which are more obvious, but this is really Moira’s episode. We worked together every single step of the way, shoulder to shoulder on set. Every nuance of every performance. It wasn’t like just being handed this script with a “Good luck, kid.”

What was the most challenging thing to get right in the episode?
Walley-Beckett: Walt’s speech was really a challenge, how to lay the track for the subterfuge for the lie, finding all the beats for when you think Walt just slipped and become a Heisenbergian monster on the phone, to dropping in the little moments of Skyler’s rage and indignation, and the process of the lie, and Skyler’s acceptance of the lie. That was a really tricky scene to write. But it was all kind of tricky because it was so fraught emotionally. There wasn’t any downtime in this episode.

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It's called "Joking Bad," it's thirteen minutes long, and it features cameos from Bryan Cranston, Aaron Paul, Bob Odenkirk, the tighty-whities, even the ginormous roof-pizza. Fallon and Steve Higgins concoct jokes instead of meth, and Higgins never misses his chance to say "bitch." The best part of it all would be how in love the entire thing is with Breaking Bad, if the best part wasn't already Jay Leno's spectacular participation. Wait and see, bitch.

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Quem já assistiu o filme do diretor Wes Anderson, The Royal Tenenbaums (2001), deve se lembrar dos diversos livros escritos por alguns personagens e que apareciam ao longo do filme.

Esses livros não existem de verdade, não adianta procurar em livrarias, sebos ou ebay, mas os temas e as capas são bastante peculiares. Por isso vale a pena dar uma relembrada.

Abaixo segue a apresentação de alguns personagens e em seguida suas publicações.

Outras publicações da “mídia”:

Adrian Thaws (a.k.a. Tricky), um dos nomes mais importantes do trip hop, segue com a promoção do álbum False Idols e apresenta audiovisual para “Parenthesis”, faixa que divide com Peter Silberman do Antlers, sucedendo “Does It” e “Nothing Matters”.

No trabalho dirigido pelo próprio artista, somos conduzidos por corredores e quartos para presenciar um breve conto de amor (obsessivo) sobrecarregado de suspense e histeria.

via Trickyofficial

Crianças muito, mas muito fofas gostam de Radiohead? E de Azealia Banks?

Descubram nestes vídeos fofíssimos, intitulados “Do Cute Kids Like…?”, feitos pelo Noisey, o canal de música da Vice.

Todo mundo tem um amigo que um dia (ou todos os dias) repetiu exaustivamente que você deve assistir “Breaking Bad”. E não é uma simples recomendação, inclua aí doses de histeria: “assista logo!”, “é a melhor série!”, “quem não vê está por fora!”, “se você não assistir sua vida não terá sentido!”, e outras alegações do tipo. Um comportamento talvez, só talvez, um pouco exagerado, e que virou motivo de piada, tipo fã do Iron Maiden, mas que tem fundamento. Eu mesmo fui influenciado assim, e passei os últimos anos recomendando de forma pouco controlada para quem ainda não assistia/assiste, sem vergonha de ser chato. Peço desculpas se fui irritante, mas me dê licença para ampliar o discurso a partir de agora.

O fato é: Quando o último episódio da série for exibido, em 29 de setembro de 2013, não importa se você acompanhou ou não a saga de Walter White e sua família – e nem qual seja o aguardado destino dos personagens – o sarrafo das produções televisivas terá atingido o seu ápice. Pode-se até argumentar que muitos outros programas ainda estão em andamento, e tantos ainda virão, mas o ciclo narrativo e técnico do show da AMC terá impactado as indústrias criativas de forma indelével.

“Breaking Bad” é um exemplo impecável da televisão como forma de arte, competindo em um terreno antes exclusivo do cinema. A mídia televisiva, que por muito tempo foi demonizada como um viciante e alienador antro de programação popular e vulgar, se tornou na última década também sinônimo de cultura e entretenimento adulto de qualidade. Bem, é verdade que a maior parte da TV ainda é recheada de realitys e programas de auditório de gosto duvidoso, mas, quando se fala em dramaturgia, estamos testemunhando uma inversão de papéis entre as emissoras e os estúdios de Hollywood.

Uma revolução criativa que permitiu à TV ter o impacto cultural, o conteúdo autoral e os investimentos antes exclusivos do cinema

Dois livros recentes – “The Revolution Was Televised” de Alan Sepinwall, e “Difficult Men” de Brett Martin – falam dessa revolução criativa e mercadológica que permitiu à TV ter o impacto cultural, o conteúdo autoral e os investimentos que antes eram dominados pelo cinema. Enquanto Hollywood tornou-se conservadora, tentando ser a prova de falhas com uma obsessão crescente por franquias e blockbusters, os canais de televisão assumiram um comportamento rebelde e arriscado. Claro que números importam, mas as emissoras pagas decidiram que, muitas vezes, o buzz e a influência valem mais do que métricas quantitativas de audiência.

Uma das consequências disso como marca é que, em uma época de fragmentação do público, os canais de TV estão conseguindo estabelecer conexão e fidelidade com o espectador, algo que os grandes estúdios de cinema – exceto a Disney/Pixar – não tem. Ninguém espera ansiosamente para ver o próximo filme da Warner Bros. ou da Paramount, por exemplo, esse sentimento depende muito mais do elenco e profissionais envolvidos, mas certamente tem muita gente na expectativa pelo que a HBO, AMC ou Showtime farão a seguir.

Outro ponto que também era tido como exclusivo de Hollywood, e que agora migra para a televisão, é a força dos criadores. Os diretores de cinema sempre foram vistos como as estrelas do show, mas na TV os responsáveis por séries também tem conquistado o status de celebridade, contando com liberdade para controlar todo o processo de produção e sendo reconhecidos por isso.

Cresce também o intercâmbio entre meios, com diretores e atores de filmes atuando na televisão, antes considerada lugar de profissionais de segundo escalão. Aliás, os estúdios é que estão atrás dos ícones das séries para trabalharem em seus filmes. Bryan Cranston ter sido escolhido para viver o novo Lex Luthor, por exemplo, não foi apenas pela careca brilhante.

“Breaking Bad” é prova cabal de todo esse cenário, definindo o ponto mais alto da mídia até o momento e culminando no que Brett Martin chama de “a terceira Era de Ouro da TV”. Porém, não custa lembrar que tudo começou antes. 14 anos antes, para ser exato, com um rechonchudo (quase careca) de roupão e que se encantou com patos na piscina de sua casa.

David Chase e sua equipe de roteiristas modificaram a arquitetura de storytelling comumente praticada. Nada mais é garantia de final feliz.

James Gandolfini e David Chase

Agressivamente artístico e violento, “The Sopranos” foi recusado por diversas empresas. CBS, NBC, ABC e Fox, naturalmente, julgaram muito pesado para uma emissora aberta. E ainda bem. Um grande trunfo da HBO, que por muito tempo trabalhou o slogan “It’s Not TV”, era a não existência de uma grade de programação fixa, de um horário nobre. Ninguém estava esperando pela estreia de “The Sopranos”.

Recorde de audiência na TV paga, “The Sopranos” foi um acontecimento televisivo que permitiu e influenciou a origem de outras tantas séries dos anos 2000

Isso permitiu que David Chase tivesse o luxo de escrever, filmar e editar todos os 13 episódios da primeira temporada da série antes que uma única chamada fosse ao ar. A HBO, por sua vez, não tinha anunciantes com os quais se preocupar. Não importava se o programa seria considerado violento, denso e pouco acessível. Ao contrário do canais abertos, a quantidade de executivos a se agradar era bem menor.

Os planos da HBO passavam muito além de satisfazer as massas e as marcas, e sim estava focado na importância do buzz que citei no começo desse texto. O canal investia em produções originais com pretensões artísticas pois queria criar uma poderosa percepção no público: A de que uma pessoa aculturada não poderia viver sem ter a assinatura da HBO. Mesmo que essa pessoa só assista uma hora por semana, ela precisa acompanhar o que o canal faz ou estará perdendo conteúdo de qualidade superior, estará por fora das conversas com os amigos.

Na outra ponta dessa mudança está o papel da tecnologia. As vendas de DVD’s com temporadas inteiras permitiu que a série ganhasse fãs continuamente, e estes passassem então a acompanhar os novos episódios pela TV. Atualmente isso é ainda mais crucial, considerando os variados serviços de streaming e a pirataria, a ponto da própria HBO se dizer feliz e satisfeita com os milhões de downloads ilegais de “Game of Thrones”, por exemplo.

Mudou-se também a maneira de se fazer críticas de séries. Sempre foi padrão das publicações especializadas escrever reviews baseadas em um ou alguns episódios apenas. Os produtores de “The Wire, que foi ao ar três anos depois da estreia de “The Sopranos”, enviavam temporadas completas para os críticos, adotando uma nova estratégia de divulgação. O pensamento é de que, assim como você precisa ler pelo menos umas 100 páginas de um livro para ser agarrado pela história, também precisa assistir quatro ou cinco horas de um seriado, no mínimo, para “se viciar”. Com a internet, virou comum a prática do “recap”: Centenas de sites e blogs analisando episódio por episódio, assim que vão ao ar, repercutindo a série por um longo período e gerando conversação entre os fãs.

Com tudo a favor, “The Sopranos” se tornou canônico da história da televisão, alcançando 14.4 milhões de espectadores em média por episódio, um número assombroso para um canal pago, e o recorde da HBO até hoje (nem o hype de “Game of Thrones” ainda supera essa estatística). Foi um acontecimento televisivo que definiu e permitiu a origem de outras tantas séries, entre elas: “24 Horas”, “Lost”, “Six Feet Under”, “Dexter”, “The Wire”, “Deadwood”, “The Shield”, “Weeds”, “Rome”, “Boardwalk Empire”, “Homeland”, “Mad Men”, “The Walking Dead” e, claro, “Breaking Bad”.

Vince Gilligan

Com as ideias no papel, Gilligan se perguntava se essa história deveria ser um filme ou uma série de televisão

O abismo criativo das histórias serializadas

A televisão é uma mídia que, desde sua origem, necessita de uma narrativa que possa se estender indefinidamente. Faz parte do negócio. Uma empresa investe milhões, emprega milhares de pessoas, abre divisões corporativas e coloca sua reputação em risco confiando apenas em uma hora de vídeo ou num novo quadro de programa. O criador, por sua vez, mergulha num abismo criativo, se comprometendo de que a história vai continuar pelo maior tempo possível.

A quebra dessa estrutura formal é um dos grandes trunfos de “Breaking Bad”. Concebida desde o início como uma trama com começo, meio e fim, menor quantidade de episódios, mais tempo dedicado ao roteiro e produção e, principalmente, mais risco criativo na tela. Uma série com essa proposta pode fazer sempre a história caminhar pra frente, com grandes acontecimentos e mudanças entre os personagens, sem a necessidade de passar anos andando de lado pois a emissora não tolera desagradar a audiência. Alguém lembrou de “Dexter” e seu declínio criativo nos últimos anos?

Assim como “The Sopranos”, cada episódio de “Breaking Bad” é um trabalho de arte em si. David Chase, em 1999, fez o que era normal: Tinha todo o arco de uma temporada descrito em uma lousa, mas precisava montar uma sala de roteiristas para desenvolver cada episódio. Essa linha de produção é comum na televisão. Episódios saem como carros em uma fábrica. Enquanto um está sendo filmado, outro já está sendo escrito e produzido por diferentes equipes. Chase quebrou esse padrão, decidindo que queria manter o controle de todo o processo e colocar suas ideias em todos os capítulos.

Vince Gilligan repetiu o formato, com a diferença de ser considerado um cara mais afável para se trabalhar. Mesmo autocrático, acredita na colaboração, equilibrando sua visão e gerenciamento microscópico de cada detalhe da série com atuação em equipe. Em entrevistas, já disse que todos são iguais em sua sala de roteiristas.

Cada episódio é um trabalho de arte por si só. Benefício de uma trama com começo, meio e fim pensados desde o início.

Toda discussão de Gilligan com seu grupo de escritores – sete no total – passa por duas perguntas: 1. Para onde os personagens estão indo?; e 2. O que acontece depois?; É como um jogo de xadrez: “Se movermos esse personagem daqui para lá, quais serão os movimentos das outras peças?”, disse Gilligan num recente Writer’s Panel.

Toda ideia supõe uma ação, assim como suas consequências. Lembra do que eu falei sobre andar pra frente e não de lado? O modo como “Breaking Bad” lida com o ritmo da trama é um dos elementos chave da genialidade da série. Corta caminhos quando você acha que ainda tem muito pra acontecer, deixando para o espectador juntar as peças; ou segura a onda quando parece que o confronto é inevitável, introduzindo flashbacks ou flashforwards de maneira intrigante.

Escolhida por causa de incentivos fiscais, a cidade de Albuquerque ficou enraizada visualmente na tela, permitindo um novo cenário dramático para os roteiristas

A próxima década do audiovisual terá “Breaking Bad” no seu encalço

Também é notório o jogo de cores da série, que brinca com o figurino dos personagens para criar simbolismos. O design de produção e de som fazem de cada episódio uma experiência cinemática. Rimas visuais conectam cenas e dão pistas do que está por vir, composições retratam sentimentos e situações em segundos, a fotografia frequentemente mergulha os personagens em luz ou sombras. Outro destaque é o uso do princípio narrativo do dramaturgo Anton Chekhov – Chekhov’s gun – de que todo objeto da trama deve ser essencial e insubstituível, com a série resgatando elementos que, se inicialmente pareciam banais, reaparecem em momentos críticos.

Isso tudo fez “Breaking Bad” ter sua porção de “Lost”, aliás, com fãs interagindo com a série e desconstruindo meticulosamente cada episódio na tentativa de desvendar possíveis pistas. Mais uma prova da televisão que deixou de ser mídia passiva, tendo, praticamente em tempo real, elementos como cores, locais, números, placas, e etc, discutidos pelos espectadores nas redes sociais. Provavelmente, muito disso não passa de mera especulação, mas inspira os criativos na busca pela TV social.

O fim é difícil, mas inevitável

No mundo ideal da televisão, nada acaba. Todo o modelo financeiro da TV depende de longevidade, e são raras as produções que reconhecem que tem data de validade. “Breaking Bad” sairá de cena como uma produção cultural com o carimbo de “essencial” justamente por saber que boas histórias terminam.

Restam apenas cinco episódios para o fim – e estes três últimos exibidos foram particularmente brilhantes – um momento difícil para criadores e fãs, mas ainda assim inevitável, nas palavras do próprio Vince Gilligan. Não é exagero dizer que ele deixará um legado no mesmo nível, ou ainda maior, do que David Chase fez com “The Sopranos”. A próxima década do audiovisual terá “Breaking Bad” no seu encalço, com comparações e lembranças, para o bem ou para o mal. Caberá aos estúdios, emissoras e criativos seguirem essa trilha, onde a ousadia é premiada com sucesso e a certeza de que os espectadores estão preparados para ela.

Lá no primeiro parágrafo, eu disse que encheria um pouco mais o saco de quem ainda não assiste a série. Mas não quero fazer através dos argumentos desse longo texto. Eu poderia até dizer que é obrigação de quem trabalha com comunicação e nas indústrias criativas em geral e ponto final, mas não, não assista porque é rotulado de canônico, de fundamental ou de o melhor drama da TV.

Assista porque é divertido. Muito, mas muito divertido. Assista pelos momentos (vários deles) em que você levará a a mão à boca pois não consegue acreditar no que está acontecendo. Assista pelas cenas que farão você gritar com a TV, sentar na ponta do sofá, xingar um personagem, e torcer como se fosse um jogo de futebol. Veja também pelos momentos de humor e de questionamento moral, onde você chega a conclusão de que faria a mesma coisa – “é tudo pela família!” – só para no minuto seguinte dizer que chega, não dá pra confiar em mais ninguém. E claro, assista também para chamar Vince Gilligan de sádico, pois esse filho da p* sabe como terminar um episódio como ninguém. Um dos poucos que, atualmente, faz 50 minutos passarem como se fossem 10. Sentirei saudade.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
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Is it that you’re getting older, or are the bands actually getting younger?

Twenties: You absolutely must make your way to the front row of any show.

Thirties: You have a very different floor spot in mind.

Peregrine Productions/Warner Bros. / Via collection-of-gifs.tumblr.com

Twenties: Moshing and crowd surfing seems like a great idea.

Thirties: You run scared if it looks like people around you at a show are getting even a little bit rowdy.

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gingerhaze:

I really just wanted Hank and Marie to adopt Jesse, or at least wrap him in a blanket and feed him soup for a little while.

Over the years, we’ve seen some pretty incredible eclipse photos, be they composites that’ll blow your mind or time-lapses that’ll capture your attention for minutes at a time.

What we haven’t seen nearly as much of are solar eclipse photos taken from space. What exactly does it look like when you turn the cameras the other way and capture the Moon’s shadow hitting the Earth?

Well, it looks something like the photo at the top, which was taken from the International Space Station during the total eclipse that occurred in March of 2006. The shadow moves across the Earth at about 1,250 miles per hour, and only the people near the center of the shadow see a total eclipse. The rest will see a partial eclipse where only some of the sun is blocked.

Most of the photos in this post were taken from the ISS, but the one below is an exception. It was one of the last photos ever taken from the Mir Space Station, and shows the shadow cast by the eclipse in August of 1999:

In May of 2012, as some of us were staring up at a gorgeous annular solar eclipse, astronaut Don Pettit was looking down on us and managed to capture the photo below.

“It is amazing to see an eclipse from orbit,” Pettit told Mission Control after the event. “The shadow on Earth looks just like what you see in the physics books and the astronomy books where those folks figured all that out without ever having seen what that shadow looks like.”

Here are a couple more solar eclipse photos captured from space:

And some satellite images thrown in for good measure:

With SpaceX on its way, it’s possible the richest of us might one day make their way into the heavens and capture such photos for themselves, but until then, this’ll just have to be enough.

Image credits: Photographs by NASA.

daisylae:

stigmartyr762:

helioscentrifuge:

combeferret:

kitties are kitties no matter what size

sploosh

That lion has one of the most majestic looking manes, that I’ve ever seen before.

LOOK HOW MUCH FUN HE’S HAVING

For those art enthusiasts who just don’t have the millions of dollars required to purchase their own original Van Gogh painting, Fujifilm has a solution for you. After seven years of development, the company’s “Reliefography” 3D scanning and printing technique is ready to create near-flawless replicas of great works of art, which will be available to the public for tens of thousands instead of tens of millions.

This new technique — a combination of 3D scanning, digital imaging and printing technologies — was created by Fujifilm Belgium. And now that it’s ready to be put to use, Fuji Europe has partnered up with the Van Gogh Museum to show just how amazing Reliefography is.

The process is so detailed that Fuji can only create 3 replicas per day, but the “Relievos” the technique spits out are accurate down to the brush strokes on the front and the torn labels, stamps and handwriting on the back. The copies won’t fool an art expert, but they’re still being called the “ultimate fine-art reproduction.”

“We are very excited to work together with the Van Gogh Museum on this fascinating project,” said Richard Tackx, Fujifilm Belgium’s Director of Sales and Marketing. “The result of our joined efforts is a very high quality reproduction and we hope the market will respond very positively to this unique product.”

So far five of Van Gogh’s paintings have been re-created using this technique, but Fujifilm has an exclusive three-year deal with the museum, so many more should be on their way.

For now, the plan is to test release the project in the Hong Kong market and gauge interest in these sorts of products. Each copy will be limited to a print run of 260, and if these Relievos make it stateside, getting one of your own will cost you about $34,000.

That’s not exactly “cheap,” but considering the fact that Van Gogh’s Vase with Fifteen Sunflowers last sold for $39.7 million in 1987 (adjusted for inflation, that would be about $82.4 million today), $34,000 seems like chump change.

(via PopPhoto)

Cinema brasileiro bom era esse, não esses pastiches de dramas argentinos ou versões extendidas do Zorra Total que tentam empurrar por aqui.

For decades, we've been waiting for oh-so-futuristic hologram technology to make the leap from Star Wars movies to our living rooms, and it hasn't. It sounds like it's right around the corner, though, after Skype announced that it had developed 3D video chat technology in the lab.

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O TV on the Radio trabalha no sucessor do álbum Nine Types of Light (2011) e que é aguardado para este ano. Depois de apresentar a viciante “Mercy”, a banda lança o videoclipe para o segundo single do disco ainda sem nome: a balada “Million Miles” com os vocais acolhedores de Tunde Adebimpe.

O trabalho dirigido pela brasileira Natalia Leite e Kyp Malone, conta a história de uma apresentadora de um programa de televisão (Leite) que após falhar em seu desempenho diante das câmeras explora a natureza ao seu redor. Ali, a garota encontra uma ativista que a apresenta para um mundo surreal e de liberdade após ingerir uma “frutinha” alucinógena.

via MySpace

Yppah - Never Mess With Sunday

Certamente você se lembra de quando “Os Simpsons” teve um episódio inteiro passado no Brasil. Causou comoção em nossas autoridades na época, que se sentiram ofendidas com as menções negativas ao país e até exigiram retratação dos produtores do desenho e da Fox.

Em “Breaking Bad”, a melhor coisa da televisão na atualidade, o país que virou motivo de piada é Belize. Sem spoilers, vou dizer apenas que no último episódio, “Buried”, tem todo um diálogo pejorativo sobre o pequeno país da América Central entre Walter White e Saul Goodman. O vídeo abaixo também é inofensivo, caso você ainda não tenha assistido.

A Secretaria de Turismo de Belize poderia espernear, mas tiveram uma reação muito mais simpática e acertada: Através de um anúncio de oportunidade, convidaram o elenco da série – incluindo o criador Vince Gilligan – para uma viagem com tudo pago para Belize.

Dessa forma, a conversação nas redes sociais entre os fãs da série já foi estabelecida, criando-se até um meme com “Vou mandar você para Belize“. O impacto positivo de uma citação originalmente negativa, e a colaboração para a campanha do país, certamente é algo que Belize jamais poderia imaginar

Aaron Paul, inclusive, respondeu através de seu Twitter. E descobri também que Belize tem um site bem legal: travelbelize.org

A agência responsável é a Olson.

.@aaronpaul_8 Nice. We can make some biscuits with chili powder when you get here.. For old time's sake.

— Belize Tourism Board (@belizevacation) August 23, 2013

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
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Breaking Bad as a Romantic Comedy

Me ganhou nessa cena.
Orange is the new black S01E02

”‘You may NOT come back with a unibrow,” Piper Chapman’s best friend warns her in the first episode of Netflix’s excellent “Orange Is the New Black.” A Brooklyn yuppie who runs an artisanal bath soap business, Piper is about to go to federal prison for 15 months, for a drug-smuggling crime she committed 10 years earlier.

Hey, no worries. Our plucky 32-year-old heroine, played with manic energy by Taylor Schilling, plans to use her time behind bars creatively, to whittle down her Amazon reading list and build up her abs. Piper does have one serious anxiety, though: “Promise you’re not watching ‘Mad Men’ without me,” she begs her menschy fiance, Larry (Jason Biggs).”

http://www.bostonglobe.com/arts/television/2013/07/10/orange-new-black-yuppie-interrupted/sfQieZah74YFAVWZYugu2O/story.html

Natasha Lyonne

Fight club

O trio de fofas nova-iorquinas Au Revoir Simone se prepara para jogar na praça seu novo trabalho. Move in Spectrums será o quarto esforço de estúdio da banda, com lançamento agendado para 23 de setembro. Como ainda falta um mês, as moças resolveram liberar mais um gostinho pros fãs, na forma de “Crazy”, canção gostosa e esperta, que pode ser ouvida por aqui, ó: